レゲエ・ミュージックは他の誰のルールにも従わない。60年代後半のジャマイカで生まれたレゲエは、スカ、ロックステディ、アメリカン・ソウルのマッシュアップから生まれた。しかし、スカがハイパーでジリジリしていたのに対し、レゲエは伸び伸びとしていた。レゲエには空間がある。グルーヴのための空間。メッセージのためのスペース。

レゲエ・ミュージックの核心は、スピードよりもフィーリングにある。安定したキック・ドラムの2ビートと4ビート、ビートの後ろに挟まれたスカスカのギター・チョップ、そして音楽が提供する最も深いベースライン。プロダクションの面では、レゲエは生々しくも催眠的な傾向がある。余裕のあるドラム・トーン、弾力のあるリバーブ・テイル、テープ・サチュレーションやオールドスクールなミキシング・デスクに由来する微妙なゆらぎが聴こえるだろう。

さて、ここからが面白いところだ。ルーツからダブ、ダンスホール・レゲエ、ラヴァーズ・ロックまで、レゲエには様々なジャンルがあるが、そのほとんどは同じコア・ツールを使って作られている。もちろん、それぞれのアーティストが独自のひねりを加えてはいるが、その根底には、物事を根底から支えるおなじみの楽器のセットがある。

レゲエのサウンドを自分の作品に取り入れたいと考えている方、あるいはレゲエの紛れもないサウンドが何であるかに興味がある方は、ぜひこのページをご覧いただきたい。何十年もの間、レゲエを盛り上げ、グルーヴさせ続けてきた必要不可欠な楽器を紹介しよう。

レゲエにはどんな楽器があるのか？

1.ベース・ギター

もしレゲエ・ミュージックが一軒の家だとしたら、ベース・ギターはただの土台ではないだろう。玄関のドアであり、窓であり、家具の半分でもある。ほとんどのジャンルでベースが後ろに隠れているのとは違い、レゲエではベースが前面に出ている。レゲエではベースは前面に出てくる。そして正直なところ、それは間違っていない。それは間違っていない。

レゲエのベースラインはメロディアスで、しばしば曲全体にわたって同じ催眠術のようなリフを繰り返す。サウンドは一見シンプルだが、何を演奏するかではなく、どう演奏するかが重要なのだ。スローテンポからミドルテンポのグルーヴが多く、音と音の間にスペースがあり、フラッシュよりもフィーリングを重視している。レゲエのベーシストは、フレットボードを駆け上がったり駆け下りたりする代わりに、グルーヴにロック・インし、波のようにそのグルーヴに乗る傾向がある。

楽器は通常、フェンダー・プレシジョンや ジャズ・ベースのような4弦エレクトリック・ベースだ。ザ・ウェイラーズのアストン "ファミリー・マン "バレットは、Pベースの名手だった。深みのあるトーン、温かみのあるローエンド、攻撃的でなく切り抜けるのに十分なバイト感。伝説的なスライ＆ロビー・デュオの片割れ、ロビー・シェイクスピアもまた、フェンダー・モデルを愛用し、時折ミュージック・マンのベースを混ぜて少しモダンなエッジを出すことで知られていた。

アンプに関しては、オールドスクールなアンペグのスタックがお気に入りで、特にSVTのようなモデルは、音色がドロドロにならずに壁を揺らすことができた。しかしスタジオでは、レゲエのベース・ギターの多くはダイレクト・イン（DI）でレコーディングされ、時にはファットで丸みのあるサウンドを保つためにプリアンプやチューブ・コンプレッサーをチェーンに加えることもあった。

また、知る価値のあるギアオタクもいる。

ほとんどのレゲエ・ベーシストはフラットワウンド弦を使用しています。ラウンドワウンドにありがちなジンジンとしたフィンガーノイズがなく、スムーズでドスの効いたサウンドが得られます。ピアノのハンマーにフェルトを貼るようなものだ。サウンドはよりダークでウォーム、そしてコントロールしやすくなります。

