Hi-hats har blivit en av de definierande egenskaperna hos trap-musik.

Precis som 808:or har de nästan blivit en producents signatur. Från snabba 32:a-noters-rullar till stapplande mönster som panoreras från vänster till höger och pitchas in i glömska - sättet du programmerar dina hi-hats på kan skilja dig från alla andra. Tänk på Metro Boomins tighta, precisa hats jämfört med Southsides mer aggressiva mönster. Du kan praktiskt taget avgöra vem som ligger bakom ett spår bara genom hi-hats.

Olika subgenrer av trap tar detta ett steg längre. I mörkare, mer atmosfäriska spår kan du höra långsammare, distanserade hattar, medan hattarna i mer aggressiva, högenergiska beats är supersnabba och komplexa. Drill beats, till exempel, har ofta spridda och oförutsägbara hattar, medan trap soul erbjuder en mer avslappnad atmosfär.

Trots allt detta finns det vissa saker som bara fungerar med trap hat-mönster, oavsett om det är användningen av trioler eller de signatur snabba rullarna. I den här guiden tar vi en titt på fem av de bästa hi-hat-mönstren eller teknikerna som varje producent bör ha i sin verktygslåda.

1. Den enkla sextondelen

Ett av de enklaste sätten att komma igång med trap hi-hat-mönster är att använda pianorullen i nästan vilken DAW som helst. Jag kommer att gå igenom detta i Ableton, men de flesta DAW fungerar på liknande sätt. Först vill du ställa in din tidsindelning. I Ableton kan du göra detta genom att högerklicka i pianorullfönstret och använda den kontextuella menyn som dyker upp för att ändra rutnätet till 1/16 noter.

När du har gjort det kan du fortsätta och fylla i en enkel 1/16 notrepetition för hi-haten. Det är ett supergrundmönster men en bra utgångspunkt. För att ge det en mer naturlig känsla gillar jag att justera hastigheten på några av hi-hat-träffarna. Du vill inte ha dem alla på samma nivå. Att variera hastigheten något hjälper till att humanisera mönstret, så att det inte låter för robotaktigt.

Även om det här definitivt är ett bra ställe att börja på (och det skulle ha varit helt rätt när Atlantas trap-scen exploderade i början av 2000-talet), förväntar sig producenter och lyssnare nu lite mer kreativitet. Det är där nästa mönster kommer in.

2. Tripletter

Trioler lägger till en extra ton i mixen och flyttar groovet från tvåor till treor, vilket omedelbart förändrar stämningen. De ger en unik känsla som inte är helt straight, men inte heller helt out there.

I musikteoretiska termer innebär en triol att man delar upp ett slag i tre lika stora delar, så att man får tre toner där man normalt skulle ha två.

På 90-talet och i början av 2000-talet var hiphop stort på den där en-två-duplett-känslan, vilket var logiskt på grund av de samplingar som producenterna arbetade med. Många spår lutade sig mot de stadiga, raka grooves som kom från gamla funk-, jazz- eller soulskivor.

Men i dagens trap-musik älskar producenterna att vända på den gamla rytmen genom att använda trioler.

Så här ser ett triolmönster ut i pianorullen:

Lägg märke till att vi fortfarande arbetar med sextondelsrutnätet, men jag har lagt till kick och snare så att du kan se hur allt passar ihop med takten.

När du räknar trioler är känslan lite annorlunda. Det är "trip-ple-let, trip-ple-let" där varje "trip-ple-let" upptar utrymmet för en enda fjärdedelsnot, snarare än bara "1-and-2-and".

Trioler pressar takten på ett sätt som känns tätare och livligare utan att vara överväldigande. Dessa grupper av tre toner är det som ger trioler sin signaturrytm.

3. Rullande Hi-Hats

Nu när vi har ett solitt sextondelsmönster med lite triolvariation är det dags att lägga till lite smak. En av de coolaste aspekterna av trap-rytm är den rullande hi-haten. Det har blivit ett signaturljud i subgenrer som drill, footwork och till och med en del experimentell trap.

