Dub-Musik mag ein Nischengenre gewesen sein, aber seine Wellen haben weit über die Küste Jamaikas, wo er geboren wurde, hinausgewirkt. Von den echolastigen Tracks der Reggae-Legenden der 1970er Jahre bis hin zu den basslastigen Produktionen der heutigen elektronischen Tanzmusik hat der Dub seine Spuren in vielen Bereichen der populären Musik hinterlassen.

Künstler wie The Clash und Massive Attack sind in den Dub-Pool eingetaucht und haben Musik geschaffen, die seit langem ein weltweites Publikum anspricht, doch irgendwie bleibt der Dub selbst ein Genre, das für viele immer noch unter dem Radar fliegt.

Trotz ihres jahrzehntelangen Einflusses ist die Dub-Musik nach wie vor ein Sound, der sowohl allgegenwärtig als auch schwer fassbar ist. In diesem Artikel werden wir tief in die Geschichte, den Einfluss und die Ikonen der Dub-Musikszene eintauchen. Am Ende werden Sie sehen, warum Dub viel mehr als nur ein anerkennendes Nicken verdient. Und wer weiß? Vielleicht findest du dich ja in deinem nächsten Track mit einem Dub-inspirierten Beat wieder!

Was ist Dub-Musik?

Dub-Musik, oft auch als "Dub-Reggae" bezeichnet, entstand in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren aus den Instrumentalversionen jamaikanischer Reggae-Songs. Alles begann mit der einfachen, aber brillanten (und zufälligen) Idee, Reggae-Songs auf ihre nackten Knochen zu reduzieren - indem man den Lead-Gesang entfernte, während man manchmal den Backing-Gesang beibehielt - und so einen Raum zu schaffen, in dem der Rhythmus, oder "Riddim", im Mittelpunkt stand.

Bei diesen frühen Dub-Tracks ging es vor allem um Drum and Bass, den Herzschlag der Reggae-Musik, der für alle hörbar war.

Der Name "Dub" leitet sich von " Dubplates" ab, Acetatplatten , die von den Betreibern von Musikanlagen verwendet wurden, um neue Mischungen zu testen oder exklusive Titel abzuspielen. Der Begriff "Dub" selbst wurde zum Synonym für das Abmischen und Verändern dieser Instrumentalversionen durch Hinzufügen von Effekten wie Reverb, Echo und Delay.

Im Grunde wurde der Produzent zum Künstler, der die Musik in Echtzeit neu abmischte und umgestaltete und das Mischpult in ein eigenes Instrument verwandelte.

In seinen Anfängen war Dub-Musik roh und organisch. Die Produzenten nutzten das Studio als kreative Spielwiese. Doch mit dem technologischen Fortschritt entwickelte sich auch die Dub-Musik weiter. Drumcomputer und Sampler hielten Einzug und drängten das Genre in neue Gefilde.

Heute hat sich die Dub-Musik fast zu einem eigenen elektronischen Musikgenre entwickelt und beeinflusst alles von Hip-Hop bis EDM. Doch im Kern bleibt der Dub seinen Wurzeln treu - ein Fest des Rhythmus, des Experimentierens und der Kraft des Basses!

Eine Geschichte der Dub-Musik

"Am Strand"

Die Geburt der Dub-Musik ist einer jener glücklichen Zufälle, die den Lauf der Musikgeschichte für immer verändert haben.

Es war 1968 in Jamaika, und die Luft war erfüllt von den Klängen der Reggae-Musik. Der Produzent Rudolph "Ruddy" Redwood hatte gerade das Treasure Isle Studio beauftragt, eine Aufnahme der Hitsingle "On the Beach" von den Paragons zu pressen.

Doch ein kleiner Fehler von Byron Smith, dem Toningenieur des Studios, führte zu etwas Magischem.

Smith drückte versehentlich eine Kopie des Tracks ohne den Gesang - nur das Instrumental. Anstatt den "Fehler" zu verwerfen, beschloss Redwood, damit weiterzumachen und legte die gesangslose Version auf einer seiner Partys auf.

Die Reaktion war elektrisch.