ヒント：レゲエのベース・ギターを弾いていて、正しいサウンドを得るのに苦労しているなら、ハイ・エンドをロールオフしよう。ベース・ギター本体であれ、アンプであれ、DAWであれ、ここでは輝きを求めてはいけない。例えば、4～5kHzかそれ以下はすべてカットしてください。求めるのは、分厚いウールの毛布に包まれたようなトーンです。耳に優しく、それでいて胸をかきむしるような重さを感じるものです。

ベースはレゲエ・ミュージックの命であり、息吹である。ここを押さえれば、もう半分は完成だ。

2.エレキギター

ロックと違って、レゲエのエレキ・ギターは目立とうとはしない。しかし、それに惑わされてはいけない。ファンク・バンドで何年もリズム・ギターを弾いてきた者として言わせてもらえば、グルーヴに「ロック・イン」するには、まったく違うレベルの技術と器用さが必要なのだ。

レゲエ・ミュージックにおいて、エレキ・ギターはベースと同じくらい重要であり、多くの点でベースの完璧なダンス・パートナーである。ローエンドが鳴り響く中、ギターはチョップを加える。

レゲエのリズム・ギターの多くは、いわゆる "スカンク "を使う。短いスタッカート・コードをオフ・ビート（数え方によっては「アンド」）で叩く。メロディというよりはパーカッションに近い。弦楽器を十分にミュートしてタイトな状態を保ち、手首のフリックで弦楽器に生命を吹き込む。このジャンルに内蔵されたメトロノームだと思えばいい。

プレイヤーはたいてい、ごく普通のギターを弾いている：フェンダー・ストラトキャスター、テレキャスター、ギブソン・レスポールなどだ。特にストラトは、そのクリスピーなトーンと多彩なピックアップ構成のおかげで、多くのレゲエ・ミュージシャンに愛用されてきた。とはいえ、難しいルールはない。フィーリングがよく、クリーンなカッティングができれば、それでいいのだ。

実際、ジャマイカン・ギター・サウンドの先駆者の一人であるアーネスト・ラングリンは、ギブソンES-175をよく弾いていた。トゥーツ・アンド・ザ・メイタルズで活躍したハックス・ブラウンは、キレのあるミッドとエッジの効いたテレキャスターを愛用していた。

アンプに関しては、昔はフェンダー・ツインやローランドのジャズ・コーラス、あるいはヴォックス・アンプを使って、甘いチャイムを鳴らしていた。コツは、クリーンでブライトなトーンに、ほんの少しリバーブやスプリンギーなディレイをかけて、空気感を出すことだ。オーバードライブやディストーションはパンク・バンド用に取っておこう。

https://www.youtube.com/watch?v=S3UqvWk8-uw

教科書的な例を聴きたければ、ボブ・マーリー＆ザ・ウェイラーズの『Stir It Up』を聴けばいい。オフビートで刻むタイトなギターがスカンクだ。ピーター・トッシュの「Legalize It」もいい例だ。

だからレゲエ・ギターは派手ではないが、正確でパンチがあり、見た目よりずっとうまく弾くのが難しい。あの感触はごまかせない。

3.ドラム

レゲエ・ミュージックにおけるドラムとベースは密接な関係にある。彼らは一緒にリディムと呼ばれるものを作る。この言葉は、特にレゲエやダンスホールでよく使われるが、本当に意味するのはリズム・セクションのグルーヴだ。それはトラック全体を動かすエンジンであり、それが正しく行われると、背筋でそれを感じることができる。

レゲエ・ミュージックにはいくつかの特徴的なドラム・パターンがあるが、最も有名なのはワン・ドロップだ。通常、ほとんどのロック・ミュージックでは1拍目と3拍目に叩くキック・ドラムが、1拍目では欠落しているため、そう呼ばれている。その代わり、キックとスネアは3拍目で一緒に叩くので、1拍目は空く。単純に聞こえるが、このちょっとした間がリズム全体にゆったりとした、ほとんど重みのない感じを与えている。

https://www.youtube.com/watch?v=IT8XvzIfi4U&pp=0gcJCdgAo7VqN5tD

ボブ・マーリー＆ザ・ウェイラーズのドラマー、カールトン・バレットは、基本的にワン・ドロップの本を書いた。No Woman, No Cry "や "Three Little Birds "を聴いてほしい。あのゆっくりとした忍耐強いパルスは教科書的だ。彼は、ドラムをゆったりとした感じにすると同時に、しっかりと固定された感じにする方法を持っていた。

