I sin enklaste form är målet med ljuddesign att skulptera ljud på ett sådant sätt att det uppnår en specifik kreativ vision. Oavsett om du skapar den kusliga stämningen i ett spökhus för en skräckfilm eller en pulserande synthpad för ett dynamiskt EDM-spår, sträcker sig ljuddesignens område över alla medier, från musik till film till videospel och mycket mer.

Ljuddesigners är ungefär som soniska alkemister, som tar idén om hur något kan låta och använder rätt verktyg för att ge det ljudet liv.

Föreställ dig en scen i den senaste sci-fi-filmen där en utomjordisk varelse tar sitt första andetag. Det skulle sannolikt vara en utomjordisk utandning som skulle ge dig rysningar längs ryggraden i biosalongen. Detta hemsökande men ändå vackra ljud skulle inte ha existerat om det inte vore för ljuddesignern som blåste liv i det.

Idag ska vi ta en djupare titt på ljuddesign och utforska tio professionella tekniker och tips som kan hjälpa dig att få ut mesta möjliga av de ljud du skapar.

Ljuddesignens historia

Utvecklingen av ljuddesign är nära knuten till utvecklingen av media och teknik. De allra första exemplen på ljuddesign dök dock upp för tusentals år sedan. Grekerna och romarna byggde unika mekaniska anordningar för att införliva ljudeffekter i sina scenframträdanden, t.ex. vindmaskiner, tillverkade av roterande hjul som var draperade i tyg, och åskmaskiner, som bestod av mässingskulor som släpptes på sträckta kohudar.

Men i början av 1900-talet, när ingenjörerna äntligen hade möjlighet att synkronisera ljud i filmer och radio, började de skapa levande ljudeffekter under filmvisningar och radiosändningar med hjälp av olika mekaniska anordningar.

"The Jazz Singer" (1927), som var den allra första "talkie"-filmen, spelade en viktig roll för att popularisera synkroniserat ljud inom film.

På 1930-talet började ljuddesigners använda inspelade ljud för specifika effekter i filmer och radio för att göra medierna mer trovärdiga. Jack Foley var en tidig pionjär inom ljudeffekter och utvecklade tekniken för att skapa och synkronisera ljudeffekter i realtid med handlingen på skärmen.

Detta gav upphov till termen "Foley", eller processen att lägga till anpassade ljudeffekter i filmer.

Från 1940-talet till 1970-talet utvecklades tekniken snabbt, vilket gav ljuddesigners mer kreativ kontroll. Magnetband var ett revolutionerande inslag i ljuddesignen, eftersom det gjorde det möjligt att redigera och manipulera inspelade ljud.

Konstformen fick namnet "Musique concrète".

Tack vare pionjärer som Pierre Schaeffer och Robert Moog dröjde det inte länge förrän syntarna slog igenom på marknaden och gjorde det möjligt för oss att skapa ljudlandskap för film och tv som aldrig förr.

Det som verkligen förändrade allt för den moderna producenten var förstås den digitala teknikens intåg på 1980-talet. Med en kombination av digitala ljudarbetsstationer, samplers och synthesizers blev himlen gränsen för integration av ljuddesign.

Vad gör en ljuddesigner?

Ljuddesigners skulpterar, redigerar, skapar och manipulerar ljud för olika former av media, inklusive musik, film, tv, spel och UX-applikationer. Beroende på vilken typ av projekt de arbetar med kan omfattningen av vad de gör förändras. Låt oss ta en titt på några exempel på roller som en ljuddesigner kan spela.

Ljuddesign inom musik

Inom musikproduktion kan ljuddesignerns roll variera kraftigt.

De kommer ofta att navigera i den mycket komplexa världen av instrument (verkliga eller virtuella), fältinspelningar, effektprocessorer och DAW för att komponera, skapa och manipulera ljud för sina spår.

En ljuddesigner kanske till exempel vill skapa ett unikt synthesizerljud i sin DAW för att fungera som det huvudsakliga melodiska elementet i sitt senaste deep house-spår. De kan använda en synt som Xfer Records Serum för att skapa en unik lead med en kombination av wavetables och effekter eller använda en samling specialinspelade samplingar som körs genom en granulär effektmotor för att skapa något mer organiskt.

