Haben Sie schon einmal den Ausdruck gehört: "Es kommt nicht darauf an, was man sagt, sondern wie man es sagt"? Wir können dieses Prinzip auf den Ausdruck von Musikinstrumenten anwenden: Es kommt nicht darauf an, was man spielt, sondern wie man es spielt. Dies und eine bewusste Klangauswahl sind die Grundprinzipien des Konzepts der Instrumentation.

Die Instrumentierung in der Musik bringt Leben und Emotionen in eine geschriebene Komposition und ist damit ein wesentlicher Bestandteil des Musikerdaseins, egal ob Sie Sänger, Produzent oder Instrumentalist sind. Im Folgenden erklären wir, wie Instrumentierung funktioniert und wie Sie diese klassischen Techniken nutzen können, um Ihrer Kunst mehr Ausdruck zu verleihen und Ihre Zuhörer zu begeistern.

Definition der Instrumentation in der Musik

Die Instrumentierung bezieht sich auf die besondere Kombination von Klangstrukturen und Instrumenten innerhalb eines Musikstücks, die die Hauptidee des Songs unterstützen soll. In ihrer einfachsten Form bezieht sich die Instrumentation auf die spezifische Auswahl von Instrumenten durch einen Produzenten oder Komponisten für eine Komposition.

Neben der Auswahl von Klängen und Instrumenten kann die Instrumentierung auch die Art und Weise bezeichnen, wie verschiedene Elemente zum Ausdruck gebracht werden: Eine mit Vibrato gespielte E-Gitarre erzeugt beispielsweise ein völlig anderes Gefühl als eine sauber gespielte Gitarre. Verschiedene Instrumente fallen auch in unterschiedliche Frequenzbereiche, so dass die Instrumentierung stark von der spektralen Ausgewogenheit der verschiedenen Klangelemente abhängt.

Im Wesentlichen geht es bei der Instrumentierung um die Auswahl der Instrumente und die Intensität, mit der sie eingesetzt werden, mit dem Ziel, eine ausgewogene, kohärente Mischung zu erzeugen, die die Melodie eines Songs unterstützt:

‍

Warum ist die Instrumentierung wichtig?

Wenn Sie an Instrumentierung denken, denken Sie vielleicht sofort an Orchestermusik. Können Sie sich vorstellen, dass ein Komponist ein Stück schreibt, in dem die Bassstimme fünfmal stärker ist als die Melodie der ersten Geigen? Sie können sich wahrscheinlich vorstellen, dass dieses Stück unausgewogen wäre und es schwierig machen würde, der Hauptmelodie der Musik zu folgen.

Die Prinzipien hinter der Instrumentierung geben uns einen Rahmen für den Aufbau ausgewogener, zusammenhängender Musik, die die Hauptidee des Songs ehrt. Die meisten Songs lassen sich auf Schlagzeug, Basslinie und die Melodie reduzieren, die alles zusammenhält. Wenn wir uns die Instrumentierung so vorstellen, dass sie die Melodie unterstützt und sie nicht überwältigt, sind wir in bester Verfassung.

Die Bestandteile der Instrumentierung

Wie entsteht also eine großartige Instrumentierung? Hier sind die wichtigsten Komponenten der Instrumentierung, die jeder Musiker berücksichtigen sollte:

Sound-Auswahl

Die größte Komponente der Instrumentierung ist die Klangauswahl. Es geht nicht nur darum, die einzelnen Komponenten herauszusuchen, die Ihnen gefallen. Die Klangauswahl läuft darauf hinaus, dass Sie wissen müssen, wo bestimmte Instrumente im Frequenzspektrum liegen (keine Sorge, darauf gehen wir weiter unten ein), und dass Sie dieses Wissen nutzen können, um zu bestimmen, was Sie in Ihre Komposition einbringen.

