Kuten Nickelback, myös minimusiikki saa joskus huonoa mainetta. Sitä on helppo tehdä. Se on halpaa. Se ei johda mihinkään. Minimalistiset säveltäjät ovat laiskoja.

Ymmärrätte kyllä, mitä tarkoitan.

Vaikka minimalistinen musiikki (kuten mikä tahansa musiikin muoto) on potentiaalisesti vähemmän kuin tähdellistä, todellisuudessa se voi olla aika hemmetin siistiä, olitpa sitten tekemässä sitä tai kuuntelemassa sitä.

Se alkoi, kuten kaikki hienot asiat, vastareaktiona länsimaisen musiikin valtavirran konventioille. New Yorkissa alkuaikoina syntynyt genre on vaikuttanut moniin genreihin ja inspiroinut säveltäjiä ympäri maailmaa.

Jos tämä musiikkityyli on sinulle uusi, olet tullut oikeaan paikkaan. Tässä artikkelissa tarkastelemme lyhyesti minimalistisen musiikin historiaa ja kasvua, merkittäviä minimalistisia säveltäjiä, tyylin keskeisiä piirteitä ja sitä, miten voit aloittaa oman minimalistisen musiikkisi tekemisen.

Istutko mukavasti? Aloitetaan....

Historiallinen konteksti: Minimalistisen musiikin synty

Varhaiset vaikutteet

Minimal-musiikki syntyi 1960-luvun New Yorkin huumaavassa sulatusuunissa, mutta kun penkoo klassisen musiikin historiaa hieman kauemmas taaksepäin, löytää kokeellisia säveltäjiä, jotka viitoittavat tietä tyylin kehittymiselle.

1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun välisenä aikana Erik Satie rikkoi klassisen maailman muotin sävellystavallaan. Hänen varhaisista soolopianoteoksistaan välittyi kaunis yksinkertaisuus, kun muut säveltäjät olivat täydessä vauhdissa.

Esimerkiksi Satien soolopianolle säveltämän Gnossiennes-kokoelman kolme ensimmäistä kappaletta ovat vapaa-ajassa; niissä ei ole tahtilinjoja tai tahtilajeja. Tämä ei ehkä tunnu suurelta asialta, jos olet Brian Enon fani, mutta tuohon aikaan tämä oli melko radikaali lähestymistapa sävellystyöhön.

Kun siirrytään ajassa eteenpäin, John Cagen työ sai ihmiset miettimään kahdesti, mikä on musiikkia. Hänen kuuluisan 4'33'' -teoksensa kantaesitys oli vuonna 1952, ja se herätti nopeasti kiistaa, koska kukaan esiintyjistä ei soittanut yhtään nuottiakaan. Kyse oli "tarkoituksellisten äänien poissaolosta".

Vaikutteet ei-länsimaisesta musiikkiperinteestä ovat myös peräisin jo ennen minimusiikin syntyä. Afrikkalaisia rytmejä, klassista hindulaismusiikkia ja "etnisiä" soittimia, kuten gamelan, oli käytetty jo kauan ennen kuin amerikkalainen minimusiikki räjähti esiin.

Minimal-musiikin nousu

On epäselvää, mistä termi minimal music on peräisin, mutta musiikkityyli sellaisena kuin me sen nykyään ymmärrämme alkoi esiintyä osana länsirannikon avantgardistista musiikkikenttää 1950-luvun lopulla. Myöhemmin se levisi New Yorkiin, jossa se löysi sukulaissielun New Yorkin hypnoottisessa koulukunnassa, joka oli tuolloin kokeellisen musiikin muoto.

Minimalismin käsite ei inspiroinut vain musiikkia. Lähes kaikki taidemuodot vastasivat ajatukseen vähemmän on enemmän, ja kirjallisuuden, maalaustaiteen, kuvanveiston ja elokuvan alalla tapahtui loputtomasti maanalaista toimintaa minimitaiteen luomiseksi. Itse asiassa monet varhaiset minimalistisen musiikin esitykset pidettiin taidegallerioissa ja ullakoilla perinteisten konserttipaikkojen sijasta.

