이제 곧 앨범 믹싱을 위한 첫 번째 프로젝트에 착수하게 됩니다. 축하합니다!

몇 곡을 개별적으로 작업하는 것은 믹싱 부서에서 실력을 연마하는 데 도움이 되지만, 전체 앨범을 작업할 때는 앨범 전체에 걸쳐 일관된 사운드를 목표로 해야 합니다. 여러 트랙이 함께 발매되는 것이 아니라 하나의 앨범처럼 들리도록 하는 것이 가장 중요한 요소 중 하나입니다.

물론 마스터링은 음악에 일관성을 부여하는 데 도움이 되지만, 현명한 사람은 '똥을 닦을 수는 없다'고 말했습니다. 오디오 세계에 비유하자면, 좋은 마스터링은 좋은 믹스에서 시작됩니다.

프로젝트의 모든 곡이 일관된 사운드를 내도록 하려면 어떻게 설정하나요? 미리 계획을 세우고, 체계적인 워크플로우를 따르며, 최종 결과물을 계속 주시하는 세 가지 방법으로 접근합니다.

1부: 1부: 미래에 오신 것을 환영합니다

팁 #1: 곡을 믹싱할 준비가 되었는지 확인하기

다른 아티스트를 위해 믹싱하든 자신을 위해 믹싱하든 프로젝트가 믹싱할 준비가 되었는지 반드시 확인하세요. 드럼에 타이밍이 맞지 않나요? 보컬에 튜닝이 필요한가요? 기타 음색이 제대로 되어 있나요?

실제 믹싱 프로세스를 시작하기 전에 이러한 모든 요소를 해결하고 수정해야 합니다. 이 작업은 시간이 오래 걸릴 수 있으며, 한 곡을 믹싱하는 도중에 보컬을 튜닝해야 하는 경우 주의가 산만해져 큰 그림을 놓치기 쉽습니다.

팁 #2: 정리하기

앨범 프로젝트를 믹싱하는 작업에는 많은 부분이 움직이고, 각 곡의 믹스, 수정 과정 및 결과물 측면에서 현재 진행 상황을 추적해야 합니다. (그리고 다른 사람을 위해 일하는 경우 대금 지급도 마찬가지입니다).

하드 드라이브가 복잡하게 쌓이는 것을 방지하려면 미리 정리 계획을 세우는 것이 좋습니다. 여기에는 다음과 같은 요소가 포함됩니다:

• 파일 정리 및 폴더 계층 구조
• 앨범을 다른 엔지니어가 녹음했든 혼자서 녹음했든, 최종 편집과 테이크만 있는 전용 믹스 세션을 새로 만드는 것이 좋습니다. 이렇게 하면 파일 관리가 훨씬 덜 번거로워집니다.
• 믹스 세션, 믹스 버전, 최종 결과물을 마스터 프로젝트 폴더 내에 별도의 비공개 폴더로 정리하세요.

• 파일 이름 지정
• 파일 이름에 버전 번호와 날짜를 함께 지정하면 수정 과정에서 어떤 버전을 말하는지 항상 명확하게 알 수 있습니다. 저는 나중에 필요한 경우 파일을 쉽게 찾을 수 있도록 아티스트_앨범_곡명_버전번호_날짜를 사용하는 것을 좋아합니다.
• 진행 상황 추적 시스템
• 간단한 스프레드시트나 Google 문서를 사용하면 각 곡의 믹싱 진행 상황을 파악하는 데 도움이 됩니다.
• 합의된 수정 프로세스
• 밴드와 첫 번째 믹스를 공유할 준비가 되면 깔끔하고 관리하기 쉬운 방법으로 피드백을 받고 싶을 것입니다. 여러 이메일, 문자, DM, 전화로 피드백을 받는다면 앨범의 전체적인 사운드에 도움이 되지 않습니다. 대신, 공유 Google 문서나 클라우드의 타임스탬프가 찍힌 댓글 등 피드백을 제공할 수 있는 한 곳의 중앙 집중된 장소가 있는지 확인하세요.

위의 어느 것도 믹싱 프로세스에서 매력적인 부분은 아니지만, 정리가 잘 되어 있으면 워크플로우와 음반의 전체적인 사운드에 도움이 됩니다.

팁 #3: 앨범의 핵심 요소 설정하기

믹싱되지 않은 곡을 듣고 전체적으로 어떤 공통 요소가 있는지 파악하세요. 당연한 선택은 리드 보컬이며, 기타나 드럼도 포함될 수 있습니다. 하지만 이는 믹싱하는 장르에 따라 달라질 수 있습니다. 예를 들어 힙합 트랙에서는 사용된 샘플이 핵심 요소일 수 있습니다.

