Si alguna vez has querido tener un control total sobre la forma y la dinámica de tus sonidos, estás en el lugar adecuado. Hoy nos adentraremos en el mundo de las envolventes ADSR.

Estas herramientas nos dan a los productores e ingenieros el poder de esculpir cada punto de cualquier sonido.

ADSR son las siglas de Attack (ataque), Decay (decaimiento), Sustain (sostenido) y Release (liberación), las cuatro etapas que definen cómo evoluciona un sonido a lo largo del tiempo, desde el momento en que se dispara hasta que se desvanece. Aunque a menudo oímos hablar de las envolventes ADSR en el contexto de la síntesis, en realidad se aplican a cualquier fuente de sonido.

Por ejemplo, puede utilizar envolventes ADSR para dar forma al punteo de una cuerda de guitarra, la pegada de un bombo o el oleaje de una reverberación vocal.

Comprender las envolventes ADSR y saber cómo utilizarlas es crucial para crear música moderna, tanto si estás diseñando un parche de sintetizador, retocando una muestra de batería o procesando voces.

Para ayudarte a dominar el ADSR y que puedas empezar a transformar tus mezclas, he creado una guía en profundidad que explica cómo funcionan estas envolventes y cómo puedes utilizarlas en tu música. ¡Vamos allá!

¿Qué es una envolvente ADSR?

Como he dicho antes, ADSR son las siglas de Attack (ataque), Decay (decaimiento), Sustain (sostenido) y Release (liberación).

Una envolvente ADSR es una representación gráfica de estas etapas, que determina cómo cambia un sonido desde el momento en que empieza hasta el momento en que termina. Piensa en ella como un plano que da forma a la dinámica y el carácter de un sonido.

Estas envolventes aparecen de forma natural en el mundo que nos rodea, tanto en sonidos musicales como no musicales.

Por ejemplo, si tuviera que pulsar una tecla de piano, el ataque sería el golpe inicial del martillo, el decaimiento sería el sonido que se desvanece hacia un tono más suave, el sustain sería el nivel mantenido mientras mantienes pulsada la tecla, y el release sería el sonido que se desvanece una vez sueltas la tecla.

Para un sonido no musical, como el timbre de una puerta, el ataque sería el timbre inicial, el decaimiento sería el sonido que se reduce tras el pico, el sostenido sería el tiempo que se mantiene el timbre y la liberación sería el sonido que se desvanece.

Los sintetizadores suelen incluir representaciones visuales de las envolventes ADSR, lo que facilita ver y comprender cómo afecta cada etapa al sonido. Cuando ajustas la configuración ADSR en un sintetizador, puedes oír inmediatamente el impacto de tus cambios, lo que proporciona una retroalimentación instantánea y una conexión clara entre los parámetros de la envolvente y el sonido resultante.

Este bucle de retroalimentación visual y auditiva es increíblemente útil para aprender cómo las envolventes ADSR dan forma al sonido, así que tanto si tienes acceso a sintetizadores físicos de hardware como de software, te recomiendo que experimentes con estas envolventes para poder escucharlas en acción.

Una mirada más profunda a las etapas de la envolvente ADSR

Desglosemos las etapas de una envolvente ADSR con más detalle para hacernos una mejor idea de su funcionamiento.

Ataque

El ataque es la fase inicial del sonido, en la que pasa del silencio a su nivel máximo.

Puedes dictar la rapidez con la que esto sucede con el ataque. Por ejemplo, un tiempo de ataque corto produce un golpe agudo y percusivo, mientras que un tiempo de ataque más largo crea una acumulación suave y gradual.

Decaimiento

Una vez que el sonido alcanza su punto máximo, pasa a la fase de decaimiento. Durante esta fase, el nivel de sonido disminuye hasta el nivel de sustain. Puedes controlar la rapidez con la que se produce este descenso ajustando el tiempo de decaimiento.

Los tiempos de decaimiento más cortos tienden a hacer que los sonidos sean más pronunciados con picos más agudos, mientras que los tiempos de decaimiento más largos crean contornos más suaves.

Sostenga

El sustain es único porque define el nivel al que se mantiene el sonido mientras se sostiene la nota. Si no mantienes pulsada una tecla en un sintetizador, por ejemplo, no tendrías que preocuparte por el sustain. Es el único parámetro ADSR que consideramos en términos de volumen en lugar de tiempo.

Cuando hayas marcado el sustain máximo en un sonido, obtendrás el mismo nivel de amplitud después del nivel de pico de la fase de ataque.

Pensemos por un momento en un órgano de transistores. Suelen tener fases de ataque relativamente rápidas que se mantienen al mismo volumen hasta que sueltas una tecla. Sin embargo, si reducimos el sustain, el sonido bajará de volumen después de la fase de caída.