Möglicherweise müssen Sie gewisse Kompromisse eingehen, denn nur weil etwas für sich genommen gut klingt, heißt das noch lange nicht, dass es auch mit dem Rest Ihrer Musik harmoniert. Wenn es die Idee der Melodie nicht unterstützt, muss es weg.

Textur

Die Textur gibt an, wie glatt, rau, verwaschen oder kontinuierlich sich ein Klang anfühlt. Dies sind zwar eher subjektive Begriffe, aber der Schlüssel liegt darin, zu überlegen, wie die verschiedenen Texturen der verschiedenen Instrumente in einer Komposition miteinander interagieren werden.

Dynamics

Die Dynamik bezieht sich darauf, wie laut oder leise etwas ist, insbesondere darauf, wie sich Lautheit und Leise in einem Lied mit der Zeit verändern.

Artikulation

Die Artikulation bezieht sich auf die Art und Weise, in der instrumentale oder vokale Teile ausgedrückt werden. Zum Beispiel kann eine Stimme mit harten oder weichen Konsonanten gesungen werden, es ist nur eine Frage der gewählten Artikulation.

Klangfarbe

Die Klangfarbe beschreibt den Ton, in dem Instrumentalstimmen ausgedrückt werden.

Bereich

Der Tonumfang bezeichnet den Abstand zwischen den niedrigsten und den höchsten Elementen des Frequenzspektrums. Ihre Instrumentierung wirkt sich auf den Tonumfang Ihres Titels und damit auf das Hörerlebnis Ihrer Fans aus.

Blend

Die Mischung oder Ausgewogenheit bezieht sich auf das Verhältnis zwischen einer Klangfarbe und einer anderen in Ihrer Komposition. Eine gute Instrumentierung sorgt für eine einheitliche Mischung der verschiedenen Elemente eines Songs.

Was ist der Unterschied zwischen Instrumentation und Orchestrierung?

Instrumentation und Orchestermusik sind sich sehr ähnlich und beziehen sich beide auf den spezifischen Klang und die Auswahl der Instrumente im Kontext einer Komposition. Orchestrierung ist jedoch ein etwas spezifischerer Begriff, der sich auf die Klangauswahl beim Aufbau von Orchestermusik bezieht, in der Regel in einem Live-Setting.

Im Gegensatz dazu ist Instrumentation ein weiter gefasster Begriff, der ein breiteres Spektrum von Produktions- und Kompositionsmethoden umfasst.

Man könnte zum Beispiel sagen, dass die Auswahl bestimmter Synthesizer und Drum-Parts in Ihrer digitalen Audio-Workstation eine Art der Instrumentierung ist. Bei der Orchestrierung hingegen arbeiten Sie ebenfalls mit mehreren Instrumenten, allerdings in einer Live-Umgebung, z. B. um die Klangbalance für ein Streichquartett zu finden.

Wo liegen die verschiedenen Töne im Frequenzspektrum?

Um ein ausgewogenes Musikstück zu schaffen, muss man ein Grundverständnis dafür haben, wo Instrumente und Klänge im Allgemeinen im Frequenzspektrum liegen.

Warum?

Andernfalls kann man es in bestimmten Abschnitten leicht übertreiben, was zu einer schlechten Instrumentierung führt. Hier finden Sie eine Übersicht über das Frequenzspektrum, in dem die Instrumente zu erwarten sind:

Schlagzeug

Schlagzeuge sind erstaunlich vielseitig, was die Abdeckung des Frequenzspektrums angeht. Kick-Drums sind die tiefsten, mit einem Pochen bei 60-80 Hz. Snares und Toms liegen hauptsächlich in der Mitte des Frequenzspektrums, während die Brillanz von Hi-Hats und Becken bis zum oberen Ende des Frequenzspektrums bei 5 kHz+ reicht.

Streicher

Streicher decken den mittleren Bereich des Frequenzspektrums ab, aber bestimmte Streichinstrumente haben Elemente, die tiefer oder höher reichen. Bassgitarren und Kontrabässe decken einen Teil des wummernden unteren Teils des Frequenzspektrums ab, während Geigen und Mandolinen in den oberen Frequenzbereich hineinreichen und einige Frequenzen zwischen den oberen Mitten von 2,5 kHz und 5 kHz abdecken.

