I likhet med Nickelback får minimalmusikk av og til dårlig rykte. Den er enkel å lage. Den er billig. Den fører ingen steder. Minimalistiske komponister er late.

Du skjønner hva jeg mener.

Selv om minimalistisk musikk (som all annen musikk) har potensial til å være mindre enn fantastisk, er realiteten at den kan være ganske så kul, enten du lager den eller lytter til den.

Det begynte, som alle kule ting gjør, som en reaksjon mot mainstreamkonvensjonene i vestlig musikk. Siden den spede begynnelsen i New York City har sjangeren påvirket mange sjangre og inspirert komponister over hele verden.

Hvis du er ny i denne musikkstilen, har du kommet til rett sted. I denne artikkelen skal vi se på minimal musikkens historie og fremvekst, hvem de fremste minimalistkomponistene er, hva som kjennetegner stilen, og hvordan du kan begynne å lage din egen minimalistiske musikk.

Sitter du komfortabelt? La oss begynne....

Historisk kontekst: Den minimalistiske musikkens fødsel

Tidlig innflytelse

Minimalmusikken oppsto i den berusende smeltedigelen i New York på 1960-tallet, men hvis du går litt lenger tilbake i den klassiske musikkhistorien, finner du eksperimentelle komponister som banet vei for stilens utvikling.

Fra slutten av 1800-tallet og frem til begynnelsen av 1900-tallet brøt Erik Satie med den klassiske verden med sin tilnærming til komposisjon. Hans tidlige verker for solopiano formidlet en vakker enkelhet, mens andre komponister fyrte løs på alle sylindere.

For eksempel er de tre første stykkene i Saties Gnossiennes for solopiano skrevet i fri takt; de har ikke taktlinjer eller taktarter. Dette er kanskje ikke så farlig hvis du er fan av Brian Eno, men på den tiden var dette en ganske radikal tilnærming til komposisjon.

Hvis vi hopper frem i tid, fikk John Cages verk folk til å tenke to ganger over hva som utgjorde musikk. Hans berømte 4'33'' ble urfremført i 1952, og utløste raskt kontroverser fordi ingen av utøverne spilte en eneste tone. Det hele handlet om "fraværet av intenderte lyder".

Innflytelse fra ikke-vestlige musikktradisjoner går også forut for minimalmusikkens fødsel. Afrikanske rytmer, klassisk hindustani-musikk og "etniske" instrumenter som gamelan hadde eksistert lenge før den amerikanske minimalmusikken gjorde sitt inntog.

Fremveksten av minimalmusikk

Det er uklart hvor begrepet minimal music stammer fra, men musikkstilen slik vi forstår den i dag, dukket først opp som en del av avantgardemusikkscenen på vestkysten på slutten av 1950-tallet. Senere spredte den seg til New York, der den fant en åndsfrende i New York Hypnotic School - en form for eksperimentell musikk på den tiden.

Det var ikke bare musikken som lot seg inspirere av minimalismen. Nesten alle kunstformer responderte på ideen om at mindre er mer, og det foregikk en endeløs undergrunnsaktivitet innen litteratur, maleri, skulptur og film for å skape minimal kunst. Faktisk fant mange av de første fremføringene av minimalistisk musikk sted i kunstgallerier og loftsrom i stedet for på tradisjonelle konsertarenaer.

Pionerene: Tidlige minimalistiske komponister

Den minimalistiske musikkbevegelsen omfattet opprinnelig dusinvis av navnløse komponister. Ut av denne meléen vokste det frem fire nøkkelpersoner som datidens mest fremtredende minimalistiske komponister. Alle de fire amerikanske komponistene var født med få års mellomrom, og alle hadde studert tradisjonell vestlig klassisk musikk.

Og som det er typisk for musikkhistorien generelt, er alle disse komponistene også hvite og mannlige. Sukk.

La Monte Young

La Monte Young er sannsynligvis den minst kjente i denne gruppen. Han omtales som "the daddy of us all" av Brian Eno, og er mest kjent for sin bruk av lange, vedvarende toner i sine verk.

Da han studerte ved Berkeley som avgangsstudent, nektet komposisjonslæreren hans å sette karakter på komposisjonen Trio for strykere, fordi den bare besto av tre svært lange noter. Lite visste de at denne forkjærligheten for droner senere skulle bli et banebrytende verk.

