레게 음악은 다른 사람의 규칙을 따르지 않으며, 이것이 바로 레게를 특별하게 만드는 이유입니다. 60년대 후반 자메이카에서 탄생한 레게는 스카, 록스테디, 아메리칸 소울이 혼합되어 섬의 태양 아래서 낮고 느리게 조리되면서 성장했습니다. 하지만 스카가 과격하고 불안정한 반면, 레게는 여유를 가졌습니다. 공간을 남겼죠. 그루브를 위한 공간. 메시지를 위한 공간.

레게 음악의 핵심은 속도보다는 느낌에 있습니다. 2박자와 4박자의 꾸준한 킥 드럼, 비트 뒤에 숨어 있는 스칸키 기타 찹, 그리고 음악이 제공하는 가장 깊은 베이스라인이 있습니다. 프로덕션 측면에서 레게는 날 것 같지만 최면에 걸리는 경향이 있습니다. 넉넉한 드럼 톤, 탄력 있는 리버브 테일, 테이프 포화 상태나 구식 믹싱 데스크에서 나오는 미묘한 흔들림을 들을 수 있습니다.

이제 흥미로운 부분이 있습니다. 루트부터 덥, 댄스홀 레게, 러버스록에 이르기까지 다양한 레게는 대부분 동일한 핵심 도구로 만들어집니다. 물론 아티스트마다 각자의 개성을 살리지만, 그 이면에는 익숙한 악기 세트가 바탕을 이루고 있습니다.

따라서 자신의 작품에 정통 레게 사운드를 구현하고 싶거나 레게 장르의 독특한 사운드가 무엇인지 궁금하다면 제대로 찾아 오셨습니다. 수십 년 동안 레게를 움직이고 그루브를 유지해 온 필수 악기에 대해 알아보세요.

레게에는 어떤 악기가 있나요?

1. 베이스 기타

레게 음악이 집이라면 베이스 기타는 단지 기초에 불과하지 않을 것입니다. 현관문, 창문, 가구의 절반이 베이스 기타가 될 것입니다. 베이스가 배경에 숨어 있는 대부분의 장르와 달리 레게에서는 베이스가 전면에 배치됩니다. 심지어 많은 사람들이 베이스를 리드 악기로 간주하기도 합니다. 솔직히 말해서요? 틀린 말은 아닙니다.

레게 베이스 라인은 멜로디컬하며, 종종 노래 전체에 걸쳐 동일한 최면 같은 리프가 반복됩니다. 겉으로 보기에는 단순해 보일 수 있지만, 중요한 것은 무엇이 연주되느냐가 아니라 어떻게 연주되느냐입니다. 느린 템포에서 중간 템포의 그루브가 많고, 음과 음 사이의 간격이 많으며, 플래시보다 느낌에 중점을 둡니다. 레게 베이시스트는 프렛보드를 위아래로 뛰어다니는 대신 그루브에 고정하고 파도처럼 타는 경향이 있습니다.

일반적으로 펜더 프리시전이나 재즈 베이스와 같은 4현 일렉트릭 베이스가 사용됩니다. 더 웨일러스의 애스턴 "패밀리 맨" 바렛은 P베이스의 대가였습니다. 깊은 음색, 따뜻한 저음, 공격적이지 않으면서도 뚫고 지나갈 수 있는 충분한 물림이 특징입니다. 전설적인 듀오 슬라이 앤 로비의 절반인 로비 셰익스피어 역시 펜더 모델에 의존하는 것으로 유명하며, 때때로 뮤직맨 베이스를 섞어 조금 더 현대적인 느낌을 살리기도 했습니다.

앰프는 구식 앰프 스택, 특히 음색이 뭉개지는 소리 없이 벽을 흔들 수 있는 SVT와 같은 모델을 선호했습니다. 하지만 스튜디오에서는 많은 레게 베이스 기타를 다이렉트 인(DI)으로 녹음했고, 때로는 프리앰프나 튜브 컴프레서를 체인에 연결해 풍성하고 둥근 사운드를 유지했습니다.

알아두면 유용한 장비 상식도 있습니다.