Flying Lotus (Steve Ellison) är ett utmärkt exempel på en producent som använder ljuddesign för sin genreöverskridande musik.

"Cosmogramma" är ett av mina favoritalbum från 2000-talets elektroniska musik, eftersom det blandar element från jazz, hiphop och elektronisk musik. Under inspelningen av albumet blev Ellisons mor allvarligt sjuk. Medan hon låg på sjukhus bestämde han sig för att ta med sig en uppsättning mikrofoner och en inspelningsrigg till sin mammas rum för att spela in ljudprover från vitalparametrarna och respiratorerna, som han sedan använde på albumets sista spår, "Galaxy in Janaki".

Det var förvisso en okonventionell (och potentiellt märklig) sak att göra, men han konstaterade att han "inte ville glömma bort utrymmet" medan han sörjde sin mors död. Dessa ljud blev en viktig del av det spåret.

Ljuddesign i film- och tv-produktioner

Inom film och tv spelar ljuddesigners en central roll när det gäller att förstärka visuella berättelser.

Oavsett om det är knarret från en dörr som ökar spänningen i en skräckfilm eller det avlägsna åskmullret som sätter tonen för en annalkande storm, skapar professionella ljuddesigners noggrant ljud som synkroniseras med det visuella på skärmen.

Ett bra exempel på detta kommer från 1993 års succéfilm "Jurassic Park", där ljuddesignern Gary Rydstrom väckte dessa förhistoriska varelser till liv genom att skapa realistiska dinosaurievrål. Enligt Rydstrom var det ikoniska T-Rex-vrålet en sammansättning av olika djurljud, bland annat en tigers morrande, en elefantbebis skrikande och en alligators gurglande.

Ljuddesign i videospel

I videospelbranschen måste ljuddesigners bygga upp hela världar från grunden för att ge spelarna uppslukande ljudupplevelser.

Från ekot av fotsteg till det explosiva mullret från en fartygskanon från 1700-talet som avfyras i fjärran - varje ljud är en byggsten.

Ta till exempel det postapokalyptiska spelet "The Last of Us", som använder subtila ekon från avlägsna djur och den spöklika atmosfären i övergivna städer för att skapa en fruktansvärd stämning. De som har spelat spelet vet förstås att inte ens dessa ljudeffekter kan mäta sig med Gustavo Santaolallas nervkittlande gitarrtema.

Ljuddesign inom användarupplevelse (UX)

Ljuddesigners arbetar också med produktutvecklare för att skapa ljud för UX och andra tillämpningar i den verkliga världen.

Det lilla suset som du hör från din smartphone när du skickar ett e-postmeddelande är ljuddesignerns verk. Samma sak gäller för fysiska miljöer, som hissar, där du hör en liten klockringning som indikerar att du har kommit till en våning eller att det är dags för nya passagerare att stiga in.

Ljuddesign inom teater

Sist men inte minst ser vi ljuddesign i levande teaterföreställningar. Som jag nämnde tidigare har scenljudeffekter funnits i tusentals år, men med bättre teknik än någonsin tidigare har ljuddesigners mycket större flexibilitet än de gamla grekerna och romarna.

Utöver Elton Johns och Tim Rices ikoniska musik i Broadway-produktionen av "Lejonkungen" hör du användningen av uppslukande ljudlandskap från den afrikanska savannen och djurljud, som tillsammans skapar en värld för publiken att kliva in i.

Skapa ditt första ljud

Bra ljuddesign kräver en intrikat dans mellan olika ljuddesignelement.

För att bli en mästare på att skapa och manipulera ljud måste du förstå hur dessa element samspelar med varandra. Låt oss utforska några av ljuddesignens byggstenar och olika ljuddesignverktyg som du kan använda för att skapa nya ljud.

1. Att välja rätt ljuddesignverktyg

När du sätter igång med din ljuddesign är det första du måste göra att hitta det verktyg som passar dig bäst.

När du har kommit fram till vilken typ av ljud du vill skapa kan du fråga dig själv: "Vilken ljudkälla kan jag använda för att skapa det här ljudet?"

