Om du har rört dig i avgrunden av forum för musikproduktion och mixning eller YouTube-videor har du troligen stött på uttrycket "referensspår".

Oavsett om du redan har införlivat referensspår i ditt musikskapande arbetsflöde eller om det är något du aldrig har experimenterat med ännu, kan jag med säkerhet säga att det kan förbättra kvaliteten på din musik avsevärt.

Dessutom, tvärtemot vad många tror, innebär inte användning av referensspår att du begränsar ditt kreativa flöde.

När det används på rätt sätt kan ett referensspår förhindra att din musik låter ooriginal och hålla den upp till professionella standarder. I huvudsak placerar referensspår din originalmusik i nivå med andra artister du älskar, säkerställer att dina mixar är upp till par, ger unika idéer om arrangemang och hjälper till att skära en kreativ väg när du börjar från en tom skiffer.

I den här guiden vill jag gå igenom alla anledningar till att du kan använda ett referensspår i din nästa produktion eller mix.

Vad är ett referensspår?

Ett referensspår är ett färdigt spår från en annan artist som du kan använda som modell för det önskade ljudet i din egen musik.

När du använder en referens är målet att jämföra din låt med den andra artistens låt för att komma på idéer för arrangemanget, produktionen, mixen eller den övergripande känslan.

Jag gillar ofta att låta referensspår påverka mina val under hela musikskapandeprocessen, till exempel på följande sätt:

• Loudness Matching: Säkerställa att ljudstyrkan i min mix överensstämmer med referensspårets ljudstyrka. Detta är vanligare i mastringsfasen.
• Arrangemang: Matchar arrangemanget av min låt med referensspårets.
• Mixning: Kontroll av att min mix håller samma kvalitet som referensens, inklusive volymbalans, dynamik, EQ och effekter.
• Kreativ benchmarking: Hämta inspiration för att utveckla professionella musikaliska idéer och undvika att börja från en tom duk.

Om du gör dig redo att mastra ditt spår , se till att utforska eMastereds referensspårfunktion.

Varför ska jag använda ett referensspår?

En av de främsta anledningarna till att jag använder ett referensspår är att jag vill hitta ljudet till det spår jag ska arbeta med. Även om du inte är medveten om det är varje låt du gör en produkt av din omgivande påverkan.

Om du precis har kommit igång som artist eller producent och försöker hitta ditt sound rekommenderar jag att du utforskar artister du gillar och gör en lista över vilka egenskaper som gör dem speciella. Du kan sedan ta de egenskaperna och blanda dem med varandra för att skapa ditt unika sound.

Dessutom minskar referensspåren pressen på att skapa låtar från en tom duk.

När du har inspirationskällor har du i princip en palett som du kan använda som utgångspunkt. Och nej, det här är inte stöld. Det är att bygga vidare på befintliga tekniker och kreativa idéer, precis som konstnärer har gjort sedan tidernas begynnelse.

Tänk på det så här - alla musikstilar har beprövade och sanna gemensamma arrangemang.

Det finns ingen anledning att fixa det som inte är trasigt, som man brukar säga. Istället kan du hämta inspiration från låtar du gillar, använda de idéer som fungerar och lägga till dina egna unika element för att göra den distinkt.

Låt oss säga att du arbetar på en Motown-låt i 60-talsstil. Du kanske väljer att använda monotrummor, en elektrisk P-bas, en Fender Stratocaster, ett Rhodes-keyboard och sång.

Men låt oss säga att du också har en djup kärlek till countrymusik och att du är en banjospelare. Ditt unika element kan vara att ha en banjo i spåret. Du skulle bli förvånad över hur något så enkelt som ett annat tillagt element helt kan förändra atmosfären i en låt.

Olika sätt att använda referensspår

Låt oss ta en titt på några av de viktigaste sätten du kan använda referensspår för att uppnå ett högkvalitativt ljud i din musik.

Arrangemangskarta

En av de första sakerna jag använder referensspår för i min mix är arrangemanget. Jag tycker att genom att stjäla arrangemanget av en låt blir det lättare att bryta sig loss från det vanliga vers-refräng-vers-refräng-brygg-refräng-arrangemanget.

Ett spår som du gillar kan till exempel se ut så här:

• Intro
• Vers
• Kör
• Interludium
• Vers
• Uppdelning
• Kör
• Solo
• Bro
• Kör
• B Krok

Du kan ta ovanstående arrangemang och implementera det i ett vanligt popspår för att göra det mer intressant.

Om målet är att få ett arrangemang som stämmer överens med den stil, genre eller stämning som du föreställer dig för din nya låt, rekommenderar jag naturligtvis att du hittar ett spår som har ett stilistiskt arrangemang.

