악기 트랙을 만드는 것이 보컬이 있는 트랙을 만드는 것보다 더 쉽다고 생각할 수 있습니다. 하지만 보컬이 없는 곡은 자립할 수 있는 악기 편곡이 필요하며, 가사없이 매력적이고 기억에 남으며 유기적으로 발전해야 합니다. 결코 쉬운 일이 아닙니다!

인스트루멘탈을 만드는 데에는 몇 가지 이유가 있습니다. 첫 번째는 보컬이 없는 트랙을 좋아하기 때문이고, 두 번째는 노래방, 연습 또는 리믹스를 위해 악기 버전이 필요하기 때문입니다.

이 글에서는 보컬이 필요한 이유와 상관없이 기존 곡의 악기 음악을 만들든, 처음부터 새로 만들든 보컬 없이 음악을 만드는 방법을 살펴봅니다.

자세히 알아봅시다.

정의

먼저 인스트루멘탈 트랙이 무엇인지 명확히 알아봅시다.

기악곡은 보컬이 두드러지지 않는 음악을 정의하는 매우 광범위한 용어입니다. 즉, 보컬이 트랙의 주요 요소가 아니라면 악기 트랙에 목소리를 넣을 수 있습니다.

영화 사운드트랙부터 일렉트로닉 음악, 재즈, 클래식, 프로그레시브 록, 메탈 등 모든 음악 장르에 걸쳐 악기 트랙을 찾을 수 있습니다. 보컬에 크게 의존하는 팝을 제외한 다른 모든 음악 장르에는 악기 트랙의 예가 있습니다.

악기 곡을 만드는 방법

악기 트랙을 시작하는 것은 "일반적인" 트랙을 시작하는 것과 크게 다르지 않습니다. 시작하려면 곡을 발전시킬 아이디어만 있으면 됩니다. 기억에 남는 멜로디, 진화하는 비트 또는 독특한 샘플이 될 수 있습니다.

기악곡의 차별점은 메인 보컬이 없어도 청취자가 계속 몰입할 수 있도록 보다 매력적이고 발전적인 구조가 필요하다는 점입니다.

기악곡 작업을 시작할 때는 일반적인 코러스-브릿지-버스 구조만 생각하지 말고, 곡의 각 요소를 세심하게 디자인하여 다양한 섹션을 강조하고 추진력을 만들어야 합니다. 이는 음악 제작에 있어 훌륭한 연습이 될 것입니다.

1단계: 아이디어

음악에서는 모든 것이 아이디어에서 시작됩니다! 멜로디, 코드 진행, 보컬 라인 또는 드럼 패턴이 될 수 있습니다. 그것이 무엇이든 트랙의 시작점이 되며, 전체적이고 일관성 있는 음악이 완성될 때까지 그 위에 쌓아 올릴 수 있습니다.

한밤중, 영화를 보거나 자전거를 타다가 등 예상치 못한 순간에 아이디어가 떠오르기도 합니다. 그렇다면 스튜디오에 있지 않을 때는 어떻게 아이디어를 기록할까요? 스마트폰, 펜과 종이 등 영감이 떠오를 때 사용할 수 있는 모든 것을 활용하면 됩니다.

보컬 트랙과 악기 트랙에 대한 아이디어는 후자의 경우 훅 역할을 하는 보컬 라인이 없다는 점을 제외하면 크게 다르지 않습니다. 하지만 이는 피아노, 신디사이저 또는 기타 멜로디로 대체할 수 있습니다.

초기 아이디어는 템포, 곡의 키 또는 둘 다를 정의할 수 있습니다. 거기서부터 곡을 개발하기 시작합니다.

2단계: 트랙 만들기

트랙의 전문적인 편곡을 위해서는 DAW가 필요할 수 있습니다. 이러한 유형의 소프트웨어는 다양한 사운드 레이어를 일관성 있는 곡으로 결합하는 가장 좋은 방법입니다.

악기 트랙은 원하는 만큼 단순하거나 복잡할 수 있지만, 일반적으로 드럼 패턴, 베이스 라인, 코드 진행, 메인 멜로디가 대부분 또는 전부 포함됩니다.

초기 아이디어가 코드 진행이라고 가정해 봅시다. 거기에서 리듬 섹션에 집중하여 비트와 베이스 그루브를 개발하거나 코드에 맞는 기억에 남는 멜로디를 찾을 수 있습니다. 두 가지 접근 방식 모두 잘 작동할 수 있으므로 영감이 떠오르는 대로 시도해 보세요.