La Monte Youngs drømmemusikk, som den opprinnelig ble kalt, dannet ryggraden i musikkollektivet Theatre of Eternal Music, og får et anerkjennende nikk i notene til Lou Reeds album Metal Machine Music fra 1975 .

Selv om La Monte Young ikke har gitt ut mye innspilt materiale i sin levetid, kan man trygt si at hans innflytelse har vært merkbar over hele verden.

Terry Riley

Terry Riley er både en venn og samarbeidspartner av Young, men utforsker minimalisme gjennom repetisjon, særlig ved bruk av båndsløyfer og delay.

Rileys bruk av repetisjon var ikke begrenset til den elektroniske sfæren; et av hans mest kjente verk, In C, bruker en lignende prosess for liveinstrumenter. Én utøver sørger for det rytmiske fundamentet (på C, naturligvis), mens de andre utøverne (som kan være et hvilket som helst antall, på et hvilket som helst instrument) spiller seg gjennom 53 melodiske celler, med bare noen få grunnleggende forslag til å veilede dem. Resultatet er fascinerende og hypnotisk.

Med sitt fokus på modulær komposisjon kan man si at Terry Riley er den opprinnelige Ableton. Om en musikkritiker er enig i det, er en annen sak, men uansett har Riley hatt stor innflytelse ikke bare på eksperimentell musikk, men også på rock og elektronisk samtidsmusikk.

(Forresten: Sjekk ut hans Mescalin Mix for å få en uhyggelig smakebit av hvordan Rileys tidlige musikk hørtes ut).

Steve Reich

Denne modulære tilnærmingen til å skape musikk var også en favoritt hos Steve Reich. I Reichs tilfelle utforsket han en teknikk som kalles faseskifting, der det samme materialet fremføres, men der hver del starter på et litt annet tidspunkt og kan spille i et subtilt forskjellig tempo.

Steve Reich begynte sine eksperimenter med minimal musikk ved hjelp av bånd; tidlige komposisjoner inkluderer It's Gonna Rain (1965) og Come Out (1966). Begge verkene er klassiske eksempler på faseforskyvning i aksjon, og gir et tidlig glimt av samplingsteknikkene som senere skulle definere elektronisk musikk.

I likhet med Riley anvendte Steve Reich sin metodikk for minimal musikk på akustiske instrumenter. Piano Phase (1967) gjenskaper båndloop-effekten ved hjelp av to pianoer. Hvert piano spiller den samme melodiske linjen unisont, men det ene pianoet øker gradvis hastigheten. Fordi det hele spilles live, er ingen fremføringer like (selv om du selvfølgelig kan lytte til et opptak).

Senere i karrieren ble Reich mer interessert i å bruke slagverksinstrumenter i rytmiske mønstre som griper inn i hverandre, i likhet med polyrytmikken man finner i afrikansk trommespill.

Philip Glass

Philip Glass er kanskje en av de mest kjente amerikanske komponistene av samtidsmusikk.

I likhet med Young, Reich og Riley var Philip Glass i New York da den tidlige minimalmusikken tok form, og studerte ved Juilliard. Det var først i 1967, da han kom tilbake fra opphold i Frankrike og India, at Glass begynte å legge merke til og bli påvirket av Steve Reichs arbeider.

I likhet med Reich ble Glass tidlig sponset av kunstgallerier, og musikken hans ble presentert sammen med minimalister innen billedkunst på ukonvensjonelle arenaer.

Ensemblene hans består av orgler, pianoer og blåseinstrumenter, særlig saksofoner, i tillegg til mer idiosynkratiske instrumenter, som forsterkede bordplater. Glass' musikk er lett gjenkjennelig, med en blanding av indisk musikk, minimalisme og hans egen personlige stil, som er et resultat av mange timers lytting sammen med faren til plater fra den familieeide musikkforretningen.

I tillegg til å bli assosiert med den tidlige minimalismen, har Glass' musikk blitt hørt i filmer, i operahus og på Broadway-scenen. Dette kommer i tillegg til de mange solo- og kammermusikkverkene og verkene for strykekvartett og mindre instrumentalensembler.

Ganske produktiv til å være minimalist.

Funksjoner av minimalistisk musikk

Nå vet vi hvordan minimalistisk musikk ble til, og hvem som var ledende på scenen. La oss ta en titt på minimalistiske trekk i musikken.

