In seiner einfachsten Form besteht das Ziel des Sounddesigns darin, Audio so zu gestalten, dass eine bestimmte kreative Vision erreicht wird. Ganz gleich, ob Sie die unheimliche Atmosphäre eines Spukhauses für einen Horrorfilm heraufbeschwören oder ein pulsierendes Synthesizer-Pad für einen dynamischen EDM-Track kreieren - Sounddesign erstreckt sich über alle Medien, von Musik über Film bis hin zu Videospielen und darüber hinaus.

Sounddesigner sind so etwas wie Klangalchemisten, die eine Idee davon haben, wie etwas klingen könnte, und dann die richtigen Werkzeuge einsetzen, um diesen Klang zum Leben zu erwecken.

Stellen Sie sich eine Szene im neuesten Science-Fiction-Film vor, in der eine außerirdische Kreatur ihren ersten Atemzug tut. Es wäre wahrscheinlich ein unheimliches Ausatmen, das Ihnen im Kino einen Schauer über den Rücken jagen würde. Dieser eindringliche und doch wunderschöne Klang würde nicht existieren, wenn der Sounddesigner ihm nicht Leben einhauchen würde.

Heute werfen wir einen tieferen Blick auf die Feinheiten des Sounddesigns und erkunden zehn professionelle Techniken und Tipps, mit denen Sie das Beste aus Ihren Sounds herausholen können.

Die Geschichte des Sounddesigns

Die Entwicklung des Sounddesigns ist eng mit der Entwicklung der Medien und der Technologie verbunden. Die allerersten Beispiele für Sounddesign gab es jedoch schon vor Tausenden von Jahren. Die Griechen und Römer bauten einzigartige mechanische Vorrichtungen, um Klangeffekte in ihre Bühnenaufführungen einzubauen, z. B. Windmaschinen, die aus mit Stoff bespannten rotierenden Rädern bestanden, und Donnermaschinen, die aus Messingkugeln bestanden, die auf gespannte Kuhhäute geworfen wurden.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts jedoch, als die Ingenieure endlich in der Lage waren, den Ton in Filmen und im Radio zu synchronisieren, begannen sie, während Filmvorführungen und Radiosendungen mit Hilfe verschiedener mechanischer Vorrichtungen Live-Soundeffekte zu erzeugen.

"The Jazz Singer" (1927), der erste Tonfilm überhaupt, spielte eine wichtige Rolle bei der Popularisierung des synchronisierten Tons im Kino.

In den 1930er Jahren begannen Sounddesigner, aufgenommene Geräusche für bestimmte Effekte in Film und Radio zu verwenden, um die Medien glaubwürdiger zu machen. Jack Foley war ein früher Pionier im Bereich der Soundeffekte. Er entwickelte die Technik, Soundeffekte in Echtzeit zu erstellen und mit der Handlung auf dem Bildschirm zu synchronisieren.

Daraus entstand der Begriff "Foley", d. h. das Hinzufügen individueller Soundeffekte in Filmen.

Von den 1940er bis zu den 1970er Jahren entwickelte sich die Technologie rasant weiter und ermöglichte den Sounddesignern mehr kreative Kontrolle. Das Magnetband war ein revolutionäres Element des Sounddesigns, da es den Menschen ermöglichte, aufgenommene Klänge zu bearbeiten und zu manipulieren.

Die Kunstform wurde als "Musique concrète" bezeichnet.

Dank Pionieren wie Pierre Schaeffer und Robert Moog dauerte es nicht lange, bis Synthesizer auf den Markt kamen und es uns ermöglichten, Klanglandschaften für Film und Fernsehen zu schaffen wie nie zuvor.

Was den modernen Produzenten heute wirklich verändert hat, war die Einführung der Digitaltechnik in den 1980er Jahren. Mit einer Kombination aus digitalen Audio-Workstations, Samplern und Synthesizern wurden der Integration von Sounddesign keine Grenzen mehr gesetzt.

Was macht ein Sounddesigner?