Pioneerit: Pioneerit: Varhaiset minimalistiset säveltäjät

Minimalistiseen musiikkiliikkeeseen kuului alun perin kymmeniä nimeämättömiä säveltäjiä. Tästä melueesta nousi esiin neljä keskeistä henkilöä, jotka olivat aikansa merkittävimpiä minimalistisia säveltäjiä. Kaikki neljä amerikkalaista säveltäjää olivat syntyneet parin vuoden sisällä toisistaan, ja kaikki opiskelivat perinteistä länsimaista klassista musiikkia.

Ja kuten musiikkihistorialle yleensä on tyypillistä, kaikki nämä säveltäjät ovat valkoisia ja miehiä. Huokaus.

La Monte Young

La Monte Young on luultavasti vähiten tunnettu tästä ryhmästä. Brian Eno kutsuu häntä "meidän kaikkien isäksi", ja hänet tunnetaan parhaiten pitkien kestosävelten käytöstä hänen teoksissaan.

Kun hän opiskeli Berkeleyssä jatko-opiskelijana, hänen sävellysopettajansa kieltäytyi arvostelemasta hänen sävellystään Trio jousille, koska se koostui vain kolmesta, hyvin pitkästä nuotista. He eivät tienneet, että tästä drones-mieltymyksestä tulisi myöhemmin uraauurtava teos.

La Monte Youngin unelmamusiikki, kuten sitä alun perin kutsuttiin, muodosti Theatre of Eternal Music -musiikkikollektiivin selkärangan, ja sitä arvostetaan Lou Reedin vuonna 1975 ilmestyneen Metal Machine Music -albumin muistiinpanoissa.

On turvallista sanoa, että vaikka La Monte Young ei ole julkaissut paljon levytettyä materiaalia elinaikanaan, hänen vaikutuksensa on tuntunut kaikkialla maailmassa.

Terry Riley

Terry Riley on sekä Youngin ystävä että yhteistyökumppani, mutta hän tutkii minimalismia toiston avulla, erityisesti käyttämällä nauhasilmukoita ja viivettä.

Rileyn toiston käyttö ei rajoittunut vain elektroniseen maailmaan; yksi hänen tunnetuimmista teoksistaan, In C, käyttää samanlaista prosessia eläville soittimille. Yksi soittaja antaa rytmisen perustan (luonnollisesti C-kielellä), kun taas muut soittajat (joita voi olla mikä tahansa määrä, millä tahansa soittimella) esittävät 53 melodista solua, ja heitä ohjaa vain muutama perussuggestiivi. Tulos on kiehtova ja hypnoottinen.

Koska Terry Riley keskittyy modulaariseen sävellykseen, voisi sanoa, että hän on alkuperäinen Ableton. Se, onko musiikkikriitikko samaa mieltä, on eri asia, mutta joka tapauksessa Riley on vaikuttanut voimakkaasti kokeellisen musiikin lisäksi myös rockiin ja nykyaikaiseen elektroniseen musiikkiin.

(Sivuhuomautus: katso hänen Mescalin Mixinsä, josta saat karmivan maistiaisen siitä, miltä Rileyn varhainen musiikki kuulosti.)

Steve Reich

Tämä modulaarinen lähestymistapa musiikin luomiseen oli myös Steve Reichin suosikki. Reichin tapauksessa hän tutkii tekniikkaa nimeltä phase shifting, jossa sama materiaali soitetaan, mutta jokainen osa alkaa hieman eri aikaan ja saattaa soida hienovaraisesti eri tempolla.

Steve Reich aloitti minimalistisen musiikin kokeilut nauhan avulla; varhaisiin sävellyksiin kuuluvat It's Gonna Rain (1965) ja Come Out (1966). Molemmat teokset ovat klassisia esimerkkejä vaiheensiirrosta toiminnassa, ja ne tarjoavat varhaisen välähdyksen näytteenottotekniikoista, jotka myöhemmin määrittelivät elektronista musiikkia.

Rileyn tavoin Steve Reich sovelsi minimimusiikkimenetelmäänsä akustisiin soittimiin. Piano Phase (1967) luo uudelleen nauhasilmukkaefektin käyttämällä kahta pianoa. Molemmat pianot soittavat samaa melodista linjaa unisonona, mutta toinen piano nopeuttaa vähitellen tahtiaan. Koska kyseessä on live-esitys, yksikään esitys ei ole samanlainen (vaikka tietysti voit kuunnella tallenteen).

