Det fina med att lära sig mixa musik är att du kan hitta din egen unika formel: en ljudmässig signatur som identifierar dig som artist eller ljudtekniker och hjälper dig att skapa en ljudpalett som får dig att sticka ut. Men innan allt detta finns det vissa regler för ljudmixning som, även om de inte är huggna i sten, definitivt kommer att hjälpa dig att uppnå ett mer professionellt ljud.

Vissa tips är utformade för att hjälpa dig att effektivisera ditt arbetsflöde och andra för att se till att din musik låter bra i alla uppspelningssystem. Gemensamt för alla dessa rekommendationer är att de fungerar som en verklighetskontroll medan du mixar, vägleder dig när du gör justeringar och hjälper dig att fatta medvetna beslut, oavsett om du arbetar med din egen musik eller andra artisters verk.

Varje ljudtekniker har sina egna teorier om vad som är viktigt och vad som inte är viktigt när man mixar ljud, men nedan hittar du vad jag anser är de regler som ska följas när du vill skapa en professionell mix, oavsett stil, genre och erfarenhet.

Förståelse för genren

Om du mixar din egen musik skulle jag bara anta att du är bekant med den musikgenre du producerar. Det kan dock vara annorlunda om du är en ljudtekniker som arbetar med flera artister i olika genrer.

Metal, hiphop, pop, klassisk musik: varje genre har sina egna regler och förväntade ljud. Du kanske inte vill följa dem blint, men du bör åtminstone vara medveten om dem. Ett gitarrsolo kommer att låta helt annorlunda om det är en del av en pop-, soul-, disco- eller heavy metal-låt; detsamma gäller för alla andra element i en låt, från trummor till sång och syntar.

När det gäller rock och metal kan det vara en lång och krävande uppgift att balansera nivåerna i mellanregistret; i popmusik är sången oftast det viktigaste elementet; i hiphop och techno bör kicktrumman vara den främsta drivkraften i beatet. Vi skulle kunna fortsätta i all evighet med att diskutera hur varje genre har sina egna distinkta signaturer, men det är upp till dig att förstå och identifiera vad som är avgörande i din mix och förbättra den därefter.

Det ultimata målet är alltid att skapa ett sammanhängande ljud som är i linje med vad publiken föreställer sig, och den slutliga mixen som du skickar till masteringteknikern bör redan innehålla egenskaperna hos den genre du arbetar med.

Mix organisation

Genom att organisera ditt arbetsflöde när du mixar kan du spara tid, uppnå konsekventa resultat och skapa ett igenkännbart ljud som du kan skräddarsy för flera projekt utan att börja om från början varje gång.

Det finns flera sätt att förbereda en session, och några av de vanligaste är gruppering, färgkodning, namngivning av spår, användning av spårmappar och användning av bussar.

Om du grupperar liknande spår tillsammans, t.ex. strängsektioner och trummor, blir det lättare att justera nivåer och effekter för dessa spår. Det är också ett bra sätt att visualisera ditt projekt och se separata spår som en del av ett unikt element.

Att använda färgkodning kan vara en stor fördel när du arbetar med stora projekt: du kan använda det för att särskilja element i din mix och göra det lättare att hitta spår. Du kan till exempel använda en färg för synten, en annan för gitarren och en tredje för sången. Återigen ger detta dig en visuell representation av vad som händer på en gång, vilket är avgörande om du är en ljudtekniker som arbetar med flera projekt.

I vissa DAW-program kan du skapa spårmappar, vilket är ett sätt att gruppera spår på ett hierarkiskt sätt, och det kan hjälpa dig att hålla ordning och reda på dina mixelement.

Slutligen får du inte glömma bort vikten av mixbussar, de virtuella kanaler som gör att du kan gruppera flera spår och använda effekter på dem tillsammans. Att använda dem sparar inte bara enormt mycket tid utan har också en positiv inverkan på din mixs konsistens.

Referensspår

Detta är kanske den mest avgörande aspekten när du vill producera en mix av god kvalitet. Att välja ett referensspår som inte bara är i linje med den genre du arbetar med utan också din kunds önskemål, din smak och de verktyg du har till ditt förfogande är ingen trivial uppgift, men ändå nödvändig.

