Att definiera sitt unika sound som musikproducent är ofta ett resultat av att använda effekter och ljuddesigntekniker på ett smart sätt. Tänk på Skrillex omisskännliga användning av vokala chops och glitch-effekter i hans dubstep-låtar eller Aphex Twins komplexa och ofta innovativa ljudsträckningstekniker.

Det här är bara några exempel på topproducenter som har skapat sin egen stil genom att bemästra dessa tekniker.

Om du är ny inom produktion kan det dessutom vara till stor hjälp att ha en arsenal av tekniker till ditt förfogande, särskilt när du stöter på en kreativ vägg. Att veta hur man manipulerar och omvandlar ljud i farten öppnar upp oändliga möjligheter och håller din kreativa juice flytande.

I den här guiden tar vi en titt på sju viktiga ljudmanipulationstekniker och effekter som du kan använda för att anpassa dina inspelade ljud och samplingar.

7 Tekniker för ljudmanipulering

Vridning

Som en ivrig Ableton-användare använder jag warping hela tiden. Det är en av de mest kraftfulla teknikerna för att manipulera ljudets timing och pitch utan att påverka dess kvalitet. Utan att gå in på de smutsiga detaljerna kan du med warping sträcka ut eller komprimera ljud i tid, vilket är otroligt användbart för att anpassa beats, synkronisera spår eller skapa helt nya rytmiska mönster.

När du warpar ett sample kan du ändra dess tempo så att det matchar BPM i ditt projekt, oavsett samplets ursprungliga tempo. Det innebär att du kan ta en sång som är inspelad i 90 BPM och passa in den perfekt i ett spår som körs i 120 BPM.

Det är också bra för att korrigera timingproblem, till exempel för att strama upp en trumslinga.

Warping är dock inte bara till för att lösa problem. Det kan också användas på ett kreativt sätt. Du kan till exempel warpa ett sångprov för att skapa intressanta tonhöjdsförskjutningar och tidsstretchade effekter. Detta är superpopulärt i genrer som dubstep och glitch-hop.

Tid Stretching

Time stretching liknar warping, men det används mer specifikt för att ändra längden på ett ljudklipp utan att påverka dess tonhöjd. Du kan göra ett sampel längre eller kortare, så att det passar in i olika musikaliska sammanhang samtidigt som dess tonala kvalitet bevaras. Till skillnad från warping, som fokuserar på att justera timing och synkronisering, riktar sig time stretching specifikt till längden på ett ljudklipp.

Det är särskilt användbart när du behöver anpassa samplingar för att matcha tempot i ditt spår eller skapa specialeffekter som förbättrar det övergripande ljudet.

Jag använder ofta time stretching för att skapa slowmotion-effekter. Genom att sträcka ut ett ljud långt utöver dess normala längd kan du skapa en drömsk, långsträckt version som tillför atmosfär till ditt spår. Det är en superpopulär teknik inom ambient musik och filmmusik.

I vissa fall använder jag den om jag har ett sample som är för kort för mitt spår. Jag kan till exempel ha en riser med vitt brus som jag verkligen gillar, även om den slutar något tidigare än en fyrtakt i mitt spår. Med time-stretching kan jag helt enkelt placera samplet där jag vill att det ska börja och dra det till slutet av takten så att det inte blir några besvärliga luckor.

Pitch-växling

Därefter har vi pitch shifting, som ändrar ljudets tonhöjd utan att ändra dess varaktighet . I grund och botten kan du göra ett ljud högre eller lägre i tonhöjd samtidigt som dess ursprungliga längd förblir intakt.

Pitch shifting är ett av de mest mångsidiga verktygen inom modern musikproduktion och kan användas för en mängd olika ändamål, från att korrigera felstämda toner till att skapa helt nya harmonier.

En av de vanligaste användningsområdena för pitch shifting är röststämning, men i samband med ljudmanipulation och effekter kan du använda det för att skapa unika rösteffekter. Genom att sänka tonhöjden i ett sångspår kan du till exempel skapa en djup, Barry White-liknande röst, som du ofta hör i genrer som hiphop och trap. Tänk på hooket i Macklemores "Thrift Shop".