Myöhemmin urallaan Reich kiinnostui enemmän lyömäsoittimien käytöstä rytmisissä kuvioissa, jotka muistuttavat afrikkalaisessa rummutuksessa esiintyviä polyrytmejä.

Philip Glass

Philip Glass on ehkä yksi tunnetuimmista amerikkalaisista nykymusiikin säveltäjistä.

Youngin, Reichin ja Rileyn tavoin Philip Glass oli New Yorkissa opiskelemassa Juilliardissa varhaisen minimusiikin muotoutuessa. Vasta vuonna 1967, palattuaan Ranskasta ja Intiasta, Glass alkoi kiinnittää huomiota Steve Reichin työhön ja saada siitä vaikutteita.

Reichin tavoin Glass sai varhain tukea taidegallerioista, ja hänen musiikkiaan esiteltiin kuvataiteen minimalistien kanssa epätavallisissa tiloissa.

Hänen kokoonpanoissaan on urkuja, pianoja ja puhallinsoittimia, erityisesti saksofoneja, sekä omalaatuisempia soittimia, kuten vahvistettuja pöytäsoittimia. Glassin musiikki on helposti tunnistettavaa, sillä siinä sekoittuvat intialainen musiikki, minimalismi ja hänen oma persoonallinen tyylinsä, joka syntyi kuunnellessaan isänsä kanssa pitkiä tunteja perheen omistaman musiikkikaupan levyjä.

Sen lisäksi, että Glassin musiikki yhdistetään varhaiseen minimalismiin, sitä on kuultu elokuvissa, oopperoissa ja Broadwayn näyttämöllä. Tämän lisäksi Glass on tehnyt lukuisia soolo- ja kamarimusiikkiteoksia sekä teoksia jousikvartetille ja pienille soitinyhtyeille.

Aika tuottelias kaveri minimalistiksi.

Minimalistisen musiikin ominaisuudet

Tiedämme siis, miten minimalistinen musiikki sai alkunsa ja ketkä olivat sen eturintamassa. Katsotaanpa minimalistisia piirteitä musiikissa.

Rajoitetut tai vähäiset materiaalit

Määritelmänsä mukaan minimimusiikki voi sisältää mitä tahansa, joka on luotu hyvin rajoitetuille soittimille. Tämä voi olla yksi elektroninen perusmelodia loopattavan saksofonisoundin alla tai joukko eklektisiä "löytöääniä", kuten kattila ja turvavyö.

Kappaleet, joissa käytetään vain muutamaa sanaa tekstiä (kuten Steve Reichin edellä mainittu It's Gonna Rain), ovat myös minimalistisia, samoin kuin kappaleet, joissa käytetään vain muutamia nuotteja koko kappaleen ajan (ei sinulle Nickelback).

Toisto ja syklit

Musiikkia, joka sisältää lyhyitä musiikillisia kuvioita tai soluja, jotka toistuvat pitkiä aikoja, voidaan pitää minimalistisena. Terry Riley ja Steve Reich ovat molemmat omaksuneet toiston ajatuksen teoksissaan, ja Philip Glass on tunnettu toistuvien rakenteiden käytöstä, kun hänen musiikkinsa liikkuu loputtomissa ympyröissä.

Asteittainen kehitys

Lauseen toistaminen kerta toisensa jälkeen käy nopeasti vanhaksi, joten ajatus hienovaraisista muunnelmista tai lisäyksistä ajan myötä on yksi minimalismin tärkeimmistä piirteistä. Steve Reich oli tämän mestari vaiheensiirtotekniikallaan.

Pulssiohjatut rytmit

Minimal-musiikille on ominaista myös yksinkertaiset, pulssinomaiset rytmit, joista välittyy hypnoottisuutta. Philip Glass tunnetaan hyvin musiikkinsa rytmisistä piirteistä, jotka ovat vaikuttaneet nykyisiin musiikkityyleihin, kuten rockiin ja EDM:ään.