Sounddesigner modellieren, bearbeiten, erstellen und manipulieren Sound für verschiedene Medien, darunter Musik, Film, Fernsehen, Spiele und UX-Anwendungen. Je nach Art des Projekts, an dem sie arbeiten, kann sich der Umfang ihrer Tätigkeit ändern. Werfen wir einen Blick auf ein paar Beispiele für mögliche Aufgaben eines Sounddesigners.

Sounddesign in der Musik

In der Musikproduktion kann die Rolle der Sounddesigner sehr unterschiedlich sein.

Sie navigieren oft durch die äußerst komplexe Welt der Instrumente (real oder virtuell), Field Recordings, Effektprozessoren und DAWs, um den Sound für ihre Tracks zu komponieren, zu erstellen und zu manipulieren.

Ein Sounddesigner könnte zum Beispiel einen einzigartigen Synthesizer-Sound in seiner DAW erzeugen wollen, der als Hauptmelodieelement in seinem neuesten Deep-House-Track fungiert. Er könnte einen Synthesizer wie den Serum von Xfer Records verwenden, um mit einer Kombination aus Wavetables und Effekten einen einzigartigen Lead-Sound zu kreieren, oder eine Sammlung von selbst aufgenommenen Samples durch eine Granular-Effekt-Engine laufen lassen, um etwas Organischeres zu erzeugen.

Flying Lotus (Steve Ellison) ist ein hervorragendes Beispiel für einen Produzenten, der Sounddesign für seine genreübergreifende Musik einsetzt.

"Cosmogramma" ist eines meiner Lieblingsalben des 21. Jahrhunderts, da es Elemente von Jazz, Hip-Hop und elektronischer Musik miteinander verbindet. Während der Aufnahme des Albums wurde Ellisons Mutter schwer krank. Während sie im Krankenhaus lag, beschloss er, eine Reihe von Mikrofonen und ein Aufnahmegerät in das Zimmer seiner Mutter zu bringen, um Audiosamples von den Vitalmonitoren und Beatmungsgeräten aufzunehmen, die er später für den letzten Track des Albums, "Galaxy in Janaki", verwenden würde.

Obwohl es sicherlich eine unkonventionelle (und potenziell seltsame) Sache war, wollte er "den Raum nicht vergessen", während er um den Tod seiner Mutter trauerte. Diese Klänge wurden zu einem wichtigen Teil des Tracks.

Sounddesign in Film- und Fernsehproduktionen

In Film und Fernsehen spielen Sounddesigner eine zentrale Rolle bei der Aufwertung visueller Erzählungen.

Ob es nun das Knarren einer Tür ist, das die Spannung in einem Horrorfilm erhöht, oder das entfernte Donnergrollen, das ein bevorstehendes Unwetter ankündigt - professionelle Sounddesigner kreieren und kuratieren sorgfältig Geräusche, die mit dem Bildmaterial auf dem Bildschirm synchronisiert werden.

Ein großartiges Beispiel dafür ist der Film "Jurassic Park" aus dem Jahr 1993, in dem der Sounddesigner Gary Rydstrom diese prähistorischen Kreaturen zum Leben erweckte, indem er realistische Dinosauriergeräusche schuf. Laut Rydstrom war das ikonische Brüllen des T-Rex eine Mischung aus verschiedenen Tiergeräuschen, darunter das Knurren eines Tigers, das Quieken eines Elefantenbabys und das Glucksen eines Alligators.

Sounddesign in Videospielen

In der Videospielbranche müssen Sounddesigner ganze Welten von Grund auf neu erschaffen, um den Spielern ein beeindruckendes Hörerlebnis zu bieten.

Vom Echo der Schritte bis zum explosiven Grollen einer in der Ferne abgefeuerten Schiffskanone aus dem 18.

