In der Musik hört man oft die Begriffe "monophon" und "polyphon", vor allem, wenn man über Instrumente wie Synthesizer spricht oder sich mit Sounddesign beschäftigt. Auch wenn diese Begriffe vielleicht nur wie Modewörter klingen, die wir in den Mix werfen, sind sie doch ziemlich grundlegend für das Verständnis der Textur der Musik, die wir schaffen.

Was ist also der wirkliche Unterschied zwischen den beiden? Und vor allem: Wann sollten Sie sich für das eine und wann für das andere entscheiden? Lassen Sie uns herausfinden, welche Option für Ihr nächstes Musikprojekt am besten geeignet ist.

Polyphon vs. Monophon

Unter Polyphonie versteht man die Fähigkeit eines Instruments oder eines Musikstücks, mehrere "Stimmen" gleichzeitig zu spielen. Bevor Sie sich einen Chor vorstellen, sollten wir klären, was wir in diesem Zusammenhang mit "Stimmen" meinen.

Eine "Stimme" ist nicht unbedingt eine Person, die singt, sondern jede einzelne musikalische Linie oder Note. Wenn wir also von Polyphonie sprechen, meinen wir eigentlich die Fähigkeit, mehrere Noten oder Linien gleichzeitig zu überlagern, wobei jede ihren eigenen Klang hat. Denken Sie an "Harmonie".

Der Begriff "Stimmen" stammt aus den frühesten Tagen der westlichen Musik. Vor Jahrhunderten war die Idee, verschiedene melodische Linien übereinander zu legen, neu, und jede Linie wurde oft von verschiedenen Sängern gesungen. Diese einzelnen Linien wurden als "Stimmen" bezeichnet, unabhängig davon, ob sie gesungen oder auf Instrumenten gespielt wurden. An dieser Terminologie hat sich nichts geändert, selbst als sich die Musik weiterentwickelte und moderne Instrumente diese Rollen übernahmen.

In ihren frühesten Formen diente die Polyphonie dazu, komplexe, ineinander verschlungene Melodien zu komponieren. Man denke nur an die reiche, verwobene Textur einer Motette der Renaissance. Die Monophonie hingegen war viel einfacher: eine einzige, reine und unbegleitete Melodie.

Ein gutes Beispiel wäre ein gregorianischer Gesang oder der Unterschied zwischen einem Solosänger und einem kompletten Ensemble.

In der heutigen Zeit verwenden wir Polyphonie und Monophonie nicht nur für Vokalmusik, sondern auch dafür, wie viele Noten ein Instrument gleichzeitig erzeugen kann. Ein monophoner Synthesizer kann zum Beispiel nur eine Note auf einmal spielen und eignet sich daher perfekt für Leads und Basslines. Ein polyphoner Synthesizer hingegen kann Akkorde und Harmonien spielen, was eine viel reichhaltigere, vollere Instrumentalbegleitung ermöglicht.

Monophone Synthesizer

Wenn wir heutzutage über Synthesizer sprechen, fallen oft die Begriffe "monophon" und "polyphon", um zu beschreiben, wie sie mit Noten umgehen. Monophone Synthesizer können jeweils nur eine Note spielen. Das mag einschränkend klingen, aber einige der kultigsten Sounds in der Geschichte der elektronischen Musik stammen von diesen Instrumenten.

Die ersten Synthesizer, die jemals hergestellt wurden, waren alle monophon. Nehmen Sie zum Beispiel den Minimoog. Er ist ein Klassiker, und wenn Sie an fette, saftige Synth-Bässe oder Leads denken, haben Sie wahrscheinlich einen Monosynth im Kopf. Damals war die Technologie für Polyphonie einfach noch nicht ausgereift, also wurde alles für eine Note auf einmal gebaut.

Viele klassische Monosynthesizer waren sowohl vom Klang als auch von der Größe her gewaltig. Frühe modulare Synthesizer wie der Moog Modular oder der ARP 2500 konnten mit ihren weitläufigen Patch-Bays und Racks mit Oszillatoren, Filtern und anderen Modulen ganze Räume einnehmen. Sie waren die perfekten Instrumente für verrückte Wissenschaftler, denn sie erforderten Berge von Patchkabeln und große Hingabe, nur um einen Sound aus ihnen herauszuholen.

Der Klang war es natürlich wert: dicht, warm und unbestreitbar kraftvoll.

Im Laufe der Zeit und mit fortschreitender Technologie sollte man meinen, dass monophone Synthesizer in Vergessenheit geraten würden. Aber nein, sie sind nach wie vor beliebt, und das aus gutem Grund.