Das Publikum liebte den reduzierten, rhythmusbetonten Sound, und die Instrumentalversion wurde schnell zu einem Riesenhit. Was machte sie so besonders? Zum einen gab sie der Musik mehr Raum zum Atmen, und zum anderen eröffnete sie Möglichkeiten für das so genannte "Toasting", bei dem die DJs über den Riddim sprechen, skandieren oder singen. Dies war ein früher Vorläufer dessen, was wir heute als modernen Rap und Hip-Hop kennen.

Der King Tubby-Sound

Die zufällige Geburt der Dub-Musik erregte schließlich die Aufmerksamkeit eines ihrer einflussreichsten Pioniere, Osbourne "King Tubby" Ruddock. Als Tontechniker mit einem feinen Gespür für Innovationen erkannte King Tubby das Potenzial, die Idee der instrumentalen Reggae-Tracks auf die nächste Stufe zu heben. Inspiriert von den vielen Möglichkeiten, entwickelte Tubby seine eigene Dub-Formel, bei der es um Dekonstruktion und Rekonstruktion ging.

Er nahm die ursprünglichen Reggae-Tracks und reduzierte sie auf ihre Kernelemente - vor allem den Drum-and-Bass, der als "Riddim" bekannt ist. Dann überlagerte er die Tracks mit einer Mischung aus Echo, Hall und Delay. Der Gesang wurde oft auf Fragmente, Echos des Originals, reduziert, während andere Instrumente in den Mix hinein- und wieder herausfielen und so ein intensives Hörerlebnis schufen.

Dieser innovative Ansatz in der Musikproduktion verbreitete sich bald wie ein Lauffeuer, und die Dub-Musik entwickelte sich schnell von einem Phänomen der Soundsysteme zu einer festen Größe im Tonstudio. Es dauerte nicht lange, bis Dub-Alben in den Regalen der Plattenläden auftauchten und die Welt mit einer neuen, experimentellen Seite des Reggae bekannt machten.

Synchronisierung des Mainstreams

In den 1960er und 1970er Jahren boomte die jamaikanische Musikszene mit Mainstream-Hits aus Ska, Rocksteady und Reggae. Diese Genres beherrschten den Äther und die Tanzsäle. Doch während diese Titel die Charts stürmten, braute sich auf den B-Seiten etwas Revolutionäres zusammen.

Sound Systems, immer auf der Suche nach etwas Neuem und Aufregendem, begannen mit den Rückseiten dieser beliebten Platten zu experimentieren. Anstatt einfach die Originaltitel zu pressen, begannen sie, Dub-Versionen der A-Seiten zu erstellen, wobei sie den Gesang entfernten und mit den instrumentalen Elementen spielten.

Diese Synchronversionen hauchten den Mainstream-Hits neues Leben ein.

King Tubby Meets Rockers Uptown" zum Beispiel war die Dub-Version von "Baby I Love You So" von Jacob Miller und wurde zu einer der berühmtesten Dub-Versionen einer A-Seite.

Dub-Experten treten auf den Plan

Anfang der 1970er Jahre war die Dub-Musik zu einer vollwertigen Bewegung geworden. Mehrere bahnbrechende Produzenten traten auf den Plan, von denen jeder dem sich entwickelnden Genre seinen eigenen Stempel aufdrückte. Namen wie Lee "Scratch" Perry, King Tubby, Augustus Pablo und Errol Thompson hallten durch die Straßen von Kingston, als diese Visionäre sich ihren Platz als die wahren Eigentümer des Dub erkämpften.

Einer derjenigen, die zur Dub-Revolution beitrugen, war Derrick Harriott, ein Produzent, der dem Genre seine ganz eigene Note verlieh.

Harriott wurde bekannt für seinen einfallsreichen Einsatz von Soundeffekten und fügte Elemente wie Sirenen, Donnerschläge und sogar Dialogfetzen zu seinen Synchronisationen hinzu. Diese Effekte verliehen der Musik eine besondere Atmosphäre und Dramatik, so dass jedes Stück wie eine lebendige, atmende Einheit wirkte.

Die Entstehung der britischen Dub-Szene

Als sich jamaikanische Einwanderer in den 1970er und 1980er Jahren im Vereinigten Königreich niederließen, brachten sie die Klänge des Reggae und der Dub-Musik mit. Dieser kulturelle Austausch war der Auslöser für die Entstehung einer eigenen britischen Dub-Szene.

