Cinematische Akkordfolgen haben einen einzigartigen Geschmack, der sie in der Welt der Musikkomposition hervorhebt.

Heute werfen wir einen Blick darauf, was nötig ist, um diese magischen Kompositionen zum Leben zu erwecken, angefangen bei der Musiktheorie bis hin zu den Akkordfolgen, die einige Filme zu zeitlosen Klassikern gemacht haben. Am Ende dieses Artikels werden Sie alles wissen, was Sie brauchen, um Ihre eigene Filmmusik, Videospielmusik oder alles andere zu schreiben, was Sie sich vorstellen können.

Akkordprogressionen verstehen

Wir können das Thema der filmischen Akkordfolgen nicht realistisch angehen, ohne zu wissen, was eine Akkordfolge ist. Das ist ein komplexes Thema, deshalb gebe ich Ihnen nur einen kurzen Überblick. Diejenigen, die bereits mit der Musiktheorie hinter Akkordstrukturen vertraut sind, können diesen Abschnitt auslassen.

Für diejenigen, die gerade erst anfangen, ist die Beschäftigung mit der Diatonalität und der funktionalen Harmonie ein guter Weg, um die Theorie der musikalischen Progression zu verstehen.

Diatonische Akkordfolgen verwenden Noten aus einer einzigen Tonart. Wenn Sie zum Beispiel einen Song in A-Dur schreiben, werden alle Akkorde aus der A-Dur-Tonleiter stammen, die die Noten A, B, C#, D, E, F# und G# enthält.

Aus dieser Skala können Sie Dreiklänge oder Akkorde mit drei Noten bilden:

• A-Dur (I): A CIS E
• h-Moll (ii): B D F#
• Cis-Moll (iii): C# E G#
• D-Dur (IV): D FIS A
• E-Dur (V): E G# B
• Fis-Moll (vi): FIS A CIS
• G# vermindert (vii°): G# B D

Jeder Akkord wird in der Regel mit einer römischen Ziffer dargestellt: Großbuchstaben sind die Dur-Akkorde, Kleinbuchstaben die Moll-Akkorde. Daraus ergibt sich die Progression: I - ii - iii - IV - V - vi - vii°.

Die Tonika oder der I-Akkord (in diesem Fall A-Dur) ist der Bezugspunkt für alle anderen Akkorde, während der V-Akkord (E-Dur) die so genannte "Dominantfunktion" ist, die einen starken "Wunsch" hat, sich wieder zur Tonika aufzulösen.

Wenn wir untersuchen, wie sich Akkorde zueinander verhalten, sprechen wir von Stimmführung, die beschreibt, wie sich einzelne Noten von einem Akkord zum anderen bewegen.

Wenn wir zum Beispiel von V (E-Dur) nach I (A-Dur) gehen, stellen wir Folgendes fest:

• E (Grundton) löst sich in A (Grundton) auf.
• G# (Terz) löst sich nach A (Grundton) auf.
• B (Quinte) löst sich in C# (Terz von I) auf.

Diese Auflösung macht I - V - I zu einer gemeinsamen Progression, die vollständig und harmonisch klingt.

Wenn V sich gut zu I auflöst, können wir nach anderen Akkorden suchen, die eine ähnliche Beziehung haben.

Der ii-Akkord (h-Moll) ist eine Quinte von V entfernt. Wenn man ii vor V hinzufügt, entsteht die Progression I - ii - V (A - Bm - E), wobei ii ein vorherrschender Akkord ist, der leicht zum dominanten Akkord (V) führt. Diese I - ii - V-Progression ist eine der am häufigsten verwendeten in verschiedenen Musikrichtungen, einschließlich Jazz, Klassik, Pop und Country.

Quintenzirkel

Wenn Sie planen, Soundtrack-Komponist zu werden, ist der logische nächste Schritt in der Musiktheorie das Verständnis des Quintenzirkels.

Eine "Quinte" ist die fünfte Note in einer Durtonleiter. Indem Sie eine Note und dann die sieben Tonhöhen höhere Note spielen, bilden Sie eine Quinte. Durch die Fortsetzung dieses Musters entsteht ein Kreis, der die Beziehungen zwischen den Tonarten visuell darstellt. Je näher sich zwei Tonarten auf diesem Kreis befinden, desto weicher klingt der Übergang zwischen ihnen; ebenso können weiter voneinander entfernte Tonarten einen kontrastreicheren Effekt erzeugen.