Man denke nur an die Roland TB-303, einen Monosynth, der mit seinen matschigen Bässen praktisch das Acid-House-Genre definiert hat. Oder der Korg Monologue, ein moderneres Beispiel, das die monophone Tradition fortführt und Musikern ein neues Instrumentarium an die Hand gibt.

Diese Synthesizer beweisen, dass weniger manchmal mehr ist, und dass eine einzige Note eine große Wirkung haben kann, wenn sie richtig gespielt wird.

Polyphone Synthesizer

Der beste Weg, um über mehrstimmige Instrumente nachzudenken, ist, mit dem Klavier zu beginnen. Das ist ein Beispiel, bei dem es immer sofort zu klicken scheint. Man kann mehrere Tasten drücken, und jede davon erzeugt gleichzeitig eine eigene Note. Das ist Polyphonie, die Fähigkeit, mehr als eine Note gleichzeitig zu spielen, sei es für Akkorde, komplexe Harmonien oder unabhängige Melodien.

Die ersten polyphonen Synthesizermodelle tauchten jedoch erst lange nach dem Klavier in den späten 1930er Jahren auf. Einer der Pioniere war Harald Bode, der den Warbo Formant Orguel entwickelte.

Etwa zur gleichen Zeit entwickelte die Firma Hammond den Novachord, einen polyphonen Synthesizer, der eine Technik namens Oktavteilung verwendete. Bei dieser Methode wurde die Frequenz eines einzigen Hochfrequenzoszillators geteilt, um Noten über mehrere Oktaven zu erzeugen. Es war eine clevere Lösung, um mehrere Noten auf einmal zu erzeugen, aber es war begrenzt in der Art, wie es diese Noten verarbeiten konnte.

Die Polyphonie in Synthesizern kam jedoch erst in den 1970er Jahren richtig in Schwung. Damals entwickelte sich die Technologie weiter und ermöglichte ausgefeiltere Systeme zur Stimmenzuweisung. Anstatt nur Frequenzen zu teilen, begannen Synthesizer mit separaten Schaltkreisen oder digitaler Verarbeitung, um einzelne Noten zu verwalten, was den Musikern echte polyphone Möglichkeiten bot.

Instrumente wie der Yamaha CS-80 und der Sequential Circuits Prophet-5 waren in dieser Hinsicht bahnbrechend, da sie eine bestimmte Anzahl von Stimmen (normalerweise zwischen 4 und 16) boten, die gleichzeitig gespielt werden konnten.

Die Anzahl der Stimmen eines polyphonen Synthesizers ist wichtig, weil sie sich direkt auf die Möglichkeiten des Spielers auswirkt. Wenn ein Synthesizer zum Beispiel sechs Stimmen hat, können Sie einen sechsstimmigen Akkord oder eine Melodielinie mit einem fünfstimmigen Akkord im Hintergrund spielen. Wenn Sie diese Grenze überschreiten, muss der Synthesizer entscheiden, welche Noten er auslässt, was Ihre Leistung beeinträchtigen kann. Mehr Stimmen bedeuten also in der Regel mehr Flexibilität und kreative Freiheit, vor allem, wenn Sie Klänge überlagern oder komplexe Passagen spielen.

Duophon und paraphonisch

Neben monophon und polyphon gibt es noch einige andere Begriffe, die genau dazwischen liegen: duophon und paraphon. Diese Begriffe sind vielleicht nicht so gebräuchlich, aber sie sind ziemlich cool, wenn man sie erst einmal kennengelernt hat.

Duophone Synthesizer können zwei Töne gleichzeitig spielen, was einen Fortschritt gegenüber monophonen Synthesizern darstellt, aber immer noch nicht ganz polyphon ist. Duophone Synthesizer funktionieren, indem sie ihre Schaltkreise so aufteilen, dass zwei verschiedene Tonhöhen gleichzeitig gespielt werden können.

Ein klassisches Beispiel ist der ARP Odyssey. Er hat zwei Oszillatoren, so dass man mit einem eine Bassnote und mit dem anderen eine Melodie spielen kann. Aber denken Sie daran, dass jede Note die gleichen Filter- und Verstärkereinstellungen hat. Sie können zwar zwei Noten spielen, aber in Bezug auf die Klangformung sind sie trotzdem irgendwie miteinander verbunden.

Paraphonische Synthesizer hingegen sind eine Art Zwitter. Sie können mehrere Noten wie ein polyphoner Synthesizer spielen, aber alle diese Noten teilen sich die gleichen Filter- und Hüllkurveneinstellungen. Im Wesentlichen erhalten Sie mehr Noten, die jedoch gemeinsam und nicht unabhängig voneinander verarbeitet werden.

