Zu sagen, dass Synthesizer die Musikgeschichte der letzten 50 Jahre geprägt haben, ist keine Untertreibung. Dieses Musikinstrument des 20. Jahrhunderts hat in der Tat Generationen von Pionieren der elektronischen Musik befähigt, aber auch ein Universum von Klängen für Künstler aller Ebenen eröffnet.

Rund 100 Jahre nach der Erfindung des Theremins und der Ondes Martenot sind elektronische Instrumente immer noch das Brot und die Butter unzähliger Künstler, die in den Bereichen EDM, Hip-Hop, Pop, Rock, experimenteller Musik und darüber hinaus arbeiten. In der Zwischenzeit sind wir von monophonen zu polyphonen Synthesizermodellen, von analogen zu digitalen und von raumgroßen modularen Synthesizern zu virtuellen Instrumenten übergegangen: ein Ökosystem neuer Sounds in den Händen visionärer Kreativer!

Synthesizer ermöglichen es Künstlern, mit Klängen zu experimentieren, die mit anderen traditionellen Instrumenten nicht vergleichbar sind, was sie bis heute so beliebt macht. Zu verstehen, wie Synthesizer funktionieren, ist ein entscheidender Schritt, wenn man eine einzigartige Klangsignatur schaffen will. Deshalb dreht sich im heutigen Artikel alles um Synthesizer: was sie sind, wie sie sich entwickelt haben, wie sie funktionieren und wie man mit ihnen einzigartige Klänge erzeugt.

Eine Definition von Synthesizern und Synthese

Es sollte klar sein, dass Synthesizer keine akustischen Instrumente sind.

Traditionelle Instrumente erzeugen den Klang durch Schwingungen, wobei jedes Instrument sein eigenes Wellenmuster und seine eigene Klangfarbe hat. Bei den Synthesizern wird die Luftbewegung durch künstlich erzeugte Signale ersetzt.

Im Gegensatz zu akustischen Instrumenten verwenden Synthesizer elektrische Signale, um Klänge zu erzeugen, und zwar mit Hilfe verschiedener digitaler Klangsyntheseverfahren. Diese Form der digitalen Verarbeitung erweckt ein künstliches akustisches Signal zum Leben, das akustische Instrumente nachahmen oder ein ganz eigenes Instrument sein kann.

Bei der digitalen Klangsynthese werden mithilfe elektronischer Signale Schallwellen erzeugt, die dann über Instrumente, Kopfhörer oder Lautsprecher in hörbare Schallwellen umgewandelt werden.

Wie Sie sich vorstellen können, erkannten Musiker, die mit Synthesizern arbeiteten, bald, dass sie den Klang in einer Weise manipulieren und formen konnten, die mit akustischen Instrumenten nicht möglich war. Dieses Maß an Kontrolle über den Klang eröffnete Musikern und Produzenten eine breite Palette kreativer Möglichkeiten in allen Genres, und sie begannen, neue Klanglandschaften zu erforschen.

Eine kurze Geschichte der Synthesizer

Die Geschichte der Synthesizer ist ein Fest für ehrgeizige Komponisten und Ingenieure, die ab dem späten 19. Jahrhundert das Potenzial der Elektrizität zur Schaffung neuer Musik erkannten. Insbesondere Cahills Telharmonium (1897) und das gleichnamige Instrument von Léon Theremin (1928) gelten als frühe Vorläufer der heutigen Synthesizer.

1956 war der RCA Mark II das erste programmierbare elektronische Instrument mit einem Musiksequenzer, Tonoszillatoren und einer variablen Polyphonie von vier Tönen zur Klangerzeugung. Im Vergleich zu den tragbaren Geräten, an die wir heute gewöhnt sind, war es allerdings auch ziemlich groß (drei Tonnen, drei Meter hoch und drei Meter breit).