Synthesizers

Synthesizers är oumbärliga i ljuddesignens värld.

Med hjälp av vågformer, oscillatorer och effekter kan du forma och omforma ljud så mycket du vill.

Det finns också flera olika typer av synteser, som var och en har en unik klangfärg som passar bäst för olika projekt.

Det finns till exempel en viss värme som du kan få från analoga synthesizers som är svår att återskapa någon annanstans. Ljuden från en Minimoog eller en Juno-60 fångar på ett vackert sätt essensen av en svunnen tid, perfekt när du vill ge dina egna ljud en "vintage"-ton.

Kolla in Kraftwerks banbrytande album "Autobahn" från 1974, där bandet använde en blandning av analoga syntar, inklusive den berömda ARP Odyssey och Minimoog, för att skapa ett 22 minuter långt musikstycke som simulerar upplevelsen av att köra på tyska Autobahn.

Provtagare

Den norske ambient-elektronikkonstnären Geir Jenssen, mer känd under pseudonymen Biosphere, använder råa fältinspelningar från naturen runt omkring sig i sina kompositioner.

Hans hyllade album "Substrata" från 1997 väver samman atmosfäriska ljudlandskap med naturinspelningar, inklusive vind, vatten och fågelsång, för att skapa en unikt uppslukande ljudupplevelse.

Ett mer modernt exempel är Ableton-musikproducenten Rob Late som använder samplade inspelningar av element i sin studio för att bygga upp kompletta spår.

Fältinspelare

Att våga sig utanför en studio är inte för alla, men att använda anpassade fältinspelningar i musik är ett av mina favoritmetoder för att ge musik och undertexter en organisk och autentisk tredimensionell karaktär.

Den brittiske ljudinspelaren Chris Watson är en av historiens mest inflytelserika pionjärer inom fältinspelningar, mest känd för sina omslutande inspelningar av naturen. Han var en av grundarna av Cabaret Voltaire, ett experimentellt musikprojekt från 1970- och 80-talen.

Ta en titt på videon ovan för att se hur Watson går tillväga för att fånga upp omgivande ljud och använda dem i sitt arbete.

2. Justera de grundläggande elementen

När du har hittat det ljuddesignverktyg du vill ha är nästa steg i din alkemiska resa att justera ljuden så att de uppfyller dina mål.

Förståelse av vågformer

I labyrinten av synthbaserad ljuddesign är det avgörande att välja rätt utgångspunkt.

Du bör välja en vågform som har en liknande klangfärg som det önskade slutresultatet.

Oavsett om du siktar på en ren kickdrums mjuka slag eller en laserpistols modulerade surrande, så är det viktigt att ha rätt grundläggande vågform för att skapa rätt förutsättningar.

En gång fick jag i uppdrag att skapa ett avlägset, utomjordiskt ambientljud för en kort sci-fi-film, och jag bestämde mig för att börja bygga på en sinusvåg. Sinusvågor är kända för sin renhet, vilket gör dem till perfekta fundament för andra lager, särskilt när du vill ha något mer mystiskt.

Naturligtvis är alla grundläggande vågformer - sinus, kvadrat, sågtand och triangel - olika.

Var och en av dem har en distinkt ljudsignatur, och som ljuddesigner är det viktigt att lära sig att urskilja deras unika egenskaper.

Jag rekommenderar att du tar dig tid att fördjupa dig i de rena tonerna i varje vågform så att du kan börja plocka ut dem i ljud som du hör i dina favoritlåtar eller ljudlandskap.

Triangelvågor är mycket mjukare än fyrkantsvågor, men lite fylligare än sinusvågor. Sågtänder ger ett fint mellanting, och så vidare. Tänk på processen som om du vore en målare som lärde dig hur olika primärfärger går ihop för att skapa mer raffinerade texturer.

Dekonstruktion av komplexa ljud

Den verkliga utmaningen kommer när du ställs inför att omkonstruera komplexa ljud, till exempel ljudet från en futuristisk laserpistol.