Yleisön käsitys

Tietyn musiikkityylin tai -lajin määrittäminen on aina hankalaa. Mikään ei koskaan mahdu kätevästi "minimalistisen" tai "popmusiikin" muotoiseen koloon. Samoin kaikkien edellä mainittujen piirteiden ei tarvitse olla läsnä, jotta musiikki olisi minimalistista, eikä näiden piirteiden olemassaolo suuremmassa tai pienemmässä määrin tee musiikkikappaleesta minimalistista.

Minimaalisen musiikin ehkä tärkein puoli on se, miten se antaa yleisölle mahdollisuuden (tai pakottaa sen, riippuen siitä, miten asiaa tarkastellaan) keskittyä siihen, mitä musiikissa tapahtuu.

Toisin kuin tarinana tai matkana esitetyssä musiikkiviihteessä, minimaalisen musiikin kuunteleminen edellyttää, että kiinnitetään huomiota siihen, mitä musiikissa itsessään tapahtuu.

Musiikkikappale, joka koostuu vain kahdesta tai kolmesta nuotista, jotka soitetaan vaikkapa viidentoista minuutin ajan, pakottaa kuulijan todella keskittymään esitykseen ja saa kuuntelijan omaksumaan aktiivisen roolin musiikissa.

Väittäisin, että juuri tämä tekee musiikista minimalistista.

Miten luoda minimalistista musiikkia

Jos haluat tulla seuraavaksi Philip Glassiksi tai John Adamsiksi, sinun on alettava kirjoittaa minimalistista musiikkia! Tässä muutamia ideoita, joiden avulla pääset alkuun.

Valitse painopisteesi

Päätä, mikä on teoksesi peruselementti. Tämä voi olla:

• rytmi
• harmonia, kuten avoin viidesosa tai suuri kolmasosa.
• melodia
• pätkä puheesta (varmista, että sinulla on oikeudet tähän, jos aiot julkaista työsi!).

Minimalistiset säveltäjät rakentavat usein koko sävellyksensä yhdestä ideasta, joten valitse yksi peruselementti kappaleesi kulmakiveksi.

Mitä tahansa valitsetkin, varmista, että se on lyhyt. Jos käytät La Monte Youngin reittiä ja käytät pitkiä, pitkäkestoisia nuotteja, se sopii - alkuperäinen idea on silti lyhyt!

Luo toistuva kuvio

Kun olet valinnut pohjan, käytä sitä toistuvan kuvion luomiseen.

Jos käytät rytmiä, ohjelmoi tai äänitä se virittämättömiä lyömäsoittimia käyttäen - voit aina lisätä viritettyjä soittimia myöhemmin.

Jos kyseessä on melodia, nauhoita se ja silmukoi se.

Jos kyse on harmoniasta, ohjelmoi harmonia käyttämällä pitkäkestoista ääntä, kuten syntetisaattoripadia, pitämällä sitä yllä jonkin aikaa. (Ammattilaisvinkki: Bounce tämä ulos äänenä eikä MIDI:tä käyttäen, jotta kuulet äänen, mistä tahansa aloitat toiston).

Minimalismin hypnoottinen vaikutus syntyy jatkuvasta toistosta, joka luo meditatiivisen tunnelman.

Rajoita palettiasi

Nyt kun perusta on hahmoteltu, on aika alkaa miettiä, miten asiat kehittyvät ajan mittaan. Aluksi sinun on rakennettava äänipaletti.

Riippumatta siitä, käytätkö elektronisia soittimia vai äänitätkö akustisesti, rajoita kappaleessa käyttämiesi soittimien määrä kouralliseen. Tämä auttaa sinua pääsemään minimalistiseen ajattelutapaan ja estää asioiden sotkeutumisen. Se pakottaa sinut miettimään syvällisemmin, miten asiat voivat muuttua ajan myötä.

Vaikka suunnittelisit rakentavasi kasvavan äänimuurin yhden harmonian ympärille, on hyvä idea käyttää useita versioita vain muutamasta eri instrumentista.

Esittele pieniä muunnelmia

Valitse yksi elementti ja muuta sitä vähitellen.

Jos olet aloittanut yhdellä soittimella, joka soittaa yksinkertaisen melodian ostinatoa, yritä vähitellen ottaa mukaan toinen soitin, sitten kolmas.