Warum müssen Sie das wissen? Weil der Übergang zwischen den Tonarten bei der Gestaltung einer emotionalen Reise entscheidend ist.

Filmkomponisten wechseln zwischen Tonarten, um Veränderungen in den Szenen zu folgen, und der Quintenzirkel zeigt deutlich, wie eng die Tonarten miteinander verbunden sind. Der Wechsel von C-Dur nach G-Dur ist zum Beispiel ein üblicher Übergang, weil die beiden Tonarten einige Noten gemeinsam haben, was die Musik natürlich fließen lässt.

Der Quintenzirkel ermöglicht es Ihnen auch, verschiedene Melodien zu erforschen, indem Sie zwischen Tonarten wechseln, die zwar weit voneinander entfernt, aber dennoch miteinander verwandt sind; ein Wechsel von C-Dur nach Fis-Dur kann ein ziemlich drastischer Wechsel sein, aber auch kontrastierende Tonarten können gut funktionieren, wenn die Szene eine plötzliche Bewegung erfordert.

Bei der Orchestrierung können Komponisten auch Tonarten wählen, die mit bestimmten Instrumenten gut funktionieren, indem sie einfach dem Quintenzirkel folgen und dabei die harmonische Progression beibehalten.

Letztlich geht es bei der Komposition von Soundtracks um Spannung und Entspannung, und das Verständnis des Quintenzirkels gibt Komponisten eine Struktur an die Hand, um effektiv Spannung aufzubauen. Entweder durch die Auflösung von einem Dominantakkord zurück zum Hauptakkord oder durch die Verwendung von Sekundärdominanten und modalen Wechseln können Sie Ihrer Musik mehr Tiefe verleihen, indem Sie diesem System folgen.

Beste Beispiele

Schauen wir uns an, wie einige der berühmtesten Partituren diese Verläufe verwenden:

Interstellar - Hans Zimmer

Ein phänomenaler Soundtrack von einem der größten lebenden Komponisten der Filmmusik. Das Hauptthema von Interstellar steht in der Tonart a-Moll, aber es beginnt mit dem VI-Akkord, Fmaj7, gefolgt vom v-Moll-Akkord, e-Moll, der ein G im Bass hat.

Der dritte Akkord ist a-Moll, was ein deutliches Gefühl der Auflösung vermittelt. Dann kehrt die Progression nach e-Moll zurück, wieder mit G im Bass, aber diesmal mit einer D-Note in der Melodie. Die Moll-Akkordfolge mit den gelegentlichen Akkordumkehrungen schafft eine Atmosphäre der Ehrfurcht und des Mysteriums, die perfekt zu dieser verblüffenden, visionären Weltraumoper passt.

Seltsame Dinge - Kyle Dixon und Michael Stein

Das Hauptthema von "Stranger Things" ist ein weiteres großartiges Beispiel, weil es eine einfache, aber effektive Möglichkeit bietet, Spannung zu erzeugen.

Das Thema verwendet nur zwei Akkorde: C-Dur 7 und C-Dur 7/E. Der Wechsel zwischen diesen Akkorden ist jedoch besonders sanft, da nur die Grundtöne der beiden Akkorde in verschiedenen Oktaven im Bass gespielt werden.

C-Dur 7 und C-Dur 7/E haben dieselben vier Noten, aber durch den Wechsel der Bassnote erhält jeder Akkord einen anderen Klang. Der Effekt der wechselnden Basstöne unter einem Akkord schafft eine beunruhigende Atmosphäre, die perfekt zur Geschichte passt.

Prinzessin Leia's Theme (Star Wars)- John Williams

Ich war schon immer eher ein Star-Trek-Fan, aber ich kann nicht leugnen, dass die Star-Wars-Filme einige der besten Musikkompositionen enthalten, die für das Kino gemacht wurden. Von allen Meisterwerken, die im Laufe der Jahrzehnte komponiert wurden, ist John Williams' "Princess Leia's Theme" ein Höhepunkt der musikalischen Erzählkunst.