När du arbetar med en kund på en musikmix är det alltid en bra idé att be dem om tidigare låtar som referens, vilket ger dig en tydligare uppfattning om vilken typ av balans de letar efter i sin mix. Genom att veta exakt vad du eller dina kunder letar efter kan du skapa en mix som är i linje med vad de föreställer sig.

Ägna lite tid åt att utforska relevant genre, artister och musik för att spara tid i mixningsprocessen. Du behöver inte få din mix att låta som alla andras, men det är bra att veta vad publiken är van vid innan mixningsprocessen påbörjas.

Var ska man börja?

När det är dags att börja mixa kanske du undrar vilket musikinstrument du ska ta dig an först. Återigen, det finns inget entydigt svar på den frågan, men som en tumregel rekommenderar jag att du börjar med bas och trummor.

Det är den solida grunden för din låt, och att ha den balanserad hjälper dig att fatta välgrundade beslut om var huvudelementen i din mix (gitarrer, synt, sång) ska sitta.

Dessutom omfattar trummor hela frekvensspektrumet, vilket kan ge dig en "förhandsvisning" av hur frekvenserna beter sig i din mix.

Om du börjar med trummorna är det bästa alternativet att fokusera på snare och kick drum först. Snaran ska vara ett av de mest högljudda elementen i din mix: den är ryggraden i ditt spår och den definierar dess groove: alla andra element i trummorna ska kretsa kring den.

Kickdrumman är nästan lika viktig. Den ska vara högljudd, men inte för mycket, eftersom den då kan överskugga snarans transienter eller huvudinstrumenten.

Allt annat (toms, cymbaler, slagverk) kommer efter snare och kick. Du bör ge dem lämpligt utrymme i mixen, se till att de hörs tydligt utan att överskugga det som styr groovet i mixen.

När du går vidare till de andra elementen i mixen bör du fokusera på hur du kan förbättra mixdjupet och finjustera alla inblandade musikinstrument. Ju fler element du lägger till i mixen, desto mer kommer balanseringsprocessen att kräva mindre justeringar för att låta bra. Det kan kännas överväldigande i början, men med tiden kommer det att bli en rolig och engagerande process och du kommer att börja se din unika soniska signatur i varje spår du mixar.

Volymer först, effekter efter (statiska mixar)

Den statiska mixen bör vara det första steget i mixningsprocessen. Om du gör det på rätt sätt får du en grov mix som gör det mycket lättare att uppnå mixlim genom efterproduktionseffekter.

Försök att skapa en balanserad mix med hjälp av volym- och panoramareglagen utan att använda dynamisk bearbetning, effekter eller automatisering. Denna grundläggande balans hjälper dig att skapa balans och en grov stereobild i ditt spår, som du senare kan förbättra med effekter.

Börja med att ställa in alla volymnivåer på noll och för sedan långsamt in varje spår i mixen, ett efter ett. Justera volymreglagen för att se till att varje element sitter bra i mixen och fokusera på hur de interagerar med varandra. Använd panorering för att placera elementen i stereofältet, så att varje element får sitt eget utrymme samtidigt som du undviker frekvensmaskering.

Den slutliga statiska mixen ska låta som en råversion av det album du ska släppa: alla volymer ska vara perfekt balanserade och varje instrument ska ha sin egen plats i ljudbilden.

Det är troligt att du kommer att behöva göra justeringar när du börjar använda EQ, faders och kompression. Den här grundmixen kommer dock att vara en viktig utgångspunkt för att börja skulptera ditt ljud med hjälp av effekter.

Glöm "Solo"-knappen

Mixning handlar om att uppnå balans och harmoni mellan alla element i ett spår, så det borde inte komma som en överraskning att en helhetssyn när man arbetar med ett spår kommer att ge de bästa resultaten.

Frekvensjusteringar som görs i sololäge kan göra att mixen förlorar i tydlighet: EQ-justeringar som görs på det här sättet kan leda till att ett spår "invaderar" frekvensutrymmet för ett annat, eller så kan kompressionsinställningar som verkade perfekta i sig själva äventyra mixens dynamik.

Återigen rekommenderar jag att volym- och panoreringsjusteringar används som huvudverktyg för att lösa mixproblem och förbättra den dynamiska balansen. Brusborttagning eller mindre EQ-justeringar kan kräva soloarbete, men det är undantag, inte regel.

Lämnar utrymme

Headroom är utrymmet mellan toppnivåerna i en ljudsignal och maxgränsen för ett digitalt system.