Der eigentliche Wandel erfolgte in den 1960er Jahren mit den Moog-Synthesizern. Moogs Design nutzte die Spannungssteuerung, um Parameter wie Tonhöhe und Klangfarbe einzustellen, was ihn vielseitiger und einfacher zu bedienen machte als frühere Modelle. Der Minimoog, der 1970 auf den Markt kam, machte Synthesizer dank seines erschwinglichen Preises, seiner extremen Tragbarkeit und seines einzigartigen Klangs noch populärer. Der winzige Moog-Synthesizer wurde sofort zum Klassiker in allen Genres, von Funk bis Prog-Rock, Krautrock und Disco.

In den 1980er Jahren revolutionierte die Digitaltechnik mit der Einführung der digitalen Signalverarbeitung (DSP) erneut die Welt der Audiosynthese. Einige Beispiele: Der Yamaha DX7 wurde mit über 160.000 verkauften Exemplaren zum meistverkauften Synthesizer, der Fairlight CMI war de facto ein Vorläufer der digitalen Audio-Workstations, und der Roland Jupiter-8 wurde dank seiner limitierten Auflage (2000 Exemplare wurden hergestellt) und seiner Popularität in der Popindustrie (Michael Jackson, Queen, Duran Duran, u.a.) legendär.

Seit den 2000er Jahren, mit der Entwicklung von DAWs und digitaler Technologie, wurden ikonische Synthesizer in Software und Plug-ins umgewandelt, was sie erschwinglicher und portabler denn je macht.

Dennoch suchen moderne Produzenten immer noch nach der einzigartigen Wärme und dem Charakter analoger Synthesizer, die in den letzten Jahren wieder an Popularität gewonnen haben. Legendäre Hersteller haben aktualisierte Versionen ihrer Modelle herausgebracht, und neue Produzenten haben einzigartige Modelle entwickelt, die analoge Sounds mit modernem Workflow verbinden.

Die Arten der Synthese

Heutzutage gibt es sechs Haupttypen von Synthesizern, von denen sich jeder durch die Art der Klangmanipulation definiert.

Additive Synthese

Die additive Synthese erzeugt komplexe Klänge durch die Kombination einfacher Wellenformen.

Durch Anpassen der Amplitude und Frequenz dieser Wellenformen können Sie eine unendliche Vielfalt an Klangtexturen und Obertönen erzeugen, die Ihre Grundfrequenz verstärken.

Diese Methode ist großartig, weil sie Ihnen die volle Kontrolle über die Klangeigenschaften des von Ihnen erstellten Instruments gibt und es Ihnen ermöglicht, auf der Grundlage einer Kombination grundlegender Wellenformen völlig einzigartige Klanginhalte zu erzeugen.

Subtraktive Synthese

Bei der subtraktiven Synthese werden Frequenzen aus einer harmonisch komplexen Schallwelle mit Hilfe von Filtern wie Tiefpass (entfernt hohe Frequenzen), Hochpass (entfernt tiefe Frequenzen), Bandpass (isoliert ein Frequenzband) und Notch (entfernt ein Frequenzband) entfernt.

Dieses Verfahren ist sehr beliebt geworden, weil es recht intuitiv ist und eine Vielzahl von Klängen erzeugen kann.

Modulare Synthese

Die modulare Synthese ist der Ursprung des Ganzen. Bei diesem Verfahren werden verschiedene unabhängige Module miteinander verbunden, die jeweils eine bestimmte Aufgabe erfüllen, um Klänge zu erzeugen und zu bearbeiten.

Zu den Synthesizer-Bausteinen gehören Oszillatoren, Filter, Hüllkurven, LFOs, Sequenzer und vieles mehr, die man mit Patchkabeln verbindet. Heutzutage werden modulare Synthesizer vor allem im Bereich der experimentellen und generativen Musik eingesetzt, wo Künstler komplexe Sounddesigns und Modulationsroutings erstellen und daraus Musik machen können.

Wir werden im nächsten Abschnitt mehr über diesen praktischen Ansatz zur Synthese sprechen.

