Wenn man anfängt, Musik zu produzieren, kann sich das ziemlich einfach anfühlen. Du legst ein paar Drums auf, fügst ein paar Akkorde hinzu, gibst eine Melodie ein und schon kann es losgehen. Sobald man sich aber in professionelleres Terrain begibt, kann es schon etwas komplizierter werden. Es gibt bestimmte Techniken und Prozesse, die deinen Sound verbessern können , wenn du weißt, wie man damit umgeht.

Eine dieser Schlüsseltechniken ist das Layering. Layering ist in der professionellen Produktion allgegenwärtig, von Schlagzeug bis Gesang und darüber hinaus. Aber es richtig zu machen, bedeutet mehr, als mehrere Sounds zusammenzuwürfeln und auf das Beste zu hoffen. Es gehört eine gewisse Strategie dazu.

In diesem Artikel erkläre ich, was Layering ist, warum es wichtig ist und gebe einige praktische Tipps, wie Sie es in Ihrer eigenen Musik effektiv einsetzen können.

Was ist Layering in der Musikproduktion?

Was genau ist also Sound-Layering? Einfach ausgedrückt ist es der Prozess, bei dem mehrere Klänge übereinander gelegt werden, um einen volleren, reicheren Klang zu erzeugen.

Das hört sich vielleicht ein wenig nach Abmischen an, und in der Tat überschneidet sich beides ein wenig. Aber während es beim Abmischen eher darum geht, mehrere Elemente eines Tracks auszubalancieren (Anpassung von Pegeln, Panning usw.), geht es beim Layering eher um die kreative Entscheidung, Sounds zu stapeln, um bestimmte Teile zu verbessern oder zu verdichten, um größere, zusammenhängende Elemente zu schaffen.

So können Sie beispielsweise Synthesizer in mehreren Oktaven übereinanderlegen, um ein volleres Pad zu erzeugen, oder verschiedene Kick-Drums stapeln, um den Bässen mehr Punch und Wumms zu verleihen.

Nehmen wir zum Beispiel an, Sie arbeiten an einer Lead-Synthesizer-Linie. Für sich allein genommen könnte sie dünn oder eindimensional klingen. Wenn Sie sie jedoch mit einem subtileren Sound darunter überlagern, vielleicht etwas mit etwas mehr Tief-Mittelton-Präsenz, verleihen Sie ihr sofort etwas Wärme.

Das Ziel ist es, Tiefe, Wärme oder Textur in einer gut ausgeführten Schicht hinzuzufügen, ohne dass der Hörer überhaupt erkennen kann, was passiert. Sie wissen einfach, dass es besser klingt.

Warum wir Klänge schichten

Es gibt viele Gründe, warum das Überlagern von Klängen ein beliebtes Verfahren für Produzenten auf allen Ebenen ist.

Auch wenn es sich anfangs etwas kompliziert anfühlt, wird Ihre Musik umso dreidimensionaler klingen, je eher Sie damit experimentieren. Layering muss keine "fortgeschrittene" Technik sein. Sie können sofort damit anfangen, auch wenn es eine Weile dauert, bis es Ihnen in Fleisch und Blut übergeht.

Hier sind einige der wichtigsten Vorteile von Lagenbildung:

• Neue Texturen schaffen: Durch das Kombinieren von Klängen können Sie etwas völlig anderes schaffen als das, womit Sie begonnen haben, oder als das, was jemand zuvor verwendet hat. Wenn Sie zum Beispiel einen organischen Klang wie ein Klavier mit einem weichen Synthesizer überlagern, entsteht eine hybride Textur, die sich perfekt für organische elektronische Musik eignet.
• Mehr Tiefe: Manche Klänge können für sich genommen flach wirken, aber durch das Übereinanderlegen von Ebenen entsteht mehr Körper und Dimension. Sie können z. B. einen tiefen Subbass mit einem druckvollen Midbass überlagern oder verschiedene Gesangsaufnahmen zu einer größeren Aufnahme kombinieren.
• Steigerung der Komplexität: Mit Layering können Sie subtile oder weniger subtile Komplexität hinzufügen. Denken Sie an das Hinzufügen verschiedener perkussiver Elemente, um einem Beat mehr Bewegung zu verleihen, oder an das Mischen mehrerer Synthesizerlinien, um eine sich ständig weiterentwickelnde Klangwelle zu erzeugen.
• Gestaltung der Klanghüllkurve: Jeder Sound hat seine eigene Attack, Decay, Sustain und Release (ADSR). Wenn Sie Klänge mit unterschiedlichen Eigenschaften überlagern, z. B. einen mit einem scharfen Attack und einen anderen mit einem langsamen Release, können Sie das Gesamtgefühl eines Klangs neu formen.
• Verstärkung von Schlüsselelementen: Manchmal geht es beim Layering einfach darum, das zu verstärken, was bereits vorhanden ist. Wenn Sie den Gesang verdoppeln, einem basslastigen Abschnitt zusätzliche Kicks hinzufügen oder Streicher mit Pads überlagern, können Sie Ihre Kernelemente stärker hervorheben.