Der E-Bass kann einige der tieferen Frequenzen übernehmen, während er in den Mitten des Spektrums noch viel Platz einnimmt.

Gesang

Der individuelle Stimmumfang variiert, aber man kann davon ausgehen, dass er im Allgemeinen zwischen 200 Hz und 15 Hz liegt, je nachdem, ob es sich um einen männlichen oder weiblichen Sänger handelt. Männerstimmen können einen Frequenzbereich zwischen 100 Hz und 8 kHz abdecken. Weibliche Stimmen können einen viel höheren Bereich abdecken, obwohl sie eher in der Mitte des Frequenzspektrums beginnen und zwischen 350 Hz und 17 kHz liegen.

Klavier, Keyboards und Synthesizer

Diese Instrumente sind alle unglaublich vielseitig in Bezug auf den Frequenzbereich, so dass sie den größten Teil des Frequenzspektrums abdecken können. Sie decken nicht alle ultratiefen Subfrequenzen oder besonders hohe Frequenzen ab, die um die 5-kHz-Marke herum beginnen.

Der ursprüngliche Klavierklang ist jedoch begrenzter als bei elektronischen Instrumenten wie Keyboards oder Synthesizern. Denken Sie daran, dass diese Klänge sehr vielfältig sind und daher vorsichtig eingesetzt werden sollten.

Wo liegen die Orchesterinstrumente im Frequenzspektrum?

Wenn Sie davon träumen, Dirigent zu werden, müssen Sie zunächst verstehen, wo bestimmte Instrumente im Frequenzspektrum liegen. Machen Sie sich damit vertraut, wo die folgenden Instrumente liegen, damit Sie in einer Live-Musikumgebung eine hervorragende Balance schaffen können:

Kontrabass

Der Kontrabass sorgt für das Grollen und die satten Subfrequenzen im Orchester. Von 40 bis 300 Hz bilden diese Instrumente das Fundament für das tiefe Ende.

Cello

Das Cello ruht über dem Kontrabass und fügt tiefe bis mittlere Frequenzen bis zu 1 kHz hinzu. Es kann die Melodie unterstützen, indem es die Grundtöne verschiedener Akkorde umreißt.

Flöte

Die Flöte, die für ihren hellen, manchmal schrillen Klang bekannt ist, liegt im mittleren Bereich, kann aber bis in die höheren Mitten bis etwa 4 kHz reichen.

Geigen

Geigen sind oft melodieführend und heben sich aufgrund ihrer durchdringenden, klaren Textur in einer Mischung ab. Sie können einen Bereich von 200 Hz bis 10 kHz oder höher für brillante, hohe Töne abdecken.

Klavier

Ähnlich wie bei der oben beschriebenen modernen Produktion ist das Klavier insofern etwas Besonderes, als es fast das gesamte Frequenzspektrum abdecken kann.

Klarinette

Diese warmen, hölzernen Instrumente haben ihren Platz in den mittleren Frequenzen, die zwischen 100 Hz und 2 kHz liegen.

Oboe

Die Oboe ist für ihren nasalen Klang bekannt, der eine interessante Textur im Orchester erzeugt. Die Oboe liegt zwischen 250 Hz und 4 kHz und ist hauptsächlich im mittleren Frequenzbereich angesiedelt.

Hörner

Hörner haben in der Regel einen ziemlich großen Tonumfang, obwohl sie die oberen Mitten des Frequenzspektrums am stärksten besetzen. Hörner sind sehr ausdrucksstark und können bei zu forschem Spiel leicht die Balance überlagern, daher ist Vorsicht geboten.