Granulare Synthese

Bei der Granularsynthese wird ein Sound in winzige Segmente von etwa 1-100 Millisekunden Länge zerlegt, die auf unterschiedliche Weise wiedergegeben werden können - einzeln, überlagert oder überlappend - um neue Sounds zu erzeugen.

Sie können die Abspielgeschwindigkeit, die Tonhöhe, die Position und die Dichte der Grains ändern, um eine breite Palette von Texturen zu erzeugen, was zu fantastischen Ergebnissen bei der Transformation von Samples oder der Erstellung sich entwickelnder Klanglandschaften führen kann.

Wavetable-Synthese

Die Wavetable-Synthese ist eine Art Kompromiss zwischen dem reichen harmonischen Gehalt der subtraktiven Synthese und der Präzision der additiven Synthese.

Die Klangerzeugung erfolgt über eine Reihe von voraufgezeichneten Wellenformen, die in Tabellen gespeichert sind. Jede dieser Tabellen enthält mehrere Wellenformen, die angepasst werden können, so dass Sie ständig neue Klangfarben erzeugen können.

Durch das Durchlaufen der Wavetable in verschiedenen Geschwindigkeiten und Richtungen können Sie eine Vielzahl von Synthesizerklängen erzeugen, von statischen Tönen bis hin zu artikulierten Texturen.

FM-Synthese

Bei der Frequenzmodulationssynthese wird der Klang durch Modulation der Frequenz einer Wellenform (des Trägers) mit einer anderen Wellenform (dem Modulator) mit Audioraten erzeugt.

Diese Mischung von Wellenformen erzeugt komplexe harmonische und unharmonische Inhalte, die mit anderen Synthesemethoden nur schwer zu erreichen sind. Sie erzeugt auch helle und metallische Klänge, die sich perfekt für die Emulation bestimmter akustischer Instrumente (insbesondere Blechbläser) eignen.

Mit der Veröffentlichung des Yamaha DX7 im Jahr 1983 wurde er weithin populär.

Analog-, Digital- und Software-Synthesizer: Wie sehen sie aus?

Die Entwicklung der Synthesizer seit den frühen Hardware-Synthesizern ist unaufhaltsam, so dass Sie heute eine Fülle von Optionen haben, wenn Sie in die Welt der Klangsynthese einsteigen.

Zunächst sollten Sie sich überlegen, welche Art von Technologie Sie für Ihre Produktion verwenden möchten: Sie können mit modularen Synthesizern voll analog arbeiten, einen intuitiveren digitalen Synthesizer kaufen oder Ihre Klangpalette mit einem erschwinglichen virtuellen Synthesizer erweitern.

Werfen wir einen Blick auf die einzelnen Technologien.

Analoge Manipulation (Modular)

Auf diese Weise wurden die ersten Synthesizer gebaut, und sie sind immer noch eine der besten Möglichkeiten, eine einzigartige Klangsignatur zu erzeugen. Modulare Synthesizer bestehen aus einzelnen Modulen, die auf endlose Weise miteinander verbunden werden können, um ein einzigartiges Instrument zu schaffen.

Jedes Modul erfüllt eine Aufgabe, sei es die Erzeugung von Schwingungen (Oszillatoren), die Formung von Schallwellen (Filter) oder die Steuerung der Amplitude (Verstärker). Sie können einen neuen Klang erzeugen, indem Sie Kabel zwischen den Modulen verbinden, daher der Begriff "analoge Manipulation".

Die Tatsache, dass man die Komponenten mischen und anpassen kann, sowie die Körperlichkeit, die mit dem Erzeugen von Musik verbunden ist, machen analoge Synthesizer bis heute sehr beliebt, vor allem bei experimentellen Produzenten und denen, die einen warmen, analogen Sound suchen.

Digitale Manipulation

Digitale Synthesizer waren der nächste Schritt in der Entwicklung dieser Instrumente und verfügten über Funktionen, die ihr Potenzial erheblich erweiterten.