Begrenset eller minimalt med materialer

Minimal musikk kan per definisjon omfatte alt som er laget for et svært begrenset antall instrumenter. Det kan være en enkel elektronisk buldring under en saksofonlyd i loop, eller en gruppe eklektiske "found sound"-instrumenter, som en kasserolle og et sikkerhetsbelte.

Stykker som bare bruker noen få ord med tekst (som Steve Reichs nevnte It's Gonna Rain ) er også minimalistiske, og det samme er stykker som bare bruker noen få toner gjennom hele stykket (ikke du Nickelback).

Repetisjon og sykluser

Musikk som inneholder korte musikalske mønstre eller celler som gjentas over lengre perioder, kan regnes som minimalistisk. Terry Riley og Steve Reich omfavnet begge ideen om repetisjon i sine verk, og Philip Glass er kjent for sin bruk av repeterende strukturer når musikken hans beveger seg i endeløse sirkler.

Gradvis utvikling

Å bare gjenta en frase om og om igjen blir fort kjedelig, så ideen om å introdusere subtile variasjoner eller tilføyelser over tid er et av minimalismens fremtredende trekk. Steve Reich var en mester i dette med sin faseskiftende teknikk.

Pulsdrevne rytmer

Enkle, pulsdrevne rytmer som gir en hypnotisk kvalitet, er også et kjennetegn ved minimalmusikken. Philip Glass er kjent for de rytmiske kvalitetene i musikken sin, en kvalitet som har hatt innflytelse på moderne musikkstiler som rock og EDM.

Publikums oppfatning

Det er alltid vanskelig å forsøke å sette fingeren på en bestemt musikkstil eller sjanger. Ingenting kommer noensinne til å passe inn i en "minimalistisk" eller "popmusikalsk" bås. På samme måte trenger ikke alle de ovennevnte trekkene være til stede for at musikk skal være minimalistisk, og det er heller ikke slik at det å ha disse trekkene i større eller mindre grad gjør et musikkstykke minimalistisk.

Det kanskje viktigste aspektet ved minimal musikk er hvordan den lar publikum (eller tvinger dem, avhengig av hvordan man ser på det) til å fokusere på det som skjer i musikken.

I motsetning til musikalsk underholdning som presenteres som en historie eller en reise, innebærer opplevelsen av å lytte til minimal musikk at man er oppmerksom på det som skjer i selve musikken.

Et musikkstykke som består av bare to eller tre toner som spilles over for eksempel et kvarter, tvinger lytteren til å konsentrere seg om fremføringen, og får lytteren til å spille en aktiv rolle i musikken.

Jeg vil hevde at det er dette som gjør musikk minimalistisk.

Hvordan lage minimalistisk musikk

Hvis du har ambisjoner om å bli den neste Philip Glass eller John Adams, må du begynne å skrive minimal musikk! Her er noen ideer for å komme i gang.

Velg ditt fokus

Bestem deg for det grunnleggende elementet i stykket ditt. Det kan for eksempel være

• en rytme
• en harmoni, for eksempel en åpen kvint eller en stor terts
• en melodi
• et utdrag av en tale (sørg for at du har rettigheter til å gjøre dette hvis du planlegger å utgi verket ditt!)

Minimalistiske komponister bygger ofte hele komposisjonen sin på én enkelt idé, så velg ett grunnelement som hjørnesteinen i stykket ditt.

Uansett hva du velger, sørg for at det er kort. Hvis du går La Monte Young-veien med lange, utholdte toner, er det helt greit - den opprinnelige ideen vil fortsatt være kort!

Lag et repeterende mønster

Når du har valgt grunnlag, bruker du det til å lage et repeterende mønster.

Hvis du bruker en rytme, programmerer du den eller spiller den inn med ustemte perkusjonsinstrumenter - du kan alltid legge til flere stemte instrumenter senere.

Hvis det er en melodi, kan du spille den inn og loope den.

Hvis det er en harmoni, bruker du en vedvarende lyd, for eksempel en synth-pad, til å programmere harmonien ved å holde den over en viss tid. (Profftips: Bounce dette ut som lyd i stedet for å bruke MIDI, slik at du hører lyden uansett hvor du starter avspillingen fra ) .

Minimalismens hypnotiske effekt kommer av konstant repetisjon, noe som skaper en meditativ følelse.

Begrens paletten din

Nå som du har lagt grunnlaget, er det på tide å begynne å tenke på hvordan ting skal utvikle seg over tid. Til å begynne med må du bygge opp lydpaletten din.

