Har du någonsin hört uttrycket "det är inte vad du säger, utan hur du säger det"? Vi kan tillämpa denna princip på musikinstrumentens uttryck: det är inte vad du spelar, utan hur du spelar det. Detta och ett medvetet ljudval är de grundläggande principerna bakom begreppet instrumentering.

Instrumentering i musik ger liv och känsla till en skriven komposition, vilket gör det till en viktig del av att vara musiker, oavsett om du är sångare, producent eller instrumentalist. Nedan förklarar vi hur instrumentering fungerar och hur du kan använda dessa klassiska tekniker för att ge din konst ett bättre uttryck och engagera dina lyssnare.

Definition av instrument i musik

Instrumentering avser den särskilda kombinationen av ljudstrukturer och instrument i ett musikstycke, utformad för att stödja låtens huvudidé. I sin enklaste form syftar instrumentering på en producents eller kompositörs specifika val av instrument för en komposition.

Förutom ljud- och instrumentval kan instrumentering också handla om hur olika element uttrycks: En elgitarr som spelas med vibrato skapar till exempel en helt annan känsla än en gitarr som spelas rent. Olika instrument ligger också i olika frekvensområden, så instrumentering beror i hög grad på ljudets spektralbalans mellan flera olika ljudelement.

I grund och botten handlar instrumentering om att välja instrument och diktera med vilken intensitet de uttrycks med slutmålet att producera en balanserad, sammanhängande mix som stöder melodin i en låt:

‍

Varför är instrumentering viktigt?

När du tänker på instrumentering kanske du omedelbart tänker på orkestermusik. Kan du föreställa dig om en kompositör skrev ett stycke där basstämman var 5x starkare än melodin som spelades på första violinerna? Du kan säkert gissa att stycket skulle kännas obalanserat och att det skulle vara svårt att följa huvudmelodin i musiken.

Principerna bakom instrumentering ger oss ett ramverk för att bygga balanserad, sammanhängande musik som hedrar låtens huvudidé. De flesta låtar kan destilleras ner till trummor, baslinje och melodin som drar ihop allt. Om vi tänker på instrumentering som val som är utformade för att stödja melodin, och inte överväldiga den, är vi i bra form.

Ingredienserna i instrumentering

Så, hur skapas bra instrumentering? Här är de viktigaste komponenterna i instrumentering som varje musiker bör tänka på:

Ljudval

Den största komponenten i instrumenteringen är ljudvalet. Det handlar inte bara om att välja ut de enskilda komponenter som du gillar; ljudval handlar om att ha en förkunskap om var vissa instrument ligger i frekvensspektrumet (oroa dig inte, vi tar upp detta nedan) och att använda den kunskapen för att informera om vad du tar med i din komposition.

Du kanske måste göra vissa kompromisser, för bara för att något låter bra på egen hand betyder det inte att det kommer att låta bra med resten av din musik. Om det inte stöder melodins idé måste det bort.

Textur

Textur handlar om hur mjukt, strävt, skevt eller kontinuerligt ett ljud kan kännas. Även om det här är mer subjektiva termer är det viktigt att tänka på hur de olika instrumentens olika texturer kommer att interagera med varandra när de framförs i en komposition.

Dynamik

Dynamics talar om hur högt eller mjukt något är, särskilt i förhållande till hur ljudstyrka och mjukhet förändras över tid i en låt.

Artikulation

Artikulation avser det sätt på vilket instrumentala eller vokala delar uttrycks. En vokal kan till exempel sjungas med hårda eller mjuka konsonanter, det är bara en fråga om vald artikulation.

Timbre

Timbre beskriver den ton som instrumentala delar uttrycks i.

Räckvidd

Räckvidd är avståndet mellan de lägsta elementen i frekvensspektrumet och de högsta. Din instrumentering kommer att påverka räckvidden på din låt och därmed lyssningsupplevelsen för dina fans.

Blandning

Blandning eller balans handlar om förhållandet mellan en ljudbild och en annan i din komposition. Bra instrumentering ger en konsekvent blandning av de olika elementen i en låt.

