Att mixa jazzmusik är en unik utmaning som tar oss tillbaka till rötterna av en av de mest bestående genrerna i musikhistorien. Till skillnad från många samtida stilar som ständigt utvecklas i takt med den tekniska utvecklingen har jazzen på ett anmärkningsvärt sätt behållit sitt autentiska sound under de senaste decennierna.

En skicklig ljudtekniker utmärker sig genom sin inställning till mixning av en jazzskiva, där essensen av liveframträdandet får råda fritt och subtil dynamik måste bevaras snarare än uppfinnas på nytt. Om du är van vid att mixa pop, rock, hiphop eller elektronisk musik kan det vara svårt att göra avsteg från det du för närvarande förstår som mixtekniker.

Jazzmixning kräver ett mer nyanserat tillvägagångssätt, från att fånga det spontana samspelet mellan instrument till att respektera det akustiska utrymme som definierar dess ljud. Idag ska vi utforska 13 beprövade tips och tekniker för att mixa jazz och undersöka hur du kan bli en bättre ljudtekniker genom att anamma dessa unika metoder!

1. Håll saker naturliga

Jazzmusiken har länge varit djupt förankrad i klubbarna och speakeasy-scenen. Än i dag bär den med sig essensen av de naturliga akustiska utrymmen där den först gav eko.

Denna koppling till omgivningen är inte bara historisk utan en viktig aspekt av genrens sound och attraktionskraft. De levande, spontana och interaktiva framträdanden som är typiska för jazz trivs i dessa akustiska miljöer! Vi vill höra nyanserna i rummets reverb och samspelet mellan musikerna i bandet, även om det inte är tekniskt "perfekt".

I enlighet med traditionen spelas de flesta jazzinstrument i sin rena, oförstärkta form, oavsett om det är kontrabas, saxofon eller piano. Som mixningstekniker som arbetar med jazz är utmaningen att bibehålla den naturliga autenticiteten. Om du är ansvarig för inspelningssessionen innebär det också att du noga måste överväga mikrofonernas placering i rummet.

Om inte artisten uttryckligen säger åt dig att våga dig ut och prova något experimentellt, bör ditt primära mål vara att återskapa känslan av att vara i rummet med musikerna.

2. Ta det lugnt med kompression

Känslan i jazz ligger i dynamiken, så det är viktigt att vara försiktig med kompressionen.

Jazzens inneboende dynamiska omfång - från det mjukaste penseldraget på en snare till den fulla blåsningen från en bombastisk blåssektion - berättar en historia. Spänningen och frigörelsen är allt, vilket är anledningen till att ett av de största misstagen som mixtekniker kan göra är överkomprimering.

Det sista du vill göra är att beröva musiken dess livsnerv och slita ut ebb och flod ur den.

När du använder kompression i jazz ska du ha ett klart och tydligt syfte. Du kan t.ex. använda en kompressor på en kontrabas med en lätt touch för att jämna ut nivåerna mellan pizzicatotoner och stråkar, så att båda passar bra i mixen.

På ett piano kan kompression användas för att försiktigt dämpa topparna i mer aggressiva staccato-passager samtidigt som de uttrycksfulla volymvariationerna i mjukare, mer lyriska avsnitt bevaras.

3. Använd bandmättnad

Några av de bästa jazzskivorna spelades in på band, så vare sig du vet det eller inte är ljudet och mättnaden som du får från det något du är van vid att höra.

Tejpmättnad är en av mina favorittyper av mättnad i en mix, särskilt när du vill ha värme, karaktär och sammanhållning. Även när den används subtilt kan den vara ganska effektfull. Utöver de övertoner du får från mättnad får du också en lätt kompression som digitala inspelningar ofta saknar.

När du använder tejpmättnad på mastern ska du gå försiktigt fram. Målet här är att ge hela mixen en sammanhängande värme och fyllighet utan att kompromissa med dess klarhet och dynamiska omfång. Vissa skulle kanske kalla det "lim".