대부분의 레게 베이시스트는 플랫 와인딩 스트링을 사용합니다. 이 현은 라운드 와인딩에서 발생하는 튕김이나 손가락 잡음 없이 부드럽고 쿵쿵거리는 소리를 냅니다. 마치 피아노 해머에 펠트를 얹은 것과 비슷합니다. 소리가 더 어둡고 따뜻하며 훨씬 더 제어됩니다.

프로 팁: 레게 베이스 기타를 연주할 때 제대로 된 사운드를 얻기 어렵다면 하이엔드를 해제하세요. 베이스 기타 자체에서든 앰프에서든 DAW에서든, 여기서는 반짝이는 사운드를 원하지 않습니다. 4~5kHz 이하로 모든 것을 잘라내세요. 여러분이 원하는 것은 두꺼운 양모 담요로 감싸진 듯한 톤입니다. 귀에는 부드럽게 느껴지지만 가슴이 덜컹거릴 정도로 무거워야 합니다.

베이스는 레게 음악이 살아 숨 쉬는 곳입니다. 이 부분만 잘 잡으면 이미 절반은 성공한 것입니다.

2. 일렉트릭 기타

록과 달리 레게의 일렉트릭 기타는 과시하려고 하지 않습니다. 하지만 그렇다고 속지 마세요. 펑크 밴드에서 수년간 리듬 기타를 연주한 사람으로서, 그루브에 '고정'하는 것은 완전히 다른 수준의 기술과 손재주가 필요하다는 것을 말씀드릴 수 있습니다.

레게 음악에서 일렉트릭 기타는 베이스만큼이나 중요할 수 있으며, 여러 면에서 베이스의 완벽한 댄스 파트너입니다. 저음이 울려 퍼지는 동안 기타는 찹을 더합니다.

대부분의 레게 리듬 기타는 "스캥크"라고 부르는 코드를 사용합니다. 이는 오프 비트(세는 경우 '앤드'를 세는 것)에서 치는 짧은 스타카토 코드입니다. 멜로디라기보다는 거의 타악기에 가깝습니다. 현을 꽉 조일 정도로만 음소거한 다음 손목을 튕겨서 활기를 불어넣습니다. 이 장르에 내장된 메트로놈이라고 생각하면 됩니다.

보통 연주자들은 꽤 표준적인 기타를 연주합니다: 펜더 스트라토캐스터, 텔레캐스터, 깁슨 레즈 폴 등입니다. 특히 스트랫은 선명한 음색과 다양한 픽업 구성 덕분에 많은 레게 뮤지션들이 즐겨 사용하는 기타입니다. 그렇다고 해서 딱히 정해진 규칙은 없습니다. 느낌이 좋고 깨끗하게 잘라낸다면 잘 작동합니다.

실제로 자메이카 기타 사운드의 선구자 중 한 명인 어니스트 랭글린은 깁슨 ES-175를 자주 연주했으며, 재즈풍의 릭부터 타이트하고 음소거된 찹까지 한 번에 연주할 수 있었습니다. 투츠 앤 더 메이탈스와 함께 연주한 헉스 브라운은 텔레캐스터의 날카로운 중음과 톡톡 튀는 엣지 때문에 텔레캐스터에 의지했습니다.

앰프의 경우, 과거에는 많은 뮤지션들이 Fender Twins, Roland Jazz Choruses, 심지어 Vox 앰프를 사용해 감미로운 차임을 연주했습니다. 비결은 깨끗하고 밝은 톤에 약간의 리버브나 탄력 있는 딜레이로 약간의 공기를 불어넣는 것입니다. 오버드라이브와 디스토션은 펑크 밴드를 위해 아껴두세요.

https://www.youtube.com/watch?v=S3UqvWk8-uw

교과서적인 예를 듣고 싶다면 밥 말리 앤 더 웨일러스의 "Stir It Up"을 들어보세요. 오프 비트의 타이트하고 똑딱거리는 기타가 바로 스캥크입니다. 피터 토쉬의 "Legalize It"도 좋은 예입니다.

레게 기타는 화려하지는 않지만 정확하고 강렬하며 보기보다 잘 연주하기가 훨씬 어렵습니다. 그 느낌을 속일 수는 없습니다.