Die digitale Manipulation wird durch digitale Prozessoren und Computeralgorithmen ermöglicht, die Klänge erzeugen und bearbeiten können. Im Gegensatz zu ihren analogen Gegenstücken verwenden digitale Synthesizer numerische Werte zur Darstellung von Schallwellen.

Als sie in den 80er Jahren populär wurden, boten digitale Synthesizer neue Funktionen wie Polyphonie und Speicherbänke. Außerdem bot die digitale Schnittstelle eines digitalen Synthesizers mehr Kontrolle über die Klänge, wodurch sie sowohl im Aufnahmestudio als auch live einfacher zu verwenden waren als modulare Synthesizer.

Software-Manipulation (VST-Synthesizer)

VST-Synthesizer sind eine der vielen Errungenschaften der modernen digitalen Musikproduktion. VST-Synthesizer laufen auf Ihrem Computer, entweder als eigenständige Software oder als Plugin in Ihrer DAW, und Sie können sie mit einem speziellen MIDI-Controller steuern.

Bei diesen virtuellen Synthesizern kann es sich entweder um Emulationen alter Geräte oder um völlig neue Musikinstrumente handeln. Sie sind mit denselben Modulen ausgestattet wie ihre physischen Gegenstücke.

Die Vorteile von Software-Synthesizern sind vielfältig. Dank der MIDI-Technologie (Musical Instrument Digital Interface) können Sie Audio auch nach der Aufnahme der Audiospur manipulieren: Sie können alle Klangeinstellungen ändern und sogar den virtuellen Synthesizer durch einen anderen ersetzen, ohne Ihre Audiodaten zu verlieren.

VST-Synthesizer sind in der Regel recht erschwinglich oder sogar kostenlos. Dies und die Tatsache, dass sie keinen physischen Platz beanspruchen, bedeutet, dass Sie eine Klangbibliothek mit Dutzenden von Synthesizern erstellen können, aus der Sie Ihre Klangpalette endlos erweitern können.

Wie man einen Synth benutzt

Im nächsten Teil werden wir uns ansehen, wie Synthesizer funktionieren. Sie sind alle unterschiedlich, aber die meisten haben die gleichen Module, d. h. sie haben ähnliche Möglichkeiten, Wellenformen zu manipulieren.

Oszillatoren

Oszillatoren sind das Herzstück eines jeden Synthesizers. Sie erzeugen die rohen Klangwellen, die die Grundlage für Ihre Patches bilden. Sie erzeugen verschiedene Wellenformen, die jeweils einen eigenen Klangcharakter haben.

Die gebräuchlichsten Wellenformen sind die Sinuswelle, die Rechteckwelle, die Sägezahnwelle und die Dreieckswelle.

Im Allgemeinen sind Sinuswellen sanft und rein und geben einen sauberen Ton ab. Rechteckwellen sind hohl und schwirrend und eignen sich daher gut für rhythmische Abschnitte. Sägezahnwellen sind hell und satt und eignen sich daher gut für Streicher- und Bläserklänge. Dreieckswellen schließlich ähneln Sinuswellen, haben aber einen etwas höheren Anteil an Obertönen, wodurch sie etwas heller klingen.

Indem Sie die Tonhöhe und die Wellenform der Oszillatoren einstellen, können Sie den Grundton Ihres endgültigen Klangs gestalten. Bei vielen Synthesizern können Sie mehrere Oszillatoren gleichzeitig verwenden und sie leicht gegeneinander verstimmen, um einen reicheren Klang zu erzeugen.

LFOs

Niederfrequenz-Oszillatoren (LFOs) werden verwendet, um andere Parameter im Synthesizer zu modulieren und Ihren Klängen Bewegung und Komplexität zu verleihen. Im Gegensatz zu normalen Oszillatoren, die im hörbaren Bereich arbeiten, schwingen LFOs bei viel niedrigeren Frequenzen, typischerweise unter 20 Hz.