Några av mina favoritplugins för bandmättnad är Universal Audio Ampex ATR-102, som ger en minutiöst modellerad representation av den klassiska bandmaskinen, och Waves J37, som inspirerades av den maskin som användes för att spela in många av de största albumen på 1960-talet.

4. Hitta utrymme tidigt

Att tidigt hitta utrymme i din råmix är avgörande, särskilt när det gäller jazzmusik. Innan du tar fram en EQ bör du tänka på panorering och nivåer som dina främsta verktyg för att skapa rymd och djup. Tanken här är att få varje element att passa in i stereofältet på ett naturligt sätt så att du inte behöver ta i med hårdhandskarna med EQ längre fram.

Panorera och justera nivåerna för att skapa förutsättningar för varje instrument att glänsa i sitt eget utrymme. Du kan t.ex. panorera rytmsektionen något ocentrerat för att spegla deras fysiska placering i en live-miljö, med kontrabasen något till vänster och pianot till höger. Trummor kan panoreras enligt lyssnarens perspektiv, så att hi-haten placeras något åt sidan och toms sprids över stereofältet för att ge en mer realistisk återgivning.

5. Låt trummorna bestämma

En av mina vägledande principer för jazzmixning är "låt trummorna bestämma". I mina ögon sätter trummornas ljudmässiga egenskaper och dynamik tonen för resten av mixen.

Låt oss titta på två helt olika sätt att mixa trummor i jazz.

I ett scenario kan trummorna ha en mjuk, borstad snare och en diskret, mjuk kicktrumma för att komplettera den klassiska, avslappnade, rökiga loungestämningen. Den här uppsättningen kräver att basen, pianot och blåsarna mixas på ett sätt som speglar denna subtilitet.

Å andra sidan kan en mix som fokuserar på ett högenergiskt bebopspår innehålla en snare med ett skarpt, uttalat knäck och en kickdrum som är både stram och framträdande. Det trumljudet skulle också kräva en mycket mer aggressiv och dynamisk mixning av resten av instrumenten.

Ta Paul Motians nyanserade trumljud på Bill Evans "Sunday at the Village Vanguard", där hans penselföring inte bara skapar en kontemplativ stämning utan också dikterar en mix där varje instrument andas och samspelar. På andra sidan spektrumet har vi Art Blakeys explosiva energi på "Moanin", som visar hur ett kraftfullt trumspel i front och centrum kan tvinga de andra musikerna att höja sig.

6. Förbered dig för de konstigheter som uppstår när du mixar ett liveband

En av de mest unika utmaningarna med att mixa jazz är att veta hur man mixar ett liveband, vilket är ett annat tankesätt än vad man vanligtvis använder för att mixa popmusik.

Många jazzinspelningar fångar magin i en livesession. Du placerar ett gäng jazzmusiker i ett rum, omger dem med en konstellation av mikrofoner och trycker på inspelning. Även om detta fortfarande kan vara det bästa sättet att fånga det spontana samspelet och energin i ett liveframträdande, medför det också komplexa problem som bleed och fasproblem.

Bleed är ljudet från ett instrument som fångas upp av ett annat instruments mikrofon. Men i jazzmusik kan du, istället för att se bleed som ett problem, se det som en möjlighet att ge djup och realism till din mix.

Rumsmikrofoner är till exempel ovärderliga i det här sammanhanget. En inspelningstekniker använder dem för att fånga det kollektiva ljudet från ensemblen i samma rum, vilket ger mixen en känsla av enhet som är svår att återskapa med isolerade spår. Det viktiga här är att se upp för fasproblem mellan dessa mikrofonkällor.

Lyssna på fasförhållandena mellan mikrofoner, särskilt de som är nära varandra eller fångar upp samma källa. Genom att invertera en mikrofons fas kan man ofta lösa fasupphävning och förstärka ett tunt ljud. Du kan också arbeta strategiskt med gating och volymautomatisering för att minimera effekten av bleed i kritiska ögonblick.