3. 드럼

레게 음악에서 드럼과 베이스 기타는 서로 밀접한 관련이 있습니다. 이 둘은 함께 리딤이라는 것을 만들어냅니다. 특히 레게와 댄스홀에서 이 단어가 많이 사용되지만, 실제로는 리듬 섹션의 그루브를 의미합니다. 리딤은 전체 트랙을 움직이는 엔진이며, 제대로 만들어지면 등골이 오싹해지는 것을 느낄 수 있습니다.

레게 음악에는 몇 가지 대표적인 드럼 패턴이 있지만 가장 유명한 것은 원드롭 입니다. 대부분의 록 음악에서 보통 1박자와 3박자에 두드리는 킥 드럼이 1박자에는 없기 때문에 그렇게 불립니다. 대신 3박자에서 킥 드럼과 스네어가 함께 치기 때문에 첫 박자가 비어 있습니다. 단순하게 들리지만 이 작은 멈춤이 전체 리듬에 느긋하고 거의 무중력적인 느낌을 줍니다.

https://www.youtube.com/watch?v=IT8XvzIfi4U&pp=0gcJCdgAo7VqN5tD

밥 말리 앤 더 웨일러스의 드러머인 칼튼 바렛은 기본적으로 이 책을 한 방울에 썼습니다. "No Woman, No Cry"나 "Three Little Birds"를 들어보세요. 그 느리고 인내심 있는 맥박은 교과서적입니다. 그는 드럼을 게으른 느낌과 고정된 느낌을 동시에 주는데, 이는 생각보다 어렵습니다.

하지만 한 방울만 있는 것은 아닙니다. 모든 비트에서 킥을 치는 로커 리듬도 있어 마치 행진하는 듯한 느낌을 더합니다. 레게의 4온더플로어 버전이라고 할 수 있죠. 그리고 스테퍼 리듬이 있는데, 이 리듬은 비트가 더 무겁습니다. 4분의 4음표마다 킥이 있고 3분의 3음표에는 여전히 스네어가 있어 더빙 음악이나 에너지가 넘치는 음악에 적합합니다.

레게 드럼의 음색은 일반적으로 매우 건조하고 타이트합니다. 스네어가 약간 느슨해지거나 테이프로 고정되어 투박하고 박스 같은 소리가 나는 스네어를 자주 들을 수 있습니다. 톰은 낮고 쿵쿵거리게 조율됩니다. 심벌즈는 여기저기서 약간의 악센트를 주면서 드물게 사용됩니다. 크래쉬 앤 뱅 장르가 아닙니다. 차분하게 끓여내는 것에 가깝습니다.

제작 측면에서 레게 드럼은 종종 미묘한 효과로 처리됩니다.

스프링 리버브는 특히 더빙에서 가장 좋은 방법으로 남용되는 필수 요소입니다. 스네어나 하이햇에서 테이프 딜레이가 들리기도 하는데, 이는 그루브를 방해하지 않으면서 움직임을 더하는 역할을 합니다. 그리고 더빙 시간이 되면 상황이 더 이상해집니다. 프로듀서가 몇 바에서 킥을 빼고 림 샷에 슬랩백 딜레이를 넣거나 하이햇을 스테레오 필드에 걸쳐 패닝하는 것을 자주 들을 수 있습니다.

4. 타악기

레게 음악에서 퍼커션은 그루브를 하나로 묶어주는 접착제 역할을 합니다. 이 미묘한 악센트는 킥, 스네어, 베이스 사이의 틈을 메워 리듬에 질감과 생동감을 더합니다. 의식적으로 느끼지 못할 수도 있지만 몸은 분명히 반응합니다.