Schlagzeug

Ähnlich wie bei den Drums in Ihrer DAW belegen die orchestralen Drum-Elemente das gesamte Spektrum, wenn sie zusammen gespielt werden, wobei bestimmte Elemente einen höheren oder niedrigeren Bereich als andere einnehmen. Für Kick, Snare und Becken gelten die gleichen Bereiche wie oben beschrieben. Die Pauke liegt eher in den unteren bis mittleren Frequenzen um 50 - 400 Hz.

Wie Sie moderne Instrumentierung in Ihren Songs verwenden

Auch wenn Sie sich nicht vorstellen können, klassische Musik zu dirigieren oder traditionelle Instrumente zu verwenden, können wir die Lektionen der Instrumentation in die moderne Musiklandschaft übertragen. Im Folgenden erfahren Sie, wie Sie die Prinzipien der Instrumentation in Ihre digitale Audio-Workstation integrieren können:

Soundauswahl und Design

Genau wie bei Orchestermusik oder Live-Musikinstrumenten haben die von Ihnen ausgewählten VSTs, Instrumente und sogar Samples einen großen Einfluss auf Ihre endgültige Komposition. Priorisieren Sie den Sound, der Ihre melodische Idee am besten repräsentiert, und bauen Sie dann um ihn herum. Alle Klänge außerhalb Ihrer Hauptidee sollten so ausgewählt werden, dass sie den ursprünglichen Klang unterstreichen und nicht überlagern.

Tonüberlagerung

Sie können damit experimentieren, denselben Sound zu stapeln oder mit verschiedenen Sounds zu spielen, indem Sie ähnliche Parts über mehrere Oktaven hinweg spielen. Das Stapeln von Schichten kann dazu beitragen, dass sich einzelne Teile breiter und robuster anfühlen und Ihr Mix kohärenter wirkt. Achten Sie nur darauf, dass Sie es nicht übertreiben: Ihre Melodie sollte immer der Star der Show bleiben.

Automatisierung

Die Automatisierung sorgt für ein dynamischeres Erlebnis für den Hörer, das dem eines Live-Musikinstruments ähnlicher ist. Experimentieren Sie mit der Automatisierung von Parametern wie Lautstärke, Filter und einzelnen Komponenten Ihres Instruments im Laufe der Zeit, um einen realistischeren Performance-Ausdruck in Ihren Songs zu programmieren.

Geschwindigkeit und andere Ausdrucksparameter

Die Herausforderung, die sich ergibt, wenn man Musik mit einer Software produziert, anstatt sie aufzuführen und aufzunehmen, besteht darin, dass einige der unvollkommenen Aspekte einer Aufführung verloren gehen können, die etwas "menschlich" klingen lassen.

Ein Beispiel dafür ist die Änderung der Anschlagsstärke oder der Intensität, mit der Noten wiedergegeben werden. Wenn ein Instrumentalist einen Part in einem Song spielt, wird er in der Regel nicht jede Note gleichmäßig spielen, auch wenn dies oft als Standard in MIDI-Parts eingebaut ist. Nehmen Sie sich die Zeit, die Expression-Parameter zu randomisieren und anzupassen, um ein weniger roboterhaftes Gefühl zu erzeugen.

Instrumentierung erweckt die Musik zum Leben

Bei der Instrumentierung geht es darum, den klanglichen Charakter der einzelnen Komponenten Ihrer Komposition zu verstehen und sie entsprechend auszuwählen, mit dem Ziel, ein ausgewogenes Stück zu schaffen, in dem eine Stimme eine andere nicht völlig überwältigt. Der Ausdruck, der in den von Ihnen ausgewählten Klängen steckt, kann die Emotionen Ihres Stücks verändern und macht die Instrumentierung zu einem mächtigen, dynamischen Werkzeug.

Wir hoffen, dass dieser Leitfaden Ihnen den Einstieg in die Kunst der Instrumentierung erleichtert hat. Viel Spaß beim Erstellen ausgewogener, ausdrucksstarker Kompositionen mit Instrumentierung, egal ob Sie Komponist, Produzent oder Instrumentalist sind.