しかし、仕掛けはワン・ドロップだけではない。キックを1拍ごとにヒットさせるロッカーズ・リズムもあり、ドライヴ感、ほとんどマーチングのようなフィーリングを加えている。レゲエ版フォー・オン・ザ・フロアだ。そして、さらにヘヴィーなビートを刻むステッパーズ・リズムがある。4分音符ごとにキック、3分音符でスネアが鳴り、ダブ・ミュージックやよりハイエナジーなものに最適だ。

トーンに関して言えば、レゲエのドラムは一般的にかなりドライでタイトだ。スネアを少し緩めたり、テープで留めたりして、不器用で箱鳴りするようなスネアをよく耳にする。タムは低めにチューニングされ、ドスンと響く。シンバルは控えめで、あちこちにアクセントがある。これはクラッシュ＆バンというジャンルではない。どちらかというと、コントロールされた煮詰まった感じだ。

プロダクションの面では、レゲエのドラムは微妙なエフェクトで処理されることが多い。

スプリング・リバーブは定番で、特にダブでは最高の方法で使われている。また、スネアやハイハットにテープ・ディレイをかけると、グルーヴを邪魔することなく動きを加えることができる。ダブ・タイムになると、さらに奇妙なことが起こる。プロデューサーがキックを数小節だけ抜いたり、リムショットにスラップバック・ディレイをかけたり、ハイハットをステレオ・フィールド全体にパンニングしたりするのをよく耳にする。

4.打楽器

レゲエ・ミュージックにおいて、パーカッションはグルーヴをまとめる接着剤である。これらの微妙なアクセントが、キック、スネア、ベースの隙間を埋め、リズムに質感と生命感を与える。意識していなくても、体は確実に反応しているものなのだ。

そして、レゲエのパーカッションは画一的なものではない。プレーヤーが選べる楽器のビュッフェがあり、それぞれがミックスに独自の風味を加えている。ここでは、レゲエ・ミュージックでよく使われるパーカッションを紹介しよう：

• ボンゴ・ドラム- 小ぶりで高音のハンド・ドラムで、通常は短いシンコペーションのフレーズを担当する。緊張感を高めたり、グルーヴを水面下で沸騰させるのに適している。バースの始まりに入れたり、楽器のブレイクに忍び込ませたりするのをよく耳にする。
• コンガ・ドラム- ボンゴよりも背が高く深みのあるコンガは、より暖かく丸みのある音色を持っている。レゲエでは一般的に、ベースラインと連動する安定した反復リズムを手で叩く。初期のルーツ・レゲエ・トラックを聴けば、その下からコンガの音が聞こえてくるはずだ。
• シェイカー- この小さなシェイカーはマイナーに見えるかもしれないが、非常に大きな働きをする。シンプルなエッグ・シェーカーであれ、伝統的なマラカであれ、物事を動かし続け、ビート全体に「ツッツッツッ」という空気感を加えるのに役立つ。かさばることなく、トラックに少し前進的な動きを与えるのに最適だ。
• タンバリン- 教会での聖歌隊のためだけではない。レゲエでは、タンバリンは通常バックビートで叩くか、スネアのヒットの間を埋める。特にハンドクラップや他のハイエンドなパーカッションと重ねると、鋭く、ジャングリーで、ミックスを切り裂く。
• カウベル- 控えめに使うが、あるときはもっと必要！カウベルはメタリックな中音域のパンチを加え、リズム・セクションに少し弾みを与えることができる。ステッパーやダンスホール・スタイルでよく使われる。
• Guiro- ヒョウタンやプラスチックの表面に切り込みを入れたスティックを引きずったときに出る、空洞でザラザラした音。どのトラックにもあるわけではないが、他の楽器では再現できない独特のスクラッチ感を加えることができる。
• ウッドブロック（Woodblock） - これも微妙なアクセント・ツール。短い木製のクリックで、シンコペーションを与えたり、リズム・ギターのパターンを反映させることができる。フィルやアクセント・ヒットに最適。
• フィンガー・シンバルまたはチャイム- ダブ・スタイルのレゲエ、特にイントロやトリッピーなブレイクダウンでよく耳にする。夢のような、別世界のような揺らぎを加え、スモークのようにビートに浮遊する。