Man denke nur an das postapokalyptische Spiel "The Last of Us", das die subtilen Echos entfernter Wildtiere und die gespenstische Atmosphäre verlassener Städte nutzt, um eine schaurige Atmosphäre zu schaffen. Diejenigen, die das Spiel gespielt haben, wissen natürlich, dass selbst diese Soundeffekte Gustavo Santaolallas packendem Gitarrenthema nicht das Wasser reichen können.

Fundiertes Design im Bereich User Experience (UX)

Sounddesigner arbeiten auch mit Produktentwicklern zusammen, um Sounds für UX- und andere reale Anwendungen zu erstellen.

Das kleine Zischen, das Sie von Ihrem Smartphone hören, wenn Sie eine E-Mail senden, ist das Werk eines Sounddesigners. Dasselbe gilt für physische Umgebungen, wie z. B. Fahrstühle, in denen man ein kleines Läuten hört, um anzuzeigen, dass man in einem Stockwerk angekommen ist oder dass es Zeit ist, dass neue Fahrgäste einsteigen.

Sounddesign im Theater

Nicht zuletzt sehen wir Sounddesign bei Live-Theateraufführungen. Wie ich bereits erwähnt habe, gibt es seit Tausenden von Jahren Toneffekte auf der Bühne, aber dank besserer Technologie als je zuvor sind die Sounddesigner bei Live-Aufführungen viel flexibler als die alten Griechen und Römer.

Neben der ikonischen Filmmusik von Elton John und Tim Rice in der Broadway-Produktion "Der König der Löwen" werden Sie die beeindruckenden Klanglandschaften der afrikanischen Savanne und Tiergeräusche hören, die zusammen eine Welt schaffen, in die das Publikum eintauchen kann.

Erzeugen Sie Ihren ersten Sound

Großartiges Sounddesign erfordert einen komplizierten Tanz zwischen verschiedenen Sounddesign-Elementen.

Um ein Meister der Klangerzeugung und -manipulation zu werden, müssen Sie verstehen, wie diese Elemente zusammenspielen. Im Folgenden werden einige der Bausteine des Sounddesigns und verschiedene Sounddesign-Tools vorgestellt, mit denen Sie neue Klänge erstellen können.

1. Die Wahl des richtigen Sounddesign-Tools

Wenn Sie sich auf die Suche nach einem Sounddesigner begeben, müssen Sie zunächst das für Sie am besten geeignete Werkzeug finden.

Sobald Sie herausgefunden haben, welche Art von Sound Sie erzeugen wollen, können Sie sich fragen: "Welche Audioquelle kann ich verwenden, um diesen Sound zu erzeugen?"

Synthesizer

Synthesizer sind in der Welt des Sounddesigns unverzichtbar.

Mit den leistungsstarken Wellenformen, Oszillatoren und Effekten können Sie Klänge nach Herzenslust formen und umgestalten.

Es gibt auch verschiedene Synthesestile, von denen jeder eine einzigartige Klangfarbe hat, die sich am besten für verschiedene Projekte eignet.

Zum Beispiel haben analoge Synthesizer eine gewisse Wärme, die sich nur schwer anderswo wiedergeben lässt. Die Klänge eines Minimoog oder Juno-60 fangen die Essenz einer vergangenen Ära wunderbar ein - perfekt, wenn Sie Ihren eigenen Sounds einen "Vintage"-Sound verleihen möchten.

Schauen Sie sich das bahnbrechende Album "Autobahn" von Kraftwerk aus dem Jahr 1974 an, auf dem die Band eine Mischung aus analogen Synthesizern, darunter der berühmte ARP Odyssey und der Minimoog, verwendete, um ein 22-minütiges Musikstück zu kreieren, das die Erfahrung des Fahrens auf der deutschen Autobahn simuliert.

Probenehmer

Der norwegische Ambient-Elektroniker Geir Jenssen, besser bekannt unter seinem Pseudonym Biosphere, verarbeitet in seinen Kompositionen rohe Feldaufnahmen aus der ihn umgebenden Natur.

