Inom musiken hör man ofta termerna "monofonisk" och "polyfonisk", särskilt när man pratar om instrument som synthesizers eller när man utforskar ljuddesign. Men även om det här kanske bara låter som tjusiga ord som vi slänger in i mixen, är de faktiskt ganska grundläggande för att förstå strukturen i den musik vi skapar.

Så, vad är den verkliga skillnaden mellan de två? Och ännu viktigare, när ska du välja det ena framför det andra? Låt oss bryta ner det och ta reda på vilket alternativ som kan passa ditt nästa musikprojekt bäst.

Polyfonisk kontra monofonisk

Polyfoni innebär att ett instrument eller ett musikstycke kan spela flera "stämmor" samtidigt. Innan du börjar föreställa dig en kör, låt oss reda ut vad vi menar med "röster" i det här sammanhanget.

En "röst" är inte nödvändigtvis en person som sjunger, det är en enskild musikalisk linje eller not. Så när vi talar om polyfoni talar vi egentligen om förmågan att lägga flera noter eller linjer samtidigt, var och en med sitt eget distinkta ljud. Tänk "harmoni".

Begreppet "stämmor" kommer från den västerländska musikens tidigaste dagar. För århundraden sedan var idén att lägga olika melodiska linjer i lager på lager ny, och varje linje sjöngs ofta av olika sångare. Dessa separata linjer kallades för "röster", oavsett om de sjöngs eller spelades på instrument. Det är där terminologin har fastnat, även när musiken utvecklades och moderna instrument tog över dessa roller.

I sina tidigaste former användes polyfoni för att komponera komplexa, sammanflätade melodier. Tänk på den rika, vävda texturen i en renässansmotett. Monofoni, å andra sidan, var mycket enklare: en enda melodi, ren och oackompanjerad.

Ett bra exempel kan vara en gregoriansk sång eller skillnaden mellan en solosångare och en hel ensemble.

I dag använder vi polyfoni och monofoni för att beskriva inte bara vokalmusik utan också hur många toner ett instrument kan spela samtidigt. En monofonisk synt kan till exempel bara spela en ton i taget, vilket gör den perfekt för leads och basgångar. Samtidigt kan en polyfon synt hantera ackord och harmonier, vilket möjliggör mycket rikare och fylligare instrumental ackompanjemang.

Monofoniska syntar

När vi pratar om syntar nuförtiden dyker ofta begreppen "monofonisk" och "polyfonisk" upp för att beskriva hur de hanterar noter. Monofoniska syntar kan bara spela en ton åt gången. Det kan låta begränsande, men några av de mest ikoniska ljuden i den elektroniska musikhistorien kommer från dessa instrument.

De första syntarna som någonsin tillverkades var alla monofoniska. Ta Minimoog, till exempel. Det är en klassiker, och när du tänker på feta, saftiga synthbasgångar eller leads hör du förmodligen en monosynth i ditt huvud. Förr i tiden fanns inte tekniken för polyfoni, så allt var byggt för att hantera en ton i taget.

Många klassiska monosyntar var massiva, både i ljud och storlek. Tidiga modulära syntar, som Moog Modular eller ARP 2500, kunde ta upp hela rum med sina vidsträckta patchfack och rack med oscillatorer, filter och andra moduler. De var de perfekta instrumenten för galna vetenskapsmän, eftersom de krävde berg av patchkablar och seriös hängivenhet bara för att få ett ljud ur dem.

Ljudet var naturligtvis värt det, tjockt, varmt och onekligen kraftfullt.

När tiden gick och tekniken utvecklades kunde man tro att monofoniska syntar skulle falla i onåd. Men nej, de har förblivit populära, och av goda skäl.

Se bara på Roland TB-303, en monosynth som praktiskt taget definierade acid house-genren med sina knarriga basgångar. Eller Korg Monologue, ett mer modernt exempel som håller den monofoniska traditionen vid liv samtidigt som den ger musiker en ny uppsättning verktyg att skapa med.

De här syntarna bevisar att mindre ibland är mer och att en enda ton kan ha en enorm inverkan när den spelas rätt.

Polyfoniska syntar

Det bästa sättet att börja fundera på polyfona instrument är att börja med pianot. Det är ett exempel som alltid verkar klicka direkt. Du kan trycka på flera tangenter och var och en av dem producerar sin egen ton samtidigt. Det är polyfoni, att ha förmågan att spela mer än en ton samtidigt, oavsett om det gäller ackord, komplexa harmonier eller självständiga melodier.

De tidigaste polyfona synthesizermodellerna dök dock upp långt efter pianot i slutet av 1930-talet. En av pionjärerna var Harald Bode, som skapade Warbo Formant Orguel.

Ungefär samtidigt utvecklade Hammond Novachord, en polyfonisk synt som använde en teknik som kallas oktavdelning. Metoden innebar att man delade frekvensen hos en enda högfrekvent oscillator för att producera toner över flera oktaver. Det var en smart lösning för att generera flera toner på en gång, men den var begränsad i hur den kunde hantera dessa toner.

Polyfoni i syntar tog dock inte riktigt fart förrän på 1970-talet. Det var då tekniken utvecklades för att möjliggöra mer sofistikerade röstallokeringssystem. Istället för att bara dela upp frekvenser började syntar använda separata kretsar eller digital bearbetning för att hantera enskilda toner, vilket gav musiker verkliga polyfoniska möjligheter.