Die Akkordfolge des in D-Dur geschriebenen Themas folgt dem Muster I-iv-I-iv-II-vi-i-VI-iv-V-II dom 7. So wechselt die Musik zwischen Dur- und Moll-Akkorden, was der Musik eine Aura der Sehnsucht verleiht.

Was ich an Leias Thema am meisten liebe, ist die Art und Weise, wie es von einem D-Dur-Akkord zu einem Moll-IV-Akkord (g-Moll) übergeht. Dieser Wechsel verleiht der Musik eine bittersüße, nuancierte und majestätische Textur.

Williams verwendet g-Moll anstelle eines G-Dur-Akkords, um dem Soundtrack einen dunkleren und emotionaleren Klang zu verleihen. Außerdem verschiebt sich die Tonart im Verlauf des Themas um einen Halbtonschritt nach unten, was die Tiefe des Stücks noch verstärkt. Das Thema durchläuft diese Akkorde zweimal, bevor es wieder nach D-Dur zurückkehrt.

9 filmische Akkorde, die Sie für Ihre Soundtracks verwenden können

I - V - vi - IV: Das Beste für Pop-Soundtracks

Beispiel: C - G - Am - F

I - V - vi - IV ist die bei weitem beliebteste Progression in der westlichen Musik. Sie beginnt mit dem I-Akkord (der Tonika), geht zum V-Akkord (der Dominante) über, fällt auf den vi-Akkord (die kleine Sexte) und endet mit dem IV-Akkord (der Subdominante).

Diese Progression eignet sich nicht nur perfekt für den Wechsel des tonalen Zentrums, sondern erzeugt auch ein Gefühl des Aufschwungs, mit einem Fluss von Emotionen, der sich allmählich in Richtung Hoffnung bewegt. Die gesamte Stimmung fühlt sich vollständig und ermächtigend an, weshalb sie im Laufe der Jahrzehnte unzählige Male verwendet wurde.

vi - IV - I - V: Das epische Stück

Beispiel: Am - F - C - G

Eine weitere häufige Sequenz ist vi - IV - I - V, die einem ähnlichen Muster wie I - V - vi - IV folgt, aber mit dem untergeordneten Akkord, dem vi-Akkord, beginnt, bevor sie sich zu einer starken Auflösung aufbaut.

Es schafft eine emotionale Verschiebung, die ziemlich ergreifend ist, vor allem weil das V eine starke emotionale Befreiung für die Reise einer Figur darstellt.

vi - iii - V - II: Positivität und Hoffnung

Beispiel: Am - Em - G - D

Diese Sequenz eignet sich gut für emotionale Momente, in denen die Balance zwischen Traurigkeit und Hoffnung entscheidend ist.

Die Akkordfolge vi - iii - V - II nimmt den Hörer mit auf eine emotionale Reise. Sie beginnt mit einem vi-Akkord, der Feierlichkeit ausstrahlt, und der iii-Akkord setzt dieses Gefühl fort, beginnt aber eine Veränderung anzudeuten. Wenn die Progression den V-Akkord erreicht, entsteht ein Gefühl der Sehnsucht, das im II-Akkord gipfelt und eine überraschende und positive Wendung hinzufügt.

vi - IV - V - iii: Traurigkeit mit Akzeptanz

Beispiel: Am - F - G - Em

Diese Progression beginnt wieder mit dem Vi-Akkord, aber der darauf folgende IV-Akkord bringt ein vorübergehendes Gefühl der Stabilität. Der nächste V-Akkord erzeugt Spannung, aber die Progression endet mit dem iii-Akkord, der ein bittersüßes Gefühl vermittelt.

Die beiden Moll-Akkorde lassen es traurig klingen, und besonders der iii-Akkord ist für das bewegende Gefühl verantwortlich, das die Progression bestimmt.

Ich finde, diese Struktur ist perfekt für Momente der Akzeptanz und des Verlusts. Sie hinterlässt beim Publikum ein Gefühl von ungelösten Emotionen, was gut funktionieren kann, wenn man den Kampf einer Hauptfigur schildert.

I - IV - vi - V: Der Soundtrack des Helden

Beispiel: C - F - Am - G

Die Progression I - IV - vi - V ist ein weiterer Standard in der Filmerzählung, der sich gut für heldenhafte Figuren eignet. Sie beginnt stark mit dem I-Akkord, und der IV-Akkord verstärkt das kraftvolle Gefühl der Musik noch.