När jag väljer ett spår att referera till för arrangemang börjar jag med att identifiera en låt som jag tycker har en exceptionell struktur. Låten ska kännas fängslande eller energigivande. Sedan importerar jag låten till min DAW.

Jag analyserar sedan arrangemanget och noterar avsnitt som intro, vers, refräng, brygga och outro, och när instrument kommer in, försvinner, ändras dynamiskt osv.

Därefter skapar jag en grundläggande skiss eller karta över referensspårets struktur.

Det kan vara som en skriftlig lista över de olika avsnitten på ett papper eller genom att skapa spårmarkörer i din DAW. Om låten du använder som referens har samma BPM som låten du gör kan du bokstavligen rada upp den i din DAW och placera referensmarkörer i början av varje avsnitt.

När du fortsätter att arbeta med din låt kan du upptäcka att du behöver förfina arrangemanget baserat på hur ditt spår utvecklas, så var inte rädd för att göra justeringar om det känns rätt.

Ackordprogression

Trots att jag har studerat musik och komposition på hög nivå har jag ofta problem med att räkna ut vilken ackordprogression jag vill använda för ett spår jag arbetar med. Visst, det finns "standard" progressioner som människor kommer att använda i vissa genrer, till exempel I-V-vi-IV i popmusik eller I-IV-V7 i blues. Men det kan vara trevligt att bryta sig ur dessa förväntningar för att överraska lyssnarna.

Jag brukar börja med att välja ett referensspår i samma eller liknande genre som mitt projekt. Naturligtvis bör den ha en stark ackordföljd som jag gillar och en melodi som jag också känner igen mig i.

För undervisningens skull, låt oss säga att du gillar den vanliga I-V-vi-IV pop-progressionen. Du kan sedan experimentera med att anpassa den till din egen låts arrangemang. Bara för att du arbetar med en enkel ackordprogression betyder det inte att du inte kan anpassa den efter smak.

Utöver själva progressionen kan du också notera hur din referens övergår mellan olika ackordprogressioner.

Låt oss till exempel säga att du arbetar med ett referensspår som smidigt övergår från en mollprogression till en durprogression i refrängen, till exempel "Mr. Jones" av Counting Crows. Verserna i "Mr. Jones" går i a-moll, men när det kommer till refrängen flyttar den till den relativa tonarten C-dur med hjälp av en I-IV-V-progression.

Du kan försöka implementera samma relativa förhållande mellan dur och moll i din låt.

Melodi

Utöver ackordföljden kan du också analysera melodin i ditt referensspår och vara uppmärksam på hur den kompletterar ackordföljden, både melodiskt och rytmiskt.

Se vilka fraseringstekniker som används. Är melodierna stegvisa eller hoppar de från not till not? Höjer sig refrängmelodin över versmelodin, eller är den mjukare och mer dämpad? Börjar melodierna på downbeats, pickups eller udda takter?

Det viktiga här är dock att bara använda referensspåret som inspiration. Kopiera det inte direkt, eftersom du då kan hamna i trubbel.

Ett utmärkt exempel är stämningen mellan The Hollies, Radiohead och Lana Del Rey. Oavsett om de stal från varandra medvetet eller omedvetet är det nästan omöjligt att inte höra likheterna mellan dessa låtar, och både Radiohead och Lana Del Rey var tvungna att ge upp några bitar av kakan för det.

Ljuddesign och musikaliska idéer

Som jag sa tidigare finns det ingen anledning att uppfinna hjulet på nytt när du gör dina egna låtar. Det finns många genrer som använder samma musikaliska idéer. Tänk på din genomsnittliga rocklåt, till exempel. Du kan förmodligen förvänta dig att hitta trummor, bas och elgitarr.

Om det finns en kombination av instrument som du verkligen älskar, använd dem i dina egna produktioner!

Börja med att välja ett referensspår som är i samma anda som den låt du arbetar med, eftersom det sannolikt har den instrumentering och de ljuddesignelement du vill ha.

Lyssna noga på referensspåret (helst med ett par bra hörlurar) och notera vilka instrument du hör. Om jag till exempel lyssnade på ett EDM-spår skulle jag kunna skriva ner det:

• Tung spark
• Elektronisk snare
• Hi-hattar
• Klappar
• Live-slagverk
• Synth baslinje
• Subbas
• Synth-ackord
• Synth arpeggios
• Risers, svep, påverkan, allmän FX
• Orkestrala hits
• Lyckliga gitarrer

När jag har låst fast min specifika instrumentpalett kan jag välja hur jag vill implementera dessa ljud i mitt arrangemang. Jag vill inte att alla dessa ljud ska spelas under varje avsnitt av låten. Istället vill jag att de ska komma in och ut för att göra spåret mer dynamiskt.

Genom att aktivt lyssna på en mix kan du höra hur spåren läggs i lager för att skapa ett fylligare och rikare ljud.