그리고 레게 퍼커션은 획일화된 악기가 아닙니다. 연주자가 선택할 수 있는 악기는 매우 다양하며, 각 악기마다 고유한 개성을 더합니다. 레게 음악에서 자주 볼 수 있는 퍼커션 악기 몇 가지를 소개합니다:

• 봉고 드럼 - 일반적으로 짧고 싱크로율 높은 프레이즈를 처리하는 한 쌍의 작은 고음 핸드 드럼입니다. 긴장감을 조성하거나 표면 바로 아래에서 그루브를 끓어오르게 하는 데 유용합니다. 종종 구절의 시작 부분이나 악기 휴식 시간 사이에 슬쩍 끼어드는 것을 들을 수 있습니다.
• 콩가 드럼 - 봉고보다 크고 깊은 콩가는 더 따뜻하고 둥근 음색을 가지고 있습니다. 레게에서는 일반적으로 베이스라인에 맞춰 꾸준하고 반복적인 리듬으로 손으로 연주합니다. 거의 모든 초기 루트 레게 트랙을 들어보면 그 아래에서 콩가 소리가 들리는 것을 느낄 수 있습니다.
• 셰이커 - 이 작은 친구들은 사소해 보이지만 엄청난 일을 해냅니다. 간단한 에그 셰이커든 전통적인 마라카이든, 이 셰이커는 비트에 경쾌한 '츠-츠-츠'를 더하는 데 도움이 됩니다. 부피를 크게 늘리지 않고도 트랙에 약간의 전진 동작을 부여하는 데 적합합니다.
• 탬버린 - 교회 성가대만 사용하는 것이 아닙니다. 레게에서 탬버린은 보통 백비트를 치거나 스네어 히트 사이를 채우는 역할을 합니다. 특히 핸드클랩이나 다른 고급 퍼커션과 레이어링할 때 탬버린은 날카롭고 장맛이 나며 믹스를 잘라냅니다.
• 카우벨 - 드물게 사용하지만, 필요할 때는 더 많이 사용하세요! 카우벨은 리듬 섹션에 약간의 바운스를 줄 수 있는 메탈릭한 중음역대의 펀치를 추가합니다. 스텝퍼와 댄스홀 스타일에 자주 사용됩니다.
• 구이로 - 노치가 있는 조롱박이나 플라스틱 표면을 막대기로 드래그할 때 나는 속이 비어 있고 울퉁불퉁한 소리입니다. 모든 트랙에서 흔하게 사용되는 것은 아니지만 다른 어떤 것으로도 재현할 수 없는 독특한 스크래치 질감을 더할 수 있습니다.
• 우드블록 - 또 다른 미묘한 악센트 도구입니다. 짧은 나무 클릭으로 싱코페이션을 제공하거나 리듬 기타 패턴을 반영할 수 있습니다. 채우기 또는 악센트 타격에 적합합니다.
• 핑거 심벌즈 또는 차임 - 더빙 스타일의 레게, 특히 인트로나 트립다운 구간에서 많이 들을 수 있습니다. 마치 연기처럼 비트 위에 떠다니는 몽환적이고 다른 세계 같은 반짝임을 더합니다.

레게 퍼커션의 장점은 미니멀하면서도 매우 효과적일 수 있다는 점입니다. 잘 배치된 셰이커나 간단한 콩가 리듬은 믹스를 복잡하게 만들지 않으면서도 트랙의 그루브를 완전히 바꿔줍니다. 프로듀서들은 종종 퍼커션을 조미료처럼 취급하여 그루브를 장악하지 않고도 그루브를 돋보이게 하는 데 필요한 만큼만 넣습니다.

그리고 녹음이나 믹싱에 있어서도 타악기는 스파 트리트먼트를 받는 경우가 많습니다. 넓게 패닝하거나 리버브를 넣거나 테이프 딜레이를 통해 촬영하여 공간감이 있는 더빙 분위기를 연출하기도 합니다. 프로듀서가 개성을 살릴 수 있는 방법은 무엇이든 일반적으로 그렇게 합니다.

따라서 레게 음악을 제작하면서 무엇이 부족한지 궁금하다면 퍼커션에 약간의 사랑이 필요할 수 있습니다. 때로는 그루브를 히트시키는 것은 명백한 것이 아니라 듣는 것보다 느끼는 작은 디테일이 더 중요하기 때문입니다.