Als nächstes fügt der Vi-Akkord dieser Dur-Akkordfolge ein subtiles Element der Verletzlichkeit hinzu, und der V-Akkord erzeugt Spannung, bevor er zum grundlegenden I-Akkord zurückkehrt.

ii - IV - vi - V: Majestätische Progression

Beispiel: Dm - F - Am - G

Diese Progression ist perfekt für epische Szenen. Sie beginnt mit dem ii-Akkord, der ihr ein Gefühl der Bewegung verleiht. Der IV-Akkord sorgt für Stabilität, während der Vi-Akkord eine gewisse Verletzlichkeit mit sich bringt. Schließlich löst der V-Akkord mit Stärke auf.

vi - IV - V - II: Aufmunternde Stimmung

Beispiel: Am - F - G - D

Diese Abfolge findet sich wahrscheinlich in allen YouTube-Videos mit Natur- und Entspannungsmusik!

Es beginnt mit dem Vi-Akkord, der an sich schon eine nachdenkliche und traurige Stimmung ausstrahlt. Die IV- und V-Akkorde bauen jedoch ein Gefühl der Vorfreude auf, das inspirierend und positiv ist. Die Sequenz endet mit dem II-Akkord, der der Progression ein Gefühl der Hoffnung verleiht.

I - IV - ii - V: Ein neues Abenteuer

Beispiel: C - F - Dm - G

Hier ist ein Verlauf, der sich hervorragend für Action- und Reiseszenen eignet.

Die Progression I - IV - ii - V ist recht beschwingt und beginnt mit dem I-Akkord, der ein starkes Fundament bildet. Der nächste IV-Akkord erweitert die Musik, während der ii-Akkord etwas Spannung hinzufügt. Schließlich löst sich die Progression in einem starken V-Akkord auf, der ein Gefühl von Aufregung und Energie vermittelt.

I - iii - V - II: Expansiv

Beispiel: C - Em - G - D

Die I-iii-V-II-Progression beginnt mit dem kraftvollen I-Akkord und geht dann in einen eher unerwarteten iii-Akkord über. Der V-Akkord steigert die Vorfreude, während der II-Akkord schließlich ein Gefühl der unendlichen Möglichkeiten vermittelt.

Die beiden Dur-Akkorde am Ende dieser Progression erzeugen eine positive Stimmung, die in vielen filmischen Kontexten verwendet werden kann.

Letzte Tipps

Um eine filmische Akkordfolge zu schaffen, die bei den Menschen ankommt, braucht man ein Klangvokabular, das sowohl tiefgründig als auch vertraut klingt. Stellen Sie also sicher, dass Sie Musik schreiben, mit der die Menschen etwas anfangen können und die die Bedeutung des Geschehens auf der Leinwand erweitert.

Wenn es um Filmmusik geht, sind die Möglichkeiten schier endlos: Wenn Sie beispielsweise mehr über Moll-Tonarten lernen, können Sie Ihrer Partitur viel emotionale Tiefe verleihen, oder Sie können von einer Dur-Tonart zu ihrer Moll-Version wechseln, um einen starken Kontrast zu erzeugen, der die Dramatik erhöht.

Dasselbe gilt für geliehene Akkorde aus der parallelen Molltonart, z. B. das Ersetzen eines Vi-Akkordes in einer Durtonart durch den Iv-Akkord aus der Molltonleiter. Oder die Beherrschung der Grundtonbewegung, um zwischen Akkorden zu wechseln, die eine gemeinsame Note haben.

Schließlich kann das Hinzufügen eines verminderten Akkords in Ihre Progressionen Spannung erzeugen und zu einer sinnvollen Auflösung führen, insbesondere wenn Sie ihn als Übergang zwischen zwei Akkorden in traditioneller Harmonie verwenden.

In vielen Soundtracks wurden verminderte Akkorde verwendet, um einfache Progressionen überraschend zu gestalten. Mit diesem Trick, zusammen mit sekundären Dominanten und Tonartwechseln, können Sie eine Klangpalette aufbauen, die neue Emotionen zum Leben erweckt.

Viel Glück, und bleiben Sie kreativ!