Du känner igen de här snabba, maskingevärsliknande hi-hat-rullarna när du hör dem.

Även om rolling hats kan verka slumpmässigt placerade använder de flesta producenter dem strategiskt för att framhäva specifika delar av groovet. När du hör det är det logiskt.

Du kan till exempel höra en snabb roll som leder in i en snare hit, eller i slutet av en fras för att skapa spänning och sedan släppa den. I det här fallet kommer jag att släppa en roll i slutet av den här fyrtaktiga grooven för att dra tillbaka allt till 1.

Så här ser det ut i pianorullen:

Lägg märke till hur rullningen bidrar till en smidig övergång till nästa avsnitt. För att det inte ska låta för robotaktigt kan du lägga till ett litet crescendo och gradvis öka volymen i takt med att rullen byggs upp. Det gör inte bara att hi-haten känns mer naturlig, utan det driver också takten framåt och drar dig tillbaka till början av loopen med lite extra fart.

4. Svänga

Nu när vi har låst in några solida sextondelsnoter, strösslat in några läckra trioler och kastat in en fin liten rulle i slutet av groovet har vi en solid grund. Men om du vill lägga till lite mer mänsklig smak eller växla upp atmosfären är swing det perfekta verktyget.

Swing, i samband med dessa sextondelshattar, ändrar timingen av tonerna för att skapa en avslappnad, lite off-the-grid-känsla. I stället för att varje slag landar perfekt på rutnätet, skjuts vissa slag något framåt eller bakåt. Detta ger beatet en mer avslappnad groove och gör att det inte känns för stelt.

När du applicerar swing på dina hi-hats kan det ge dem lite swagger. Många trap-beats med en långsammare, stämningsfullare vibe använder den här tekniken för att ge hatsarna en mer mänsklig touch.

Så här ser det ut i pianorullen:

Du kommer att märka att inte alla sextondelsnoter i den tredje taktpinnen är perfekt uppradade längre. Genom att lägga till swing justerar vi timingen precis tillräckligt för att ändra känslan utan att förlora det övergripande flödet i mönstret.

5. Pitchade hattar

Med alla sextondelsnoter, trioler, rullar och swing som vi har gått igenom har du redan en gedigen arsenal av hi-hat-mönster.

Men om du verkligen vill ta ditt hi-hat-spel till nästa nivå, som många topproducenter, rekommenderar jag att du experimenterar med pitch shifting. Du hör den här tekniken i spår som Travis Scotts "Goosebumps" och Futures "Mask Off".

Det finns några olika sätt att pitcha dina hats på. Ett alternativ är att använda pitchautomation, som låter dig justera tonhöjden för en enda hi-hat-slag när den spelas.

Ett annat sätt är att släppa ett hi-hat-sample i något som Abletons Simpler och sedan skriva in olika tonhöjder direkt på pianorullen som om du spelade en melodi.

Jag är ett stort fan av att använda automatisering för att skifta tonhöjd på mina hats genom hela groovet. Detta ger mönstret en mer dynamisk, utvecklande känsla.

Pitchade hi-hats är bra i breakdowns, övergångar eller bara för att hålla saker intressanta i mitten av en repetitiv trumslinga. Jag älskar det särskilt under hi-hat-rullar eller i slutet av en slinga.

Genom att variera tonhöjden kan du ge dina hattar mycket mer personlighet utan att behöva ändra rytmen.

Hatten av för Trap Music

Vid det här laget bör du ha några grundläggande hi-hat-koncept att använda i ditt nästa trap-beat.

Alla de trap hi-hat-tekniker vi diskuterade används av de största producenterna i spelet, och de är bra för att få ett spår att studsa. Naturligtvis kommer du i slutändan att vilja ta dessa trap hi-hat-koncept och köra med dem i en annan riktning för att skapa något som är unikt för dig.

Det kan du göra genom att skapa dina egna trap hat-samplingar eller använda effekter som panorering, fasning, reverb och delay.

Ha kul och kolla in vad andra stora producenter gör. Jag tycker ofta att man genom att försöka härma andra musikskapare kan lära sig en hel del om hantverket.