Om du däremot höjer tonhöjden kan du få en chipmunk-liknande effekt, som du kan höra i låtar som "Through the Wire" av Kanye West.

Naturligtvis är pitch shifting inte begränsat till sång. Jag använder det ofta för instrument.

Du kan t.ex. flytta tonhöjden på ett gitarriff en oktav nedåt så att det låter som en bas, eller ta ett enkelt ljud, t.ex. en snare, och flytta tonhöjden kontinuerligt för att skapa en stigande effekt som bygger upp spänningen innan den sjunker.

Slinga

Looping är precis vad det låter som - att upprepa en del av ljudet under en viss period. Detta upprepade segment, eller "loop", kan vara allt från ett trumgroove till en melodi eller en sångfras. Looping har blivit en integrerad del av modern musikproduktion, eftersom det gör det möjligt för producenter att bygga komplexa arrangemang genom att lägga flera loopar i lager.

Loops kan vara nästan vad som helst, inklusive förinspelade samplingar eller sekvenser som skapats från grunden. DAW-program som Ableton Live har kraftfulla loopfunktioner som låter dig upprepa och manipulera dessa upprepade segment, vilket gör det lättare att konstruera och arrangera spår eller komma på idéer.

En av de viktigaste användningsområdena för looping är att skapa groove i ett spår. Du kan till exempel skapa en loop från ett trummönster och använda det som grunden för din låt, och sedan lägga till ytterligare loopar som baslinjer och slagverk för att bygga en fullständig rytmsektion.

Men för att loopen ska bli intressant måste man ofta manipulera den under tiden. Du kan till exempel hacka upp och arrangera om din loop för att skapa helt olika tolkningar av det ursprungliga materialet du började med.

Formning av kuvert

Envelope shaping har blivit en mycket populär teknik inom elektronisk musikproduktion, men den kan användas nästan var som helst.

Tekniken går ut på att manipulera amplitudkuvertet i ett ljud för att ändra dess karaktär. Ett kuvert består vanligtvis av fyra steg: Attack, Decay, Sustain och Release (ADSR). Genom att justera dessa steg kan du forma hur ett ljud utvecklas över tid, från dess första början till dess slutliga uttoning.

Det finns oändligt många sätt att använda kuvertformning till din fördel, men här är några sätt som jag rekommenderar att du provar:

• Forma trummor: Genom att justera attack- och decay-stadierna i ett trumprov kan du göra det mer slagkraftigt eller mjukare. En kort attack och decay ger till exempel en kickdrum ett stramt och rappt ljud, medan en längre decay kan skapa ett mer resonant och bökigt trumljud.
• Skapa Synth Pads: Synthpads kräver ofta en mjuk och gradvis enveloppformning för att skapa föränderliga texturer. En långsam attack är perfekt för att få en pad att svälla gradvis, vilket ger en drömsk och atmosfärisk kvalitet till ditt spår. Genom att justera release-tiden kan du sedan se till att padden tonar ut mjukt.
• Kontroll av reverb: Jag älskar att använda envelope shaping på ljud med långa reverbsvansar för att få dem i takt med låten. Du kan också vrida tillbaka attacken på ett reverb för att hålla det ur vägen för den torra signalen.

Reversering

Även om det kan tyckas vara en relativt grundläggande ljudmanipulationsteknik används reversering fortfarande överallt i modern musikproduktion. Det är troligtvis därför det finns en genväg för det i Ableton.

Reversering kan tillämpas på alla typer av ljud, inklusive sång, instrument och ljudeffekter. När ett ljud reverseras blir ljudets början slutet, och slutet blir början. Denna reversering kan ändra ljudets attack, decay, sustain och release och ge det en distinkt, överjordisk kvalitet.

Du har säkert hört omvända cymbalkrascher och reverb-tails före stora drops, eftersom den här tekniken används ofta i EDM, pop och till och med i filmmusik, särskilt för övergångar. Men reversering kan också användas som en kreativ ljuddesignteknik.

Om man till exempel vänder på en sångfras och blandar den med originalet får man ett konstigt, förvirrande och ibland oroande ljud som passar utmärkt för soundtracks till skräckfilmer eller experimentell musik.

