Oavsett vilken typ av mix jag arbetar med finns det några kvaliteter som jag ofta jagar: bredd, djup, precision och punch. Dessa mål är ganska konsekventa, oavsett genre. Från den mjukaste jazzen till den hårdaste EDM:n finns det några principer som jag brukar låta vägleda mig, till exempel att "städa upp i basen" och "få ljuden att hänga ihop".

Men när man blandar metallmusik, särskilt modern metall, med dess blixtrande snabba tempon och täta arrangemang, ändras spelboken. Jag använder fortfarande en del traditionella tekniker som grund, men den intensitet som krävs av varje lager kräver en mer innovativ touch.

Idag vill jag presentera en djupgående guide till mixning av metal-musik, från början till slut. Jag kan helhjärtat säga att efter att du har läst igenom den här guiden kommer du inte att behöva någon annan guide för att få den klarhet och aggression du letar efter i dina metal-mixar.

Men först vill jag svara på en viktig fråga.

Varför är det så svårt att blanda metall?

Det känns som om jag ständigt ser nya YouTube-videor dyka upp med tips om metallblandning. Naturligtvis skulle de inte vara så populära som de är om folk inte kämpade så mycket för att blanda det.

Frågan är varför det är så mycket svårare än att mixa vanlig popmusik?

Täta arrangemang

Modern metalmusik använder ofta täta, komplexa arrangemang med flera gitarrspår, dubbla bastrummor och snabba, ultraförvrängda riff. Denna täthet kan göra det svårt att se till att varje instrument hörs tydligt utan att det blir en enda stor röra.

Dessutom har tung distorsion blivit ett kännetecken för metal. Vi använder den för att få de där grusiga, aggressiva gitarr- och bastonerna som vi alla känner till och älskar. En bieffekt av distorsion är dock att den ökar det harmoniska innehållet. Om det inte görs med omsorg kan det sluta med en grumlig mix och otydlig definition mellan olika lager. Att hitta den här känsliga balansen är en sak som många nybörjare kämpar med.

Placering av sång

Metallsång kan variera mycket.

Från ren sång a la Dio till aggressiva grisskrik, growl och skrik - det kan vara en utmaning att räkna ut hur du vill placera din sång i en redan tät mix. Du vill inte att din sång ska täckas av en vägg av gitarrer, men du vill inte heller att den ska sitta ovanpå instrumenten som den skulle göra i en popmix.

Utmattning

Metal-musik har en obeveklig energi.

Efter ett tag kan det vara skrämmande att lyssna på samma blast beat och kromatiska riff. Till skillnad från ett lo-fi R&B-spår kan de hårda egenskaperna hos metal göra det svårt att lyssna på det under långa perioder.

Utöver de fysiska aspekterna handlar metal ofta om aggressiva teman och känslomässig intensitet. Vissa låtar kräver en seriös psykologisk ansträngning från mixerns sida för att inte bli utmattad i ett tidigt skede. Att lyssna på rimliga nivåer och ta täta pauser är nyckeln.

Använda prover

Många mixtekniker av den gamla skolan kanske säger att det är kätteri att använda trumsamplingar i metal-mixning. Om du får rätt inspelning direkt från början och vet hur du använder EQ och kompression, borde du inte behöva förstärkning av trumsamplingar, eller hur?

Men så är ofta inte fallet, särskilt inte när mixen du har fått har alltför dynamiska trummor som spelades in dåligt i ett rum med dålig klang.

På många sätt har det blivit lika vanligt att använda trumsamplingar som att använda auto-tune i en popmix. Precis som våra öron har vant sig vid att höra perfekt pitch i våra favoritpoplåtar, har de också vant sig vid den karaktäristiska kraften och precisionen i moderna metal-mixar.

Ibland är det snabbaste sättet att nå dit att använda trumsamplingar, så varför inte dra nytta av det?

Rätt samplingar kan förbättra trummornas kraft och konsistens över hela spåret och se till att varje slag ger lika mycket effekt som det föregående. Detta är särskilt värdefullt i metal-mixar, eftersom du vill ha trummor som skär genom täta väggar av gitarr och bas utan att förlora sin kraft.