Pionierkünstler wie Dennis Bovell, Mad Professor und Jah Shaka spielten eine entscheidende Rolle bei der Entstehung dieser Bewegung, indem sie die dröhnenden Basslines und hypnotischen Rhythmen des jamaikanischen Dub mit ihrem eigenen, einzigartigen britischen Geschmack veredelten.

Dennis Bovell, der als "Godfather of UK Dub" bekannt ist, war maßgeblich daran beteiligt, den Dub in Großbritannien bekannt zu machen. Seine Arbeit mit Bands wie Matumbi half, die Kluft zwischen Reggae, Dub und der aufkommenden Punkszene zu überbrücken.

In ähnlicher Weise wurde Mad Professor für seinen experimentellen Ansatz berühmt, bei dem er traditionelle Dub-Elemente mit elektronischen Klängen vermischte, um einen futuristischen, spacigen Vibe zu schaffen, der bei der Jugend jener Zeit Anklang fand. Jah Shaka setzte sich für die spirituelle Seite des Dub ein und nutzte seine Musik, um Botschaften von Frieden, Liebe und Widerstand zu verbreiten.

Diese britischen Dub-Pioniere inspirierten auch eine Reihe von Crossover-Bands, die den Dub in ihren eigenen Sound integrierten und ihn so einem noch größeren Publikum zugänglich machten.

Bands wie The Police, The Clash und UB40 begannen, mit den tiefen Rhythmen und Echoeffekten des Dub zu experimentieren und sie mit Punk, Rock und New Wave zu vermischen. Das kultige Album Sandinista! von The Clash und der Titel Walking on the Moon" von The Police zeigen, wie der Dub die britische Mainstream-Musik beeinflusste.

Die britische Dub-Szene gab nicht nur den jamaikanischen Klängen eine Plattform, sondern erweiterte auch die Reichweite der Dub-Musik.

Dub wird elektronisch

Anfang der 1980er Jahre nahm die Entwicklung der Dub-Musik eine spannende Wendung, als elektronische Remixe aufkamen. Die Produzenten begannen, mit Synthesizern, Drumcomputern und digitalen Soundeffekten zu experimentieren und die Grenzen des typischen Dub-Sounds zu erweitern. Aus dieser Zeit stammt die Verschmelzung von Dub und elektronischer Musik, die ein ganzes Spektrum von Subgenres hervorbrachte, die die Musikwelt bis heute beeinflussen.

Mit dem Einzug des Dub in das digitale Zeitalter entstanden verschiedene elektronische Formen des Dub:

• Dubstep: Viele moderne Dubstep-Fans wissen nicht, dass das Genre Ende der 1990er Jahre in Großbritannien entstand. Zunächst nahm Dubstep die tiefen Bässe und halligen Elemente des Dub auf und verschmolz sie mit einem dunkleren, aggressiveren Sound. Pionierkünstler wie Skream, Benga und Burial trugen zur Definition dieses Genres bei, das in den Underground-Clubs schnell an Popularität gewann und später in der globalen Musikszene explodierte.
• Dubtronica: Mit den atmosphärischen Qualitäten von Dub und elektronischen Drums wurde Dubtronica zu einem Raum für Experimente. Künstler wie Thievery Corporation und Ott sind für ihre Arbeit in diesem Genre bekannt.
• Dub Techno: Dub Techno verbindet den Minimalismus des Techno mit den tiefen, hallenden Qualitäten des Dub. Künstler wie Basic Channel und Deepchord waren die Pioniere dieses Genres.
• Psydub: Psydub ist eine Fusion aus Dub und psychedelischer Musik und bietet ein trippiges, bewusstseinsveränderndes Hörerlebnis. Shpongle und Younger Brother sind Schlüsselfiguren in der Psydub-Szene.
• Trip-Hop: Trip-Hop verbindet Dub mit Hip-Hop, Jazz und elektronischer Musik und schafft so ein Genre, das sowohl chillig als auch kantig ist. Massive Attack, Portishead und Tricky sind einige der bekanntesten Künstler, die aus der Trip-Hop-Szene der 90er Jahre hervorgegangen sind.