7. Process i parallell

Parallellbearbetning är en av mina favorittekniker i allmänhet, men när jag mixar jazz är det en nyckel.

Genom att bussa effekter som kompression, reverb eller delay till parallella kanaler kan du blanda den bearbetade signalen med de ursprungliga, obearbetade spåren och förstärka vissa ljudmässiga aspekter utan att överväldiga mixens övergripande naturliga ljud.

I en jazzmix använder jag ofta parallellkomprimering på trummor genom att skicka trumspåren till en buss med kraftig komprimering och sedan mixa tillbaka den med de ursprungliga, obearbetade trummorna. I slutändan får du ett mycket kraftfullare och mer sammanhållet trumljud som fortfarande behåller den subtilitet och dynamik som är viktig för jazz.

Parallellt reverb är fantastiskt på samma sätt. Jag kan t.ex. skicka ett saxofon- eller trumpetspår till en reverb-dedikerad buss för att skapa en känsla av omgivande rymd utan att det låter avlägset eller urvattnat. Om inte musikern ber om det är det naturligtvis bäst att vara subtil med rumsliga effekter som reverb och delay.

8. Dra nytta av volymautomatisering

Volymautomatisering är överlägset kompression när du mixar jazzmusik. I stället för att höra några toppar och ta fram en kompressor för att kontrollera dem kan du använda volymautomation för att sänka dem och få en mer exakt och naturlig kontroll.

Komprimering, även när den används relativt lätt, kan kväva livet ur ett spontant solomoment. Å andra sidan kan du med volymautomatisering antingen förstärka eller dämpa vissa delar av framförandet efter behov, vilket ger dig kontrollen att se till att varje nyans hörs exakt som det är tänkt.

9. Var subtil med effekter

Det sätt på vilket du använder effekter på ditt jazzalbum kan påverka hur "tidlöst" det låter.

Vissa skivor, t.ex. från 70-talets jazzfusion-era med sin typiska phaser-laddade bas, eller 80-talets rockskivor som kännetecknas av den kraftiga användningen av gated reverbs, kan låta tydligt daterade på grund av den tidens förhärskande effekter.

Visst, producenterna och teknikerna tyckte säkert att de var innovativa på den tiden, och även om de var det, så förankrar det också skivorna i en specifik period, vilket kan begränsa deras attraktionskraft för framtida lyssnare.

Nyckeln till att förhindra att en skiva låter föråldrad är att i första hand tillgodose musikens behov. Låt skivan själv avgöra om effekter ska användas eller inte. En jazzskiva som försöker fånga den akustiska livekänslan på ett Blue Note-album från 1960-talet skulle till exempel gynnas av minimala effekter.

Å andra sidan kan ett modernt jazzfusionsprojekt, som Electric Masada eller James Blood Ulmer, gärna använda esoteriska effekter som delays och phasers för att gå utanför genrens normer. Skillnaden är att de här effekterna skulle vara en del av ljudet och utgöra ett konstnärligt uttryck snarare än att man skulle behöva lägga till en billig effekt i efterhand.

10. Hitta rätt reverb

Istället för att förlita sig på tunga tidsbaserade effekter när man mixar jazz, rekommenderar jag ofta att man lutar sig mer mot ambient- eller rumsreverb-inställningar. Dessa typer av reverb är utformade för att efterlikna den naturliga akustiken i ett utrymme, vilket ger en känsla av luft och dimension som förstärker inspelningens livekänsla utan att förringa musikaliteten.

Målet är att få bandet att känna sig som om de uppträder tillsammans i samma utrymme, även om spåren spelades in separat. Ambient- och rumsreverb kan på ett subtilt sätt fylla luckorna mellan instrumenten och knyta ihop dem till en sammanhängande ljudbild som speglar en liveupplevelse på en jazzklubb eller i en konserthall.