Sein gefeiertes Album "Substrata" aus dem Jahr 1997 verwebt atmosphärische Klanglandschaften mit Aufnahmen aus der Natur, darunter Wind, Wasser und Vogelgezwitscher, zu einem einzigartigen Klangerlebnis.

Ein moderneres Beispiel: Der Ableton-Musikproduzent Rob Late verwendet gesampelte Aufnahmen von Elementen in seinem Studio, um komplette Tracks zu erstellen.

Feldrekorder

Es ist nicht jedermanns Sache, sich über die Grenzen eines Studios hinaus zu wagen, aber die Verwendung von benutzerdefinierten Feldaufnahmen in der Musik ist eine meiner Lieblingsmethoden, um der Musik und der Untermalung einen organischen und authentischen dreidimensionalen Charakter zu verleihen.

Der britische Tontechniker Chris Watson ist einer der einflussreichsten Field-Recording-Pioniere der Geschichte und vor allem für seine eindringlichen Aufnahmen der Natur bekannt. Er war eines der Gründungsmitglieder von Cabaret Voltaire, einem experimentellen Musikprojekt aus den 1970er und 80er Jahren.

Schauen Sie sich das Video oben an, um zu sehen, wie Watson Umgebungsgeräusche einfängt und sie in seiner Arbeit verwendet.

2. Optimieren Sie die grundlegenden Elemente

Wenn Sie Ihr gewünschtes Sounddesign-Tool gefunden haben, besteht der nächste Schritt Ihrer alchemistischen Reise darin, diese Klänge auf Ihr Ziel hin zu optimieren.

Verstehen von Wellenformen

Im Labyrinth des Synthesizer-basierten Sounddesigns ist die Wahl des richtigen Ausgangspunkts entscheidend.

Wählen Sie eine Wellenform mit einer ähnlichen Klangfarbe wie Ihr gewünschtes Endergebnis.

Ganz gleich, ob Sie den sanften Punch einer sauberen Kick-Drum oder das modulierte Surren einer Laserkanone anstreben, die richtige Grundwellenform sorgt für den richtigen Rahmen.

Ich hatte einmal den Auftrag, einen fernen, unwirklichen Ambient-Sound für einen kurzen Science-Fiction-Film zu kreieren, und ich beschloss, auf einer Sinuswelle aufzubauen. Sinuswellen sind für ihre Reinheit bekannt, was sie zur perfekten Grundlage für andere Schichten macht, vor allem, wenn man etwas Mysteriöseres will.

Natürlich sind alle Grundwellenformen - Sinus, Rechteck, Sägezahn und Dreieck - unterschiedlich.

Jeder hat seine eigene klangliche Handschrift, und als Sounddesigner ist es wichtig zu lernen, wie man ihre einzigartigen Qualitäten erkennen kann.

Ich empfehle Ihnen, sich etwas Zeit zu nehmen, um in die reinen Töne jeder Wellenform einzutauchen, damit Sie sie in den Klängen Ihrer Lieblingssongs oder Klanglandschaften wiederfinden können.

Dreieckswellen sind viel sanfter als Rechteckwellen, wenn auch ein wenig kräftiger als Sinuswellen. Sägezahnwellen sind ein schönes Zwischending, und so weiter. Stellen Sie sich den Prozess so vor, als wären Sie ein Maler, der lernt, wie verschiedene Grundfarben zusammenwirken, um feinere Texturen zu erzeugen.

Komplexe Klänge dekonstruieren

Die wirkliche Herausforderung ist das Reverse Engineering komplexer Klänge, wie z. B. der Klang eines futuristischen Lasergewehrs.

Wenn ich die Aufgabe habe, einen bestimmten Sound zu kreieren, stelle ich mir das gerne wie ein Puzzle vor. Ich versuche dann, die einzelnen Schlüsselelemente zu identifizieren und zu isolieren, die für den Attack, das Sustain und das Release des Sounds verantwortlich sind.

Schauen wir uns zum Beispiel an, wie der Sounddesigner Ben Burtt den kultigen Star Wars Lichtschwert-Sound gemacht hat.