Im Laufe der Zeit wurden auch die Überschneidungen zwischen Dub und Dancehall immer deutlicher, vor allem als Dancehall in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren begann, elektronische Elemente einzubeziehen.

Künstler wie King Jammy waren maßgeblich an dieser Fusion beteiligt, und später verwischten Künstler wie Shabba Ranks und Buju Banton die Grenzen noch weiter, indem sie vom Dub inspirierte Produktionstechniken für ihre Dancehall-Hits einsetzten.

Reggae vs. Dub

Reggae und Dub sind eng miteinander verwandt, und so ist es nicht verwunderlich, dass viele Leute von beiden Genres gleich sprechen. Zunächst einmal haben beide ihre Wurzeln in den reichen musikalischen Traditionen Jamaikas.

Obwohl sie viele Gemeinsamkeiten haben, gibt es doch einige wichtige Unterschiede, die sie voneinander unterscheiden. Hier eine Übersicht über die wichtigsten Unterschiede zwischen Reggae und Dub:

• Struktur :
  • Reggae: Typisch sind strukturierte Songformate mit Strophen, Refrains und oft starken Gesangsmelodien.
  • Dub: Hauptsächlich instrumentale Musik, bei der die Elemente des Originalstücks neu abgemischt und manipuliert werden, wobei der Gesang oft entfernt oder minimiert wird.
• Instrumentierung :
  • Reggae: Eine komplette Band mit Gitarre, Bass, Schlagzeug, Keyboards und Bläsern, wobei der Schwerpunkt auf Rhythmus und Melodie liegt.
  • Dub: Der Schwerpunkt liegt auf dem Bass und dem Schlagzeug (dem "Riddim"), wobei andere Instrumente oft weggelassen oder nur sparsam mit zusätzlichen Effekten eingesetzt werden.
• Produktionstechniken :
  • Reggae: Aufgenommen und produziert mit minimalen Soundeffekten, mit Schwerpunkt auf einem natürlichen Live-Band-Sound.
  • Dub: Bekannt für den experimentellen Einsatz von Studioeffekten wie Reverb, Echo und Delay, die einen räumlichen, unwirklichen Klang erzeugen.
• Stimmliche Präsenz :
  • Reggae: Der Gesang steht im Mittelpunkt und verkündet die Botschaft des Liedes, oft mit Themen wie Liebe, soziale Gerechtigkeit und Spiritualität.
  • Dub: Wenn Gesang vorhanden ist, wird er in der Regel fragmentiert, mit Echo versehen oder neu abgemischt, so dass er eher Teil der Gesamttextur ist als im Mittelpunkt steht.
• Zweck :
  • Reggae: Ziel ist es, ein zusammenhängendes Song-Erlebnis mit einer klaren Erzählung oder Botschaft zu liefern.
  • Dub: Dient oft als Remix oder Neuinterpretation von Reggae-Musik, wobei der Schwerpunkt auf Stimmung, Rhythmus und Klangexperimenten liegt.
• Kulturelle Auswirkungen :
  • Reggae: Weithin anerkannt für seinen Einfluss auf die weltweite Musik, insbesondere für die Verbreitung der jamaikanischen Kultur und der Botschaften von Frieden und Einheit.
  • Dub: Hat den Sound der modernen elektronischen Musik, von Hip-Hop bis EDM, entscheidend geprägt und ist für seine Rolle in der Remix-Kultur bekannt.

Dub- und Reggae-Musik haben zwar einen gemeinsamen Ursprung, unterscheiden sich aber in der Art und Weise, wie sie Musik machen.

Ikonische Dub-Künstler

König Tubby

King Tubby, geboren als Osbourne Ruddock, wird oft als "Vater des Dub" bezeichnet.

Als bahnbrechender Tontechniker revolutionierte Tubby die Musikproduktion, indem er das Mischpult in ein Instrument verwandelte. Seine bahnbrechende Arbeit bestand darin, Reggae-Tracks auf ihren Kern zu reduzieren und innovative Klangeffekte wie Echo, Reverb und Delay hinzuzufügen.