Dadurch werden ihre Effekte eher als Modulationsänderungen denn als Ton wahrnehmbar. Ein Niederfrequenz-Oszillator kann verschiedene Parameter wie Tonhöhe (Vibrato), Amplitude (Tremolo), Filter-Cutoff (Wah-Wah-Effekte) und sogar andere LFOs für komplexere Modulationsmuster modulieren. Durch Anpassen der Wellenform, Rate und Tiefe des Niederfrequenz-Oszillators können Sie alles von subtilen Vibrato-Effekten bis hin zu rhythmischen Modulationen erzeugen.

ADSR-Hüllkurven

ADSR-Hüllkurven (Attack, Decay, Sustain und Release) definieren, wie sich der Klang eines Synthesizers im Laufe der Zeit verändert, und zwar von dem Moment an, in dem eine Taste gedrückt wird, bis zu dem Moment, in dem sie losgelassen wird. Jede Stufe der Hüllkurve beeinflusst einen anderen Aspekt des Klangs:

• Einschwingzeit: Die Zeit, die der Ton benötigt, um nach dem Drücken der Taste seinen maximalen Pegel zu erreichen. Ein kurzer Attack entspricht einem sofortigen Klang, während ein langer Attack einen allmählichen Fade-in erzeugt.
• Abklingen: Die Zeit, die der Ton benötigt, um nach dem ersten Anschlagen vom Maximalpegel auf den Sustain-Pegel abzufallen.
• Sustain: Der Pegel, bei dem der Ton bleibt, während die Taste gedrückt wird.
• Loslassen: Die Zeit, die der Ton braucht, um nach dem Loslassen der Taste auszublenden.

Filter

Filter formen den Oberwellengehalt des Klangs, indem sie bestimmte Frequenzen abschwächen. Der gebräuchlichste Typ ist der Tiefpassfilter, der Frequenzen unterhalb eines bestimmten Grenzwerts durchlässt, während er die Amplituden von Frequenzen oberhalb dieses Punkts reduziert.

Dadurch kann ein Klang dunkler oder gedämpfter werden. Hochpassfilter bewirken das Gegenteil, indem sie tiefe Frequenzen entfernen und höhere Frequenzen durchlassen, was einen Klang dünner oder schneidender machen kann. Bandpassfilter lassen Frequenzen innerhalb eines bestimmten Bereichs durch, was für die Erzeugung resonanter, fokussierter Klänge nützlich ist.

Filter verfügen oft über einen Resonanzregler, der die Frequenzen um den Cutoff-Punkt herum anhebt und so eine markante Spitze hinzufügt, die einen ausgeprägteren, matschigen Klang erzeugen kann. Durch die Automatisierung der Filter-Cutoff- und Resonanzparameter können Sie dynamische und sich entwickelnde Klangfarben erzielen.

Setzen Sie alles in die Praxis um: Wie man mit Synthesizern Musik macht

Nach all dieser Theorie sind Sie wahrscheinlich so überwältigt, dass Sie allein die Vorstellung, einen Synthesizer anzufassen, abstoßend finden. Wenn das der Fall ist, machen Sie sich keine Sorgen: Es ist eine Menge zu verarbeiten. Der letzte Teil dieses Artikels befasst sich daher mit der praktischen Seite und gibt Ihnen hoffentlich Tipps, wie Sie Ihre ersten Sounds und Melodien mit einem Synthesizer erzeugen können.

Auch hier gilt, dass sich der Prozess drastisch ändert, je nachdem, ob Sie einen modularen, digitalen oder virtuellen Synthesizer verwenden, also nehmen Sie diese Vorschläge lediglich als Einstieg in die Welt der Synthese. Die Entwicklung neuer Synthesizer-Sounds erfordert ein tiefes Verständnis des gewählten Instruments. Wenn Sie sich also für einen Synthesizer entschieden haben, stellen Sie sicher, dass Sie sich gründlich informieren und unermüdlich üben.