Vad är skillnaden mellan instrumentering och orkestrering?

Instrumentering och orkestermusik är mycket lika, båda talar om det specifika ljudet och instrumentvalet inom ramen för en komposition. Orkestrering är dock en något mer specifik term, som handlar om ljudval när man bygger orkestermusik, vanligtvis i en live-miljö.

Instrumentering är däremot en bredare term som omfattar en större mängd produktions- och kompositionsmetoder.

Du kan till exempel säga att det är en typ av instrumentering att välja vissa synthesizers och trumdelar i din digitala ljudarbetsstation. Medan du med orkestrering också skulle arbeta med flera instrument, men i en live-miljö, som att räkna ut ljudbalansen för en stråkkvartett.

Var faller olika ljud över frekvensspektrumet?

För att kunna skapa ett balanserat musikstycke måste du ha en grundläggande förståelse för var instrument och ljud i allmänhet befinner sig i frekvensspektrumet.

Varför då?

Om inte, är det lätt att gå till överdrift i vissa avsnitt, vilket resulterar i dålig instrumentering. Här kan du som referens se var i frekvensspektrumet du kan förvänta dig att instrumenten hamnar:

Trummor

Trummor är förvånansvärt mångsidiga när det gäller täckning av frekvensspektrum. Kickdrums är lägst, med en dunk som ligger någonstans vid 60-80 Hz. Snaror och toms ligger främst i mitten av frekvensspektrumet, medan hi-hats och cymbaler briljerar i den övre delen av frekvensspektrumet, vid 5 kHz+.

Strängar

Strängar täcker mellanregistret i frekvensspektrumet, men vissa stränginstrument har element som sträcker sig lägre eller högre upp. Basgitarrer och kontrabasar täcker en del av det bommiga i den nedre delen av frekvensspektrumet, medan violiner och mandoliner sträcker sig in i det övre frekvensområdet och täcker vissa frekvenser mellan det övre mellanregistret på 2,5 kHz - 5 kHz.

Elbasen kan ta på sig en del av de lägre frekvenserna, samtidigt som den fortfarande upptar betydande utrymme i spektrumets mellanregister.

Sång

Det individuella röstomfånget varierar, men du kan förvänta dig att det i allmänhet ligger mellan 200 Hz och 15 Hz, beroende på om sångaren är man eller kvinna. Mansröster kan täcka ett frekvensområde mellan 100 Hz och 8 kHz. Kvinnoröster kan täcka mycket högre frekvenser, även om de börjar närmare mitten av frekvensspektrumet, mellan 350 Hz och 17 kHz.

Piano, keyboards och synthesizers

Alla dessa instrument är otroligt mångsidiga när det gäller räckvidd, vilket gör att de kan täcka större delen av frekvensspektrumet. De täcker dock inte alla de ultralåga subfrekvenserna eller de extra höga frekvenserna som börjar runt 5 kHz.

Originalpianots utbud är dock mer begränsat än t.ex. elektroniska instrument som keyboards eller synthesizers. Tänk bara på att dessa ljud är mycket omfattande och därför bör användas med försiktighet.

Var hamnar orkesterinstrumenten i frekvensspektrumet?

Om du drömmer om att bli dirigent börjar orkestreringen med att du förstår var specifika instrument befinner sig i frekvensspektrumet. Bekanta dig med var följande instrument befinner sig så att du kan skapa en utmärkt balans i en levande musikmiljö:

Kontrabas

Det är från kontrabasen som man får mullret och de fylliga subfrekvenserna i orkestern. Från 40 - 300 Hz utgör dessa instrument grunden för de låga frekvenserna.

Cello

Cellon vilar ovanför kontrabasen och tillför låga till låga mellanfrekvenser upp till 1 kHz. Den kan ge stöd åt melodin genom att markera toniken i olika ackord.

Flöjt

Flöjten, som är känd för sitt ljusa, ibland gälla ljud, ligger i mellanregistret, men kan sträcka sig till de högre mellanregistren upp till cirka 4 kHz.

