Componer suele consistir en ampliar los límites. Pero, cuando los límites desaparecen por completo, ¿en qué se convierte la composición? En otras palabras: ¿pueden las obras de los compositores dejar de considerarse... música?

Porque, el Diccionario Oxford define la ópera como "una forma de drama musical donde fuerzas rítmicas puramente melódicas se entrelazan con elementos narrativos". Esto no parece aplicarse al "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, por ejemplo. Entonces, ¿podemos seguir llamándolo "melodrama"? :)

Prólogo

Componer es un proceso profundamente personal y creativo para cualquier artista. Cada artista tiene su propio estilo, que refleja su individualidad y su visión artística.

Al iniciar el proceso creativo, el artista considera cuidadosamente cómo mezclar diversos elementos para crear un todo cohesionado. A través de su estilo de composición, el artista transmite al público su estética y sus perspectivas.

El estilo de composición de un artista puede evolucionar con el tiempo, reflejando su crecimiento personal y sus influencias cambiantes. O más bien, es la fusión de estilo y composición lo que da lugar a las obras de arte. Y cada obra lleva un pedazo del alma del artista y un mensaje único para que el mundo lo interprete.

Los buenos compositores siempre han tenido la capacidad única de transformar sus pensamientos y experiencias en obras maestras de la música. Hoy en día, los compositores modernos siguen superando los límites de la expresión musical.

En cierto sentido, la música occidental se definía por un centro tonal. En la atonalidad, los compositores se liberan de las limitaciones de trabajar en una tonalidad concreta y de las expectativas que conlleva.

Pueden utilizar las doce notas de la escala cromática por igual, haciendo caso omiso de las jerarquías de la armonía tonal tradicional.

La falta de una clave definida en la atonalidad allanó el camino para composiciones únicas e innovadoras.

Música clásica

La música clásica occidental tiene una tonalidad definida (o centros tonales, si se producen modulaciones).

Prácticamente en cualquier composición clásica se puede encontrar un centro tonal fuerte. Por ejemplo, en la hiperpopular Sinfonía nº 9 de Beethoven, la tonalidad de re menor sirve de "ancla".

Este ejemplo ilustra cómo los compositores utilizan el concepto de centro tonal para crear cohesión musical y una sensación de resolución. Esto no quiere decir que la escala cromática no sea un elemento fundamental de la música clásica. De hecho, ¡es todo lo contrario!

En la composición clásica, el uso de la escala cromática introduce una rica y expresiva paleta de colores musicales. Amplía el abanico de opciones y permite crear armonías intrincadas y pasajes cargados en las obras clásicas.

Los acordes funcionales

Como señalamos en nuestro artículo sobre la escala diatónica, la noción de lo que constituye un acorde ha evolucionado a lo largo de los tiempos. La música tonal lo define de forma más estricta y estructural.

El concepto de funcionalidad de los acordes está estrechamente relacionado con sus relaciones mutuas, definidas mediante progresiones y cadencias armónicas.

Sin embargo, un solo acorde también puede ser funcional y proporcionar una estructura que sustente una melodía. Así que todo depende de las habilidades y las intenciones del compositor.

Los autores hábiles pueden crear una gran variedad de estados de ánimo a través de un solo acorde, asumiendo diferentes contextos musicales. Aprender a expresarse a través de un acorde es un paso crucial hacia el arte musical.

Más allá del clasicismo

A principios del siglo XX, artistas de la talla de Alexander Scriabin e Igor Stravinsky empezaron a describir la música apartándose de la escala diatónica tradicional.

Sus obras expresionistas abrazaron el cromatismo expresivo, utilizando armonías, escalas y acordes que prácticamente abandonaban la tonalidad convencional.

Cuando se escuchan sus composiciones, se aprecia lo magistrales que eran. Sus cargadas progresiones de acordes y melodías desafiaban las expectativas del oyente.

Inicio

A medida que las cosas evolucionaban, las ideas innovadoras desafiaban las últimas limitaciones de la armonía funcional.

Este alejamiento del enfoque tradicional ha provocado que los acordes sucesivos sean disonantes e inconexos, como se observa desde la perspectiva de la estructura convencional de acordes.

Arnold Schoenberg introdujo la atonalidad y muchas otras técnicas experimentales, ampliando aún más los límites. El "estilo Schoenberg" era tan vanguardista en su época que algunos ni siquiera lo consideraban música, lo que convierte sus esfuerzos en un ejemplo de cambio arquetípico de paradigma.

Su atonalidad libre insistía en que se abandonaran por completo los conceptos armónicos tradicionales, sin ser estricto respecto a lo que los constituye exactamente. Esto plantea una pregunta: ¿se centra un compositor atonal en romper todas las reglas tradicionales?

Estética de la atonalidad

Contrariamente a la creencia popular, la atonalidad no es "antitonalidad". Es un conjunto de principios independientes. Aunque las cadencias armónicas están "prohibidas", los compositores atonales no basan su estética en lo poco tonal que sea una pieza musical.

La ausencia de un centro tonal tradicional es, en efecto, un rasgo definitorio de una obra atonal. Y sí: en una obra atonal, el compositor evita deliberadamente establecer una tonalidad de origen, lo que conduce a una manifestación dinámica de diversas estructuras de acordes.