Die Wahl des richtigen Synthesizers

Wie wählt man einen Synthesizer aus, angesichts der Fülle an Hardware- und Software-Synthesizern, die derzeit erhältlich sind? Indem Sie Faktoren berücksichtigen wie: Ihr Budget, die Genres, die Sie mögen, den verfügbaren Platz in Ihrem Heim/Aufnahmestudio und wie technisch versiert Sie sind.

Alles in allem gibt es zwei Hauptwege: Hardware-Synthesizer oder virtuelle Synthesizer, und beide Optionen haben Vor- und Nachteile.

Analoge und digitale Synthesizer bieten einen praktischeren Ansatz für das Sounddesign, sehen auf der Bühne besser aus und klingen zeitlos. Auf der anderen Seite ist es schwieriger, sie zu Hause aufzunehmen (starkes Rauschen, Schwierigkeiten, das richtige Tempo ohne Quantisierung zu halten usw.), und sie sind zerbrechlich und teuer.

VST-Plugins sind preiswerter und einfacher zu verwenden. Sie können so viele haben, wie Sie wollen, da sie keinen Platz wegnehmen, und Sie können sie alle über ein MIDI-Keyboard steuern. Der Nachteil ist, dass sich der kreative Prozess kälter anfühlen kann und mehr in den Händen der Software liegt als in Ihren.

Wenn Sie gerade erst anfangen, empfehle ich Ihnen, sich zunächst mit virtuellen Synthesizern zu beschäftigen, es sei denn, Sie können einen großartigen analogen Synthesizer erwerben, ohne ein Vermögen auszugeben. VST-Plugins können Ihnen dabei helfen, Ihre Klangsignatur zu entwickeln, zu verstehen, was Sie von einem Synthesizer brauchen, und Sie eventuell auf ein analoges Upgrade vorzubereiten, wenn Sie dazu bereit sind.

Machen Sie sich mit der Benutzeroberfläche vertraut

Wenn Sie sich für einen Synthesizer entschieden haben, ist es an der Zeit, alles über ihn zu erfahren. Und mit "alles" meine ich "alles".

Das Potenzial der meisten Synthesizer ist unglaublich, und die besten Produzenten sind diejenigen, die das Beste aus ihrem Instrument herausholen können, egal welches es ist.

Das Bild oben zeigt die Anleitung für meinen PG-200 Synthesizer. Als ich den Synthesizer zum ersten Mal bekam, habe ich das Handbuch innerhalb von zwei Wochen durchgelesen, und ich schaue immer noch regelmäßig darin nach. Sie müssen nicht ganz so altmodisch vorgehen wie ich: Es gibt YouTube-Tutorials für praktisch alle analogen und VST-Synthesizer.

Unabhängig davon, welche Methode Sie wählen, sollten Sie sich Zeit nehmen, um Ihr neues Musikinstrument zu beherrschen. Es hat das Zeug dazu, Ihre Musikproduktion auf eine ganz neue Ebene zu heben, sofern Sie sich mit allen Einzelheiten vertraut machen.

Voreinstellungen und Vorlagen

Viele digitale und virtuelle Synthesizer werden mit einer breiten Palette von Voreinstellungen und Vorlagen geliefert, die unglaublich nützlich sein können, vor allem, wenn man gerade erst anfängt.

Bei diesen Presets und Vorlagen handelt es sich um bereits entworfene und einsatzbereite Sounds, die Ihnen eine Einführung in Ihren neuen Synthesizer geben und Ihnen helfen, Inspiration für Ihre Kompositionen zu finden. Vor allem bei VSTs können Sie in Ihrer Preset-Bibliothek Dutzende von Sounds und Texturen entdecken, auf denen Sie aufbauen und die Sie nach Ihren Wünschen anpassen können.

In den meisten DAWs bieten Vorlagen-Patches vorkonfigurierte Einstellungen, die auf bestimmte Genres oder Musikstile zugeschnitten sind, was Ihnen beim Erstellen eines neuen Tracks viel Zeit und Stress ersparen kann.