Violiner

Violiner håller ofta melodin och sticker ut i en mix tack vare sin genomträngande, klara textur. De kan spänna från 200 Hz upp till 10 kHz eller högre för de där briljanta, höga tonerna.

Piano

Precis som i den moderna produktion som beskrivs ovan är pianot speciellt genom att det kan spänna över nästan hela frekvensspektrumet.

Klarinett

Dessa varma träinstrument håller sin plats i mellanregistret, som upptar cirka 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

Oboen är känd för sin nasalliknande ton, som ger en intressant textur i orkestern. Oboen vilar runt 250 Hz - 4 kHz och håller sig främst i mellanregistret.

Horn

Horn tenderar att ha ett ganska stort omfång, även om de har sitt starkaste fäste i det övre mellanregistret i frekvensspektrumet. Horn är ganska uttrycksfulla och kan lätt överrösta din balans om de spelas för fräckt, så var försiktig.

Trummor

På samma sätt som trummorna i din DAW upptar orkestertrummor hela spektrumet när de spelas tillsammans, med vissa element som upptar högre eller lägre intervall än andra. Samma intervall gäller för kick, snare och cymbaler enligt beskrivningen ovan. Pauken tenderar att ligga i de lägre till mellersta frekvenserna runt 50 - 400 Hz.

Så här använder du modern instrumentering i dina låtar

Även om du inte ser dig själv dirigera klassisk musik eller använda traditionella instrument kan vi ändå ta med oss lärdomarna om instrumentering in i det moderna musikskaparlandskapet. Så här kan du föra in instrumenteringsprinciper i din digitala ljudarbetsstation:

Ljudval och ljuddesign

Precis som med orkestermusik eller levande musikinstrument har de VST:er, instrument och till och med samplingar som du väljer en enorm inverkan på din slutliga komposition. Prioritera det ljud som bäst representerar din melodiska idé och bygg sedan runt det. Alla ljud utanför din huvudidé bör väljas för att betona, inte överta, det ursprungliga ljudet.

Ljudskiktning

Du kan experimentera med att stapla samma ljud eller leka med olika ljud och spela liknande delar över flera oktaver. Att stapla lager kan hjälpa enskilda delar att kännas bredare och mer robusta och göra att din mix känns mer sammanhängande. Var bara försiktig så att du inte överdriver: din melodi ska alltid vara stjärnan i showen.

Automatisering

Automatisering skapar en mer dynamisk upplevelse för lyssnaren, vilket gör att upplevelsen blir mer lik den du får av ett levande musikinstrument. Experimentera med att automatisera parametrar som volym, filter och enskilda komponenter i ditt instrument över tid för att programmera ett mer realistiskt speluttryck i dina låtar.

Velocity och andra uttrycksparametrar

Utmaningen med att producera musik via programvara i stället för att framföra och spela in den är att man kan förlora några av de ofullkomliga aspekter av ett framförande som gör att något låter "mänskligt".

Ett exempel på detta kan vara att ändra hastigheten, eller intensiteten, med vilken tonerna uttrycks. När en instrumentalist framför en del i en låt spelar de vanligtvis inte varje not jämnt, även om det ofta är standardinställningen i MIDI-partier. Ta dig tid att slumpa och justera uttrycksparametrar för att skapa mindre av en robotkänsla.

Instrumentering ger liv åt musiken

Instrumentering handlar om att förstå den soniska karaktären hos de enskilda komponenterna i din komposition och välja dem i enlighet därmed, med slutmålet att skapa ett balanserat stycke där en röst inte helt överväldigar en annan. Det uttryck som bakas in i dina valda ljud kan verkligen förändra den övergripande känslan i ditt stycke, vilket gör instrumentering till ett kraftfullt, dynamiskt verktyg.

Förhoppningsvis har den här guiden gjort det lättare för dig att bemästra instrumenteringskonsten. Njut av att bygga balanserade, väluttryckta kompositioner med instrumentering, oavsett om du är kompositör, producent eller instrumentalist.