5. 키보드

초창기 레게 음악은 오래된 업라이트 피아노에서 시작되었습니다. 군더더기 없이 기타를 치는 사람 한 명이 비트에 맞지 않는 코드를 두드리는 것이 전부였죠. 데스몬드 덱커의 "Isrealites"와 같은 초기 트랙에 독특한 살롱 분위기를 주는 날것의 투박한 매력이 있었죠.

https://www.youtube.com/watch?v=0wSXTN2EfRo

70년대 후반이 되자 대형 어쿠스틱 피아노는 펜더 로즈와 야마하 CP70과 같은 일렉트릭 키보드에 자리를 내주기 시작했습니다. 이 키보드들은 더 강하고 지속력이 뛰어나며 풀밴드 환경에서도 제 기능을 발휘할 수 있었습니다. 그러다가 80년대가 신디사이저에 젖은 해일처럼 밀려왔고 레게가 그 뒤를 따랐습니다. 갑자기 무성한 패드, 이상한 리드, 흔들리는 오르간이 믹스를 휘젓고 다녔죠.

오늘날 대부분의 사람들이 떠올리는 클래식 레게 사운드는 대부분 디지털에서 비롯된 것입니다. 초기 카시오와 야마하, 특히 야마하 DX7과 카시오 CZ 시리즈와 같은 모델이 큰 인기를 끌었습니다. 가격이 저렴하고 다양한 프리셋을 갖추고 있었으며 이동 중에도 사용할 수 있었기 때문이죠. 그 독특한 디지털 오르간 사운드는 아마도 "레게 오르간 1"과 같은 패치였을 것입니다. 건방진 이름이었지만 효과가 있었죠.

그런 다음 80년대 후반과 90년대 레게와 댄스홀에 등장한 Korg M1이 등장했습니다.

그 키보드는 종, 풀, 현, 심지어 가짜 강철 드럼까지 갖춘 괴물이었습니다. 모든 것을 할 수 있었죠. 따뜻한 아날로그 음색과 조정하기 쉬운 필터를 갖춘 Roland의 Juno 시리즈, 특히 Juno-60과 Juno-106도 한 때 전성기를 누렸습니다. 사람들은 패드, 리드, 기묘한 원샷 스탭으로 창의력을 발휘하기 시작했습니다. 모든 것이 공정한 게임이었죠.

문제는 레게 음악에서 키보드를 사용하는 방법이 한 가지가 없다는 것입니다. 때로는 기타와 나란히 연주하기도 하고요. 때로는 배경에 떠다니며 질감을 더하기도 하죠. 때로는 우주에서 온 것 같은 흔들리는 신디사이저 라인으로 리드할 수도 있습니다. 다양성은 무궁무진하며 이것이 바로 재미의 일부입니다.

특히 더빙에서는 딜레이와 리버브가 가장 중요한 이펙트입니다. 드럼과 마찬가지로 테이프 딜레이는 오르간 찹과 신디사이저 히트 부분에 두드려지며, 스프링 리버브는 어디선가 갑자기 튀어나온 것 같은 금속성 스플래시를 더합니다. 필터 스윕, 페이저, 심지어 미묘한 코러스 효과로 키보드 파트에 약간의 움직임을 부여하는 것도 자주 들을 수 있습니다.

레게에서 키보드는 일종의 비밀병기와도 같은 존재입니다. 가장 화려한 요소는 아니지만 제대로만 사용한다면 모든 것을 하나로 묶어주는 역할을 합니다.

6. 뿔

레게 음악에서 금관 악기는 트럼펫, 트롬본, 색소폰, 그리고 모험심이 강한 사람이라면 플루겔혼이나 프렌치 호른이 섞여 있기도 합니다. 이 악기들이 함께 어우러져 그루브에 약간의 풍미와 영혼을 더합니다.

초기 레게에서는 혼이 좀 더 드물게 사용되었습니다. 짧은 리프, 배경 스탭, 가끔씩 멜로디 훅이 들렸죠. 하지만 70년대 중반과 80년대에 들어서면서 브라스 섹션은 훨씬 더 야심차게 발전했습니다. 밴드들은 풀 호른 편곡을 도입하여 미니 오케스트라처럼 파트를 겹겹이 쌓아 올리기 시작했습니다.