レゲエ・パーカッションの素晴らしいところは、超効果的でありながら、いかにミニマルにできるかにある。うまく配置されたシェイカーやシンプルなコンガのリズムは、ミックスを混雑させることなく、トラックのグルーヴを完全に変えてしまう。プロデューサーはしばしばパーカッションを調味料のように扱い、グルーヴを引き立たせるのに十分な量を与える。

そして、レコーディングやミキシングでは、パーカッションはスパでフルに扱われることが多い。ワイドにパンしたり、リバーブをかけたり、テープディレイをかけたりして、ダブのようなスペーシーな雰囲気を出す。プロデューサーが個性を出せる方法なら何でも、普通はそうする。

もしあなたがレゲエ・ミュージックをプロデュースしていて、何が足りないのだろうと考えているのなら、パーカッションにちょっとした愛情を注いでいる可能性がある。というのも、グルーヴをヒットさせるのは明らかなものではなく、聴く以上に感じる小さなディテールだったりするからだ。

5.キーボード

その昔、レゲエ・ミュージックの鍵盤は、古き良きアップライト・ピアノだった。飾り気はなく、誰かがギターと一緒にオフビートのコードを打ち鳴らすだけだった。それは、デスモンド・デッカーの "Isrealites "のような初期の楽曲に独特の酒場のような雰囲気を与える、生々しく不器用な魅力を持っていた。

https://www.youtube.com/watch?v=0wSXTN2EfRo

70年代後半になると、こうした大型のアコースティック・ピアノは、フェンダー・ローズやヤマハのCP70といったエレクトリック・キーボードに取って代わられ始めた。エレクトリック・キーボードは、より歯ごたえがあり、サスティーンもあり、フル・バンドでの演奏にも耐えうるものだった。その後、80年代がシンセの高波のように押し寄せ、レゲエもそれに続いた。突然、青々としたパッド、奇妙なリード、ふらふらしたオルガンがミックスに渦巻くようになった。

今日、多くの人が思い浮かべるクラシックなレゲエ・サウンドは、デジタル・サウンドに由来することが多い。初期のカシオやヤマハは、特にヤマハDX7やカシオCZシリーズのようなモデルで大きな反響を呼んだ。手頃な値段で、プリセットがたくさんあって、路上でも使える。あの特徴的なデジタル・オルガンの音は、おそらく "Reggae Organ 1 "と呼ばれるパッチだったと思う。生意気な名前だったけど、うまくいった。

そして、80年代後半から90年代にかけてレゲエやダンスホールのあちこちに登場したKORG M1。

そのキーボードは怪物で、ベル、プラック、ストリングス、スティールドラムの偽物まであった。何でもできた。ローランドのジュノ・シリーズも一時期、特にジュノ-60とジュノ-106は、温かみのあるアナログ・トーンと簡単に微調整できるフィルターが特徴だった。パッドやリード、奇妙なワンショットのスタブなど、人々はクリエイティブになり始めた。すべてがフェアなゲームだった。

つまり、レゲエ・ミュージックにおけるキーボードの使い方はひとつではないということだ。キーボードはギターと一緒に演奏することもあれば、バックで質感を加えることもある。時にはバックで浮遊し、質感を加える。宇宙からやってきたかのようなゆらゆらとしたシンセ・ラインでリードを取ることもある。バラエティは無限であり、それも楽しみのひとつだ。