Überlagerung von Schlagzeug und Percussion

Ich weiß, wenn ich an Layering in der Musikproduktion denke, sind Drums oft das Erste, was mir in den Sinn kommt, besonders in Genres wie Pop, Hip-Hop und elektronischer Musik. Eine Sache, die ich schon früh von meinen Mentoren gelernt habe, ist, dass Drum-Layering einen einfachen Beat in etwas viel Aufregenderes und Komplexeres verwandeln kann. Egal, ob du nach Punch, Textur oder dem gewissen Extra suchst, Layering ist dein bester Freund.

Nehmen Sie zum Beispiel eine Snare. Ein einzelnes Snare-Sample reicht vielleicht nicht aus. Vielleicht fangen Sie aber mit einer knackigen Snare an, damit sie sich im Mix durchsetzen kann. Dann schichten Sie eine tiefere, resonantere Snare darunter, um den Klangkörper zu verstärken, und vielleicht sogar ein Klatschen oder ein weißes Rauschen für zusätzliche Textur. Durch das Stapeln dieser verschiedenen Sounds entsteht eine einzige Snare, die dicker und dynamischer klingt als jede der einzelnen Schichten für sich genommen.

Natürlich geht es beim Layern von Schlagzeug nicht nur darum, Sounds zusammenzulegen und zu hoffen, dass sie gut klingen. Sie müssen darauf achten, wie diese Schichten interagieren. Ein wichtiger Tipp ist, die Wellenformen richtig auszurichten. Wenn die übereinander geschichteten Snare-Sounds nicht synchron sind, z. B. wenn der Transient eines Sounds etwas vor oder nach den anderen auftrifft, kann sich das Ganze falsch anhören. Scheuen Sie sich nicht, etwas zu verändern oder sogar die Form der Wellenform anzupassen, wenn das nötig ist, um den Sound richtig hinzubekommen.

Ein weiterer Trick, um die Dynamik zu erhalten, ist die Variation der Anschlagsstärke. Das funktioniert besonders gut mit Hi-Hats. Nehmen wir an, Sie haben zwei oder drei Hi-Hat-Layer. Anstatt sie alle mit der gleichen Anschlagsstärke zu programmieren, können Sie die Schlagstärke für jede Schicht leicht anpassen.

Die Haupthut kann auf den Downbeats hart zuschlagen, um einen stärkeren Rhythmus zu erzeugen, während die anderen Hats weicher sind und subtile Bewegungen und Geisternoten hinzufügen, damit der Groove nicht zu roboterhaft klingt.

Wenn du Kicks schichtest, ist ein ausgewogenes Verhältnis zwischen den tiefen und mittleren Frequenzen wichtig.

Ein sublastiger Kick sorgt für tiefe, dröhnende Bässe, hat aber möglicherweise nicht viel Punch für sich allein. Wenn Sie einen Kick mit mehr Mittenpräsenz überlagern, können Sie das Beste aus beiden Welten kombinieren.

Achten Sie nur darauf, dass die Elemente, die Sie stapeln, nicht miteinander kollidieren.

Zwei Kicks, die beide die tiefen Frequenzen dominieren, werden den Mix verwirren und zu Phasenproblemen führen, auf die wir gleich noch näher eingehen werden. Daher ist es wichtig, komplementäre Layer zu wählen, die zusammen funktionieren, oder die tiefen Frequenzen aus einem der Samples herauszuregeln.

Melodische Elemente überlagern

Das Überlagern von melodischen Elementen ist eine der einfachsten Möglichkeiten, Ihren Tracks Tiefe zu verleihen. Keine noch so gute Bearbeitung wird Sie an denselben Punkt bringen wie strategisches Layering.

Eine einzelne Melodielinie mag zwar cool sein, aber wenn Sie verschiedene Sounds übereinanderlegen, entsteht etwas, das sich lebendiger und voller anfühlt. Es gibt einen Grund, warum so viele Keyboards mit Standard-Patches geliefert werden, die Klavier und Streicher kombinieren.