Enten du bruker elektroniske instrumenter eller spiller inn akustisk, bør du begrense antallet instrumenter du bruker i stykket til bare en håndfull. Dette vil hjelpe deg med å komme inn i den minimalistiske tankegangen og forhindre at det blir for rotete. Det tvinger deg til å tenke dypere på hvordan ting kan endre seg over tid.

Selv om du planlegger å bygge en voksende vegg av lyd rundt én harmoni, er det en god idé å bruke flere versjoner av bare en håndfull forskjellige instrumenter.

Innfør små variasjoner

Velg ett element og endre det gradvis.

Hvis du har begynt med ett instrument som spiller en enkel melodiostinato, kan du prøve å gradvis ta inn et annet instrument, og deretter et tredje.

Alternativt kan du eksperimentere med å legge til eller fjerne en tone fra mønsteret, eller hvis du har to instrumenter som spiller det samme motivet, kan du justere timingen på det ene instrumentet slik at det forskyves ut av fase.

Dynamikk er en annen god måte å introdusere subtile variasjoner i en repeterende idé på, samtidig som musikkens kjerneidentitet opprettholdes.

Eksperimenter med lagdeling

Hvis du har begynt med ett instrument som spiller en enkel melodiostinato, kan du gradvis ta inn et annet instrument, og deretter et tredje.

Kombiner dette trinnet med det forrige ved å legge inn variasjoner i disse nye lagene.

Omfavn teknologien

Elektroniske verktøy som DAW-er, maskinvare-sequencere og looper-pedaler gjør det å skape minimal musikk tilgjengelig for alle, så bruk dem. Det finnes mange gratis verktøy der ute som kan hjelpe deg med dette!

I tillegg til samplings- og loopingfunksjonene som finnes i nesten alle DAW-er, kan digitale effekter brukes til å skape en følelse av rom. Utforsk hvordan du ved å endre parametere på en delay- eller reverb-plugin ved hjelp av automatisering kan generere vill og fantastisk minimalmusikk ut fra bare én idé.

Utfordre deg selv

Sett deg selv begrensninger for hvert prosjekt du jobber med, for eksempel:

• ta opp med bare stemmen din
• spille inn 30 minutter med musikk uten redigering
• Bruk bare én lyd og flere effekter
• bruk flere lyder, og bare én effekt
• endre taktart i hver takt

Hvis du aldri har prøvd å skrive i minimalistisk stil før, vil du kanskje bli overrasket over hvor vanskelig det kan være å strippe ting ned. Nøkkelen til minimalisme er enkelhet og det reduserte antallet instrumenter som er involvert. For å lage eksperimentell musikk må du fortsette å eksperimentere!

Arven etter minimalistisk musikk

Minimalistisk musikk har kommet langt fra en rekke navnløse komponister og uidentifiserte performancekunstverk i New York på 1960-tallet. Minimalismen har gjort et varig inntrykk på klassisk musikk, EDM, rock og til og med filmmusikk.

Komponister som Max Richter og Jóhann Jóhannsson blander minimalistisk repetisjon med frodig orkestrering for å skape emosjonelt vibrerende verk som har nådd et bredt publikum. Richters Sleep er et utstillingsvindu for minimalismens flytende uttrykk og meditative kvaliteter.

Elektroniske musikere har også vært sterkt påvirket av minimalismen. Jon Hopkins, Nihls Frahm og selvfølgelig Brian Eno har alle tatt i bruk minimalistiske prosessteknikker som repetisjon, looping-mønstre og gradvise teksturforskyvninger for å bygge oppslukende lydlandskaper.

Selv den nåværende kongen av filmmusikk, Hans Zimmer, benytter seg av minimalistiske teknikker. Ta en titt på hans filmmusikk til Interstellar for å høre langsomme harmoniske skift som minner om Steve Reichs fasing-eksperimenter.

Minimalismens vektlegging av repetisjon, enkelhet og gradvis forvandling fortsetter å inspirere flere komponister i mange sjangre, noe som viser at dens innflytelse er like varig som den er ekspansiv.

Hvis du er på utkikk etter inspirasjon til å skrive ny musikk i minimalstil, eller bare ønsker å fordype deg i sjangeren, anbefaler jeg på det varmeste å ta en lytt til denne utmerkede introduksjonsspillelisten.

Gå nå ut og minimaliser musikken!