스카탈라이트 같은 그룹이 그 길을 열었지만, 이 음악이 대중적인 인기를 얻게 된 것은 웨일러스와 서드 월드 같은 밴드들이었죠. 트럼펫과 색소폰이 같은 라인을 두 배로 늘려 펀치를 가하고 트럼본이 그 밑으로 미끄러져 들어와 풍성함을 더하는 것을 들을 수 있습니다.

https://www.youtube.com/watch?v=OSOqWgqwynQ

밥 말리의 "엑소더스" 를 확인해 보세요 . 혼 섹션은 트랙의 원동력입니다. 스틸 펄스의 "Your House" 와 블랙 우후루의 "스폰지 레게"도 마찬가지입니다 .

물론 레게 음악의 다른 모든 것과 마찬가지로 브라스도 결국 디지털화되었습니다. 80년대 후반과 90년대에 댄스홀과 저렴한 스튜디오 장비가 등장하면서 라이브 호른 섹션은 신스 브라스와 키보드 스탭으로 대체되기 시작했습니다. 완전히 같지는 않았지만 나름의 분위기가 있었죠. 더 타이트하고, 더 로봇적이며, 믹스에서 제어하기가 훨씬 쉬워졌습니다.

Korg M1과 Roland D-50과 같은 키보드에는 프로듀서들이 열광하는 싸구려지만 매력적인 브라스 프리셋이 가득했습니다. 시대는 달랐지만 여전히 레게 음악이 많았죠.

호른의 역할은 무엇일까요? 기타와 마찬가지로 레게 밴드에서 호른은 잘 드러나지 않습니다. 재즈 솔로를 찢거나 스포트라이트를 훔치려 하지 않죠. 대신 코러스를 강조하고 보컬 라인을 강화하며 음악에 확실한 활기를 불어넣는 역할을 합니다. 즉, 리딤곡을 돋보이게 하는 역할을 하는 것입니다.

7. 장기

오르간은 교회에서 시작되었을지 모르지만 레게에서 오르간은 급격한 좌회전을 하고 뒤도 돌아보지 않았습니다. 처음부터 오르간은 필수품이었죠.

https://www.youtube.com/watch?v=94fG4A_jQuM

초기 레게 뮤지션들은 오르간을 많이 사용했습니다. 메이탈스의 "몽키 맨" 과 지미 클리프의 "유 캔 겟 잇 이프 유 리얼리 원트" 에서도 오르간을 들을 수 있어요. 보컬 바로 아래에 "버블"이라고 불리는 미묘하고 리드미컬한 처그가 있습니다. 오르간이 킥과 스네어 사이의 공간을 채우는 싱코프 연주 스타일로, 리듬을 주도하기보다는 마치 리듬을 마사지하는 듯한 느낌을 줍니다. 화려하지는 않지만 필수적인 요소입니다. 심장 박동 뒤에 있는 심장 박동이라고 생각하면 됩니다.

장비의 경우, 클래식 사운드는 Hammond B3와 같은 톤휠 오르간에서 나왔으며, 종종 레슬리 스피커와 짝을 이루어 소용돌이치는 와일드한 음색을 냈습니다. 이러한 장비는 부피가 크고 비용이 많이 들기 때문에 많은 자메이카 프로듀서들은 추가 작업 없이도 밀도 있는 믹스를 뚫고 나오는 보다 원초적이고 공격적인 사운드를 제공하는 Vox Continental 또는 Farfisa와 같은 보다 저렴한 콤보 오르간으로 전환했습니다.

80년대에 접어들면서 디지털이 그 자리를 대신했습니다. 야마하 DX7, Korg M1, 그리고 오르간 패치가 탑재된 기타 키보드가 등장했습니다. 실제 오르간만큼 풍성하지는 않았지만 제 역할을 해냈고, 어떤 면에서는 얇은 디지털 톤이 당시의 간결한 일렉트로닉 분위기에 잘 어울렸습니다. 프로듀서들은 맥동하는 버블 리듬을 모방하기 위해 어택과 릴리즈를 조정하고, 때로는 페이저나 테이프 딜레이를 통해 움직임을 더하기도 했습니다.

레게 코드 진행에 대해 자세히 알아보기 .