Tracks wie King Tubby Meets Rockers Uptown featuring Augustus Pablo zeigen seinen unverwechselbaren Stil. Tubbys Einfluss ist immens, und er hat in fast jeder Hinsicht den Grundstein für die moderne Remix-Kultur und elektronische Musik gelegt.

Lee Scratch Perry

Lee "Scratch" Perry, auch bekannt als "The Upsetter", ist eine weitere der exzentrischsten und einflussreichsten Figuren des Dub. Als Produzent, Mixer und Künstler hat Perry im Black Ark Studio in Jamaika einige der bahnbrechendsten Dub-Tracks aller Zeiten produziert.

Er war ein Meister im Umgang mit unkonventionellen Klängen wie zerbrechendem Glas oder Tiergeräuschen, die er mit starkem Hall und Verzögerung überlagerte, um unwirkliche Klangwelten zu schaffen. Perrys Zusammenarbeit mit Künstlern wie Bob Marley und The Wailers sowie seine eigenen Alben trugen dazu bei, die Grenzen des Dub zu erweitern, und machten ihn zu einer Ikone des Genres.

Augustus Pablo

Augustus Pablo, geboren als Horace Swaby, ist vor allem für seinen meisterhaften Umgang mit der Melodica bekannt, ein Instrument, das er in der Reggae- und Dub-Musik populär machte. Sein charakteristischer Sound, den man als eindringlich, ätherisch und melodisch beschreiben könnte, mit tiefen, hallenden Basslinien, wurde zu einem Markenzeichen des Dub-Genres.

Pablo's Zusammenarbeit mit King Tubby führte zu einigen der kultigsten Dub-Alben, darunter King Tubby Meets Rockers Uptown. Seine Fähigkeit, traditionelle jamaikanische Musik mit experimentellen Dub-Elementen zu verbinden, festigte seinen Platz als einer der innovativsten und beständigsten Künstler des Genres.

Verrückter Professor

Mad Professor, geboren als Neil Fraser, ist eine Schlüsselfigur in der Entwicklung des Dub, insbesondere im Vereinigten Königreich. Bekannt für seine futuristische Herangehensweise an das Genre, setzte Mad Professor auf die digitale Seite der Dinge und drängte den Dub in neue elektronische Gefilde.

Seine Dub Me Crazy-Reihe zeigte seinen innovativen Einsatz von Synthesizern, Samplern und Drumcomputern, wobei er traditionelle Dub-Techniken mit der damals modernsten Produktion verband. Mad Professors Kollaborationen mit einer Vielzahl von Künstlern, darunter Massive Attack auf ihrem Album No Protection, trugen dazu bei, Dub einem breiteren Publikum nahezubringen.

Wissenschaftlerin

Scientist, geboren als Hopeton Overton Brown, war ein Protegé von King Tubby und wurde für seinen spielerischen Ansatz im Dub bekannt. Er begann als Lehrling in Tubbys Studio und entwickelte schnell seinen eigenen Stil, der sich durch schwere Bässe, einzigartige Echoeffekte und komplizierte Klangmanipulationen auszeichnet. Alben wie Scientist Rids the World of the Evil Curse of the Vampires und Scientist Wins the World Cup werden oft für ihre fantasievollen Titel und bahnbrechenden Produktionstechniken gefeiert.

Scientists Fähigkeit, lebendige, fast filmische Klanglandschaften zu schaffen, machte ihn zu einer der bekanntesten und beliebtesten Figuren der Dub-Szene.

Top 5 Dub-Mixing-Tipps

Dub ist eine einzigartige Kunstform. In vielerlei Hinsicht ist das "Mischpult" das wichtigste Instrument.

In den Anfängen des Dub haben natürlich Pioniere wie King Tubby und Lee "Scratch" Perry das Studio zu ihrem Instrument gemacht. Heute haben Computer zwar die Art und Weise verändert, wie wir Dub produzieren, aber die Essenz des Handwerks ist dieselbe geblieben.