Detta utrymme skyddar mot clipping men definierar också kvaliteten och strukturen på ditt ljud, särskilt när du använder plugins. Detta beror på att digitala plugins reagerar olika beroende på ingångsnivåerna: lägre ingångsnivåer resulterar vanligtvis i en mer responsiv dynamisk interaktion inom pluginet och en mer transparent och effektiv tillämpning av effekten.

Slutligen, genom att ha tillräckligt med headroom förhindrar du clipping och oönskade artefakter av digital distorsion och förbättrar spårets dynamik. En tumregel är att du bör lämna mellan 3 och 6 dB headroom när du mixar.

Tyst lyssnande

När vi lyssnar på musik på låg volym är våra öron mindre känsliga för extrema låga och höga frekvenser i frekvensspektrumet. När uppspelningsvolymen ökar börjar vi höra höga och låga frekvenser jämnt. Försök att lyssna på en poplåt på mycket låg volym: har du märkt att du fortfarande hör sången tydligt, men att basgången knappt hörs?

Om en mix kan ge en känsla av fyllighet och klarhet vid låga volymer är den alltså välbalanserad. Om en mix däremot låter balanserad vid högre volymer men förlorar klarhet och sammanhållning när volymen sänks, betyder det att något inte står rätt till med samspelet mellan elementen i mixen.

Sist men inte minst är det också viktigt att lyssna på låga volymer när du vill skapa en bra mix som fungerar bra i alla återbetalningssystem och som bevarar sitt dynamiska omfång och sin uttrycksfullhet.

Betydelsen av Mono

En mix som bibehåller klarhet och balans i mono, där alla element summeras till en enda kanal, är en mix som inte behöver ytterligare nivåjusteringar. Min rekommendation är att alltid kontrollera hur en mix låter i mono, eftersom det är det bästa sättet att identifiera och hantera frekvensproblem.

I en stereomix kan olika element panoreras och spridas ut över stereofältet för att skapa separation och rymd. Men när dessa element slås samman till mono kan eventuella problem med fasupphävning bli mycket tydligare. På samma sätt kan problem med frekvensmaskering lättare identifieras när man lyssnar i mono.

Slutligen är en mix som fungerar bra i mono sannolikt mer konsekvent över ett brett spektrum av uppspelningssystem, från avancerade audiofilsystem till enheter med en högtalare, vilket är precis vad du letar efter när du mixar musik.

Känn till de bästa verktygen, men arbeta med det du har

Jag vet av erfarenhet att det är lätt att fastna i tanken att dyra plugins och utrustning är nödvändiga för ett professionellt ljud. I dag är det inte längre fallet.

De flesta digitala ljudarbetsstationer levereras med en mängd inbyggda plugins som kan ge professionella resultat. Du kan börja med att lära dig att behärska dessa verktyg, vilket är en rimligare lösning än att skaffa ett stort antal plugins från tredje part som du förmodligen aldrig kommer att använda.

Jag säger inte att du inte ska vara medveten om eller skaffa plugins och utrustning av hög kvalitet för dina projekt, men om du blir besatt av dem kommer du att distraheras från de mer avgörande aspekterna av mixning, vilket är att finslipa dina färdigheter, lita på dina öron och använda de resurser du har tillgängliga för att skapa bästa möjliga mix.

Slutliga tankar

Inom ljudproduktion är ingenting hugget i sten. Och det är en del av det som gör det till en så engagerande och kreativ upplevelse.

Trots detta är det en noggrann volymbalansering som i slutändan kan göra din mix till en lyckad hit: lägg tid på att förstå varje instrument som ingår i din låt och dess idealiska position i ljudbilden. Fokusera inte på enskilda element utan snarare på den ljudmässiga upplevelsen som helhet, en upplevelse som lyssnaren kan relatera till och känna dess känslomässiga inverkan.

Jag kan inte nog betona vikten av att testa din mix på olika uppspelningssystem för att säkerställa att den spelas upp som du tänkt dig på alla enheter. En låt kan låta fantastiskt i en studiomiljö och fruktansvärt i bilens ljudsystem, och det vill du inte ska hända. Använd professionella hörlurar och studiomonitorer, men kolla också dina mixar i dina billiga hörlurar: det ska låta bra oavsett hur du upplever det.

Lycka till och fortsätt vara kreativ!