Många producenter av elektronisk musik lägger flera ljud i lager för att få en tät instrumentering. Du kan t.ex. använda en sågvåg som huvudsynt och komplettera den med en fyrkantsvåg, en varm pad med efterklang och ett högt, lätt förvrängt harmoniskt lager i en annan oktav.

Att tänka på klangfärg och dynamik

Du behöver inte nödvändigtvis använda exakt samma instrument i din låt som du hör i din referens. Istället kan du använda instrument med samma klangfärg. Låt oss säga att hooket i EDM-spåret som du refererar till har en varm, ihållande pad och en ljus, staccato-synth.

Du kan hitta instrument med samma klangliga variation för att skapa samma frekvenssammansättning som din referens med instrument som du gillar. Du kan t.ex. använda en Rhodes-keyboard i stället för den varma, ihållande padden och en fyllig elgitarr i stället för staccatosynten.

På samma sätt kan du observera hur dynamiken förändras genom hela referatet och försöka införliva liknande dynamiska kontraster i ditt eget arrangemang.

"A Day in the Life" av The Beatles är ett mördande exempel på en låt med dramatiska dynamiska skiftningar. Refrängerna är lugna och eftertänksamma innan de når klimax i totalt kaos.

Ljuddesign och effekter

Jag gillar att ägna stor uppmärksamhet åt unika ljuddesignelement eller effekter som används i mitt referensspår.

Till att börja med kommer jag att lyssna noga på hur rumsliga effekter som reverb och delay används i referensspåret. Du kan ställa dig själv flera frågor när du lyssnar:

• Finns det något reverb på spåret och vilken typ? (platta, hall, rum, fjäder, etc.)
• Vad sägs om fördröjning (slap, ping-pong, kvartsnot etc.)?
• Hur dominerande är de här effekterna i mixen jämfört med de instrument de används på?
• Är de spridda över stereospektrumet eller i mono?
• Finns det flera instanser av effekter på vissa element? Till exempel har många popsångare en kombination av rumsreverb, plattreverb, slap delay och stereo-delay.
• Hur bearbetas dessa effekter? Har de EQ:ats, komprimerats eller förvrängts?

Jag brukar också fråga hur elementen i mixen är panorerade.

De flesta moderna rockmixar har till exempel liknande panoreringstekniker - leadsång, bas, kick och snare i mitten, overheads, elgitarrer och akustiska gitarrer panorerade hårt till vänster och höger, och keys, slagverk, hi-hats, toms och andra mixelement panorerade någonstans till vänster eller höger i sitt eget utrymme.

Det finns naturligtvis ingen anledning till att du inte kan vara kreativ med panorering heller och vissa spår kan vara bra referenser för hur man gör det.

Ta till exempel "Altered Beast III" av King Gizzard and the Lizard Wizard. Om du lyssnar med hörlurar kan du höra de två inspelade trumset som är panorerade hårt åt vänster och hårt åt höger, ett mycket ovanligt val som ger det här spåret dess unika ljud.

Slutligen, lyssna efter eventuella ljuddesigntekniker i din referens som du kan använda.

Låt oss ta Flume som exempel. När han dök upp på den elektroniska musikscenen 2012 blev det startskottet för Future Bass-scenen.

Han använde en unik blandning av granulärsyntes för textur, tidsstretchade och modulerade vokaleffekter och stereomodulering av delays och reverb för att skapa omslutande lyssningsupplevelser. Resultatet var inget mindre än fenomenalt, och än idag är dessa ljuddesigntekniker en viktig del av hans sound.

Blandning

När jag är klar med musikproduktionsprocessen väljer jag referensspår för mixningsprocessen. Jag tycker att det alltid är bra att använda professionellt mixade referensspår för mixning, eftersom det ger en referensram för hur din mix ska låta.

Olika lyssningsmiljöer har sina egna egenheter. Om du till exempel mixar i en dåligt behandlad sovrumsstudio är det lätt att lägga till för mycket eller för lite low-end. Vissa rum har även lägen i lågmellanregistret, vilket kan få dig att tro att du måste få ut en massa "lera" från alla element.

Men när du tar med dig mixen ut till bilen kanske du upptäcker att dina mixbeslut påverkades av ljudet i rummet där du arbetade. Genom att använda referensspår blir du mer säker på din tonala balans i mixningsstadiet, vilket säkerställer att ditt spår låter som det ska på olika uppspelningssystem.

När du väljer en referens för mixningssteget bör du hitta en som stämmer överens med genren och stilen i din egen låt. Det kan vara samma låt som du använde som produktionsreferens om det är rimligt rent ljudmässigt.

Det viktiga är att se till att det spår du refererar till är väl mixat och mastrat.