Das Brummen im Leerlauf, das das Hauptgeräusch des Lichtschwerts ist, stammt von zwei ineinandergreifenden Projektormotoren und dem Brummen einer alten Bildröhre eines Fernsehers. Für das Geräusch, das entsteht, wenn die beiden Lichtschwerter im Kampf aufeinandertreffen, brauchte Burt einen Angriffs-, Halte- und Auslöseton.

Für die Attacke verwendete er das Geräusch eines in Trockeneis gestoßenen Stocks, während er für den Sustain und das Release den Effektsound eines Staubsaugers verwendete.

3. Gestalten Sie den Umschlag

Sobald Sie das Rohmaterial haben, können Sie mit den Amplitudenhüllkurven spielen.

Die Amplitudenhüllkurve eines Klangs zeigt, wie er sich im Laufe der Zeit entwickelt, einschließlich Attack, Decay, Sustain und Release.

Wenn Sie einen neuen Sound entwerfen, müssen Sie sich Fragen stellen wie:

Möchte ich, dass der Klang sofort und hart zuschlägt, oder möchte ich, dass er sich allmählich entfaltet?

Soll sie schnell verschwinden oder sanft ausklingen?

Die Art und Weise, wie Sie die Amplitudenhüllkurve einstellen, bestimmt die Antworten auf diese Fragen.

Schauen wir uns kurz die wichtigsten Merkmale des Umschlags an:

• Attack - Die Attack-Zeit gibt an, wie lange ein Ton braucht, um die maximale Amplitude zu erreichen. Das Anschlagen einer Snare-Drum und das Streichen einer Geigensaite sind sehr unterschiedlich. Wenn Sie das Aufeinanderprallen zweier Schwerter nachahmen wollen, sollten Sie einen Klang mit einem scharfen, metallischen Attack wählen.
• Abklingen - Die Abklingphase setzt unmittelbar nach Erreichen der maximalen Amplitude ein und bestimmt, wie lange es dauert, bis der Klang wieder auf sein Sustain-Niveau sinkt. Ich denke hier gerne an Resonanz. Wenn ich zum Beispiel eine Note auf einem kleinen Salonklavier und dann dieselbe Note auf einem großen Flügel spiele, wird der Flügel dank der zusätzlichen Resonanz des Korpus stärker ausklingen.
• Sustain - Dieser Teil eines Klangs konzentriert sich auf den Lautstärkepegel, den er beibehält, wenn er gehalten wird. Um auf das Beispiel mit dem Schwertklirren zurückzukommen: Das Nachklingen wäre recht schnell, es sei denn, es gäbe ein langes "Ping" durch die Vibration der beiden aufeinander treffenden Metalle.
• Release - Die Release-Zeit gibt an, wie lange es dauert, bis eine Note vom Sustain-Level bis zur völligen Stille abklingt. Möchten Sie, dass ein Klang nachklingt oder perkussiv unterbrochen wird?

Das Verständnis von ADSR ist bei der Erstellung von Klangeffekten und Klangtexturen von entscheidender Bedeutung, auch wenn es nicht der letzte Schritt ist.

4. Modulation hinzufügen

In der lebendigen Welt ist der Klang nicht statisch. Er bewegt sich und moduliert. Das Gleiche sollte für Musik und Soundeffekte gelten, die Sie erstellen.

Statische Klänge lassen sich am besten durch Modulationen interessanter gestalten.

Im Wesentlichen geht es darum, eine oder mehrere Eigenschaften eines bestimmten Klangs oder einer Wellenform im Laufe der Zeit zu verändern, sei es durch subtile Verschiebungen der Tonhöhe oder durch die Entwicklung des Frequenzgehalts.

Wenn man sich Klänge anhört, die man nachbilden möchte, muss man erkennen, welche Elemente dieses Klangs sich im Laufe der Zeit verändern.

Hören Sie Veränderungen in der Tonhöhe?