8. 클라비넷

클라비넷은 요즘 레게에서 그다지 사랑받지 못하지만, 한때는 어디에나 있던 악기였어요. 특히 펑키하고 타악기적인 음색이 그루브에 완전히 새로운 층을 더한 70년대 루트 레게 스타일에서 클라비넷은 진정한 순간을 보냈습니다. 오르간이 부드럽고 안정적이었다면 클라비넷은 그보다 더 빠르고 공격적인 사촌이었습니다.

클라비넷의 소리는 기타와 키보드 사이의 어딘가에 있습니다. 날카롭고 톡톡 튀며 애티튜드가 가득합니다. 기본적으로 일렉트릭 클라비코드로, 와 페달이나 페이저를 연결해 연주하기 전까지는 멋진 소리가 나지 않습니다. 그러다 갑자기 리듬 기타와 함께 튕기거나, 잽을 치거나, 츄깅하거나, 그 공간을 완전히 장악할 수 있는 무언가가 생깁니다.

레게 밴드에서 드럼의 역할은 보통 리드미컬한 것이었습니다. 짧고 싱크로율이 높은 스탭, 펑키한 필, 또는 주머니에 쏙 들어가는 빠른 리프를 들을 수 있었죠. 여기에 바삭바삭한 질감이 더해져 모든 것이 더 단단하게 느껴졌죠. 연주 스타일도 매우 스타카토였습니다. 노트는 짧고 고르지 않게 유지하여 비트 사이에 놓일 수 있도록 했습니다.

그때 선택한 모델은 호너 클라비넷 D6였습니다. 이것은 기본적으로 클라비넷이었습니다. 이 악기에는 가짜가 될 수 없는 특유의 껍질과 물림이 있었습니다. 스티비 원더가 "Superstition"으로 펑크 음악에서 유명해졌지만, 레게 프로듀서들은 이 악기를 확실히 알아봤죠. 그들은 앰프와 페달을 통해 연주하거나 모험심이 강하다면 테이프 딜레이를 넣기도 했습니다.

https://www.youtube.com/watch?v=5WZY1cEecbI

실제로 들어보고 싶으신가요? 피터 토쉬의 "Stepping Razor" 를 들어보세요 . 믹스 사이로 꽉 짜인 타악기 키보드 소리가 들리는데, 바로 클라브가 그 역할을 하고 있습니다. 전면에 드러나지는 않지만, 일단 들어보면 클라브가 얼마나 큰 힘을 발휘하는지 알 수 있습니다.

현대 레게에서는 클라브가 그다지 많이 등장하지 않습니다. 일종의 틈새 사운드이기 때문일 수도 있고 신디사이저와 샘플러로 대체되었기 때문일 수도 있지만, 클라브가 등장하면 마치 레게 황금기의 타임캡슐처럼 느껴집니다. 스크래치, 펑키, 그리고 거침없이 날것 그대로의 사운드.

9. 보컬

마지막으로 가장 중요한 부분인 보컬을 소개합니다.

보컬은 노래의 메시지이자 분위기이며 때로는 노래가 존재하는 이유 그 자체입니다. 항의, 찬양, 파티 등 모든 노래에서 보컬은 중요한 비중을 차지합니다. 그리고 많은 레게 노래에서 그 무게는 종종 무겁습니다. 레게 노래에는 보통 사랑 노래와 귀에 쏙쏙 들어오는 후크만 있는 것이 아닙니다(물론 그런 노래도 많지만요). 레게 보컬은 종종 영혼, 투쟁, 믿음을 주제로 합니다.

레게 보컬은 음색적으로 따뜻하고 자연스러운 경향이 있습니다. 초현대적인 팝 레게가 아니라면 보통 피치 보정이나 10겹의 이중 하모니와 같은 스튜디오 보정 작업은 많이 하지 않습니다.

종종 듣는 것이 곧 보이는 것이며, 그것이 바로 요점입니다. 감정은 균열, 숨소리, 작은 불완전함에서 드러납니다. 가수는 종종 비트 뒤에 앉아 약간 나른하고 느긋한 느낌을 주어 메시지가 더 강하게 전달되도록 합니다.