드럼에서 주된 영감이 떠오르면 다음 레이어는 베이스 라인, 그다음은 코드, 마지막으로 메인 멜로디로 이어지는 식으로 초기 아이디어에 가까운 레이어를 먼저 개발합니다. 멜로디에 대한 아이디어가 떠오르면 코드 진행부터 곡을 만들기 시작합니다. 제 경험상 이렇게 하면 곡이 더 응집력 있고 자연스럽게 만들어지지만, 곡을 만드는 방법에 대한 정해진 규칙은 없습니다.

오늘날에는 악기 트랙에 사용할 수 있는 악기 목록이 거의 끝이 없습니다. 점점 더 강력해지는 DAW와 수천 개의 플러그인 덕분에 원하는 악기를 아주 적은 비용으로(또는 전혀 비용 없이) 사용할 수 있습니다. 마치 나만의 밴드를 꾸리는 것과 같으니 상상력을 발휘해 보세요!

3단계: 믹싱

인스트루멘탈 트랙 믹싱에서 가장 어려운 부분은 보컬이 노래의 중심이 아니라는 점입니다. 즉, 믹스의 모든 요소가 잘 정의되고 목적이 있으며 사운드 스테이지에서 고유한 위치를 차지해야 한다는 뜻입니다.

일반적으로 보컬이 중심 무대를 차지하면 믹스의 다른 부분은 배경에 위치하게 되는데, 이는 보컬이 곡의 핵심이기 때문에 덜 명확하고 단순하게 표현할 수 있습니다. 하지만 악기 음악에서는 그런 사치가 없습니다.

긍정적인 점은 인스트루멘탈 트랙을 만드는 것이 포스트 프로덕션 마스터 클래스가 될 수 있다는 것입니다. 볼륨 레벨링과 EQ, 압축 및 시간 기반 효과에 대한 모든 것을 배울 수 있으며, 일관성 있고 전문적인 사운드의 믹스를 만드는 데 도움이 되는 모든 것을 배울 수 있습니다.

볼륨 레벨과 패닝부터 시작합니다. 이 단계는 트랙을 믹싱할 때 가장 중요한 순간입니다. 믹스의 모든 요소가 원하는 위치에 정확하게 배치되었는지 확인하고 여러 장치에서 믹스를 들어보면 노래가 어떻게 들리는지 전체적으로 파악할 수 있습니다.

다음으로 이펙트에 집중하여 사용하는 모든 이펙트의 중요성을 천천히 음미해 보세요. 리버브를 사용하여 다양한 요소를 서로 붙이고, 압축 및 EQ를 사용하여 사운드 스테이지를 조정하고, 기타 모든 효과를 사용하여 독특한 시그니처를 만들어 보세요. 자세한 내용은 포스트 프로덕션 전용 블로그 섹션을 참조하세요.

유용한 음악 이론

특히 악기 트랙의 경우 음악 이론에 대한 기본적인 이해 없이는 그 정도까지만 갈 수 있습니다. 또한 작곡을 개발하는 방법에 대해 한두 가지를 배우면 음색 팔레트가 크게 확장되어 더 나은 뮤지션이 될 수 있습니다.

좋은 점은 전문적인 기악곡을 만들기 위해 모차르트가 될 필요는 없다는 것입니다! 화성, 리듬, 노래 구조에 대한 기본적인 이해만 있으면 됩니다.

DAW와 플러그인 덕분에 이미 필요한 모든 악기와 이펙트를 갖추고 있으므로, 멋진 악기 트랙을 만드는 데 필요한 모든 음악 이론을 간략하게 살펴보겠습니다.

화음과 하모니

코드가 어떻게 만들어지고 건반 내에서 어떻게 작동하는지 배우는 것보다 제작 기술을 업그레이드하는 더 좋은 방법은 없습니다.

장조와 단조 코드를 현명하게 사용하고 일반적인 진행을 연습하면 청중과 소통하고 더욱 매력적인 음악을 만드는 데 도움이 됩니다. 간단한 코드 동작을 올바르게 사용하면 강력하고 잊을 수 없는 분위기를 연출할 수 있습니다. 자세한 내용은 블로그의 송라이팅 섹션에서 확인하세요.