エフェクトといえば、特にダブではディレイとリバーブが大活躍だ。ドラムと同様、テープ・ディレイはオルガンのチョップやシンセのヒットにかけられ、スプリング・リバーブは、どこからともなく、どこからでも一度に聞こえてくるような金属的なしぶきを加える。フィルター・スイープやフェイザー、そして微妙なコーラス・エフェクトがキーボード・パートに動きを与えることもよくある。

レゲエにおいて、キーボードは秘密兵器のようなものだ。最も派手な要素ではないかもしれないが、それがうまく機能すれば、すべてを結びつけることができる。

6.ホルン

レゲエ・ミュージックにおけるブラス・ファミリーは、トランペット、トロンボーン、サックス、そして時にはフリューゲルホーンやフレンチ・ホーンも混じっている。一緒に演奏することで、グルーヴに味わいとソウルが加わる。

初期のレゲエでは、ホーンはもっと控えめに使われていた。短いリフ、バックのスタブ、時折メロディックなフック。しかし、70年代半ばから80年代にかけて、ブラス・セクションはより野心的になった。バンドはホーン・アレンジをフルに取り入れ、ミニチュア・オーケストラのようにパートを重ねるようになった。

スカタライツのようなグループがその道を切り開いたが、それを大々的にしたのはザ・ウェイラーズやサード・ワールドのようなバンドだった。トランペットとサックスが同じラインを二重化してパンチを効かせ、その下にトロンボーンを滑り込ませて太らせる。

https://www.youtube.com/watch?v=OSOqWgqwynQ

ボブ・マーリーの"Exodus "をチェックしてみよう。ホーン・セクションがこの曲の原動力になっている。スティール・パルスの "Your House "やブラック・ユフルの "Sponji Reggae "もそうだ。

もちろん、レゲエ・ミュージックの他の全てと同様に、ブラスも最終的にはデジタル化された。80年代後半から90年代にかけて、ダンスホールの台頭とスタジオ機材の低価格化によって、生のホーン・セクションはシンセ・ブラスやキーボードのスタブに取って代わられ始めた。それは全く同じではなかったが、独自の雰囲気を持っていた。よりタイトで、よりロボット的で、ミックスでコントロールするのが簡単だった。

KORG M1や ROLAND D-50のようなキーボードには、安っぽいが魅力的なブラス・プリセットが搭載されており、プロデューサーたちはそれに激しく傾倒していた。時代は違えど、レゲエそのものだった。

彼らの役割は？ギターと同様、レゲエ・バンドのホーンはめったに目立たない。ジャズ・ソロを破ったり、スポットライトを奪ったりするわけではない。その代わり、コーラスを盛り上げ、ヴォーカル・ラインを補強し、音楽に紛れもない高揚感を与えるために存在する。要するに、彼らはリディムの宣伝クルーなのだ。

7.オルガン

オルガンは教会で始まったかもしれないが、レゲエでは左へ大きく舵を切り、決して後戻りはしなかった。レゲエの始まりからずっと定番なのだ。

https://www.youtube.com/watch?v=94fG4A_jQuM

初期のレゲエ・ミュージシャンは、オルガンを多用した。メイタルズの "Monkey Man "やジミー・クリフの "You Can Get It If You Really Want "を聴けばわかるだろう。ボーカルの真下には "バブル "と呼ばれる微妙なリズムの刻みがある。オルガンがキックとスネアの間を埋めるようなシンコペーションの演奏スタイルで、リズムをドライブするというよりは、マッサージしているような感じだ。派手さはないが、必要不可欠なものだ。心臓の鼓動の裏側にある鼓動だと思ってください。

機材に関しては、クラシックなサウンドはハモンドB3のようなトーンホイール・オルガンに由来し、渦を巻くようなワーワーとしたトーンのためにレスリー・スピーカーと組み合わせることが多かった。このセットアップはかさばり、高価だったため、ジャマイカのプロデューサーの多くは、Vox Continentalや Farfisaのような、より手頃なコンボ・オルガンに目をつけた。