Ändert sich die Lautstärke von Moment zu Moment?

Gibt es Filter oder Oberwellengeneratoren, die neue Frequenzanteile einbringen?

Der Modulationsprozess muss auch nicht auffällig sein. Sie können Tonhöhen- und Frequenzänderungen subtil einführen, indem Sie Knöpfe oder Schieberegler an Ihrem Synthesizer oder Effektprozessor einstellen. Dies kann entweder manuell oder mit Niederfrequenz-Oszillatoren (LFOs) geschehen, die eine rhythmischere und vorhersehbarere Art der Modulation bieten.

Als Sounddesigner können Sie Parameter wie Rate, Intensität oder Wellenformtyp verwenden, um die Art und Weise zu ändern, wie sich ein Sound im Laufe der Zeit entwickelt.

Um diese Strategie in die Tat umzusetzen, empfehle ich, mit der Automation in Ihrer DAW zu experimentieren. Sie können einen Sound nehmen und benutzerdefinierte Modulationshüllkurven zeichnen, um ihm Bewegung und Energie zu verleihen.

5. Effekte anwenden

Der letzte und oft spannendste Teil des Sounddesign-Prozesses ist das Hinzufügen von Effekten. Hier verwandeln Sie das Audiomaterial, mit dem Sie arbeiten, vollständig, um etwas wirklich Besonderes zu schaffen.

Die meisten Sounddesigner verfügen über ein riesiges Arsenal an Effekten, sowohl in Form von Hardware als auch von Software, und viele haben einzigartige Signalketten entwickelt, um verschiedene Arten von Tiefe, Raum und Textur zu erzeugen.

Mit einer sorgfältig zusammengestellten Abfolge von Effekten können Sie ein einzelnes Audiosignal in ein vollwertiges Erlebnis verwandeln.

Der Hauptzweck von Audioeffekten besteht darin, psychoakustische Phänomene nachzubilden. Stellen Sie sich einen Ort oder ein Erlebnis vor und denken Sie an all die Elemente, die zusammenwirken, um die Klänge zu erzeugen, die dort zu hören sind.

Die Weite des Klangs, den Sie in einer Schlucht hören, hat mit dem Abstand zwischen den harten Oberflächen und der Anzahl der Echowiederholungen zu tun, die Sie hören, während der Klang einer Stimme, die mit Ihnen am anderen Ende des Telefons spricht, mit der Resonanz eines Bandpassfilters und einer leichten Sättigung zu tun hat.

Es gibt vier Haupttypen von Effekten, die wir beim Sounddesign verwenden, und jeder davon bietet unterschiedliche Möglichkeiten.

• Zeitabhängige Effekte: Reverb und Delay formen die zeitliche Dimension und vermitteln dem Hörer die Illusion von Raum und Tiefe.
• Modulationseffekte: Chorus-, Phaser-, Flanger-, Tremolo- und Auto-Pan-Effekte verleihen dem Sound Bewegung und Charakter.
• Filter: Mit Tief-, Hoch- und Bandpassfiltern können wir das Frequenzspektrum von Klängen gestalten.
• Dynamische Effekte: Mit Kompression und Sättigung können wir die dynamische Intensität von Klängen steuern und gleichzeitig einzigartige Klangcharakteristiken hinzufügen.

Nehmen wir an, wir wollten einen spacigen, atmosphärischen Sound im Sci-Fi-Stil erzeugen.

Ich würde mit einem einfachen Synth-Pad beginnen und eine großzügige Menge an Hall einsetzen. Da wir uns im Weltraum befinden, müsste die Hallfahne ziemlich lang sein (ich weiß, im Weltraum gibt es eigentlich keinen Ton, also bitte haben Sie Nachsicht mit mir und seien Sie kein Keyboard-Krieger). Sie könnten sogar mit dem Diffusionsparameter experimentieren, um die Reflexionen etwas mehr zu überlagern und den Nachhall dicker zu machen.