Instrument som Yamaha CS-80 och Sequential Circuits Prophet-5 var banbrytande i detta avseende och erbjöd ett bestämt antal röster (vanligtvis mellan 4 och 16) som kunde spelas samtidigt.

Antalet stämmor på en polyfonisk synt har betydelse eftersom det direkt påverkar vad du kan göra som spelare. Om en synt har sex stämmor kan du till exempel spela ett ackord med sex toner eller en melodilinje med ett ackord med fem toner i bakgrunden. Om du går över den gränsen måste synten bestämma vilka toner den ska släppa, vilket kan påverka ditt framförande. Så fler röster innebär vanligtvis mer flexibilitet och kreativ frihet, särskilt när du lägger ljud i lager eller spelar komplexa passager.

Duofonisk och parafonisk

Förutom monofonisk och polyfonisk finns det ett par andra termer som ligger mitt emellan de två: duofonisk och parafonisk. Dessa termer kanske inte är lika vanliga, men de är ganska coola när du väl lär känna dem.

Duofoniska syntar kan spela två toner samtidigt, vilket är ett steg upp från monofonisk men fortfarande inte riktigt full polyfoni. Duofoniska syntar fungerar på så sätt att de delar upp sina kretsar så att två separata toner kan spelas samtidigt.

Ett klassiskt exempel är ARP Odyssey. Den har två oscillatorer, så du kan spela en baston med den ena och en melodi med den andra. Men kom ihåg att varje not fortfarande delar samma filter- och förstärkarinställningar, så även om du kan spela två noter är de fortfarande något sammanbundna när det gäller ljudformning.

Parafoniska syntar är å andra sidan lite av en hybrid. De kan spela flera toner som en polyfonisk synt, men alla dessa toner delar samma filter- och envelopeinställningar. I grund och botten får du fler toner, men de bearbetas tillsammans snarare än oberoende.

Ett känt exempel är Korg Poly-800. Den kan spela ackord, men på grund av det delade filtret och envelopet blir ljudet mer enhetligt, nästan som en lite mer komplex version av monofonisk syntes. Det är ett unikt ljud och har sin egen charm, särskilt i vissa musikstilar.

Så duofoniska och parafoniska syntar ger dig lite mer flexibilitet än monofoniska, men med vissa begränsningar jämfört med full polyfoni. De erbjuder en mellanväg som är både mångsidig och distinkt, perfekt för när du vill utforska texturer som inte är helt mono men inte behöver hela utbudet av polyfoniska funktioner.

Monofonisk vs. polyfonisk: Vilket ska jag använda?

Så, ska du välja en monofonisk eller polyfonisk synt? Det är en fråga som alla musiker och producenter ställs inför någon gång, och ärligt talat finns det inget svar som passar alla. Det beror verkligen på vad du försöker uppnå.

Sammanhanget är allt här. Båda typerna av syntar har sina styrkor, och om du vet när du ska använda dem kan det göra stor skillnad för din musik. Tänk på det så här: i en kör samlas flera röster för att skapa ett massivt, komplext ljud. Det är polyfoni.

Men ibland behöver du bara en enda, tydlig röst för att leverera budskapet, till exempel en solist som står på egna ben. Det är här en monofonisk synt briljerar och skär igenom den komplexa harmonin med en lead eller en basgång. Ingen av dem kan ta den andras roll.

När det gäller ett helt band blir valet ännu viktigare. Om du lägger en massa instrument tillsammans kan en monofonisk synt vara precis rätt sak för att lägga till en fokuserad melodi som sticker ut mitt i mixen. Å andra sidan, om du vill skapa frodiga pads eller komplexa ackordprogressioner, kan en polyfonisk synt fylla ut utrymmet ganska snyggt,

Spelstilen spelar också roll. Om du vill ha snabba, intrikata linjer kan en monofonisk synt vara bättre lämpad för att hantera rörligheten. Men om du bygger något mer atmosfäriskt, där ackord och lager är nyckeln, ger ett polyfoniskt instrument dig flexibiliteten att utforska dessa texturer.

Och kom ihåg att mer inte alltid är bättre. Bara för att en polyfonisk synt kan hantera fler toner betyder det inte att du alltid behöver använda dem. Det är som att beställa en pizza. Du behöver inte all topping för att göra den utsökt. Ibland är enkelhet det som gör att en del verkligen sticker ut. Så fundera på vad din musik behöver och välj det verktyg som hjälper dig att nå dit.

Skapa musik som är flerstämmig

När allt kommer omkring är begreppen polyfonisk och monofonisk ganska okomplicerade. En not eller många, så enkelt är det. Men även om de är lätta att förstå, är dessa idéer viktiga att förstå i den bredare världen av musikteori och produktion.

Om du vet om du arbetar med en monofonisk eller polyfonisk setup kan du fatta mer välgrundade beslut om hur du ska skapa ditt ljud. Inom musikteori och musikalisk komposition hjälper dessa termer oss att fatta beslut baserade på textur och arrangemang. Att veta när man ska använda en enda melodisk linje från en monosynt jämfört med ett rikt, skiktat ackord med mer än en röst kan göra hela skillnaden i din komposition.