이러한 핵심 파트를 믹스의 시작점으로 사용하면 사운드의 고유한 특징을 파악하고 앨범에 전체적으로 일관된 사운드를 제공하는 데 도움이 됩니다.

팁 #4: 시작하기 전에 원하는 사운드의 종류 파악하기

앨범의 주안점을 파악하는 것도 좋지만, 밴드가 원하는 전체적인 분위기를 미리 파악하는 것도 도움이 됩니다. 밴드에게(또는 솔로로 활동하는 경우 본인에게) 각 곡에서 어떤 점이 마음에 드는지 참고할 만한 트랙을 보내달라고 요청하세요.

여기에는 노래의 모든 요소가 포함될 필요는 없습니다. 예를 들어, 한 트랙에서는 보컬의 경쾌한 사운드를 좋아하고 다른 트랙에서는 스네어 사운드를 좋아할 수 있습니다. 여기서 중요한 것은 아티스트가 완성된 앨범이 음악적, 음향적으로 어떤 위치에 놓이기를 원하는지 파악하는 것입니다.

팁 #5: 모든 트랙 사전 믹스하기

모든 것이 잘 진행되고 있고 목표가 무엇인지 파악했다면 앨범의 각 곡을 살펴보면서 불필요한 노이즈를 제거합니다. 여기에는 저음 럼블과 원치 않는 노이즈를 제거하고 테이크가 깨끗한지 확인하는 작업이 포함됩니다.

이 단계에서는 사운드에 어떤 영향도 주지 않고 나중에 시간을 절약할 수 있도록 정리하는 것일 뿐이라는 점에 유의하세요. 믹싱 워크플로우를 더 쉽게 만드는 것이 훌륭한 사운드의 앨범을 만드는 핵심입니다.

2부: 지그재그 활용하기

좋아요. 게임 전 모든 준비를 마쳤으니 이제 첫 곡을 믹싱할 준비가 되었습니다! 하지만 잠깐만요...

팁 #6: 템플릿 사용

앨범의 핵심 요소를 파악했고 아티스트가 원하는 사운드의 종류를 알고 있습니다. 이제 시간을 내어 DAW에서 VCA 그룹, 버스 라우팅, 일반 효과 및 기본 트랙 레이아웃이 포함된 기본 템플릿을 설정해 보세요.

시작하기 전에 필요한 압축기, EQ 및 라우팅 설정이 이미 포함된 템플릿을 만들면 각 곡을 작업할 때 시간을 절약할 수 있습니다.

어떤 사람들은 템플릿을 사용하면 단조롭고 균일한 사운드가 나온다고 주장하지만(니켈백을 좋아하는 사람 있나요?), 이는 플러그인의 설정을 변경하지 않는 경우에만 해당되는 이야기입니다. 템플릿을 현명하게 사용하면 시간을 절약하고 전체 프로세스를 훨씬 더 원활하게 만들 수 있습니다.

팁 #7: 혼자만 알기

아기를 떠나 다른 사람에게 맡긴다는 것은 어려운 일입니다. 하지만 믹싱 엔지니어로서 믹싱하는 동안 아티스트가 방에 없으면 아티스트에게 더 나은 서비스를 제공할 수 있습니다. 미리 수정 프로세스를 설정해 놓으셨죠?

나만의 자료를 작업하는 경우 전용 믹스 세션이 도움이 될 수 있습니다. 파트를 만지작거리고 싶은 유혹을 덜 받고 믹싱 과정에만 집중할 수 있습니다.

여기서 객관적으로 생각하세요. 여러분의 역할은 있는 것을 섞는 것이지, 있을 수 있는 것을 끝없이 조정하는 것이 아닙니다.

팁 #8: 현명하게 믹스할 첫 번째 곡 선택하기

믹스 팔레트에서 첫 번째 트랙을 선택하는 방법은 여러 가지가 있습니다. 가장 재미있게 믹싱할 수 있는 트랙이나 아티스트가 앨범에서 가장 좋은 트랙이라고 생각하는 트랙을 선택할 수도 있습니다. 저는 밴드의 전체적인 사운드를 가장 잘 표현하는 트랙을 선택하는 것을 선호합니다.

첫 번째 트랙을 믹싱하고 나면 이후 곡에서 해야 할 작업에 대해 더 잘 이해할 수 있습니다. 예를 들어 드럼이 여러 스튜디오에서 일정 기간에 걸쳐 녹음되었다면 일관된 사운드를 얻기 위해 더 많은 작업이 필요할 수 있습니다.

반면에 첫 곡의 리드 보컬 사운드를 잘 다듬으면 나머지 곡을 훨씬 쉽게 믹싱할 수 있습니다.