När du väljer ett reverb för en jazzmix bör du överväga inställningar som ger en realistisk känsla av rymd med en relativt kort avklingningstid.

11. Akta dig för loudness-krigen

Jag är säker på att vi alla har fått nog av att höra talas om "Loudness Wars" vid det här laget. Det betyder dock inte att vi inte fortfarande har en trend mot alltmer aggressiva masteringmetoder som syftar till att göra musiken så högljudd som möjligt.

Saken är den att denna strävan efter maximal loudness inte stämmer överens med jazzens etos. Jazzmixar frodas av intensitetens ebb och flod, de tysta stunderna är lika uttrycksfulla som de högljudda.

När du förbereder en jazzmix för mastring och eventuell streaming eller sändning måste du vara särskilt noga med att bibehålla den dynamiska integriteten. Om man pressar en jazzmix för hårt i limiter eller codec kan det leda till oönskad distorsion eller artefakter. Cymbaler drabbas ofta hårdast av denna aggressiva behandling.

Cymbaler är ett av de viktigaste elementen i jazzmusik och bidrar väsentligt till ett spårs känsla och atmosfär. När de begränsas alltför mycket får du dock en mix som känns begränsad och konstlad. Det är sannolikt en av anledningarna till att vi inte hör så många tunga cymbaler i popmusik. De går inte ihop med hårdhänt mastring.

Istället för att sträva efter maximal loudness för att din mix ska stå sig mot andra på streamingplattformar, är det bättre att omfamna det dynamiska omfånget istället för att streamingalgoritmerna trycker ner din master som en loudness-straff.

12. Använd hårdvaru-EQ:er

EQ:n kan ha stor betydelse för hur den slutliga mixen låter.

Att välja mer konservativa, klassiska hårdvaru-EQ:ar eller deras plugin-emuleringar kan lägga till det där söta lagret av analog rikedom och subtilitet som fungerar vackert i jazz. De är inte alls lika exakta, men det är just det som är poängen. Vi vill att våra EQ-val ska vara musikaliska, inte kirurgiska.

Pultec EQP-1A är en av mina absoluta favoriter för mixning av jazzskivor. Den har den unika förmågan att samtidigt sänka och höja samma frekvens, vilket kan ge både djup och närvaro till en kontrabas, till exempel.

Neve 1073-emuleringar är också bra när du vill göra sången mjukare, samtidigt som du behåller en organisk känsla.

13. Referens till andra mixar

Referenstagning är en ovärderlig metod för alla mixningstekniker, oavsett vilken genre du arbetar med. Lyckligtvis har vi inom jazzen årtionden av soniska riktmärken som kan vägleda oss genom mixningsprocessen.

Välj ett professionellt mixat och mastrat jazzspår som liknar ditt eget och analysera det noga för att få insikter om hur du balanserar instrument, hanterar dynamik och använder effekter på ett sätt som förstärker musikens känslomässiga inverkan och klarhet.

Efter att ha mixat i timmar i sträck kan det vara svårt att behålla ett nytt perspektiv. Med referencing har du rätt perspektiv framför dig för att dubbelkolla dina beslut när som helst och se till att du är på rätt spår.

Det slutliga resultatet

Jämfört med andra musikgenrer kan jazzmusik vara ganska svår att mixa. Du har svårigheten att mixa akustiska instrument i en liveinspelning och oförmågan att dölja brister bakom effekter som kompression och reverb.

Det är därför det är så viktigt att göra rätt saker under inspelningsprocessen. Alla stora jazzmixare kan berätta för dig att legendariska jazzskivor inte kommer från mixningsprocessen, utan från spelarna, kompositionen och inspelningen. När du väl har den i dina händer är ditt enda jobb att förhöja lyssningsupplevelsen.

Må dessa tips inspirera dig att mixa med den känslighet och det flyt som jazzen kräver, så att varje spår du rör vid svänger, groovar och ger genklang i generationer framöver!