När jag får i uppgift att skapa ett specifikt ljud brukar jag tänka på det som ett pussel. Jag försöker identifiera och isolera de viktigaste individuella lagren som är ansvariga för ljudets attack, sustain och release.

Låt oss till exempel titta på hur ljuddesignern Ben Burtt skapade det ikoniska ljudsabel-ljudet i Star Wars.

Brummet på tomgång, som är det huvudsakliga ljudet från ljussabeln, kom från två sammankopplade projektormotorer och brummet från ett gammalt bildrör på en TV-apparat. När det gäller krockljudet, när de två ljussablarna möttes i strid, behövde Burt en attack, sustain och release.

För attacken använde han ljudet av en pinne som trycks in i torris, medan han för sustain och release använde det påverkade ljudet av en dammsugare.

3. Forma kuvertet

När du har dina råmaterial kan du börja leka med amplitudkonvoluten.

Amplitudkuvertet för ett ljud är hur det utvecklas över tiden, inklusive attack, decay, sustain och release.

När du skapar ett nytt sound måste du ställa dig själv frågor som:

Vill jag att ljudet ska slå hårt med omedelbar effekt, eller vill jag att det ska utvecklas gradvis?

Ska den försvinna snabbt eller försiktigt tonas ut?

Det sätt på vilket du ställer in amplitudkurvan avgör svaren på dessa frågor.

Låt oss kortfattat titta på dessa viktiga egenskaper hos kuvertet:

• Attack - Attacktiden är hur lång tid det tar för ett ljud att nå maximal amplitud. Attacken hos någon som slår på en virveltrumma och en violinsträng är mycket olika. Om du vill återskapa krocken mellan två svärd kan du överväga ett ljud med en skarp, metallisk attack.
• Decay - Decay-fasen inträder direkt efter att ett ljud har nått sin maximala amplitud och bestämmer hur lång tid det tar för det att sjunka tillbaka till sustain-nivån. Jag gillar att tänka på resonans här. Om jag till exempel spelade en ton på ett litet piano i salongsstil och sedan spelade samma ton på en stor flygel, skulle jag få mer decay från flygeln tack vare den extra kroppsresonansen.
• Sustain - Denna del av ett ljud fokuserar på den volymnivå som bibehålls när ljudet hålls kvar. Om vi går tillbaka till exemplet med svärdsklirret skulle sustainen vara ganska snabb om det inte fanns ett långt "ping" från vibrationen från de två metallerna som träffade varandra.
• Release - Release är hur lång tid det tar för en ton att klinga av från sustain-nivån till fullständig tystnad. Vill du att ett ljud ska dröja sig kvar eller punkteras perkussivt?

Att förstå ADSR är viktigt när man skapar ljudeffekter och ljudstrukturer, men det är inte det sista steget.

4. Lägg till modulering

I den levande världen är ljudet inte statiskt. Det rör sig och moduleras. Detsamma bör gälla för musik och ljudeffekter som du skapar.

Det bästa sättet att göra statiska ljud mer intressanta är att lägga till modulering.

I grund och botten vill du variera en eller flera egenskaper hos ett visst ljud eller en viss vågform över tid, oavsett om det handlar om subtila förändringar i tonhöjd eller utvecklat frekvensinnehåll.

När du lyssnar på ljud som du vill återskapa måste du urskilja vilka delar av ljudet som förändras över tiden.

Hör du förändringar i tonhöjd?

Ändras volymen från ögonblick till ögonblick?

Finns det filter eller harmoniska generatorer som tillför nytt frekvensinnehåll?

Moduleringsprocessen behöver inte heller vara helt uppenbar. Du kan på ett subtilt sätt införa tonhöjds- och frekvensförändringar genom att justera rattar eller reglage på din synt eller effektprocessor. Detta kan antingen göras manuellt eller med lågfrekventa oscillatorer (LFO), som erbjuder en mer rytmisk och förutsägbar modulationsstil.

Som ljuddesigner kan du använda parametrar som hastighet, intensitet eller vågformstyp för att ändra hur ett ljud utvecklas över tid.

För att omsätta den här strategin i praktiken rekommenderar jag att du experimenterar med automatisering i din DAW. Du kan ta ett ljud och rita anpassade modulationskuvert för att ge det rörelse och energi.