Sie könnten dann einen Verzögerungseffekt hinzufügen, um das Raumgefühl weiter zu verstärken. Je länger die Verzögerungszeit ist, desto raumgreifender wird der Klang wirken.

Um den Klang noch unwirklicher zu machen, können Sie einen Modulationseffekt, wie z. B. einen Chorus oder Phaser, nach dem Delay und dem Reverb in der Kette platzieren, um ihm etwas Bewegung zu verleihen.

Natürlich würde ich auch nicht zögern, die Reihenfolge in der Signalkette zu ändern, um zu sehen, welche anderen Ergebnisse ich erhalte, oder die Parameter innerhalb jedes Effekts zu automatisieren, um noch mehr Bewegung hineinzubringen.

10 zusätzliche Tipps zum Aufpeppen Ihres Sounddesigns

Nun, da Sie eine ziemlich solide Vorstellung von all den verschiedenen Strategien und Effekten haben, die ein Sounddesigner verwenden würde, um einen neuen Sound oder eine neue Klanglandschaft für einen Song, einen Film, ein Spiel oder ein Produkt zu entwerfen, lassen Sie uns einige Tipps und Techniken betrachten, die Ihr Sounddesign-Spiel weiterbringen können.

1. Texturen stapeln und Sounds überlagern

Das Stapeln von Texturen und Überlagern von Sounds ist eine großartige Möglichkeit, Ihren Klängen mehr Tiefe zu verleihen. Durch die Kombination verschiedener Elemente können Sie Sounds erzeugen, die mehr sind als die Summe ihrer Teile.

Der Klang einer düsteren, verzerrten und oktavierten Gitarre auf einem subtilen, aber breiten Ambient-Synthesizer-Pad kann beide Sounds interessanter machen.

2. Nutzen Sie den Haas-Effekt

Der Haas-Effekt ist ein subtiles, aber wirkungsvolles Mittel, um einem Klang den Eindruck von Breite zu verleihen. Wenn Sie einen Kanal in einem Stereosignal leicht verzögern, klingt es breiter. Er ist ein wunderbares Werkzeug, um ansonsten zentrierte Klänge "außerhalb der Lautsprecher" zu verbreiten.

3. Fügen Sie keine weiteren Elemente hinzu, wenn der Mix nicht funktioniert

In ihrem Streben nach Perfektion fügen Musikproduzenten und Komponisten oft ständig neue Elemente hinzu, wenn sie feststellen, dass ihre Mischung nicht funktioniert.

Ich möchte Ihnen dringend raten, diese Neigung zu erkennen und der Versuchung zu widerstehen, Ihren Mix mit Schrott zu überhäufen. Konzentrieren Sie sich stattdessen darauf, das, was Sie bereits haben, zu verfeinern und zu optimieren. Qualität statt Quantität ist das Mantra, und deshalb ist es so wichtig, die Elemente mit Bedacht auszuwählen.

4. Stille ist dein Freund

Wir unterschätzen oft die Macht der Stille im Sounddesign, was ironisch ist, weil sie in unserer Alltagssprache vorkommt.

Wenn wir am Ende eines Satzes einen Punkt setzen, gibt das dem Leser oder Zuhörer einen Moment Zeit zum Durchatmen und Nachdenken über das, was er gerade gehört hat. Das Gleiche sollte für Musik und Sounddesign gelten.

Indem wir die Stille strategisch in unseren Schaffensprozess einbeziehen, können wir Momente der Spannung erzeugen, die die Hauptklänge noch wirkungsvoller erscheinen lassen.

5. Experimentieren Sie immer mit dem Rückwärtsfahren

Der Umkehreffekt lässt sich zwar leicht überstrapazieren, aber manchmal ist er genau das Richtige, um einen Sound interessanter zu machen.

Ob ein umgekehrter Beckenschlag, der das Geräusch einer sich schließenden Luftschleusentür darstellt, oder ein umgekehrter Hall hinter einer trockenen Stimme, um ihr eine geisterhafte Qualität zu verleihen - es gibt unendlich viele Möglichkeiten, mit der Umkehrung von Audiodaten zu experimentieren, die einzigartige Möglichkeiten eröffnen.