Vaihtoehtoisesti voit kokeilla nuotin lisäämistä tai poistamista kuviosta, tai jos sinulla on kaksi soitinta soittamassa samaa motiivia, säädä toisen soittimen ajoitusta niin, että se siirtyy pois vaiheesta.

Dynamiikka on toinen hyvä tapa tuoda hienovaraisia muunnelmia toistuvaan ideaan säilyttäen samalla musiikin ydinidentiteetin.

Kokeile kerrostamista

Jos olet aloittanut yhdellä soittimella, joka soittaa yksinkertaisen melodian ostinatoa, lisää vähitellen toinen soitin, sitten kolmas.

Yhdistä tämä vaihe edelliseen vaiheeseen tuomalla variaatioita näihin uusiin kerroksiin.

Hyväksy teknologia

Elektroniset työkalut, kuten DAW:t, laitteistosekvensserit ja looper-pedaalit, tekevät minimimusiikin luomisen kaikkien ulottuville, joten hyödynnä niitä. Siellä on paljon ilmaisia työkaluja, jotka auttavat sinua tässä!

Käytännössä jokaisen DAW: n tarjoamien näytteenotto- ja looping-ominaisuuksien lisäksi digitaalisia efektejä voidaan käyttää tilan tunteen luomiseen. Tutki, miten viive- tai kaikuliitännäisen parametrien muuttaminen automaation avulla voi luoda villiä ja ihmeellistä minimusiikkia vain yhdestä ideasta.

Haasta itsesi

Aseta itsellesi rajoituksia esimerkiksi jokaiselle projektille, jonka parissa työskentelet:

• nauhoita käyttämällä vain ääntäsi
• äänittää 30 minuuttia musiikkia ilman editointia
• käyttää vain yhtä ääntä ja useita efektejä
• käyttää useita ääniä ja vain yhtä efektiä
• vaihtaa tahtilajia jokaisessa tahdissa

Jos et ole koskaan aiemmin yrittänyt kirjoittaa minimalistiseen tyyliin, saatat yllättyä siitä, miten vaikeaa voi olla vähentää asioita. Minimalismissa keskeistä on yksinkertaisuus ja soittimien määrän vähentäminen. Kokeellisen musiikin tekeminen vaatii jatkuvaa kokeilua!

Minimalistisen musiikin perintö

Minimalistinen musiikki on kulkenut pitkän matkan 1960-luvun New Yorkin nimettömistä säveltäjistä ja tuntemattomista performanssitaideteoksista. Minimalismi on tehnyt pysyvän vaikutuksen klassiseen musiikkiin, EDM:ään, rockiin ja jopa elokuvamusiikkiin.

Max Richterin ja Jóhann Jóhannssonin kaltaiset säveltäjät yhdistävät minimalistista toistoa ja rehevää orkestraatiota luodakseen emotionaalisesti resonoivia teoksia, jotka ovat saavuttaneet laajan yleisön. Richterin Sleep on minimalismin ekspressiivisen sujuvuuden ja meditatiivisuuden näyteikkuna.

Myös elektroniset muusikot ovat saaneet syvällisiä vaikutteita minimalismista. Jon Hopkins, Nihls Frahm ja tietysti Brian Eno ovat kaikki omaksuneet minimalistisia prosessitekniikoita, kuten toistoa, loop-kuvioita ja asteittaisia tekstuurin muutoksia, rakentaakseen mukaansatempaavia äänimaisemia.

Jopa nykyinen elokuvamusiikin kuningas Hans Zimmer käyttää minimalistisia tekniikoita. Katso hänen Interstellar-elokuvaansa ja kuule hitaita harmonisia siirtymiä, jotka muistuttavat Steve Reichin phasing-kokeiluja.

Minimalismin painotus toistoon, yksinkertaisuuteen ja asteittaiseen muutokseen inspiroi edelleen useampia säveltäjiä eri tyylilajeissa, mikä osoittaa, että sen vaikutus on yhtä kestävä kuin laaja-alainenkin.

Jos etsit inspiraatiota uuden musiikin kirjoittamiseen minimal-tyylillä tai haluat yksinkertaisesti uppoutua genreen, suosittelen kuuntelemaan tätä erinomaista esittelysoittolistaa.

Menkää nyt eteenpäin ja minimalisoikaa musiikkia!