Das Schöne daran ist, dass diese Idee nicht auf ein bestimmtes Genre beschränkt ist.

In der Rockmusik zum Beispiel überlagern Gitarristen oft Rhythmusgitarren mit verschiedenen Verstärkertönen oder kombinieren akustische und elektrische Gitarren, um ihren Sound zu verdichten.

In der EDM-Musik hingegen hört man oft große Synthesizer-Leads, die mit Pads und Basslinien überlagert werden, um ein episches, festivaltaugliches Gefühl zu erzeugen. Auch in der klassischen Musik dreht sich bei der Orchestrierung alles um die Schichtung. Streicher, Blechbläser und Holzbläser tragen alle ihren Teil dazu bei, diese massiven, kinoreifen Klangwände zu schaffen, die wir in unseren Lieblingsfilmen hören.

Unabhängig von der Musikrichtung, die Sie machen, beginnt das Überlagern melodischer Elemente damit, dass Sie die richtige Kombination von Sounds finden, um das Spektrum auszufüllen. Sie könnten einen hellen High-End-Synthesizer mit einem warmen Pad im mittleren Frequenzbereich überlagern, um Ihrem Track sowohl Glanz als auch Körper zu verleihen. Oder Sie kombinieren dieselbe Melodie mit einem anderen Instrument, z. B. mit einem Klavier und einer Leadgitarre im Stil von Brian May. Die Welt liegt Ihnen zu Füßen!

Wie das Frequenzspektrum und die Klangeigenschaften ins Spiel kommen

Wenn Sie wirklich gut schichten wollen, brauchen Sie ein grundlegendes Verständnis des Frequenzspektrums. Je mehr Sie darüber wissen, wie verschiedene Klänge verschiedene Teile des Spektrums besetzen, desto besser können Sie schichten, ohne dass die Dinge durcheinander geraten.

Das Frequenzspektrum sollte Ihre Landkarte dafür sein, wo jeder Ton in der Mischung Platz findet. Wenn Sie einen Bereich überfüllen, wird er schnell matschig oder rau.

Zum Beispiel sollte Ihre Kick Drum hauptsächlich in den tiefen Frequenzen zwischen 50 und 100 Hz liegen, während Ihre Snare und Ihr Gesang hauptsächlich in den mittleren Frequenzen zu finden sind. Ihre Hi-Hats oder einige hochfrequente Synthesizer werden dagegen in den höheren Frequenzen, etwa bei 8-12 kHz, zu finden sein.

Wenn Sie versuchen, zwei Klänge übereinander zu legen, die beide denselben Frequenzbereich dominieren, ohne einander Platz zu lassen, werden sie um den Raum kämpfen, und am Ende wird es nur unübersichtlich klingen. Wenn Sie jedoch Klänge überlagern, die sich in verschiedenen Teilen des Spektrums ergänzen, können sie zusammenpassen, ohne sich gegenseitig auf die Füße zu treten.

Je besser Sie dies beherrschen, desto weniger müssen Sie später mit EQ und Bearbeitung nachbessern.

Neben dem Frequenzgehalt müssen Sie auch über Klangcharakteristika wie Klangfarbe und Hüllkurve nachdenken.

Die Klangfarbe ist der Ton oder die Textur eines Tons.

So klingt zum Beispiel eine Trompete wie eine Trompete und nicht wie eine Geige. Wenn Sie einen Synthesizer mit einer Gitarre überlagern, fügen ihre Klangfarben Ihrem Track einzigartige Texturen hinzu. Vielleicht ist der Synthesizer-Sound hell und scharf, während die Gitarre einen wärmeren, organischeren Klang hat. Zusammen würden diese Klänge gut funktionieren, um unterschiedliche Charakteristika zu erzeugen.

Die Hüllkurve eines Klangs beschreibt das Verhalten von Attack, Decay, Sustain und Release.

Nehmen wir an, Sie überlagern zwei Bass-Sounds. Sie könnten einen mit einem schnellen Attack wählen, um dem Sound eine druckvolle, perkussive Note zu verleihen, und einen anderen mit einem langsameren Attack und langem Release, um Sustain hinzuzufügen.

Phasenauslöschung bei Überlagerung

Die Phasenauslöschung ist eines der Themen, bei denen ich eine Weile gebraucht habe, um sie zu verstehen.

Ich merkte jedoch bald, dass es die Sache war, die heimlich einige der vermeintlich cleveren Schichten ruinierte, ohne dass ich es überhaupt merkte.