Att hitta en balans

Nu säger jag inte att du ska gå in och radera det som inspelningsteknikern arbetat outtröttligt för att skapa. Det är i originalinspelningen som det unika ljudet och känslan i spåret finns. Om du helt ersätter den med samplingar får du trummor som låter som alla andras.

Här gäller det att hitta rätt balans mellan de ursprungliga trumljuden och de extra samplingarna.

Mitt mål är ofta att komplettera och förstärka de naturliga trumtonerna snarare än att ersätta dem helt och hållet, så att kitet behåller sin unika karaktär samtidigt som det drar nytta av den extra punch och klarhet som samplingar kan ge.

Det är därför jag brukar vilja lägga till trumprover som spelats in under sessionen snarare än att använda tredjepartsprover, eftersom de ger dig ett mer sammanhängande ljud som naturligt smälter samman med kitet akustiska egenskaper. Om du inte har några samplingar från sessionen går det naturligtvis bra att använda noggrant utvalda tredjepartssamplingar som stämmer väl överens med trumsetets ljud. Håll bara öronen öppna och tänk alltid på att bevara originaltrumljudets integritet.

Att integrera trumsamplingar i en metal-mix kan göras på ett par olika sätt. En metod är sample replacement, där triggers från det ursprungliga trumspelet används för att aktivera samplingen. Denna metod kan vara särskilt användbar för att förstärka svaga eller inkonsekventa träffar. Ett annat tillvägagångssätt är sample blending, där samplingarna mixas tillsammans med originaltrummorna för att ge tyngd och kropp utan att helt ta över det naturliga trumljudet.

Hur man integrerar prover

Lyckligtvis är den här processen enklare än den någonsin har varit. Vi har massor av plugins till vårt förfogande för att lägga till trumprover. Några av de mest populära är Slate Digitals Trigger, som erbjuder hög precision och flexibilitet för triggning och blandning, och Toontracks Superior Drummer, som har ett omfattande bibliotek med högkvalitativa samplingar som du helt kan anpassa så att de passar in i din mix.

Precis som de flesta mixtekniker inom metal har jag blivit ganska förtjust i Steven Slate Drums under de senaste åren. Det är bra när du vill ha realistiska trumljud som enkelt kan integreras i metalproduktioner. Redigeringsmöjligheterna är fantastiska och jag tycker alltid att det är lätt att skräddarsy samplingarna så att de passar perfekt till min mix.

Nu när vi har utforskat den nyanserade konsten att använda trumsamplingar när man mixar metal, låt oss svänga till det bredare landskapet i metalmixningsprocessen.

Processen för blandning av metall

Halva jobbet med att mixa metallmusik är att få rätt ljud vid källan, men när du känner att du har dem på plats kan du börja med uppgiften att få dessa ljud att passa ihop så bra som möjligt.

1. Fas- och tidsinriktning

Det första steget är att se till att allt är i fas och i tid.

Om du inte tar hand om det här steget är det nästan omöjligt att få den kraft och klarhet du vill ha från din metallmix.

Kick Drum-källor

När du använder flera källor för kickdrums, t.ex. olika mikrofoner och extra samplingar, vill du se till att de är faskoherenta. Det innebär att vågformerna för varje kickdrum-källa ska anpassas så att de kompletterar varandra i stället för att ta ut varandra.

En enkel metod är att zooma in på vågformerna i din DAW och manuellt justera timingen för spåren tills topparna och dalarna ligger så nära varandra som möjligt. På så sätt maximerar du det kombinerade ljudets effekt.

Jag rekommenderar också att du väljer en kickdrum-källa som dominerar de låga frekvenserna eller subfrekvenserna för att förhindra frekvenskrockar mellan dem. Genom att fördela ansvaret för subfrekvenserna till en enda källa får du en mer fokuserad och slagkraftig botten, vilket gör att andra delar av trumsetet och mixen kan sitta mer bekvämt i sina respektive frekvensområden.

Snarspår, overheads och rumsmikrofoner

Ägna samma uppmärksamhet åt dina snare tracks, overheads och rumsmikrofoner.