Jag har några utvalda referensspår i olika genrer som jag har samlat på mig under årens lopp och som alla har ljudmässiga egenskaper som jag gillar. Jag rekommenderar att du gör samma sak!

När du har din referens laddar du in den i din DAW på ett separat spår från resten av mixen, så att den inte körs genom någon bearbetning, särskilt inte bussbearbetning.

Volym Balans

Det viktigaste när du refererar till en mix är att se till att din referens matchar den upplevda ljudstyrkan i din mix. Spåret som du refererar till har sannolikt mastrats. Du vill dock inte mixa till samma volym som ett mastrat spår, eftersom du då inte lämnar något utrymme för mastring.

Jag brukar sänka mina referensspår med cirka -6 dB och börja justera volymen på mina mixelement därifrån, eftersom jag tycker att det brukar ge mig det utrymme jag behöver.

Även om processen varierar beroende på låt är det en bra idé att börja med de viktigaste elementen i låten, inklusive sång, kick, snare och bas. Var uppmärksam på hur de sitter i mixen och försök att matcha volymen och tonkaraktäristiken för dessa element i ditt spår. Ta sedan in resten av instrumenteringen runtomkring och A/B-testa referensen för balans när du går vidare.

Utvärdering av tonal balans, dynamiskt omfång och stereobildning

Nästa del av processen är att se till att frekvensbalansen i din mix liknar referensens. Finns det områden där din mix har brister? Du kan behöva göra justeringar.

Börja med att lyssna på båda spåren som helhet och jämför de olika övergripande frekvensområdena i din mix med referensmixen.

Har du för mycket eller för lite low-end? Hur är det med high-end? Mellanregister? Låg-mellanregister?

När du har hittat en bra frekvensbalans som du tycker låter bra kan du börja finjustera på olika instrument.

Kanske har sången i din referensmix en fin, krispig high-end som din sång inte har. För att åtgärda problemet kan du ge din sång en 10 kHz-boost med hög shelf. Kanske låter din kick och bas boomy och odefinierad jämfört med din referens. I så fall kan du försöka pussla ihop EQ:n så att de spelar fint med varandra.

När frekvensbalansen låter rätt lyssnar jag gärna på det dynamiska omfånget och den kompression som används i min referens. Som amatörmixare är kompression en av de svåraste sakerna att få rätt, eftersom det kan vara en av de svåraste sakerna att höra. Men med lite övning kommer du att kunna avgöra mycket om vilken typ av kompression du behöver använda för att stå dig mot professionellt mixade spår.

Det är till exempel inte ovanligt att använda 10-20 dB kompression på en sång i en popmix för att låsa fast den. Analysera nästan alla topp-40 popspår på radion idag, och jag garanterar att du kommer att kunna höra hur komprimerad sången är.

Slutligen gör du en sista genomgång medan du lyssnar på referensens stereobredd. Se hur din mix står sig i konkurrensen. Är elementen placerade på rätt sätt i stereofältet? Kanske är referensen smal i verserna och öppnar upp sig brett i refrängerna. Kanske är sångens reverb i mono för att ge plats åt det täta stereo-arrangemanget. Vissa instrument kanske har auto-pan för att ge dem mer intresse.

Genom att lyssna på hur varje element är panorerat kan du fatta säkrare beslut i din stereomix.

Mastering

Jag brukar gå tillväga på samma sätt med referensspår vid mastring som jag gör vid mixning.

Välj ett välmastrat referensspår som är i samma stil som ditt spår.

Lägg in det i masteringssessionen på ett separat spår, utan ytterligare bearbetning, och analysera hur ditt spår står sig mot det när det gäller ljudstyrka, frekvensbalans, stereobredd, dynamik och tonkaraktär.

Jag brukar använda en spektrumanalysator för att jämföra frekvensbalansen i min master med skillnaden, eftersom det hjälper mig att se var det finns skillnader i låg-, mellan- och högfrekvensområdena.

På samma sätt kan du använda verktyg som REFERENCE, som jag skrev om ovan, för att få information om alla tre viktiga ljudegenskaper - frekvensbalans, dynamik och stereobredd.

Vi har också en referensfunktion i vår AI-mastringsalgoritm här på eMastered, så att du kan ladda upp din egen referens och få en skarp, ren master som stämmer överens med låtar du gillar.
Prova det gratis!

Slutliga tankar - Använda referensspår för professionell musik

Oavsett om det gäller arrangemang, ackordprogressioner, musikproduktion, mixning, mastering eller en kombination av alla ovanstående, finns det ingen anledning att inte använda referensspår för din originalmusik.

När du väljer referensspår ska du leta efter sådana som är i samma genre som det spår du arbetar med. Det kommer att göra en enorm skillnad i ditt kreativa arbetsflöde och optimera effektiviteten med vilken du mixar och mastrar.