Wenn zwei Klänge phasenverschoben sind, können ihre Wellenformen zusammenstoßen und sich gegenseitig auslöschen, insbesondere in den tiefen Frequenzen. Wenn Sie bemerken, dass Ihr Bass oder Kick beim Überlagern von Sounds plötzlich an Druck oder Tiefe verliert, ist wahrscheinlich die Phasenauslöschung der Grund dafür.

Eine der einfachsten Lösungen besteht darin, die Phase einer der Ebenen umzukehren.

Viele DAWs oder Plug-ins verfügen über eine Schaltfläche "Phasenumkehr" für diesen Zweck. Manchmal reicht es aus, die Phase umzudrehen, um die auf mysteriöse Weise verschwundenen tiefen Frequenzen wiederherzustellen.

Plugins zur Phasenausrichtung können ebenfalls helfen.

Sie sollen Ihnen helfen, die Wellenformen Ihrer Ebenen aufeinander abzustimmen, damit sie miteinander und nicht gegeneinander arbeiten.

Einzigartige Layering-Strategien

Eine verstimmte Ebene hinzufügen

Ein Layering-Trick in der Synthese ist das Hinzufügen eines verstimmten Layers. Viele große, üppige Synthesizer, die man in der elektronischen Musik hört, verdanken ihren breiten, chorusartigen Sound einer verstimmten Ebene. Das ist sehr verbreitet.

Nehmen Sie den Klang, den Sie bereits haben, und duplizieren Sie ihn. Dann verstimmen Sie die Kopie leicht um ein paar Cent (normalerweise zwischen 5 und 20). Dadurch entsteht ein subtiler (oder auch nicht so subtiler) Unterschied in der Tonhöhe zwischen den beiden Schichten.

Höhere oder tiefere Oktavschichten hinzufügen

Eine weitere unterhaltsame Überlagerungsstrategie besteht darin, eine einzelne Note aus einem Akkord auszuwählen und sie eine Oktave höher zu schichten. Das ist besonders nützlich, wenn Sie die Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Teil Ihres Arrangements lenken wollen, ohne ein völlig neues Element hinzuzufügen.

Der Trick besteht darin, eine wichtige Note aus dem Akkord zu wählen, z. B. den Grundton oder die Quinte, die das Geschehen auf natürliche Weise ergänzt, und zu versuchen, die Hüllkurveneinstellungen anzupassen.

Das Gleiche kann man auch mit einem Bass-Patch machen und ihn um 1-3 Oktaven absenken, um mehr Körper zu erzeugen, oder mehrere Oktavenschichten über das gesamte Instrument legen, um eine tiefere Klangwand zu erzeugen.

Ebene für zeitliche Zwecke

Kennen Sie einen Sound, den Sie wirklich mögen, der aber einfach nicht hart genug zuschlägt?

Vielleicht haben Sie eine Synthbass-Linie, die einen großartigen Ton hat, aber der es an Durchschlagskraft fehlt. Sie können immer etwas mit mehr Biss überlagern, um ihm das gewisse Etwas zu verleihen. Wenn Ihr Bass beispielsweise zu weich klingt, versuchen Sie, ihn mit einem kurzen, perkussiven Klick oder sogar einem Snare-Sample zu überlagern, das gleich zu Beginn einsetzt. Das kann ihm sofort den nötigen Punch verleihen und hilft ihm, sich durch den Mix zu schneiden, ohne den Vibe des Originalsounds zu opfern.

Das gleiche Konzept gilt für Sustain oder Release.

Nehmen wir an, Sie haben ein Pad, das gut klingt, aber zu schnell abklingt und den Track leer wirken lässt. Sie können es mit etwas überlagern, das eine längere Ausklingzeit hat, z. B. einem anderen Synthesizer oder einer Hallfahne, um seine Präsenz im Mix zu erhöhen.

Es gibt Plugins, die diesen Prozess vereinfachen können. Wenn Sie den Attack oder Sustain formen möchten, können Sie Transient-Shaper-Plugins wie SPL Transient Designer oder Abletons Drum Buss verwenden.

Wenn Sie kreativ sind, können Sie Wellenformen aber auch direkt manipulieren. Verkürzen Sie den Attack eines Samples, um ein perkussives Klicken zu erzeugen, oder verlängern Sie den Release, um einen Sound länger zu halten.