För snares ska du rikta in den nära mikrofonen med alla samplingar som används. Overheads och rumsmikrofoner bör också kontrolleras mot närmikrofoner för att säkerställa att de är i fas. Du kan behöva vrida på fasomkopplaren på din DAW:s kanalremsa och lyssna efter vilket läge som ger ett fylligare ljud.

Om du vill påskynda processen finns det massor av plugins för automatisk justering som automatiskt kan justera timing och fas, t.ex. Sound Radix Auto-Align eller Waves In-Phase.

DI- och förstärkarspår för bas

Nästa viktiga steg är att rikta in basens DI-spår (direct injection) mot basförstärkarens mikrofonspår (om du har en sådan).

Eftersom de här spåren representerar samma framförande som fångats på olika sätt ger en anpassning av dem en stramare och mer sammanhängande baston. För att förstärka dem matchar du helt enkelt den första transienten i vågformen från DI-spåret med den från förstärkarspåret.

Säkerställa att alla instrument är i rätt tid

Naturligtvis vill du också se till att alla instrument är i takt med varandra, utan att suga livet ur framförandet. Här är de steg jag brukar ta:

• Börja med rytmsektionen och aligna trumspåren först. De kommer att vara ryggraden i mixen, så du vill se till att de är tillräckligt snäva på rutnätet för att ge konsistens, men inte så snäva att de förlorar den mänskliga känslan.
• Rikta in basen mot kicktrumman. Samspelet mellan dessa två är nyckeln till att strama upp groovet.
• Kontrollera att rytmgitarrerna är i linje med trum- och basspåren och gör eventuella nödvändiga justeringar för att säkerställa täthet.
• Slutligen ska du anpassa eventuella extra instrument eller sång för att se till att de passar bra ihop med den etablerade rytmiska grunden.

2. Gruppering

Därefter grupperar jag mina instrument i bussar genom att routa flera spår med liknande instrument, som trummor, gitarrer eller sång, till enskilda busskanaler.

Det här tillvägagångssättet effektiviserar inte bara mixningsarbetet genom att jag kan bearbeta flera spår samtidigt, utan hjälper mig också att få ett mer sammanhållet ljud. Genom att använda effekter, EQ och kompression på en grupp instrument som en helhet kan du limma ihop dem.

Dessutom sparar du mer CPU genom att använda en enda EQ på en vägg av gitarrer än genom att använda en massa EQ-plugins på enskilda spår som alla har samma inställningar.

3. Volym balans

Volymbalansen bör vara huvudfokus i varje mix. Om du inte lyckas med den här delen kommer ingen EQ, kompression eller effekt att hjälpa.

Under volymbalanseringsfasen vill du se till att varje element i spåret hörs (eller känns) tydligt och bidrar till den övergripande effekten utan att överrösta mixen. Jag brukar följa den allmänna regeln att bibehålla minst 6 dB headroom under den här processen för att förhindra digital klippning och ge tillräckligt med utrymme för den eventuella masteringsprocessen.

Balansering av trummor

Ett tight trumljud är en grundpelare i modern metal-musik, och för att få fram det ljudet är det en bra idé att prioritera dina spotmikrofoner för trummor framför overhead- eller rumsmikrofoner. Detta tillvägagångssätt möjliggör mer exakt kontroll över de enskilda trumelementen.

Du kanske börjar med kick och snare, och sedan blandar du försiktigt in toms och cymbaler efter smak och tycke. Hur du balanserar dina trummor beror helt och hållet på låten, men ett tips jag kan ge dig är att vara försiktig med dina overheads. Så många amatörmetalmixar låter hårda och slitande för att mixteknikern har kört cymbalerna för högt.

Balansering av bas och gitarr

Att balansera bas och gitarrer i förhållande till trummorna är nästa steg.

Basen ska komplettera kickdrumman och fylla i de låga frekvenserna utan att trampa på den. Vi kommer så småningom att EQ:a och komprimera den, så var inte för hård mot dig själv om den inte låter perfekt direkt.