80年代に入ると、デジタルが主流になった。ヤマハDX7や コルグM1など、オルガン・パッチを搭載したキーボードが登場した。本物ほどリッチではなかったが、それなりに仕事はできたし、ある意味、その薄っぺらいデジタル・トーンは、この時代の削ぎ落とされたエレクトロニックな雰囲気にぴったりだった。プロデューサーたちは、脈打つバブルのリズムを模倣するためにアタックとリリースを微調整し、時にはフェイザーやテープ・ディレイに通して動きを加えた。

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8.クラビネット

最近のレゲエでは、クラビネットはあまり愛されていないが、かつてはどこにでもあった。特にルーツ・レゲエ・スタイルでは、そのファンキーでパーカッシブな音色がグルーヴに全く新しいレイヤーを加えていた。オルガンがスムーズで安定したものだとすれば、クラビネットはよりスナッピーで攻撃的ないとこだった。

クラビネットの音色は、ギターとキーボードの中間のようなものだ。鋭く、ツンギーで、アティテュードにあふれている。基本的にはエレクトリック・クラヴィコードで、ワウ・ペダルやフェイザーに接続するまではクールな音には聞こえない。そうすると突然、リズム・ギターと一緒にバウンスしたり、ジャブしたり、チャグったり、あるいはその空間を完全に占拠したりすることができるようになる。

レゲエ・バンドでの役割は、たいていリズミックなものだった。短いシンコペーションのスタブ、ファンキーなフィル、ポケットに収まるような素早いリフなどだ。ミックスにクランチーな質感を加えることで、すべてがタイトに感じられた。演奏スタイルも非常にスタッカートだった。音符は短く刻まれ、ビートの合間に置かれた。

一番のお目当てはホーナーのクラヴィネットD6だった。これは基本的にクラビネットだった。その特徴的な吠え声と噛むような音はごまかしようがない。スティーヴィー・ワンダーが「Superstition」でファンク界にその名を知らしめたが、レゲエのプロデューサーたちは間違いなくそれに気づいた。彼らはアンプやペダルに通したり、冒険的な気分になればテープ・ディレイをかけたりもした。

https://www.youtube.com/watch?v=5WZY1cEecbI

実際に聴いてみたい？ピーター・トッシュの "Stepping Razor "を聴いてみよう。タイトでパーカッシブなキーボードがミックスを突き抜けているのが聞こえるだろう。これはクラヴの仕事だ。クラヴはフロント・センターではないが、一旦離れてしまえば、クラヴがどれほど大きな役割を果たしているかがわかる。

現代のレゲエでは、クラヴはあまり登場しない。ニッチなサウンドだからかもしれないし、シンセやサンプラーに取って代わられたからかもしれないが、登場するとレゲエ黄金時代の小さなタイムカプセルのようだ。スクラッチで、ファンキーで、無条件に生々しい。

9.ボーカル

そして、最後はボーカルだ。

メッセージであり、ムードであり、時には曲の存在理由でもある。それが抗議であれ、賛美であれ、パーティーであれ、ヴォーカルはその重みを担う。そして多くのレゲエ・ソングにおいて、その重みはしばしば重い。レゲエの歌は、ラブソングやキャッチーなフックだけではない。レゲエのヴォーカルは、魂や闘い、信じるべき何かを歌っていることが多い。

音色的には、レゲエのヴォーカルは暖かく自然な傾向にある。レゲエのボーカルには、ピッチ補正や10重の二重ハーモニーなど、スタジオで磨き上げられたものはあまりない（超近代的なポップ・レゲエの場合は別だが）。

多くの場合、聞いたことがそのまま伝わる。隙間や息づかい、ちょっとした不完全さの中に感情が伝わってくるのだ。シンガーはしばしばビートの後ろに座り、少し怠惰でのんびりとした雰囲気を醸し出し、それがなぜかメッセージをより強く打ち出す。