Ich empfehle Ihnen, für den Einstieg und zum Kennenlernen Ihres Instruments Voreinstellungen und Vorlagen zu verwenden. Sobald Sie sich bereit fühlen, sollten Sie die Anpassungsoptionen Ihrer Instrumente optimal nutzen, um eine einzigartige Klangsignatur zu schaffen, die nicht sorgfältig auf die Bedürfnisse anderer zugeschnitten ist.

Einzigartig mit Effekten

Sie werden bald feststellen, dass mit Synthesizern erzeugte Klänge im Vergleich zu akustischen Instrumenten eher kalt und künstlich wirken. Großartige Musikproduzenten sind diejenigen, die das Analoge und das Virtuelle nahtlos miteinander verbinden können, indem sie Effekte so gestalten, dass das Klangbild konsistent und angenehm ist.

Bei der Klangerzeugung können Sie verschiedene Effekte wie Reverb, Delay und Chorus anwenden, um Ihren Klängen Tiefe, Bewegung und räumliche Eigenschaften zu verleihen.

Spielen Sie mit verschiedenen Einstellungen und Parametern, um einzigartige Effekte zu erzeugen und die Eigenschaften Ihres Synthesizers zu verbessern. Zusätzlich zu den integrierten Effekten können Sie auch externe Effektprozessoren und Plug-ins verwenden, um Ihre Synthesizer-Sounds weiter zu formen und zu manipulieren.

Sie werden sehen, dass dies eine unendliche Bandbreite an kreativen Möglichkeiten bietet und Ihnen erlaubt, wirklich originelle Klangtexturen zu schaffen.

Die Kraft von MIDI

Wenn Sie einen virtuellen Synthesizer verwenden, steuern Sie Ihr Instrument über MIDI-Mapping und -Sequencing. Sie müssen also sicherstellen, dass alle Tasten und Regler richtig zugeordnet sind und die Latenzzeit so gering wie möglich ist. Auch wenn Sie einen analogen oder digitalen Synthesizer verwenden, kann die MIDI-Sequenzierung sehr nützlich sein. Sie können damit steuern, wie sich die Effekte im Laufe der Zeit entwickeln, wodurch sich Ihre Klangpalette weiter vergrößert.

Alles in allem können Sie dank MIDI mit mehr Sounds und Effekten arbeiten, die Ihnen mehr Möglichkeiten bieten, mit Ihrem neuen Instrument kreativ zu werden, und die Ihren Arbeitsablauf erheblich vereinfachen.

Ebene Klänge

Eine eindrucksvolle Klanglandschaft zu schaffen ist keine triviale Aufgabe, ebenso wenig wie eine eingängige Synthesizermelodie, die nicht wie ein Dutzend andere klingt. Wenn Sie mit einem Synthesizer komponieren, können Sie mit Hilfe von Multi-Layering reichhaltigere Songs und Klänge schaffen, die nicht wie etwas anderes klingen.

Wenn Sie mit einer DAW und einem VST-Plugin arbeiten, ist das Überlagern von Klängen eine Entensuppe. Viele digitale Synthesizer bieten die Möglichkeit, Melodien zu überschreiben und Klangebenen hinzuzufügen. Alternativ dazu kann ein einfaches Looper-Pedal den Kompositionsprozess viel schneller und reibungsloser gestalten.

Von anderen lernen

Generationen von Elektronikpionieren waren vor Ihnen da, warum also nicht von ihnen lernen (und kopieren), solange Sie dieses Wissen nutzen, um Ihren eigenen Sound zu kreieren?

Synthesizer bieten eine unendliche Palette an Sounds und Texturen. Sie können alles kreieren, von höhlenartigen EDM-Bässen bis hin zu verträumten Ambient-Pads, Retro-Synthwave mit nostalgischen Arpeggios, die an die neongetränkten Landschaften der 1980er Jahre erinnern, oder cineastische Klanglandschaften, bei denen die klanglichen Möglichkeiten nur durch Ihre Vorstellungskraft begrenzt sind. Kurzum: Schauen Sie sich an, wie andere Ihren Synthesizer verwendet haben, und nutzen Sie deren Arbeit als Grundlage für Ihren Sound.