Jag brukar vilja sola min kick och höja basgitarr-fadern tills den känns låst. Du känner igen det när du hör det.

När det gäller gitarrer är de ofta stjärnorna i metallmusik. Se till att de skär igenom tydligt utan att dominera trummor och bas.

Balansering av sång

Det finns inte mycket jag kan säga när det gäller att balansera vokalnivåer, eftersom de till stor del kommer att bestämmas av stilen och typen av framträdande. Många aggressiva stilar kräver att sången sitter framträdande i mixen, medan mer melodiska eller atmosfäriska delar kan smälta mer med den instrumentala bakgrunden.

Många metalband som jag har mixat gillar att deras sång ligger längre bak i mixen. Deftones kommer alltid att tänka på här, eftersom jag känner att Chino konsekvent vill att hans sång ska smälta in i instrumenteringen snarare än att sticka ut.

Tanken är att det kanske inte alltid är så viktigt med förståelsen, särskilt om man vill rikta uppmärksamheten mot gitarrerna eller trummorna.

4. Panorering

Observera nu att jag inte har sagt något om panorering än.

Det beror på att jag gillar att få min volymbalans i mono. Naturligtvis kommer de relativa nivåerna att ändras när jag börjar panorera ut saker, men för mig är det lättare att fokusera på att se till att min grova balans låter bra i mono innan jag fokuserar på annat.

Bra panorering spelar en avgörande roll för att skapa en rymlig mix. Det är lätt hänt att saker och ting låter överbelastade utan panorering, särskilt i täta mixar.

Jag brukar vilja börja med en stark central grund genom att hålla kick, snare, bas och leadsång i mitten och sedan strategiskt sprida ut gitarrer, keyboards och bakgrundssång över stereofältet för att skapa kontrast.

Dubbla gitarrer går ofta hårt åt vänster och höger, även om jag ibland panorerar dem lite inåt och automatiserar dem utåt under refrängen för att göra den mer effektfull.

Det är också en bra idé att fundera på hur du vill att trummorna ska sitta - trummisens perspektiv eller publikens perspektiv?

Panneringsmisstag att undvika

Det finns några fallgropar att undvika vid panorering.

Om du panorerar instrumenten för mycket åt höger eller vänster kan du få en obalanserad mix, särskilt om du panorerar ett element hårt åt ett håll och inte har något på andra sidan som balanserar det.

Om man inte tar hänsyn till fasförhållandet mellan mikrofon- och DI-källor när de panoreras isär kan det dessutom ge ett svagt eller ihåligt ljud, vilket är anledningen till att jag alltid rekommenderar att man regelbundet kontrollerar sin mix i mono för att säkerställa att panorerade element inte försvinner eller fasas ut.

Tänk också på att inte överbefolka vissa områden i stereofältet. Om du har ett gitarriff och en pianodel som spelas i samma område kan du överväga att panorera dem bort från varandra för att skapa balans, i stället för att lägga dem rakt ovanpå varandra. I slutändan behöver du inte göra lika mycket EQ-arbete för att få den klarhet du är ute efter.

5. EQ

EQ är nästa verktyg i mixningsprocessen. Det ger dig möjlighet att skulptera och förfina tonbalansen för varje spår i mixen, så att de alla spelar fint med varandra.

Men även om EQ ger stora möjligheter att förbättra en mix, är det lika lätt att förstöra mixen om man inte behandlar den med respekt.

Många mixtekniker har en tendens att förstärka frekvenser innan de försöker sänka dem.

Naturligtvis är boosting bra när det behövs, eftersom det kan användas för att lyfta fram de bästa egenskaperna hos ett instrument, t.ex. boomen i en kick eller närvaron i ett gitarrsolo. Överdriven boostning kan dock leda till en rörig mix där elementen konkurrerar om utrymmet. I slutändan blir det bara lera och en brist på definition.

Börja istället med att klippa bort oönskade frekvenser för att rensa upp i ljudet. Det är alltid förvånande hur detta tillvägagångssätt ofta ger en tydligare och mer balanserad mix utan att man behöver göra några större förstärkningar.