5. Tillämpa effekter

Den sista och ofta mest spännande delen av ljuddesignprocessen är att lägga till effekter. Det är här du helt omvandlar ljudet du arbetar med för att skapa något verkligt speciellt.

De flesta ljuddesigners har en enorm arsenal av effekter, både i form av hårdvara och mjukvara, och många har byggt unika signalkedjor för att skapa olika typer av djup, rymd och textur.

Med en noggrant utvald sekvens av effekter kan du förvandla en enda ljudsignal till en fullfjädrad upplevelse.

Det huvudsakliga syftet med ljudeffekter är att återskapa psykoakustiska fenomen. Tänk på en plats eller upplevelse och tänk på alla element som samverkar för att skapa ljuden i den.

Det enorma ljud som du hör i en kanjon har att göra med avståndet mellan de hårda ytorna och antalet ekoupprepningar du hör, medan ljudet av en röst som pratar med dig på andra sidan telefonen har att göra med resonansen i ett bandpassfilter och en liten bit av mättnad.

Det finns fyra huvudtyper av effekter som vi använder inom ljuddesign, och var och en av dem erbjuder olika möjligheter.

• Tidsbaserade effekter: Reverb och delay formar den temporala dimensionen och ger lyssnarna en illusion av rymd och djup.
• Moduleringseffekter: Chorus-, phaser-, flanger-, tremolo- och auto-pan-effekter ger ljudet rörelse och karaktär.
• Filter: Låg-, hög- och bandpassfilter gör att vi kan forma ljudets frekvensspektrum.
• Dynamiska effekter: Kompression och mättnad gör att vi kan kontrollera ljudets dynamiska intensitet och samtidigt lägga till unika klangkaraktärer.

Låt oss säga att vi vill skapa ett atmosfäriskt ljud i rymd- och sci-fi-stil.

Jag skulle börja med en grundläggande synthpad och applicera en generös mängd reverb. Eftersom vi befinner oss i rymden skulle reverbsvansen behöva vara ganska lång (jag vet, det finns faktiskt inget ljud i rymden, så ha tålamod med mig här och var inte en keyboardkrigare). Du kan även experimentera med diffusionsparametern för att blanda ihop reflektionerna lite mer och göra reverbet tjockare.

Du kan sedan lägga till en fördröjningseffekt för att ytterligare förstärka känslan av rymd. Ju längre fördröjningstiden är, desto mer expansivt kommer ljudet att kännas.

För att få det att låta mer överjordiskt kan du placera en modulationseffekt, t.ex. en chorus eller phaser, efter delay och reverb i kedjan för att ge det lite rörelse.

Naturligtvis skulle jag inte heller tveka att ändra ordningen i signalkedjan för att se vilka andra resultat jag fick eller automatisera parametrarna inom varje effekt för att få ännu mer rörelse.

10 ytterligare tips för att piffa upp din ljuddesign

Nu när du har en ganska bra uppfattning om alla de olika strategier och effekter som en ljuddesigner kan använda för att skapa ett nytt ljud eller en ny ljudbild för en låt, film, ett spel eller en produkt, ska vi titta på några tips och tekniker som kan hjälpa dig att komma längre i ditt ljuddesignarbete.

1. Stapeltexturer och lagerljud

Att stapla texturer och lägga ljud i lager är ett bra sätt att ge djup åt dina ljud. Genom att kombinera olika element kan du skapa sammansatta ljud som är mer än summan av sina delar.

Ljudet av en grusig, förvrängd och oktavhöjd gitarr ovanpå en subtil men bred ambient synthpad kan göra båda ljuden mer intressanta.

2. Utnyttja Haas-effekten

Haas-effekten är ett subtilt men kraftfullt sätt att skapa en uppfattning om bredden i ett ljud. När du fördröjer en kanal i en stereosignal något får du den att låta bredare. Det är ett underbart verktyg för att ta annars centrerade ljud och sprida dem "utanför högtalarna".

3. Fortsätt inte att lägga till element om mixen inte fungerar

I sin strävan efter perfektion lägger musikproducenter och kompositörer ofta till nya element om de märker att deras mix inte fungerar.