Ein berühmtes Beispiel ist der Korg Poly-800. Er kann Akkorde spielen, aber aufgrund des gemeinsamen Filters und der Hüllkurve ist der Klang einheitlicher, fast wie eine etwas komplexere Version der monophonen Synthese. Es ist ein einzigartiger Sound und hat seinen eigenen Charme, vor allem in bestimmten Musikstilen.

Duophone und paraphonische Synthesizer bieten also etwas mehr Flexibilität als monophone, allerdings mit einigen Einschränkungen im Vergleich zur vollen Polyphonie. Sie bieten einen Mittelweg, der sowohl vielseitig als auch unverwechselbar ist. Sie sind perfekt, wenn Sie Texturen erforschen möchten, die nicht ganz monophon sind, aber nicht die volle Bandbreite der polyphonen Möglichkeiten benötigen.

Monophon vs. polyphon: Was soll ich verwenden?

Sollten Sie sich also für einen monophonen oder polyphonen Synthesizer entscheiden? Vor dieser Frage steht jeder Musiker und Produzent irgendwann einmal, und ehrlich gesagt gibt es keine pauschale Antwort. Es kommt wirklich darauf an, was man erreichen will.

Der Kontext ist hier alles. Beide Arten von Synthesizern haben ihre Stärken, und wenn Sie wissen, wann Sie sie einsetzen sollten, kann das einen großen Unterschied in Ihrer Musik ausmachen. Stellen Sie sich Folgendes vor: In einem Chor kommen mehrere Stimmen zusammen, um einen massiven, komplexen Klang zu erzeugen. Das ist Polyphonie.

Manchmal braucht man aber auch nur eine einzige, klare Stimme, um die Botschaft zu übermitteln, z. B. einen Solisten, der sein eigenes Ding macht. Hier glänzt ein monophoner Synthesizer, der die komplexe Harmonie mit einer Lead- oder einer Bassline durchbricht. Keiner der beiden kann die Rolle des anderen übernehmen.

Im Kontext einer kompletten Band wird die Wahl sogar noch wichtiger. Wenn Sie eine Reihe von Instrumenten übereinanderlegen, ist ein monophoner Synthesizer vielleicht genau das Richtige, um eine fokussierte Melodie hinzuzufügen, die aus dem Mix heraussticht. Wenn Sie hingegen üppige Flächen oder komplexe Akkordfolgen erzeugen möchten, kann ein polyphoner Synthesizer den Raum sehr gut ausfüllen,

Auch der Spielstil spielt eine Rolle. Wenn Sie schnelle, komplizierte Linien spielen wollen, ist ein monophoner Synthesizer vielleicht besser geeignet, um die Beweglichkeit zu bewältigen. Wenn Sie jedoch etwas Atmosphärisches bauen wollen, bei dem Akkorde und Schichten im Vordergrund stehen, bietet Ihnen ein polyphones Instrument die Flexibilität, diese Texturen zu erforschen.

Und denken Sie daran: Mehr ist nicht immer besser. Nur weil ein polyphoner Synthesizer mehr Noten verarbeiten kann, heißt das nicht, dass Sie diese immer verwenden müssen. Es ist wie bei einer Pizzabestellung. Man braucht nicht jeden Belag, um sie lecker zu machen. Manchmal ist es gerade die Einfachheit, die einen Part wirklich hervorstechen lässt. Überlegen Sie also, was Ihre Musik braucht, und wählen Sie das Werkzeug, das Ihnen dabei hilft, dieses Ziel zu erreichen.

Mehrstimmige Musik machen

Letztendlich sind die Konzepte von polyphon und monophon ziemlich einfach. Eine Note oder viele, so einfach ist das. Aber auch wenn sie leicht zu verstehen sind, sind diese Ideen in der breiteren Welt der Musiktheorie und -produktion wichtig.

Wenn Sie wissen, ob Sie mit einem monophonen oder polyphonen System arbeiten, können Sie besser entscheiden, wie Sie Ihren Sound gestalten wollen. In der Musiktheorie und der musikalischen Komposition helfen uns diese Begriffe, Entscheidungen auf der Grundlage von Textur und Arrangement zu treffen. Wenn Sie wissen, wann Sie eine einzelne melodische Linie von einem monophonen Synthesizer und wann Sie einen reichhaltigen, vielschichtigen Akkord mit mehr als einer Stimme verwenden, kann das den Unterschied in Ihrer Komposition ausmachen.