Den omvända reverb-effekten är en annan klassisk användning av reversering i musikproduktion. Genom att applicera reverb på ett ljud, studsa reverbet till ett nytt spår och sedan vända på reverbspåret kan du skapa en spöklik pre-echo-effekt som leder in i originalljudet.

Glitching

Slutligen har vi glitching, som är en process där man skapar avsiktliga fel, artefakter och digital förvrängning.

Även om det nu finns gott om glitch-plugins har vi traditionellt skapat "glitches" genom att klippa, skarva och omorganisera små segment av ljud för att skapa slumpmässig variation. Det resultat vi ofta är ute efter är en stapplande och fragmenterad textur.

Du kan använda glitch-effekter på i stort sett alla typer av instrument, oavsett om det är trummor, syntar, sång eller effekter.

Du kan till exempel ta en enkel synthlinje och glitcha ut den för att bryta upp den i en massa mindre bitar och sedan sampla om dessa bitar med en sampler för att skapa en ny melodi.

Om du vill bli kreativ med glitching rekommenderar jag att du kollar in några av de många populära glitchplugins som finns på marknaden idag, inklusive:

• Glitch 2 - Illformed
• Sugar Bytes - Effectrix
• Glitchmachines - Hysteres
• Image-Line - Gross Beat

Olika typer av ljudeffekter

Utöver att manipulera ljud i dess mest grundläggande form kan du använda olika typer av effekter för att bearbeta ljud. Eftersom det finns så många olika typer av effekter nuförtiden, varav vissa har hybridiserats för att bearbeta ljud på mer ovanliga sätt, gillar jag att dela in dem i kategorier:

• Tidsbaserade effekter: Tänk reverb eller delay. Tidsbaserade effekter ger utrymme och atmosfär till ett ljud.
• Moduleringseffekter: Chorusing, flanging och phasing är några av de mest populära typerna av modulation. Den här kategorin av effekter är avsedd att skapa variation och rörelse i en signals ljudvågor.
• Dynamiska effekter: Dessa typer av effekter ändrar vågformens form och amplitud. Tänk kompression eller begränsning
• Spektrala effekter: Verktyg som filter och EQ hjälper oss att ändra balansen mellan frekvenserna i ett ljud. Vi använder spektrala effekter för att forma ett ljuds tonala kvalitet.
• Harmoniska effekter: Alla effekter som tillför övertoner till ett ljud, t.ex. mättnad, distorsion eller overdrive, hör till den här kategorin.

Låt oss dyka lite djupare in i var och en av dessa effekter och se hur vi kan använda dem för ljudmanipulation.

Tidsbaserade effekter

Tidsbaserade effekter som delay och reverb används för att manipulera tidpunkten för en ljudsignal för att skapa ekon eller simulera ljudet av olika miljöer.

Delay producerar upprepade ekon av originalljudet med varierande intervall, vilket ger djup och rymd i mixen. Det kan användas för att skapa allt från subtila dubbleringseffekter till mer uttalade rytmiska mönster.

Reverb, å andra sidan, efterliknar de naturliga reflektioner som uppstår i fysiska utrymmen. Det kan simulera olika miljöer, från små rum till massiva katedraler, och i fallet med Eventide's Blackhole reverb, oändlig rymd.

Några av mina favoriteffekter som bygger på tid:

• Fördröjning: EchoBoy från Soundtoys, H-Delay från Waves, Replika från Native Instruments
• Reverb (efterklang): ValhallaRoom från Valhalla DSP, Lexicon 224 från Universal Audio, FabFilter Pro-R

Moduleringseffekter

Moduleringseffekter som chorus, flanger och phaser ändrar ljudsignalernas tonhöjd och timing för att skapa rika, virvlande texturer. Tänk på de härliga, psykedeliska gitarrtonerna på 60- och 70-talen. Modulering fanns överallt under den tiden.

Var och en av dessa effekter är unik.

Chorus får en enda ljudkälla att likna flera röster eller instrument genom att tonhöjd och timing varieras något. Den är lika bra för att ge värme och djup. Flanger kombinerar originalsignalen med en fördröjd version för en svepande, jetliknande effekt, som ofta används för att skapa rörelse och komplexitet.