Jag skulle vilja uppmana dig att känna igen när du får den här benägenheten och motstå frestelsen att begrava din mix i skräp. Fokusera istället på att förfina och optimera det du redan har på gång. Kvalitet framför kvantitet är mantrat, och det är därför det är så viktigt att välja element med omsorg.

4. Tystnad är din vän

Vi underskattar ofta tystnadens kraft i ljuddesign, vilket är ironiskt eftersom den finns i vårt vardagsspråk.

När vi sätter en punkt i slutet av en mening ger det läsaren eller lyssnaren en stund att andas och reflektera över vad de just har hört. Detsamma bör gälla för musik och ljuddesign.

Genom att strategiskt införliva tystnad i vår skapandeprocess kan vi skapa spänningsmoment som får huvudljuden att verka mer effektfulla.

5. Experimentera alltid med reversering

Det är lätt att överanvända den omvända effekten, men ibland är det precis vad du behöver för att göra ett ljud mer intressant.

Oavsett om det är en omvänd cymbalkrasch som representerar ljudet av en luftslussdörr som stängs eller en omvänd reverbvokal bakom en torr vokal för att ge den en spöklik kvalitet, finns det oändliga sätt att experimentera med omvänd ljud kan öppna upp unika möjligheter.

6. Spela in ljud så mycket som möjligt

Ett av de bästa sätten att göra din ljuddesign mer autentisk är att spela in ljud när det är möjligt. Du har en liten inspelningsenhet med dig hela tiden (din smartphone). Varför inte utnyttja den genom att fånga de organiska ljuden från världen omkring dig och manipulera dem i din DAW senare?

I en av mina senaste låtar, "Under the Sun", använde jag en inspelning av min grannes fåglar och gav ljudet en rejäl dos reverb för att få det att se ut som om de flög genom en kanjon.

7. Dra nytta av buller

Även om vi ofta tänker på brus som något vi inte vill ha i våra mixar, kan det vara en otroligt kraftfull allierad i ljuddesignen.

Experimentera med olika typer av brus - vitt, rosa eller till och med granulerat brus - för att ge dina ljud textur, karaktär och komplexitet.

8. Använd hela stereofältet

Om du inte maximerar ditt stereofält från höger till vänster går du miste om många möjligheter.

Att skapa ett tredimensionellt utrymme kräver omsorg, eftersom det innebär att fördela element på ett sätt som kompletterar, inte maskerar, varandra.

Det kräver också kontrast. För att ett ljud ska ge en uppfattning om bredd behöver vi ett ljud som är smalt för att kontrastera det. Experimentera med att flytta runt ljud i det tredimensionella fältet och använd effekter som auto-pan för att skapa slumpmässighet.

9. Kontrast är nyckeln

Utöver stereofältet är kontrast lika viktigt i alla aspekter av ljuddesign.

Utan mjukt kan man inte ha högt, och utan milt kan man inte ha hårt.

Genom att använda olika smaker i din process kan du skapa ett mer dynamiskt recept.

10. Håll dig organiserad

Det här sista tipset är inte kreativt, utan mer praktiskt.

Ljuddesignprocessen kan vara kaotisk, och det bästa sättet att upprätthålla en känsla av ordning är att hålla sig organiserad.

Se till att dina spår och element är ordentligt märkta, organisera dina ljud och effekter i lättillgängliga mappar och använd mallar och förbyggda effektkedjor i din DAW så att du kan dyka in direkt när inspirationen slår till istället för att slösa hjärnkraft på att leta efter den där ljudfilen med förvrängd snare som du kunde ha svurit på att du hade i din arsenal.

Slutliga tankar

Att bli en bra ljuddesigner kräver många års övning, men om du känner till de unika mixnings- och experimentella inspelningstekniker som ljuddesigners använder, oavsett om det gäller musikproduktion, ljuddesign för film, tv-produktion eller videospel, kan du få ett försprång när du ska producera dina egna originalljud.

Det finns ett oändligt landskap av ljud där ute, som bara väntar på att bli mosat, manipulerat, mixat och mastrat av dig. Gå och fånga det.