Ett annat vanligt fel är att man lägger för mycket tid på att EQ:a spår i solo.

Även om detta kan hjälpa till att identifiera problematiska frekvenser ger det inte något sammanhang om hur spåret sitter i mixen. Instrument och sång kan låta helt annorlunda när de är isolerade än när de blandas med andra element.

Det är viktigt att fatta EQ-beslut inom ramen för hela mixen, så att varje justering bidrar positivt till det övergripande ljudet.

Använda filter

Att få till rätt low-end i en mix är en av de svåraste sakerna när man mixar metal-musik.

Low-end bär spårets tyngd och kraft, men när det inte hanteras korrekt kan det leda till en grumlig och odefinierad mix. Maskering är ofta den största orsaken till ett dåligt low-end, där överlappande frekvenser från olika instrument stör samma ljudutrymme.

Det är här som högpassfilter (HPF) kommer in i bilden .

Med ett high-pass-filter kan du selektivt ta bort onödiga låga frekvenser från instrument som inte behöver dem, så att basen och kicktrumman kan få den punch de behöver. Det finns inga fasta regler, men här är några förslag på högpassfilter för olika instrument:

• Kick Drum: Om dina blast beats känns lite slappa i botten kan du börja runt 30 till 40 Hz för att strama upp din kick utan att förlora det grundläggande dunkandet.
• Basgitarr: En HPF runt 30-50 Hz kan hjälpa till att ta bort mullret med bibehållen kropp och få det ur vägen för kicken.
• Snare Drum: Börja med en HPF runt 80-100 Hz. Målet här är att ta bort lågfrekvent muller under den önskade grundfrekvensen. I metall är den viktigaste delen av snaren sprickan.
• Toms: HPF runt 80-120 Hz för rack-toms och 60-100 Hz för floor-toms, beroende på storlek och stämning, brukar fungera. För fills där toms spelar på egen hand kan du till och med automatisera HPF så att den är avstängd, vilket gör att subs kommer tillbaka för en sekund.
• Hi-Hats och cymbaler: Att applicera en HPF runt 200-300 Hz är utmärkt för att rensa upp eventuellt bleed eller lågfrekvent brus. Du behöver inte mycket kropp från dessa element.
• Overhead-mikrofoner: Det är inte ovanligt att ställa in en HPF på 300 eller 400 Hz. Overheadmikrofonerna bör verkligen fokusera på att fånga cymbalernas skimmer och den rumsliga bilden av trummorna. Jag brukar hålla koll på var min ride har sin grundfrekvens, så att jag inte går över den och förlorar dess karaktär.
• Mikrofoner i rummet: En HPF runt 80-20 Hz kan eliminera oönskat lågfrekvent muller och strama upp kitets övergripande ljud, men det beror verkligen på vad du vill att rummet ska bidra med till din mix.
• Elektriska gitarrer: Filtrering under 60-100 Hz kan ta bort resonansbottenmuller och dunsar i kabinen, även om detta kan förändras beroende på hur nedstämda de är.
• Sång: De flesta röster har inget användbart innehåll under 80 Hz, vilket är anledningen till att en HPF runt 80-100 Hz kan vara bra för att eliminera plosiver och lågfrekvent muller som inte är avgörande för dess klarhet. Med högre mansröster eller kvinnoröster kan du kanske till och med ta det högre.

Lågpassfilter (LPF) å andra sidan förbises ofta, trots att de är lika viktiga. Jag brukar använda lågpassfilter på elgitarrer och basgitarrer för att få bort toppljudet. Metalgitarrer, till exempel, får ofta en "cut-off-the-crust"-EQ, med en roll-off i låg- och högregistret för att placera dem i mitten och få dem ur vägen för element som borde finnas i dessa regioner.

Generellt sett

Det finns oändligt många sätt att närma sig EQ, och innan jag går in på specifika instrument vill jag gå igenom några tips som kan vara till hjälp för dig.