El decaimiento y el sustain son dos etapas muy dependientes en la envolvente ADSR. Si tienes un sustain máximo, la fase de decaimiento no tendrá ningún efecto, ya que el volumen del ataque original no necesita bajar. Sin embargo, si la fase de sustain está al mínimo, todo dependerá de la fase de decaimiento.

Publique

Una vez que suelta la nota, el sonido entra en la fase de liberación, desvaneciéndose gradualmente hasta el silencio. El tiempo de liberación es la última etapa de la envolvente ADSR, que determina cuánto dura este fundido de salida.

La liberación y el sustain, al igual que el sustain y el decaimiento, están estrechamente relacionados entre sí. Si tiene el nivel de sustain ajustado al valor más bajo posible, no importará a qué valor ajuste la liberación, ya que el sonido ya habrá descendido hasta el silencio antes de llegar a la etapa de liberación.

Uso del ADSR en la producción musical

Ahora que ya sabes qué es una envolvente ADSR y cómo funciona, vamos a ver cómo puedes utilizarla en tu producción musical.

Las aplicaciones de ADSR son prácticamente infinitas, ya sea para dar forma a la pegada de un bombo, añadir sustain a un pad o crear un punteo de sintetizador.

Para darte algunos puntos de partida para que puedas poner en práctica esta herramienta, vamos a explorar diez formas útiles de incorporar envolventes ADSR a tus mezclas.

1. Crear sonidos staccato

Los sonidos staccato son notas cortas y separadas que puedes utilizar para añadir un elemento rítmico y contundente a tu música. Piensa en golpes, palmadas, punteos de sintetizador o líneas de guitarra entrecortadas y funky.

Empieza cargando tu sinte VST favorito e inicializando un patch básico. A partir de ahí, ajusta el tiempo de ataque a cero para asegurarte de que el sonido alcanza su volumen máximo instantáneamente cuando tocas una nota. El inicio debe ser inmediato.

A continuación, ajusta el tiempo de decaimiento a muy corto y el nivel de sustain a cero. Así te asegurarás de que el sonido cae rápidamente al silencio tras el ataque inicial para darle esa sensación corta y distante. El tiempo de liberación debe ser igual de rápido, para que el sonido se detenga casi inmediatamente al soltar la tecla.

CONSEJO PROFESIONAL: Prueba a añadir un toque de reverberación a tus sonidos staccato. Esto puede crear un efecto espacioso y atmosférico, manteniendo al mismo tiempo esa calidad nítida y staccato.

2. Hacer que la batería suene con más garra

¿Quién no quiere que su batería percuta, especialmente en una pista de baile enérgica?

Tanto si trabajas con samples de baja calidad que no tienen suficiente ataque como si están mal grabados y tienen más flacidez que energía, darles forma con una envolvente ADSR puede darles la energía que necesitan para hacer que la gente se mueva.

En este caso, suelo utilizar un plugin de modelado de transitorios, como Smack Attack de Waves.

Ajusta el tiempo de ataque a cero para asegurarte de que cada golpe de batería alcanza su volumen máximo, y ajusta un tiempo de decaimiento y liberación corto para mantener la pegada inicial sin que la batería suene demasiado larga o retumbante.

CONSEJO PROFESIONAL: La compresión en paralelo es una gran herramienta para mejorar el ataque o la pegada de tu batería. Envíe su pista de batería a un canal auxiliar con un compresor ajustado a una configuración agresiva (ataque rápido, liberación media, relación alta). Vuelve a mezclar esta señal comprimida con la pista de batería original. Esta técnica conserva la dinámica de la batería original al tiempo que añade una capa potente y con pegada que la hace destacar en la mezcla.

3. Construir paisajes sonoros ambientales

Si quieres que tus muestras o sonidos parezcan de otro mundo, ajustar la envolvente ADSR es un buen punto de partida.

Carga tu sintetizador VST favorito con cualquier patch. No tiene por qué sonar necesariamente ambiental en este momento, ya que podemos marcarlo.

Utilizando un plugin ADSR, reduce el tiempo de ataque hasta que sea bastante lento, entre 2 y 5 segundos. De este modo, el sonido se desvanece gradualmente, creando una entrada suave y evolutiva. A partir de ahí, ajusta un tiempo de decaimiento moderado. El sonido debe transicionar suavemente después de alcanzar su punto álgido para mantener una sensación flotante sin una caída repentina del volumen.

El nivel de sostenido debe ser un poco más alto para ofrecer un nivel constante y consistente mientras se mantiene la nota, y el tiempo de liberación debe ser relativamente largo (alrededor de 3-6 segundos).

CONSEJO PROFESIONAL: Añade algo de modulación a tus sonidos ambientales para darles un poco de movimiento suave. Me encanta usar un LFO (oscilador de baja frecuencia) para modular sutilmente el corte del filtro o el tono cuando modifico tonos de sintetizador ambiental.