서정적으로 모든 영역을 아우릅니다. 영적 주제, 사회 정의, 사랑, 비탄, 잡초, 그리고 물론 일상 생활도 있습니다. 거기에는 대화하듯 솔직함이 있습니다. 가사가 시적이거나 상징적일지라도 누군가가 나에게 직접 말하는 것처럼 느껴집니다. 피터 토쉬의 '평등권 '이나 밥 말리의 '구속의 노래' 와 같은 곡은 단순히 듣기만 좋은 것이 아닙니다. 의미가 있습니다.

레게 보컬 스타일은 모든 상황에 적용되는 것이 아닙니다.

이 장르는 각자의 음색, 프레이징, 존재감을 지닌 다양한 보컬리스트들을 배출했습니다. 밥 말리를 예로 들어보겠습니다. 그의 목소리는 부드럽고 명확하며 자연스럽게 감정이 묻어납니다. 마치 어려운 진실을 가장 부드러운 방식으로 전달하는 사람처럼 차분하지만 강력한 전달력을 지니고 있습니다. "Waiting in Vain"과 같은 밥 말리의 노래는 그가 어떻게 친밀하면서도 보편적으로 들릴 수 있는지 보여줍니다.

https://www.youtube.com/watch?v=IWxbhC44p2w

그런 다음 투츠 앤 더 메이탈스의 투츠 히버트의 투 박하고 가스펠의 영향을 받은 보컬 스타일에 불이 가득한 노래를 들어보세요. 투츠는 소울 가수처럼 벨트를 매고 블루스맨처럼 으르렁거릴 수 있습니다. "Funky Kingston"이나 "54-46 Was My Number"를 들으면 가슴에서 그 에너지가 느껴지지 않나요?

https://www.youtube.com/watch?v=wNxNwvjzGM0

또한 마르시아 그리피스는 그 자체로 강자였습니다. 솔로로 노래하든 I-Threes(밥 말리의 백 보컬 트리오)의 일원으로 노래하든 그녀의 목소리는 모든 트랙에 우아함과 따뜻함을 선사했습니다. 그녀의 솔로 컷 "Feel Like Jumping" 을 확인해 보세요 . 왁스 위의 순수한 기쁨입니다. 그녀는 힘과 감미로움이 조화를 이루며 당당하면서도 위로가 되는 보컬 톤을 만들어 냈습니다. 그녀는 레게 음악이 강렬함을 잃지 않으면서도 부드러울 수 있다는 것을 증명했습니다.

https://www.youtube.com/watch?v=Ur5yqXuvno0

완전히 다른 모던 레게 사운드를 원한다면 Eek-A-Mouse를 확인해 보세요. 노래와 건배사, 외계인 새의 울음소리가 섞여 있습니다. 이상하고 거칠지만 왠지 모르게 잘 어울립니다. "간자 밀수"는 장난스럽고 리드미컬하며 다른 누구와도 전혀 다른 완벽한 예시입니다.

https://www.youtube.com/watch?v=UR9Cj5UyVbM

댄스홀 음악, 더빙 레게, 디지털 시대에도 보컬 스타일은 여전히 중심을 유지했습니다. 부주 밴턴과 같은 레게 아티스트는 긴박하고 날것처럼 느껴지는 거칠고 거의 고함을 지르는 듯한 전달력을 선보였습니다. 베레스 해먼드 같은 아티스트는 버터 같은 음색과 가스펠 가사로 부드럽고 로맨틱한 발라드를 선보였습니다.

이 모든 것의 관통점은? Feel. 레게 음악의 보컬은 부드럽든 스크래치든, 진지하든 우스꽝스럽든 항상 진심에서 우러나오는 것이죠. 그것이 히트하는 이유입니다. 완벽한 테크닉이나 화려한 창법이 아니죠. 하지만 그 마음과 메시지, 스타일은 비트가 사라진 후에도 오랫동안 기억에 남습니다.

나만의 레게 음악 만들기 시작하기

이제 시대를 초월한 이 장르를 구성하는 주요 레게 악기에 대해 더 잘 알게 되었으니, 이제 나만의 레게 녹음을 시작할 때입니다! 레게 스타일에 대한 영감을 얻는 가장 좋은 방법 중 하나는 전설적인 레게 아티스트의 음악을 듣고 그들의 음악을 특별하게 만드는 요소를 분석하는 것입니다.