어느 쪽이든, 이 첫 번째 곡은 나머지 곡을 일관된 사운드로 만들기 위한 로드맵이 될 것입니다. 말이 나와서 말인데...

팁 #9: 프리셋의 왕자 되기

플러그인에서 기본으로 제공되는 기본 프리셋을 말하는 것이 아닙니다(좋은 시작점이 될 수는 있지만). 이 팁은 작업 중인 앨범을 위해 특별히 나만의 사전 설정을 만드는 방법에 관한 것입니다.

첫 번째 곡을 믹싱하고 나면 앞으로의 작업이 어떻게 진행될지 감이 잡힐 것입니다. 예를 들어, 리드 보컬의 이퀄라이징을 신중하게 진행했을 수 있습니다. 이를 프리셋으로 저장(이 특정 앨범에 속하는 것을 식별할 수 있는 접두사를 붙이는 것이 좋습니다)하면 새 노래에서 쉽게 불러올 수 있습니다. 필요한 만큼 프리셋을 만들어두면 앞으로 작업할 때 시간을 절약할 수 있습니다.

같은 방식으로 어쿠스틱 기타에 감미로운 압축을 설정한 경우 전체 앨범의 모든 곡에 이를 적용하여 전체적으로 일관된 사운드를 낼 수 있습니다.

한 곡에서 다음 곡으로 넘어갈 수 있는 많은 부분은 음악이 어떻게 녹음되었는지에 따라 달라집니다. 또한 모든 작업이 일관되게 이루어졌다고 하더라도 한 곡에서 다음 곡으로 넘어갈 때마다 각 채널의 설정을 조정하여 공식적인 쿠키 커터 사운드를 피하고 싶을 것입니다.

팁 #10: 버스 운전사 되기

버스를 사용하면 CPU 처리 능력을 절약하고 워크플로우를 더욱 효율적으로 만들 수 있습니다.

또한 수정 프로세스를 더 쉽게 관리할 수 있습니다. 예를 들어 밴드에서 보컬과 리듬 기타가 공유하는 딜레이를 16초에서 8초로 변경하려는 경우, 하나의 설정만 변경하면 됩니다.

인스트루먼트 버스는 알트 믹스를 제공할 때도 매우 유용합니다(모든 아티스트가 싱크 라이선스 담당자에게 요청해야 하는 사항입니다!). 드럼과 베이스 믹스를 제공하는 것은 두 개의 버스를 솔로 처리하는 것만큼이나 쉽습니다. 또한 각 악기 그룹에 고유한 이펙트 버스가 있으면 스템을 인쇄하는 것이 매우 간편해집니다.

따라서 모든 드럼 또는 모든 기타 등 관련 트랙과 리버브 및 딜레이와 같은 일반적인 이펙트를 각각의 버스 채널로 라우팅하는 습관을 들이는 것이 좋습니다.

팁 #11: 레퍼런스 트랙 사용

위의 4번 팁을 기억하시나요? 바로 이때 레퍼런스 트랙이 유용하게 쓰일 수 있습니다. 현재 진행 중인 믹스와 원하는 사운드를 가진 상용 트랙을 비교하면 믹싱할 때 선택의 기준이 되고 객관적인 시각을 유지하는 데 도움이 됩니다.

상업용 트랙을 참조할 때는 해당 채널의 페이더를 믹스와 동일한 피크 레벨로 낮추어 음량 편향이 발생하지 않도록 하세요.

마찬가지로 현재 작업 중인 트랙을 이미 믹싱한 앨범의 다른 곡과 비교하여 확인하는 것도 좋은 방법입니다.

이를 위해 마스터링 스타일 세션에서 모든 트랙을 설정하여 서로 어떻게 어울리는지 확인합니다. 앨범의 핵심 요소에 주의를 기울이면서(3번 팁에서 했었죠?) 전체 앨범에서 일관성이 유지되는지 자세히 들어보세요.

팁 #12: 필요 없는 것은 버리기

녹음 중에 다소 거칠게 작업하고 필요 이상으로 많은 파트를 배치하는 것은 드문 일이 아닙니다. 아티스트는 한창 창작에 몰두하고 있으며, 음악 제작의 이 단계에서는 특정 곡이 제대로 믹싱되었을 때 어떻게 들릴지 모르기 때문에 당연한 일입니다.

하지만 믹싱 단계에 다다르면 다른 곡과 일관성 있게 들리지 않는 부분이 있는 트랙이 여기저기 있을 수 있습니다. (그렇기 때문에 믹싱 중인 앨범의 곡을 포함한 레퍼런스 트랙을 준비하는 것이 좋습니다).