Till att börja med bör du undvika att förstärka eller sänka samma frekvens på flera instrument. Om du gör det kan det leda till att frekvenserna byggs upp eller tunnas ut i vissa delar av mixen, vilket gör att instrumenten inte blir tydliga och separerade från varandra. Om du t.ex. förstärker lågmellanregistret på både rytmgitarren och basgitarren kan det resultera i en grumlig mix där inget av instrumenten framträder tydligt.

En annan effektiv strategi är att dämpa instrument som maskerar andra, i stället för att förstärka frekvenserna i det instrument som maskeras. På så sätt får du en mer naturlig och dynamisk mix. Om t.ex. rytmgitarrerna maskerar virveltrumman kan du, i stället för att höja de övre mellantonerna på virveltrumman (vilket kan få den att låta hård eller onaturlig), försöka sänka dessa frekvenser något på gitarrerna. Denna subtila justering kan framhäva virveltrummans närvaro och effekt utan att förändra dess naturliga ton.

Slutligen, experimentera med spegelvända EQ-val. Med det menar jag att du gör kompletterande EQ-justeringar på olika instrument så att de passar ihop som pusselbitar. Om du t.ex. sänker några låg-mellanfrekvenser på basgitarren för att rensa bort muddrighet, kan du öka samma frekvenser något på kick-trumman för att bibehålla fylligheten i det frekvensområdet.

EQing av olika instrument

Som jag antydde tidigare finns det ingen universallösning för EQ, eftersom varje mix innehåller olika element som låter helt olika. Alla förvrängda gitarrer låter inte likadant, precis som alla basljud inte har samma låg- eller mellanregister.

När jag går igenom de här allmänna tipsen vill jag att du tänker på det.

Kick Drum

Det är viktigt att notera att grundtonen i de flesta kickar ligger någonstans mellan 60-80 Hz.

Om du behöver extra kraft och vikt kan du boosta där. Var bara försiktig, eftersom stora boostar i den här regionen kan sluta låta boomy, särskilt med snabba dubbelkickar.

Ibland gillar jag att lägga på en liten boost mellan 3-5 kHz för att förstärka beaterns attack och ge den ett "klick"-ljud, vilket kan hjälpa den att artikulera bland kraftigt distorderade gitarrer. Om du mixar en kick som känns för boomy och saknar definition kan du rensa upp den och få den ur vägen för gitarrtoner med låga mellanregister genom att klippa bort några av frekvenserna runt 250-400 Hz.

Snartrumma

I metallmusik vill man vanligtvis ha en kort, snärtig virveltrumma. Om den inte riktigt skär igenom mixen kan du förstärka de övre mellantonerna runt 2-4 kHz för att få fram snarkens sprak. Å andra sidan kan en liten boost runt 200 Hz ge kropp och tyngd om den låter lite tunn.

Om din snare låter lite hård skulle jag rekommendera att du tittar runt 1 kHz för att se var du kan göra några små nedskärningar.

Hi-Hats och cymbaler

För hi-hats och cymbaler är målet i en metal-mix en skarp, luftig närvaro som kompletterar den övergripande energin utan att bli genomträngande eller överväldigande.

Efter högpassfiltret kan du försöka förstärka en aning vid 6-10 kHz för att få fram den naturliga spänsten om de låter tråkiga eller försvinner i mixen. Om de låter tunna eller hårda kan du ta bort eventuella hårda resonanser runt 2-4 kHz. Dessutom får du cymbaler och hattar ur vägen för din sång!

Toms

Toms används ofta i metal för dramatiska fills och övergångar. Det finns två saker som jag vanligtvis vill ha från dem - punch i basregistret och klarhet i anslaget.

Förstärkningar runt 80-100 Hz (särskilt på golvtom) kan berika grundtonen, medan en liten sänkning runt 400-600 Hz kan bidra till att minska boxigheten. Att förstärka toms attack runt 3-5 kHz kan hjälpa dem att skära igenom mixen.

Basgitarr

Basens roll i metal är att låsa in sig med kicktrumman och ge en solid grund.

Jag brukar ofta boosta lite runt 80-100 Hz för att förstärka basens grundtoner, särskilt om det känns som om den saknar botten. Jag brukar också ta bort en del av grumligheten runt 200-250 Hz, eftersom frekvenserna kan byggas upp ganska snabbt här.

