Beim Komponieren geht es oft darum, die Grenzen zu erweitern. Aber was wird aus dem Komponieren, wenn die Grenzen völlig außer Acht gelassen werden? Mit anderen Worten: Können die Werke von Komponisten jemals aufhören, als... Musik betrachtet zu werden?

Denn das Oxford Dictionary definiert Oper als "eine Form des musikalischen Dramas, in der rein melodische, rhythmische Kräfte mit erzählerischen Elementen verwoben sind". Das scheint zum Beispiel auf Schönbergs "Pierrot Lunaire" nicht zuzutreffen. OK; können wir es dann weiterhin "Melodrama" nennen? :)

Vorwort

Das Komponieren ist für jeden Künstler ein zutiefst persönlicher und kreativer Prozess. Jeder Künstler hat seinen eigenen Stil, der seine Individualität und künstlerische Vision widerspiegelt.

Zu Beginn des kreativen Prozesses überlegt der Künstler sorgfältig, wie er verschiedene Elemente zu einem kohärenten Ganzen zusammenfügen kann. Durch die Art der Komposition vermittelt der Künstler dem Publikum seine Ästhetik und Perspektive.

Der Kompositionsstil eines Künstlers kann sich im Laufe der Zeit weiterentwickeln und seine persönliche Entwicklung und wechselnde Einflüsse widerspiegeln. Oder besser gesagt: Es ist die Verschmelzung von Stil und Komposition, die Kunstwerke hervorbringt. Und jedes Werk trägt ein Stück der Seele des Künstlers und eine einzigartige Botschaft in sich, die die Welt interpretieren kann.

Gute Musikkomponisten hatten schon immer die einzigartige Fähigkeit, ihre Gedanken und Erfahrungen in musikalische Meisterwerke umzusetzen. Moderne Komponisten verschieben auch heute noch die Grenzen des musikalischen Ausdrucks.

Die westliche Musik wurde in gewisser Weise durch ein tonales Zentrum definiert. In der Atonalität befreien sich die Komponisten von den Zwängen der Arbeit innerhalb einer bestimmten Tonart und den damit verbundenen Erwartungen.

Sie können alle zwölf Töne der chromatischen Tonleiter gleichberechtigt verwenden und die Hierarchien der traditionellen tonalen Harmonie außer Acht lassen.

Das Fehlen einer bestimmten Tonart in der Atonalität ebnete den Weg für einzigartige und innovative Kompositionen.

Klassische Musik

Die klassische westliche Musik hat eine bestimmte Tonalität (oder tonale Zentren, wenn Modulationen auftreten).

Ein starkes tonales Zentrum findet sich in praktisch jeder klassischen Komposition. In Beethovens sehr populärer 9. Sinfonie beispielsweise dient die Tonart d-Moll als "Anker".

Dieses Beispiel zeigt, wie Komponisten das Konzept eines tonalen Zentrums nutzen, um musikalischen Zusammenhalt und ein Gefühl der Auflösung zu schaffen. Das soll nicht heißen, dass die chromatische Tonleiter kein grundlegendes Element in der klassischen Musik ist. Das Gegenteil ist der Fall!

In der klassischen Komposition führt die Verwendung der chromatischen Tonleiter eine reiche und ausdrucksstarke Palette musikalischer Farben ein. Sie vertieft den Pool der Möglichkeiten und ermöglicht komplizierte Harmonien und spannungsgeladene Passagen in klassischen Werken.

Die Funktionsakkorde

Wie in unserem Artikel über die diatonische Tonleiter erwähnt, hat sich die Vorstellung davon, was einen Akkord ausmacht, im Laufe der Zeit entwickelt. Die tonale Musik definiert ihn strenger und struktureller.

Das Konzept der Akkordfunktionalität steht in engem Zusammenhang mit den gegenseitigen Beziehungen der Akkorde, die durch Progressionen und harmonische Kadenzen definiert werden.

Ein einzelner Akkord kann jedoch auch funktional sein und eine Struktur bieten, die eine Melodie untermauert. Es hängt also alles von den Fähigkeiten und Absichten des Komponisten ab.

Geübte Autoren können mit einem einzigen Akkord eine Vielzahl von Stimmungen erzeugen und dabei verschiedene musikalische Kontexte voraussetzen. Zu lernen, sich durch einen Akkord auszudrücken, ist in der Tat ein entscheidender Schritt auf dem Weg zur musikalischen Kunstfertigkeit!