6. Klänge so oft wie möglich aufnehmen

Eine der besten Möglichkeiten, Ihr Sounddesign authentischer zu gestalten, ist die Aufnahme von Klängen, wann immer dies möglich ist. Sie haben ständig ein kleines Aufnahmegerät bei sich (Ihr Smartphone). Warum sollten Sie es nicht nutzen, indem Sie die organischen Klänge der Welt um Sie herum aufnehmen und später in Ihrer DAW bearbeiten?

In einem meiner letzten Songs, "Under the Sun", habe ich eine Aufnahme der Vögel meines Nachbarn verwendet und den Ton mit einer großen Dosis Hall übergossen, damit es so aussieht, als würden sie durch eine Schlucht fliegen.

7. Nutzen Sie den Lärm

Obwohl wir oft denken, dass Rauschen etwas ist, das wir nicht in unseren Mischungen haben wollen, kann es ein unglaublich mächtiger Verbündeter beim Sounddesign sein.

Experimentieren Sie mit verschiedenen Arten von Rauschen - weißes, rosa oder sogar körniges Rauschen - um Ihren Klängen Textur, Charakter und Komplexität zu verleihen.

8. Verwenden Sie das gesamte Stereofeld

Wenn Sie Ihr Stereofeld nicht von rechts nach links maximieren, verpassen Sie eine Menge Möglichkeiten.

Die Gestaltung eines dreidimensionalen Raums erfordert Sorgfalt, da die Elemente so verteilt werden müssen, dass sie sich gegenseitig ergänzen und nicht überdecken.

Sie erfordert auch Kontrast. Damit ein Klang den Eindruck von Weite vermittelt, brauchen wir einen Klang, der schmal ist, um ihn zu kontrastieren. Experimentieren Sie mit der Bewegung von Klängen im dreidimensionalen Feld und verwenden Sie Effekte wie Auto-Pan, um Zufälligkeit zu erzeugen.

9. Kontrast ist der Schlüssel

Außerhalb des Stereofeldes ist der Kontrast in allen Aspekten des Sounddesigns gleichermaßen wichtig.

Ohne leise kann man nicht laut sein, und ohne sanft kann man nicht hart sein.

Durch die Verwendung verschiedener Geschmacksrichtungen in Ihrem Prozess können Sie ein dynamischeres Rezept erstellen.

10. Organisiert bleiben

Dieser letzte Tipp ist nicht kreativ, sondern eher praktisch.

Der Prozess des Sounddesigns kann chaotisch sein, und der beste Weg, Ordnung zu halten, ist, organisiert zu bleiben.

Achten Sie darauf, dass Ihre Spuren und Elemente richtig beschriftet sind, organisieren Sie Ihre Sounds und Effekte in leicht zugänglichen Ordnern, und verwenden Sie Vorlagen und vorgefertigte Effektketten in Ihrer DAW, damit Sie, wenn die Inspiration zuschlägt, gleich loslegen können, anstatt Ihr Gehirn mit der Suche nach der einen verzerrten Snare-Audiodatei zu vergeuden, von der Sie schwören könnten, dass Sie sie in Ihrem Arsenal haben.

Abschließende Überlegungen

Um ein hervorragender Sounddesigner zu werden, braucht man jahrelange Übung. Wenn man jedoch die einzigartigen Misch- und experimentellen Aufnahmetechniken kennt, die Sounddesigner bei der Musikproduktion, beim Sounddesign für Filme, bei der Fernsehproduktion oder bei Videospielen einsetzen, kann man sich einen Vorsprung verschaffen, wenn es darum geht, eigene originelle Sounds zu produzieren.

Da draußen gibt es eine endlose Klanglandschaft, die nur darauf wartet, von Ihnen bearbeitet, manipuliert, gemischt und gemastert zu werden. Fangen Sie sie ein.