Om du inte hör din bas så bra genom gitarrväggen kan en liten förstärkning runt 700 Hz till 1 kHz tillsammans med lite distorsion i toppen hjälpa till att artikulera basens finger- eller plektrumljud.

Elektrisk gitarr

Sättet jag EQ:ar metalgitarrer kan variera. En solo lead skiljer sig från en förvrängd rytmgitarr, som skiljer sig från en glittrande ren ambient del.

För att fatta oss kort kan vi prata om raka, tjocka metalgitarrer med hög förstärkning, som man förväntar sig att höra på en Slayer-skiva.

Om jag tycker att mina metalgitarrer låter leriga sänker jag runt 300-400 Hz, och om jag tycker att de behöver lite mer definition kan 800 Hz föra fram dem. Om jag har att göra med leadgitarrer som behöver lite extra bett för att sticka ut genom alla instrument i mixen, gör jag en liten förstärkning runt 3 kHz.

Sång

Sångstämmor i metal varierar också mycket, från gutturala growls till svävande melodier.

Var och en kräver ett skräddarsytt tillvägagångssätt för att sitta ordentligt i mixen. Men jämfört med en popmix, där jag kanske vill använda en high-end-boost över 10 kHz för att ge sången den där gnistrande glansen, gillar jag att fokusera mer på de höga mellantonerna när jag mixar metal eller rock.

En boost runt 2-5 kHz kan bidra till att ge en sång mer närvaro och energi. Om en förstärkning i det området låter för hård kan du i stället försöka dämpa runt 200-300 Hz och öka den totala volymen på sången.

6. Kompression

Kompression kan vara ett problem för många nya ingenjörer, eftersom det kan vara svårt att höra.

Lyckligtvis kan du i metal vara lite mer aggressiv med kompression, vilket kräver mindre finess än till exempel en jazz- eller R&B-mix.

Det viktigaste elementet att hålla konsekvent är dina trummor.

Komprimering av trummor

För kicktrumman kan ett måttligt till högt förhållande (ca 4:1 till 8:1) med långsam attack hjälpa till att framhäva den första transienten och ge den slagkraft och närvaro, samtidigt som kroppen komprimeras. Snaran kräver ofta ett liknande tillvägagångssätt, med extra hänsyn till release-tiden för att förstärka trummans naturliga decay.

Toms kan komprimeras med en något lägre ratio (3:1) och en medelhög attacktid för att bevara deras dynamiska fills utan att göra dem plattare. Overheads kräver vanligtvis mindre aggressiv kompression (om ens någon alls), eftersom jag vill fokusera mer på att limma ihop kitet med dem. Å andra sidan får du gärna krossa rumsmikrofonerna till småbitar, eftersom det är ett bra sätt att få lite liv i kitet!

Naturligtvis kan du också använda parallell komprimering i det här läget, men vi ska prata mer om det om en stund

Baskompression

Genom att komprimera basgitarren kan du förankra den låga delen av en metal-mix.

Jag gillar att använda två kompressorer i serie, vilket ger möjlighet till både subtil dynamisk kontroll och bevarande av basens naturliga ton. Den första kompressorn kan ställas in med ett högt förhållande (ca 8:1) och en snabbare attack för att fånga upp toppar, medan den andra kompressorn, med ett lägre förhållande och långsammare attack, jämnar ut prestandan som helhet.

Vokal kompression

Sång kan ha ett ganska brett dynamiskt omfång, särskilt när sångare rör sig uppåt och nedåt i sitt register.

I de flesta fall kan metallsång dra nytta av ett högre kompressionsförhållande (6:1 eller högre) för att uppnå ett mer konsekvent ljud. En snabb attack säkerställer att aggressiva partier omedelbart tämjs, medan en medelhög release-tid hjälper kompressorn att andas med framförandet.

7. Reverb och fördröjning

När jag använder reverb i metallmusik vill jag vara återhållsam.