Jenseits des Klassizismus

Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts begannen Alexander Skrjabin und Igor Strawinsky, Musik zu beschreiben, die von der traditionellen diatonischen Tonleiter abwich.

Ihre expressionistischen Werke sind von einer ausdrucksstarken Chromatik geprägt und verwenden Harmonien, Tonleitern und Akkorde, die die konventionelle Tonalität fast völlig aufheben.

Wenn man ihre Kompositionen hört, weiß man zu schätzen, wie meisterhaft sie waren. Ihre spannungsgeladenen Akkordfolgen und Melodien forderten die Erwartungen des Zuhörers heraus.

Der Start

Im Zuge der weiteren Entwicklung stellten innovative Ideen die letzten verbliebenen Zwänge der funktionalen Harmonie in Frage.

Diese Abweichung vom traditionellen Ansatz hat dazu geführt, dass aufeinanderfolgende Akkorde dissonant und unzusammenhängend sind, wie man es aus der Perspektive der konventionellen Akkordstruktur betrachtet.

Arnold Schönberg führte die Atonalität und viele andere experimentelle Techniken ein und verschob die Grenzen noch weiter. Der "Schönberg-Stil" war damals so avantgardistisch, dass manche ihn nicht einmal als Musik betrachteten, was seine Bemühungen zu einem Beispiel für einen archetypischen Paradigmenwechsel macht.

Seine freie Atonalität bestand darauf, dass die traditionellen harmonischen Konzepte völlig aufgegeben wurden, ohne dass er streng darauf achtete, was genau sie ausmacht. Das wirft die Frage auf: Konzentriert sich ein atonaler Komponist darauf, einfach alle traditionellen Regeln zu brechen?

Ästhetik der Atonalität

Entgegen der landläufigen Meinung geht es bei der Atonalität nicht um "Anti-Tonalität". Es handelt sich um eine Reihe von unabhängigen Prinzipien. Zwar sind harmonische Kadenzen "verboten", aber atonale Komponisten richten ihre Ästhetik nicht danach aus, wie nichttonal ein Musikstück ist.

Das Fehlen eines traditionellen tonalen Zentrums ist in der Tat ein charakteristisches Merkmal eines atonalen Werks. Und ja: In einem atonalen Werk vermeidet der Komponist bewusst die Festlegung einer Grundtonart, was zu einer dynamischen Manifestation verschiedener Akkordstrukturen führt.

Aus diesen Prinzipien entstand das, was später als Zweite Wiener Schule bekannt wurde. Arnold Schönberg schrieb den Pierrot Lunaire, um seine ästhetischen Prinzipien zu demonstrieren, und seine Schüler Alban Berg und Anton Webern folgten und begannen, Klavierstücke und sogar Suiten zu schreiben.

Insbesondere bei ihren Klavierstücken zeigte sich, dass der musikalische Schwerpunkt ein ganz anderer war. Die rechte Hand "flog" nicht, während sie die Melodie oder die Durchgangsnoten der Dur-Kadenzen spielte. Vielmehr ging es in den Stücken um Tonhöhenklassen und Struktur, da sie die großen Tasten in den Ruhestand schickten.

Ja, in der atonalen Musik wird Virtuosität (oder besser: Fingerfertigkeit) weniger wichtig. Webern und Berg bauten immer wieder auf dem auf, was ihr Lehrer ihnen vorgab, was zu weiteren stilistischen Entwicklungen führte.

Apex-Jahre

Die serielle Musik entwickelte sich als eine bedeutende Abkehr von der freien atonalen Musik als solcher. Sie stützt sich auf eine Zwölftontechnik oder Tonreihe, die die melodische Abfolge und die aufeinanderfolgenden Akkorde in einer Komposition bestimmt.

Die entsprechende Kompositionstechnik, die damals als "Serialismus" bezeichnet wurde, erlangte durch die Werke der Zweiten Wiener Schule große Bedeutung. Der Vorstoß der Komponisten führte zur Schaffung bahnbrechender atonaler Werke.

Die Lieblingsschüler Schönbergs (die bereits erwähnten Alban Berg und Anton Webern) standen an der Spitze der Serialismusbewegung.

Sie begannen, strenge mathematische Strukturen zu verwenden, um ihre Kompositionen zu organisieren. Ihre atonalen Werke nutzten oft die bereits erwähnten Zwölftonreihen, um ihr Ziel zu erreichen.