4. Haz que tus bajos sean más dinámicos

De vez en cuando, la gente me envía mezclas para que trabaje en ellas con bajos mal grabados en directo.

O bien utilizaban demasiada compresión, lo que cortaba el transitorio de los punteos iniciales, o bien el bajista no era un gran intérprete, y la mala técnica de digitación daba como resultado un tono de bajo apagado en lugar de un tono de bajo dinámico y con garra.

Los bajos dinámicos son clave en ciertos géneros, especialmente en el funk y la música disco. Por suerte, puedes usar ADSR para devolver la vida a un bajo que carece de dinámica.

Para ello, carga un modelador de transitorios y aumenta la fase de ataque para dar más pegada a la parte delantera. Esto debería ayudar a que tu bajo atraviese un poco mejor la mezcla.

5. Eliminar el sonido ambiente

El sonido ambiente puede ser un problema molesto en diferentes situaciones, sobre todo si se trata de una sala con un sonido deficiente. A menudo nos encontramos con este problema cuando las voces se graban en una sala sin tratar o cuando utilizamos loops de batería antiguos o mal grabados con mucho ruido ambiental.

Si utilizas un montón de muestras o sonidos VST con reverberación de sala incorporada, ya sean guitarras acústicas, pianos u otros instrumentos en directo, el sonido de numerosas reverberaciones de sala esparcidas juntas puede hacer que tu mezcla suene poco natural.

Para amortiguar o eliminar por completo el ruido ambiental, puedes añadir un procesador de transitorios a la pista y reducir el sustain para disminuir el ruido ambiental y la reverberación.

CONSEJO PROFESIONAL: A veces, la superposición de una puerta de ruido con el procesador de transitorios puede proporcionar resultados aún mejores. Ajusta el umbral de la puerta justo por encima del nivel del ruido ambiental para que se cierre rápidamente después del transitorio.

Haga que las cuerdas VST suenen más realistas

Me encanta que hoy en día tengamos a nuestro alcance la potencia de las cuerdas orquestales, aunque incluso las librerías de cuerdas VST más potentes suenan a menudo artificiales si no están bien programadas.

Por suerte, hay formas de utilizar envolventes ADSR para hacer que tus cuerdas VST suenen más realistas.

Primero hay que entender por qué estas bibliotecas de cadenas suenan artificiales.

Para empezar, los músicos de cuerda reales varían de forma natural su ataque, sostenido y liberación, mientras que las cuerdas de los VST no tienen la misma acción dinámica del arco, lo que hace que suenen estáticas y sin vida cuando no se programa la dinámica. En los VST más baratos, las articulaciones como legato, staccato y vibrato no se simulan muy bien.

En algunos casos, suelen faltar transiciones suaves entre notas, lo que hace que las cuerdas VST suenen robóticas e inconexas.

Para que tus cuerdas suenen más realistas, te recomiendo ajustar el tiempo de ataque a un valor corto pero no instantáneo (en torno a 10-50 milisegundos) para imitar el ligero retardo al hacer el arco de una cuerda.

El tiempo de liberación debe ser ligeramente más largo (alrededor de 100-300 milisegundos) para asegurarse de que ninguna nota se corta bruscamente. Esto imita el desvanecimiento natural de un arco levantándose de la cuerda.

Muestras de batería por capas

No hay mejor forma de crear sonidos de batería más completos y dinámicos que la estratificación.

Sin embargo, para obtener resultados profesionales, suele ser necesario cierto nivel de procesamiento ADSR.

Ajustando el ataque, decaimiento, sostenido y liberación de cada capa, puede asegurarse de que se complementan entre sí en lugar de chocar. Por ejemplo, supongamos que quieres crear un potente sonido de caja.

Puedes empezar con una caja firme y contundente y añadirle una muestra de palmada para darle más amplitud y profundidad.

Para la muestra de caja, querrás un tiempo de ataque muy corto para asegurarte de que el transitorio golpea instantáneamente. A partir de ahí, puedes ajustar el tiempo de decaimiento para que sea moderadamente corto y te proporcione pegada sin mucha cola.

Para la claqueta, deberás ajustar el tiempo de ataque ligeramente más largo que el de la caja, para que siga el transitorio en lugar de sentarse encima y emborronarlo. Por otro lado, el tiempo de decaimiento debe ser ligeramente más largo, para que la palmada rellene la parte posterior del sonido.

Reflexiones finales - Dominar la envolvente ADSR

Te sorprenderá lo mucho que una simple herramienta de envolvente ADSR puede abrir tu producción y mezcla, tanto si estás intentando mezclar baterías con pegada, pads ambientales o cuerdas VST realistas. Te recomiendo encarecidamente que juegues con estas técnicas y veas cómo tus pistas toman forma como nunca habías imaginado.