MXR 117 Flanger var en stapelvara i Eddie Van Halens "Brown Sound".

Sedan har vi phaser, som förskjuter frekvensernas fas för att skapa ett unikt virvlande ljud. Huvudriffet i Nirvanas "Come As You Are" är ett bra exempel på phasing.

Några av mina favoritmoduleringseffekter:

• Chorus: Dimension D från Universal Audio, Juno Chorus från Arturia, TAL-Chorus-LX från Togu Audio Line
• Flanger: Flanger BL-20 från Arturia, UltraTap från Eventide, Mobius från Strymon
• Phaser: PhaseMistress av Soundtoys, PSP Nexcellence av PSPaudioware, VahallaSpaceMod av Valhalla DSP

Dynamiska effekter

Dynamiska effekter är viktiga i modern musik. De hjälper oss att hålla popsångare framme i täta mixar, limma ihop livetrummor och hålla annars dynamiska ljud mer konsekventa.

Kompressorer minskar det dynamiska omfånget genom att jämna ut höga och tysta partier, vilket gör det övergripande ljudet mer balanserat och kontrollerat. Det gör att sången sitter bra i mixen och ger trummorna mer punch. Begränsare, å andra sidan, begränsar ljudsignalen för att undvika klippning och distorsion. De används ofta vid mastring, eftersom de hindrar eventuella toppar från att sticka ut ur mixen.

Några av mina favoritdynamiska effekter:

• Kompressor: FabFilter Pro-C 2, SSL G-Master Buss Compressor från Waves, CLA-2A från Waves
• Begränsare: FabFilter Pro-L 2, Waves L2 Ultramaximizer, Ozone Maximizer av iZotope

Spektrala effekter

Lika viktiga som dynamiska effekter är spektrala effekter vid mixning.

Bland annat equalizer (EQ) och filter, som vi använder för att justera specifika frekvensområden i en ljudsignal för att forma dess tonala kvalitet.

Equalizers finns i alla former och storlekar, men huvudidén är att de hjälper oss att finjustera balansen mellan bas-, mellanregister- och diskantfrekvenser för att forma det övergripande ljudet efter eget tycke och smak. Jag kan inte komma på en enda modern mix som inte använder EQ i någon form.

Sedan har vi filter, som är förenklade EQ:ar. Bandpassfilter kan användas för att förstärka mellanregisterfrekvenser, medan hög- och lågpassfilter kan användas för att stänga ute lågfrekvent muller eller högfrekvent sus.

Några av mina favoritdynamiska effekter:

• Equalizer (EQ): FabFilter Pro-Q 3, SSL Channel Strip från Waves, Neutron EQ från iZotope
• Filter: Volcano av FabFilter, Auto-Filter av Ableton, FilterFreak av Soundtoys

Harmoniska effekter

Harmoniska effekter används för att lägga till eller modifiera övertoner i en signal för att ändra hur den låter. Det kan handla om distorsion, overdrive eller mättnad.

Du har säkert hört talas om distorsion, särskilt om du är gitarrist eller gillar rockmusik. Denna effekt klipper signalen för att skapa en grusig, aggressiv ton.

Overdrive är å andra sidan lite mjukare och simulerar det varma, mättade ljudet från överdrivna rör eller förstärkare.

Vi har en guide om distorsion, som ger en mer djupgående titt på hur det görs och hur vi kan använda det i våra mixar.

Några av mina favoritdynamiska effekter:

• Förvrängning: Decapitator av Soundtoys, Trash 2 av iZotope, FabFilter Saturn 2
• Overdrive: Tube Screamer av Ibanez (plugin-version), Overloud TH-U, Plugin Alliance Black Box Analog Design

Experimentera med att forma dina ljud

Det finns oändligt många sätt att forma, mangla och manipulera dina ljud för att definiera dig själv som artist. Genom att experimentera med tipsen ovan kan du förvandla vanliga mixar till extraordinära spår. Tveka inte att ladda ner några plugins och börja bli kreativ med förinställningar! Därifrån kan du ta reda på vad som passar din stil bäst och fortsätta forma dessa effekter för att stärka ditt sound.