Dieses System erforderte, dass alle 12 Töne der chromatischen Tonleiter verwendet werden, jedoch nicht aus einer einzigen Oktave und ohne jegliche Ähnlichkeit mit einer tonalen Melodie (wie traditionell definiert). Um die Herausforderung zu erhöhen, muss die "Reihe" ohne Tonwiederholungen entwickelt werden.

Dies hatte zur Folge, dass atonale Musik auch für den Interpreten eine große Herausforderung darstellte, insbesondere atonale Stücke mit einer Gesangsstimme. Da es keine funktionalen harmonischen Bezüge gab, mussten weniger erfahrene Sängerinnen und Sänger oft spezielle Übungen machen und ihren Part sogar auswendig lernen.

Der Einfluss des Serialismus hat die Welt der zeitgenössischen klassischen Musik nachhaltig geprägt. Die atonalen Stücke ebneten den Weg für weitere kompositorische Experimente.

Die Nicht-Wiener

Es wäre ein Fehler, zu dem Schluss zu kommen, dass atonale Musik mit Wien - oder nur mit dem Westen im Allgemeinen - zusammenhängt.

Sergej Prokofjew erforschte diese Konzepte unabhängig und schuf Werke, die insbesondere die konventionelle Opernstruktur in Frage stellten. Er baute auf den von Skrjabin und Strawinsky geschaffenen Grundlagen auf.

In seinen Kompositionen, ähnlich wie in Alban Bergs Oper Wozzeck, löste sich das primäre Strukturelement auf, während Melodien und Rhythmen an Eigenständigkeit und Komplexität gewannen.

Ironischerweise kann die freie Atonalität sowohl als Anfang als auch als Ende betrachtet werden, einfach weil die Atonalität vor und nach den Serialisten weniger streng war.

Man mag anderer Meinung sein, aber bestimmte Aspekte oder Ausschnitte der Musik von Prokofjew, Schostakowitsch oder auch Rachmaninow sind in gewisser Weise "frei atonal".

Jazz

Spätestens seit Charlie Parker, und erst recht nach ihm, war buchstäblich jeder Jazzmusiker davon besessen, die tonalen Zentren zu erweitern, die Tonarten neu zu definieren, wenn man so will. Dies war die Geburtsstunde des Cool Jazz und insbesondere des modalen Jazz.

Etwas später erforschte Herbie Hancock die Verschmelzung von zeitgenössischer klassischer Musik und Jazzgenres - eine unvermeidliche Folge seines innovativen Geistes. Er behandelte den Rhythmus als untrennbaren Partner der Melodie und schuf bahnbrechende Kompositionen.

Diese Experimente mit melodisch-rhythmischen Spannungen wurden zu einer der wichtigsten Determinanten für die Entwicklung der neuen Musik im 20.

Nachwehen

Die atonale Musik hat weder der tonalen Musik noch der funktionalen Harmonie ein Ende bereitet. Vielmehr definierte sie die Konzepte, die Akkorde und das, was ein tonales Zentrum definiert, was einen Akkord ausmacht, neu.

Tonale Musik heute

Zeitgenössische funktionale Harmonie klingt... nun ja... bereichert (um es gelinde auszudrücken). Die Ästhetik lässt sowohl die Tonhöhenklassen der atonalen Musik als auch ein tonales Zentrum zu.

Die tonale Musik von heute kann - und tut - auch atonale Musik enthalten. Oder vielleicht "Anklänge" an atonale Musik, oder vielleicht Einblicke und Einflüsse von atonaler Musik. Und das ist nur natürlich, denn Musik ist Musik, und der Schlüssel liegt in den Ideen der Komponisten.

Atonale Musik von heute?

Umgekehrt gilt: Atonale Musik ist atonale Musik. Und es gibt zeitgenössische atonale Musik, auch wenn man sie nicht als solche bezeichnet (als "zeitgenössische atonale Musik" ).

Arnold Schönberg und alle früheren Schulen unterscheiden sich erheblich von den heutigen Schulen. "Pierrot Lunaire" ist nicht mit der heutigen atonalen Musik vergleichbar. Aber andererseits war sie auch nicht mit Pendereckis "Threnody to the Victims of Hiroshima" vergleichbar, und die entstand nur ein Jahrzehnt nach Schönbergs Tod...

Wichtig ist, dass die atonale Musik Schönbergs neue Ideen in die Musikwelt brachte. Wichtige Ideen, die vor allem in der Film- und Theatermusik von Nutzen sind. Und ja: Heute sind sich alle einig, dass die Werke Schönbergs Musik waren - und immer sein werden!