Metals täta arrangemang och snabba tempon lämnar inte mycket utrymme för den sköljighet eller muddrighet som överdrivet reverb kan ge upphov till, och därför rekommenderar jag att du använder det sparsamt för att förstärka, inte överväldiga, instrumentens och sångens naturliga kraft.

Korta plattor med pre-delay-inställningar är perfekta för snares och toms, eftersom de ger precis tillräckligt med rumslig förstärkning för att få dem att dyka upp utan att sudda ut deras attack. Fördröjningen gör att det första trumslaget skär rent genom mixen innan reverb-effekten sätter in, vilket ger en känsla av djup och dimension utan att offra slagverkseffekten.

Plattor är också bra på sång, om låten kräver något reverb alls (ibland kan slap delays eller ping-pong delays ge en känsla av rymd utan att vara lika kompakta som ett reverb). Oavsett vad du väljer är det en bra idé att använda EQ på returspåret för att skulptera tonbalansen och få bort onödiga låg- och högtoner.

När det gäller de flesta andra instrument kan du hålla din reverb-användning ganska lätt. Några undantag kan vara ett större hallreverb som används sparsamt på ett leadgitarrsolo eller ett stramare rumsreverb på rytmgitarrer för att ge sammanhållning.

Ytterligare tips för metallblandning

Dela din bas

För mig handlar rätt basljud i metallmusik om att dela upp det i separata hög- och lågfrekvenskanaler med hjälp av EQ. Detta är utmärkt för att bearbeta varje frekvensområde oberoende av varandra.

Genom att isolera basen kan du bevara basens rena, grundläggande muller och värme, så att den blir en solid grund för mixen utan att bli muddrig. På högfrekvenskanalen kan du å andra sidan lägga till lite mättnad och distorsion för att få fram basens grynighet och karaktär, så att den skär igenom även de tätaste arrangemangen.

När det gäller hög- och lågpass brukar jag vilja att min låga bas har en LPF-cutoff runt 150 till 250 Hz och att den mättade basen har en HPF runt 200 till 300 Hz.

Kontroll av lågmellanregistret på elgitarrer

Att använda en multibandskompressor för att finjustera elgitarrernas låga mellanregister, särskilt i avsnitt med palmdämpning, är en helig teknik inom metalmixning.

Palm-muted riff är en stapelvara i tung musik. Men utan noggrann behandling kan de ibland låta grumliga eller sakna definition. Genom att specifikt inrikta dig på de låga mellanfrekvenserna med en multibandskompressor, som FabFilter MB, kan du kontrollera och strama upp dina gitarrer så att frekvensområdet inte sticker ut när gitarrerna träffar ett palm muted-avsnitt.

Nyckeln här är att isolera det frekvensområde där palmmuttrarna resonerar mest - ofta mellan 200 och 500 Hz - och applicera kompression selektivt på detta band. Slutresultatet blir metallgitarrer som är kontrollerade men ändå klara.

Använda parallellbearbetning på sång

Slutligen vill jag prata om att använda parallell kompression och distorsion på sång för att ge dem aggression.

Parallellkomprimering, även känd som New York-komprimering, innebär att man mixar en kraftigt komprimerad version av sångspåret med det ursprungliga okomprimerade spåret. Den här metoden gör att sången behåller sin naturliga dynamik och sina nyanser medan den komprimerade signalen ger en konsekvent, kraftfull närvaro i hela mixen.

Resultatet är en röst som skär genom täta instrumentala partier utan att förlora sitt uttrycksfulla omfång.

Att lägga till distorsion parallellt ger liknande fördelar.

Du får hela den aggressiva kanten och energin hos ett högoktanigt sångspår utan att förlora förståelsen eller kvaliteten hos den naturliga sången.

Sluttankar - Mixa metall som ett proffs

Att mixa metal-musik är väldigt roligt, och det finns så många fantastiska tips, tricks och tekniker som du kan använda för att bli kreativ med alla element i dina mixar. Även om du inte gillar tung eller aggressiv musik finns det mycket du kan lära dig genom att dyka in i en metal-mix. Dessutom är många av de färdigheter du lär dig när du mixar metal användbara i andra genrer, från hiphop till reggae och vidare.

Håll den tung!