이 경우 이러한 부분을 꼭 포함해야 하는지 생각해 볼 필요가 있습니다. 누군가 새벽 3시 세션에 넣으면 좋겠다고 생각한 테레민 베이스 라인을 넣기 위해 앞서 확인한 주요 트랙을 손상시키지 마세요.

물론 다른 밴드나 아티스트를 위해 트랙을 믹싱하는 경우에는 이 대화에 외교적으로 접근해야 합니다. 상대방이 전체 맥락에서 들을 수 있도록 불쾌감을 주는 부분을 포함하거나 포함하지 않은 알트 믹스를 하는 것도 고려해 보세요.

팁 #13: 자주 휴식 취하기

믹싱 중에는 자주 귀를 쉬게 하여 시야를 유지하는 것이 중요합니다. 귀의 피로는 자신도 모르게 쌓여 잘못된 믹싱 선택을 할 수 있습니다.

따라서 적당한 볼륨(작은 방의 경우 70dB)으로 믹싱하는 것 외에 2시간마다 20분씩 휴식을 취해 러그홀에 휴식을 주세요.

신선함을 유지하기 위해 사용할 수 있는 또 다른 전략은 하루의 첫 몇 시간 동안만 믹싱하고 나머지 시간은 집안일이나 관리 업무 또는 다음 곡을 위한 믹스 셋업에 할애하는 것입니다. 다음 날 아침에는 새로운 시각으로 음악을 들을 수 있을 것입니다.

팁 #14: 다양한 환경에서 듣기

다양한 청취 설정에서 떠올리는 모든 믹스를 확인해 보세요. 카 스테레오가 당연한 선택이지만 이어버드, 멋진 컴퓨터 스피커, 휴대폰에서도 믹스를 시도해 보세요.

궁극적으로 모든 트랙이 내 시스템뿐만 아니라 모든 시스템에서 훌륭하게 들리기를 원합니다. 또한 믹싱하는 밴드가 어떤 시스템에서 들을지 모르기 때문에 이 부분에 대한 실사를 하는 것이 수정 과정에서 도움이 될 수 있습니다.

파트 3: 마스터 블래스터

개별 곡이든 전체 앨범이든 믹싱을 하는 모든 분께 드리고 싶은 조언은 마무리 작업은 마스터링 엔지니어에게 맡기라는 것입니다.

하지만 대부분의 아티스트는 한정된 예산으로 작업하기 때문에 믹스 엔지니어에게 마스터링 단계까지 처리해 달라고 요청하는 경우가 많습니다.

DIY 방법을 사용하든, 전담 마스터링 엔지니어에게 맡기든, eMastered와 같은 온라인 서비스를 사용하든, 다음 팁은 전체 프로젝트의 일관된 사운드를 유지하는 데 도움이 됩니다:

팁 #15: 여유 공간 확보

믹싱에서 가장 중요한 측면 중 하나는 마스터 버스에 적절한 양의 헤드룸을 남겨두는 것입니다. 이렇게 하면 디지털 왜곡으로 인한 클리핑을 방지할 수 있을 뿐만 아니라 최종 믹스에서 분리와 선명도를 만드는 데 도움이 됩니다.

전체 믹스의 피크가 -6dB를 넘지 않도록 하는 것이 좋습니다. 여기서 충분한 공간을 만들기 위해 마스터 페이더를 조정하지 말고 대신 채널 페이더를 사용하는 것이 중요합니다.

팁 #16: 마스터 버스 삽입물을 주의해서 사용하기

마스터 페이더에 플러그인을 삽입하지 않는 것이 가장 이상적입니다. 하지만 다이나믹 컨트롤을 위해 약간의 압축이 필요하거나 사운드를 하나로 묶는 데 도움이 된다면 압축을 조금만 사용하세요.

어떤 작업을 하든 전체 트랙의 볼륨을 높이기 위해 압축기를 사용하지 마세요.

잘 모르겠다면 '적을수록 많다'는 검증된 격언을 따르세요.

결론

사람들이 처음부터 끝까지 듣도록 설계된 음반을 만들던 아날로그 시대 이후 음악 소비는 많이 달라졌습니다.

오늘날의 스트리밍 세계에서는 청취자가 아티스트 A의 곡에서 아티스트 B의 다른 곡으로 이동하는 경우가 드물지 않습니다.

그럼에도 불구하고 전체 앨범이나 EP에 걸쳐 일관된 사운드를 만드는 것은 여전히 중요한 일입니다. 그리고 이 팁을 통해 이를 달성하기 위한 올바른 방향으로 나아갈 수 있을 것입니다.

나가서 음악을 섞어보세요!