歌詞の内容は多岐にわたる。スピリチュアルなテーマ、社会正義、愛、失恋、葉っぱ（葉っぱだらけ）、そしてもちろん日常生活。会話のような正直さがある。たとえ詩的で象徴的な言葉であっても、誰かがあなたに直接語りかけているように感じられる。ピーター・トッシュの "Equal Rights "やボブ・マーリーの "Redemption Song "のようなトラックは、ただ音がいいだけではない。何かを意味しているのだ。

今、レゲエのヴォーカル・スタイルは一様ではない。

このジャンルは、それぞれ独自のトーン、フレージング、存在感を持つ多種多様なヴォーカリストを輩出してきた。例えばボブ・マーリー。彼の声は滑らかで、明瞭で、楽に感情を表現できる。彼の語り口は穏やかでありながら力強く、まるで誰かがつらい真実をできるだけ優しい方法で教えてくれるようだ。Waiting in Vain」のようなボブ・マーリーの曲は、彼がいかに親密でありながら、同時に普遍的なサウンドを出すことができたかを示している。

https://www.youtube.com/watch?v=IWxbhC44p2w

そして、トゥーツ・アンド・ザ・メイタルズのトゥーツ・ヒバートに振れ。彼のヴォーカル・スタイルは硬質で、ゴスペルの影響を受け、炎に満ちている。トゥーツは、ソウル・シンガーのようにベルトをかき鳴らし、ブルースマンのようにうなることができる。Funky Kingston」や「54-46 Was My Number」を聴いて、そのエネルギーを胸に感じないわけがない。

https://www.youtube.com/watch?v=wNxNwvjzGM0

また、マーシャ・グリフィスは、彼女自身がパワーハウスだった。ソロであれ、I-Threes（ボブ・マーリーのバック・ボーカル・トリオ）の一員であれ、彼女の歌声はどのトラックにもエレガンスと温かみをもたらした。彼女のソロ・カット"Feel Like Jumping "をチェックしよう。ワックスに乗った純粋な喜びだ。彼女は力強さと甘さを融合させ、威厳と安らぎを兼ね備えたヴォーカル・トーンを持っていた。彼女はレゲエ・ミュージックがエッジを失うことなく優しくなれることを証明したのだ。

https://www.youtube.com/watch?v=Ur5yqXuvno0

全く異なるモダン・レゲエ・サウンドを求めるなら、Eek-A-Mouseをチェックしよう。彼の歌い方は、歌であり、乾杯であり、エイリアンの鳥の鳴き声でもある。奇妙で、ワイルドで、そしてなぜかうまくいく。「Ganja Smuggling」は、遊び心があり、リズミカルで、他の誰とも全く違う完璧な例だ。

https://www.youtube.com/watch?v=UR9Cj5UyVbM

ダンスホール・ミュージック、ダブ・レゲエ、デジタルの時代になっても、ヴォーカル・スタイルは中心であり続けた。ブジュ・バントンのようなレゲエ・アーティストは、切迫した生々しさを感じさせる、ほとんどシャウトしたような不機嫌な歌い方をした。ベレス・ハモンドのように、バターのような音色とゴスペルフレーズで滑らかでロマンチックなバラードに傾倒したアーティストもいた。

そのすべてに共通することとは？フィール。スムースであろうとスクラッチであろうと、シリアスであろうとおバカであろうと、レゲエ・ミュージックのヴォーカルは常にリアルな場所から生まれている。それがヒットを生むのだ。完璧なテクニックや派手な走りではない。しかし、ハート、メッセージ、スタイルは、ビートがフェードアウトした後もずっと心に残る。

レゲエ音楽制作を始めよう

レゲエという時代を超えたジャンルを構成する主な楽器について理解したところで、そろそろ自分のレゲエ・レコーディングを始める時期かもしれない！レゲエ・スタイルのインスピレーションを得る最良の方法のひとつは、伝説的なレゲエ・アーティストの演奏を聴いて、彼らの音楽が優れている点を分析することだ。