Im Folgenden finden Sie einige Tipps, die Ihnen helfen, die Kunst des Dub-Mixens auf einer modernen Anlage zu meistern:

1. Manuell vorgehen

Wenn es um das Abmischen von Dub geht, haben die eigenen Hände eine ganz besondere Wirkung. Während digitale Tools Präzision bieten, ist die taktile Ausdrucksform, die sich aus der physischen Interaktion mit dem Equipment ergibt, unersetzlich.

In dub sollten Ihre Hände als Verlängerung Ihrer kreativen Instinkte fungieren.

Der manuelle Ansatz beim Mischen ermöglicht es Ihnen, eine tiefere Verbindung zur Musik herzustellen. Egal, ob Sie Fader drücken oder Knöpfe an einem Mischpult drehen, der physische Akt der Klangmanipulation in Echtzeit bringt ein Maß an Spontaneität und Intuition mit sich, das den Kern des Dub ausmacht. Wenn man sich physisch mit seinem Mischpult oder Equipment auseinandersetzt, reagiert man auf die Musik im Moment und trifft Entscheidungen, die eher auf Gefühl als auf Theorie basieren.

Kurz gesagt: Synchronisation sollte immer ein instinktiver Prozess sein.

2. Einrichten Ihrer Dub-Session-Vorlage

Wenn es darum geht, Dub zu mischen, ist Vorbereitung der Schlüssel.

Ganz gleich, ob Sie mit Outboard-Racks oder mit einer DAW arbeiten, eine Session-Vorlage mit einsatzbereiten Aux-Sends kann Ihnen Zeit sparen und Ihnen helfen, im kreativen Fluss zu bleiben. Im Folgenden finden Sie eine Übersicht über einige Aux-Sends und Effekte, die Sie in Ihr Setup aufnehmen sollten:

• Mono Spring Reverb: Mit einem klassischen Federhall können Sie Ihrem Mix eine düstere, analoge Wärme hinzufügen. Ideal für Snare-Hits oder Vocal-Snippets, um den authentischen Dub-Vibe der alten Schule zu erzeugen. Das Mono-Setup sorgt dafür, dass der Effekt straff und fokussiert bleibt. Wenn Sie Hardware verwenden, ist ein Fender '63 Reverb Unit eine gute Wahl. Wenn Sie in der Box arbeiten, sollten Sie sich den AKG BX 20 von UAD ansehen.
• Digitaler Stereohall: Ein digitaler Stereohall sorgt für einen breiteren Stereosound. Schicken Sie Ihre Gitarren, Bläser oder sogar komplette Drum-Kits durch ihn, um eine üppige Atmosphäre zu schaffen. Dieser Effekt eignet sich gut, um Ihrem Mix Tiefe zu verleihen und ihn räumlicher wirken zu lassen. Der Lexicon PCM 92 ist ideal für einen ausgedehnten Hall auf der Hardwareseite, aber wenn Sie nach Software suchen, ist Valhalla VintageVerb die erste Wahl.
• Long-Building Dub Echo (Mono oder Stereo): Dies ist ein unverzichtbares Dub-Echo. Richten Sie eine Verzögerung mit einer langen Rückkopplungsschleife ein, die sich mit der Zeit aufbaut und weiterentwickelt. Verwenden Sie es in Mono für einen direkten, fokussierten Sound oder in Stereo für einen breiteren, eindringlicheren Effekt. Perfekt, um ein Gitarrenriff oder eine Gesangslinie in die Unendlichkeit auslaufen zu lassen und so den klassischen Dub-Space zu erzeugen. Das Roland RE-201 Space Echo ist die naheliegendste Wahl, aber für mehr Flexibilität empfehle ich Soundtoys EchoBoy.
• Phaser: Ein Phaser eignet sich hervorragend, um einem Mix Bewegung und Textur zu verleihen. Sie können Ihre Hi-Hats, Synths oder sogar ganze Drum-Loops durch einen Phaser schicken, um einen wirbelnden, hypnotischen Effekt zu erzeugen. Als Gitarrist ist der Small Stone Phaser von Electro-Harmonix einer meiner Favoriten in Sachen Hardware. Wenn Sie jedoch die Software-Route gehen wollen, sollten Sie sich Soundtoys Phasemistress ansehen.