다음 단계는 청취자들이 가장 많이 기억하는 멜로디의 작동 원리를 배우는 것입니다. 음계와 키, 모드를 변경하는 방법, 인터벌을 사용하는 방법을 공부하여 음악적으로 '의미 있고' 일관성 있는 멜로디를 만들 수 있도록 하세요.

리듬 및 템포

리듬은 노래를 앞으로 나아가게 하고, 드럼이 없어도 음악에 그루브가 생길 수 있습니다.

리듬을 최대한 활용하려면 박자 , 박자표, BPM의 중요성, 작업하는 장르에 따라 달라지는 리듬 패턴에 대해 공부해야 합니다. 벅차다고요? 걱정하지 마세요. 저희 블로그에는 리듬에 관한 많은 글이 있으니 그루브에 대해 자세히 알아보는 데 좋은 출발점이 될 것입니다.

노래 양식

악기 트랙에서도 구조는 매우 중요하며, 다른 노래 섹션을 안내하는 목소리가 없기 때문에 더욱 그렇습니다.

가수를 위한 악기 트랙을 만드는 경우 인트로, 절, 코러스, 브릿지를 포함하는 전통적인 형식에 따라 만들어야 합니다. 인스트루멘탈 EDM을 만드는 경우에는 강력한 EDM 드롭이 필요합니다. 가장 기본적인 형태라도 곡의 시작과 끝은 일관성 있고 유기적인 느낌을 주어야 합니다. 그래야만 청취자의 참여를 유도하고 사운드를 통해 스토리를 전달할 수 있습니다.

기존 노래에서 보컬을 제거하는 방법

이번 마지막 섹션에서는 트랙에서 보컬을 제거하는 방법을 살펴보겠습니다. 노래 연습, 노래방, YouTube 채널, 재미있는 리믹스를 만들기 위해 등 여러 가지 이유가 있을 수 있습니다. 이유가 무엇이든 완성된 노래의 악기 버전을 만들 수 있는 몇 가지 방법이 있습니다.

가장 좋은 방법은 스테레오 파일에서 음성 레이어를 줄이거나 제거하여 악기 섹션을 분리할 수 있는 보컬 리무버 를 사용하는 것입니다.

거의 매달 새로운 AI 보컬 리무버가 출시되고 있습니다. 지속적으로 발전하고 개선되고 있기 때문에 여기서는 리뷰하지 않겠습니다. 제가 할 수 있는 것은 글을 쓰는 시점에서 어떤 도구가 가장 효과적인지 알려드리는 것뿐입니다:

Audacity: 보컬 감소 및 격리 효과를 사용하여 보컬 감소를 제공하는 훌륭한(그리고 무료인) 옵션입니다.

궁극의 보컬 리무버(UVR ) : 또 다른 무료 오픈 소스 도구로, 최고의 성능을 자랑합니다. 끝없이 커스터마이징이 가능하고 어떤 목적에도 충분히 강력한 UVR은 환상적인 옵션이지만, 이를 최대한 활용하는 방법을 배우는 데 시간을 투자해야 합니다.

Moises.ai , Splitter.ai , LALAL.AI : 기타 모든 프로그램 : 오디오 파일을 업로드하고 업로드 버튼을 클릭하면 이 프로그램들이 AI를 사용해 보컬 제거를 시도합니다. 결과는 다를 수 있다는 점에 유의하세요. 일부 악기 트랙에는 여전히 희미한 보컬이나 아티팩트가 포함될 수 있지만 일반적으로 포스트 프로덕션에서 이를 제거할 수 있습니다.

eMastered 보컬 리무버: 마지막으로, 보컬 리무버 도구는 eMastered의 다른 제품에서 얻은 기술과 통찰력을 활용하여 보컬을 특별히 분리할 수 있는 기능을 갖추고 있습니다. 이 도구를 사용하면 선명한 사운드의 악기 및 보컬 전용 오디오 파일을 필요에 맞게 준비할 수 있습니다.

최종 생각

보컬 없이 노래를 만들고 싶은 이유와 상관없이, 악기 파트를 제대로 만드는 것은 열정을 전문 직업으로 만드는 요소일 수 있습니다. 보컬 없이도 매력적인 음악을 만들 수 있기 때문에 청중은 여러분의 제작 기술을 듣고 아티스트는 여러분과 협업하고 싶어 할 것입니다.

악기를 현명하게 선택하고(또는 미디 키보드를 구입하고 필요한 모든 플러그인을 다운로드하세요), 음악 이론에 대해 최대한 많이 배우고, 재미있게 즐기세요!