Ein weiterer Tipp ist, zu prüfen, wie man bestimmte Klänge erzeugen kann, die den Song "passend" zu dem Genre machen, an dem man arbeitet.

Haben Sie Schwierigkeiten, die markanten Risers und Drops von EDM zu treffen oder fesselnde Ambient-Soundscapes für Meditation und Stressabbau zu erstellen? Im Internet gibt es unzählige Tutorials mit Schritt-für-Schritt-Anleitungen und Expertentipps, mit denen Sie etwas schaffen können, das bei Ihrem Publikum ankommt. Und nicht nur das: Sie können damit auch die bestmögliche Musik machen, selbst wenn Sie sich außerhalb des von Ihnen bevorzugten Genres bewegen.

Und schließlich sollte man die Bedeutung der Gemeinschaft nicht unterschätzen.

Teilen Sie Ihre neuesten Tracks auf Soundcloud oder TikTok, schließen Sie sich Online-Foren und -Communities an oder nehmen Sie an Workshops und Seminaren zur Musikproduktion teil: Jeder Prozess ermutigt Sie dazu, sich mit gleichgesinnten Künstlern auszutauschen und Ihre Kunst mit Menschen zu teilen, die Ihnen wertvolles Feedback geben können. Außerdem kann ein kollaboratives Umfeld Sie inspirieren und Ihre Kreativität fördern. Daher empfehle ich Ihnen, sich anderen anzuschließen, die die Tiefe und Schönheit der Musiksynthese erforschen wollen.

Niemals aufgeben

Im Allgemeinen scheinen akustische Instrumente "zugänglicher" zu sein. Man schlägt einen Akkord an oder drückt eine Taste und weiß ungefähr, welcher Klang aus dem Instrument kommen wird. Andererseits ist die Welt der Musiksynthese voll von Unvorhersehbarkeit und zufälligen und unerwarteten Klängen. Während dies für viele eine aufregende Eigenschaft dieser elektronischen Instrumente ist, sind andere Musiker der Meinung, dass dieser ungewisse Faktor die Komposition problematischer oder die Aufnahme mühsamer macht.

Synthesizer sind nicht leicht zu beherrschen. Sie erfordern Hingabe und Neugier, die über die Liebe zur Musik hinausgehen: Sie müssen auch technisch versiert und bereit sein, sich in die Wissenschaft hinter dem Sounddesign zu vertiefen, um das Beste aus Ihrem Gerät herauszuholen.

Wenn Sie einen Synthesizer in Ihren Musik-Workflow einbeziehen, können Sie die Tiefe, Vielfalt und Schönheit Ihrer Musik wie mit keinem anderen Instrument verbessern, da Sie seinen Klang auf unzählige Arten formen und an Ihre Kompositionen anpassen können.

Sie mögen eine steilere Lernkurve haben als die meisten Instrumente, aber Synthesizer machen Spaß, sind in all ihren Funktionen wunderschön zu erforschen und bieten eine riesige Klangpalette, die Ihre Tracks aufwertet. Also, nicht aufgeben!

Abschließende Überlegungen

Und das ist alles, was ich über Synthesizer weiß! Ich hoffe, dieser Leitfaden hilft Ihnen, den ersten Schritt in die faszinierende Welt der Synthese zu machen. Wie du siehst, kann das Beherrschen eines Synthesizers deine Fähigkeiten in der Musikproduktion verbessern und deiner Musik eine einzigartige Note verleihen.

Unabhängig davon, ob Sie sich für einen modularen, digitalen oder VST-Synthesizer entscheiden, sollten Sie sich die nötige Zeit nehmen, um das Potenzial Ihres Musikinstruments zu erkunden. Lernen Sie von anderen, die denselben Synthesizer verwenden, aber versuchen Sie auch, eine eigene Klangsignatur zu finden, die Ihre Stücke hervorhebt.

Viel Glück, und bleiben Sie kreativ!