3. Lange Dub-Echoverzögerungen erzeugen

Eine der charakteristischen Techniken in der Dub-Musik ist die Erzeugung dieser tiefen, sich entwickelnden Echo-Delays, die sich scheinbar ins Unendliche erstrecken. Das Herzstück dieses Sounds ist ein einfacher, aber wirkungsvoller Trick: das Delay wird zu sich selbst zurückgeschickt. Diese Methode, die oft als "Feedback-Looping" bezeichnet wird, ist ein Eckpfeiler der Dub-Produktion.

Um diesen Effekt zu erzielen, müssen Sie den Ausgang Ihres Delay-Geräts in dessen Eingang zurückführen.

Und so funktioniert es: Wenn das Verzögerungssignal in sich selbst zurückgeführt wird, erzeugt es eine Schleife, die bewirkt, dass sich die Echos mit der Zeit aufbauen und weiterentwickeln und mit jeder Wiederholung intensiver werden. Diese Rückkopplungsschleife kann angepasst werden, um zu steuern, wie lange die Echos dauern und wie sie mit dem Rest Ihrer Mischung interagieren.

Ich empfehle die Verwendung analoger Delays, da die natürlichen Unvollkommenheiten und Eigenheiten der Hardware den Zauber noch verstärken. Analoge Geräte wie das Roland Space Echo oder die klassischen Tape-Delays bringen oft subtile Variationen in Tonhöhe, Timing und Klang mit sich, wenn sich die Echos wiederholen, und verleihen Ihren Dub-Tracks einen warmen, düsteren Charakter.

Da die Raten dieser Verzögerungen nicht perfekt getaktet sind, basieren Ihre Entscheidungen eher auf Gefühl als auf strengen Regeln. Wenn Sie das Feedback und die Verzögerungszeiten verändern, reagieren Sie in Echtzeit auf die Musik.

Eine der effektivsten Möglichkeiten, coole Dub-Echos zu erzeugen, besteht darin, die Verzögerungsrate von sehr schnell auf sehr langsam zu stellen. Beginnen Sie mit einer schnellen, engen Verzögerung, um ein Gefühl der Dringlichkeit zu erzeugen, und verlangsamen Sie sie dann allmählich, um die Echos auszudehnen und eine weite, geräumige Klanglandschaft zu schaffen.

4. Akzentuierung des Schlagzeugs

In der Dub-Musik ist das Schlagzeug alles.

Um Ihre Drums hervorzuheben, sollten Sie mit Effekten und Bearbeitung kreativ werden. Eine Möglichkeit besteht darin, bestimmte Drum-Elemente an Aux-Effekte zu senden, die mit Phasern, Federhall oder Verzögerungen ausgestattet sind, die für Tiefe, Bewegung und Atmosphäre sorgen.

Versuchen Sie zum Beispiel, Ihre Snare Drum auf eine Aux-Spur mit einem klassischen Mono-Federhall zu schicken oder Ihre Hi-Hats oder Percussion auf eine Aux-Spur mit einem Phaser zu schicken.

Neben kreativen Effekten ist es wichtig, den richtigen Punch und die richtige Präsenz für Ihr Schlagzeug zu bekommen. Kompressoren wie der DBX-160 sind für diesen Zweck fantastisch. Stellen Sie einen mittleren Attack und ein schnelles Release ein, um die ersten Transienten durchzulassen, und wählen Sie dann die Kompression nach Geschmack. So erhalten Ihre Drums den charakteristischen Snap und Punch, der sich im Mix durchsetzt.

Abschließende Überlegungen

Dub-Musik ist mehr als nur ein Genre. Entstanden aus den reichen Traditionen der jamaikanischen Musik, hat sie sich aus ihren Wurzeln zu einer dynamischen, sich ständig erweiternden Kunstform entwickelt. Die Geschichte des Dub ist lang und tief. Von Reggae-Musik, die in Instrumentalstücke gepresst wurde, bis hin zu instrumentaler Reggae-Musik, die in moderne Tanzmusik umgemischt wurde, entwickelt sich die Dub-Musik immer noch weiter, so wie wir sie kennen.

Ich hoffe, dieser kleine Leitfaden für Dub-Musik hat Ihnen ein besseres Verständnis für das Genre vermittelt und Sie dazu inspiriert, es selbst zu machen!