Weißes Rauschen hinzufügen

Weißes Rauschen ist eine der Geheimwaffen beim Layering, die einen Track wirklich ausfüllen können, vor allem, wenn Sie das Gefühl haben, dass in den Höhen etwas fehlt. Es eignet sich hervorragend, um Klängen, die sonst etwas zu flach klingen würden, ein bisschen mehr "Luft" oder Schimmer zu verleihen. Egal, mit welchem Instrument Sie arbeiten, eine subtile Schicht weißen Rauschens kann Wunder bewirken.

Das Schöne am weißen Rauschen ist, dass man sich nicht um die Abstimmung kümmern muss, da es kein tonales Element ist.

Hinzufügen einer organischen Aufnahme

Eine der coolsten Möglichkeiten, Ihrem Track eine einzigartige Note zu verleihen, ist die Aufnahme Ihrer eigenen organischen Klänge und deren Überlagerung in Ihrem Mix.

Sie können z. B. aufnehmen, wie Sie auf einen Tisch klopfen oder mit den Fingern schnippen, und dies mit Ihrem Schlagzeug überlagern, um ein subtiles perkussives Element zu erzeugen. Oder nehmen Sie Ihr Telefon und nehmen Sie das Geräusch von Wind, Schritten oder einer knarrenden Tür auf.

Vielleicht bist du kein großartiger Gitarrist, aber du hast eine Gitarre herumliegen, die du im Track nicht verwendest? Schlage ein paar gedämpfte Akkorde an oder reibe die Saiten, um eine coole rhythmische Textur zu erzeugen.

Das Schöne an organischen Aufnahmen ist, dass sie eine Unvorhersehbarkeit mit sich bringen, die Synthesizer oder Samples allein nicht immer einfangen können.

Duplizieren und Modulieren

Das Duplizieren und Modulieren ist eine der einfachsten Methoden, um Schichten zu bilden und Tiefe zu erzeugen. Sie können einfach einen bereits vorhandenen Sound kopieren und dann kleine Änderungen an der Kopie vornehmen, um etwas Neues zu schaffen, ohne bei Null anfangen zu müssen.

Beginnen Sie damit, die zu überlagernde Spur oder den zu überlagernden Sound einfach zu duplizieren. Mit dem Duplikat können Sie z. B. die Tonhöhe anpassen, es leicht verstimmen oder das Timing mit einer Verzögerung ändern. Anschließend können Sie es wieder in den Mix einfügen.

Wahrscheinlich müssen Sie die Lautstärke anpassen, den Ton an eine andere Stelle im Stereofeld verschieben oder ihn sogar mit dem Equalizer bearbeiten, damit er nicht mit dem Originalsound kollidiert.

Prozess in Gruppen

Eine der besten Methoden, um Ihre Ebenen so klingen zu lassen, als ob sie zusammengehören, ist, sie als Gruppe zu bearbeiten. Wenn Sie eine Reihe von Sounds gestapelt haben, können diese einzeln großartig sein, aber manchmal wirken sie etwas unzusammenhängend. Wenn Sie sie an eine Gruppe oder einen Bus senden und eine Gruppenbearbeitung anwenden, kann das helfen, alles zusammenzukleben", so dass es kohärenter klingt.

Beginnen Sie damit, Ihre überlagerten Klänge an einen Bus zu senden und eine leichte Kompression anzuwenden (z.B. 1-3 dB Gain Reduction). Sie können auch etwas Sättigung hinzufügen, um dem Ganzen ein wenig Wärme und Charakter zu verleihen. Ein wenig harmonische Verzerrung kann dazu beitragen, dass die Ebenen natürlicher miteinander verschmelzen, und sorgt so für zusätzlichen Klebstoff. Einige großartige Plugins hierfür sind Soundtoys Decapitator und FabFilter Saturn 2.

Manchmal lege ich auch alle meine geschichteten Klänge in einen ähnlichen Raumhall, um ihnen das gleiche Raumgefühl zu geben und den Eindruck zu erwecken, dass alle Schichten in der gleichen Umgebung leben.

Abschließende Überlegungen zum Layering

Beim Überlagern von Klängen geht es in der Regel darum, Tiefe hinzuzufügen, interessantere Texturen zu schaffen oder dem Track mehr Punch zu verleihen. Es gibt viele Möglichkeiten, Sounds in deiner Musikproduktion zu schichten, und es liegt an DIR, wie du dabei vorgehst. Lass dir nicht von irgendeinem Typen auf Reddit sagen, was richtig oder falsch ist, wenn es um das Überlagern von Sounds geht.

Viel Spaß damit und sehen Sie, wie Sie mit mehreren Layern in Ihrer Musikproduktion den vollen Sound erreichen können, den Sie suchen!