Estos principios dieron origen a lo que más tarde se conocería como La Segunda Escuela de Viena. Arnold Schoenberg escribió Pierrot Lunaire para demostrar sus puntos estéticos anteriores, y sus alumnos Alban Berg y Anton Webern le siguieron, empezando a escribir piezas para piano e incluso suites.

Sus piezas para piano, en particular, mostraban que el enfoque musical era totalmente diferente. La mano derecha no "volaba" mientras tocaba la melodía o las notas de paso de las cadencias mayores. Más bien, las piezas tenían más que ver con las clases de tono y la estructura, ya que mandaban a retiro las teclas mayores.

Sí, en la música atonal, el virtuosismo (o mejor dicho: la destreza) pierde importancia. Webern y Berg siguieron construyendo sobre lo que su maestro les proporcionaba, lo que dio lugar a nuevos desarrollos estilísticos.

Años Apex

La música serial surgió como una desviación significativa de la música atonal libre como tal. Se basa en una técnica de doce tonos o fila tonal, que determina la secuencia melódica y los acordes sucesivos a lo largo de una composición.

La técnica compositiva correspondiente, entonces denominada "Serialismo", ganó prominencia a través de las obras de la Segunda Escuela de Viena. El empuje de los compositores llevó a la creación de obras atonales revolucionarias.

Los alumnos predilectos de Schoenberg (los ya mencionados Alban Berg y Anton Webern) estaban a la vanguardia del movimiento del serialismo.

Empezaron a emplear rigurosas estructuras matemáticas para organizar sus composiciones. Sus obras atonales a menudo utilizaban las mencionadas filas de doce tonos para lograr su objetivo.

Este sistema exigía que se utilizaran los 12 tonos de la escala cromática, pero no de una sola octava y estrictamente sin ningún parecido con una melodía tonal (tal y como se define tradicionalmente). Por si fuera poco, la "fila" debe desarrollarse sin repeticiones de tonos.

Como consecuencia, la música atonal también se convirtió en un gran reto para el intérprete, especialmente las piezas atonales con parte vocal. Debido a la ausencia de referencias armónicas funcionales, los vocalistas menos experimentados a menudo tenían que hacer ejercicios especiales e incluso aprenderse su parte de memoria.

La influencia del serialismo dejó un impacto duradero en el mundo de la música clásica contemporánea. Las piezas atonales allanaron el camino para una mayor experimentación en la composición.

Los no vieneses

Sería un error llegar a la conclusión de que la música atonal está relacionada con Viena, o con Occidente en general.

Sergei Prokofiev exploró estos conceptos de forma independiente, creando obras que desafiaban especialmente la estructura convencional de la ópera. Siguió construyendo sobre los cimientos establecidos por Scriabin y Stravinsky.

Sus composiciones, muy parecidas a la ópera Wozzeck de Alban Berg , vieron la disolución del elemento estructural primario, a medida que las melodías y los ritmos ganaban en independencia y complejidad.

Irónicamente, la atonalidad libre puede considerarse tanto el principio como el final, simplemente porque la atonalidad era menos estricta antes y después de los serialistas.

Se podría discrepar, pero ciertos aspectos o extractos de la música de Prokofiev, Shostakovich o incluso Rachmaninov son en cierto modo "libremente atonales".

Jazz

Al menos desde Charlie Parker, y definitivamente después de él, literalmente todos los músicos de jazz estaban obsesionados con cómo ampliar los centros tonales; cómo "redefinir las claves", si se quiere. Esto dio origen al cool jazz y al jazz modal en particular.

Algo más tarde, Herbie Hancock exploró la fusión de la música clásica contemporánea y los géneros del jazz, consecuencia inevitable de su espíritu innovador. Trató el ritmo como un compañero inseparable de la melodía, creando composiciones rompedoras.

Estos experimentos con tensiones rítmico melódicas se convirtieron en uno de los principales determinantes del desarrollo de la nueva música en el siglo XX.

Aftermath

La música atonal no puso fin a la música tonal ni a la armonía funcional. Más bien redefinió los conceptos, los acordes y lo que define un centro tonal, lo que constituye un acorde, etc.

La música tonal hoy

La armonía funcional contemporánea suena... bueno... enriquecida (por no decir otra cosa). La estética permite tanto las clases de tono de la música atonal como un centro tonal.

La música tonal de hoy en día también puede incluir -y de hecho incluye- música atonal. O quizá "semejanzas" de la música atonal, o quizá atisbos e influencias de la música atonal. Y es natural, porque la música es música, y la clave está en las ideas de los compositores.

¿Música atonal de hoy?

Del mismo modo, la música atonal es música atonal. Y la música atonal contemporánea existe, aunque no se la denomine como tal (como "música atonal contemporánea" ).

Arnold Schoenberg y cualquier escuela anterior son muy diferentes a las escuelas de hoy. "Pierrot Lunaire" no es comparable a la música atonal actual. Pero tampoco era comparable a la "Threnody to the Victims of Hiroshima" de Penderecki, que apareció una década después de la muerte de Schoenberg...

Lo que importa es que la música atonal de Schoenberg aportó nuevas ideas al mundo de la música. Ideas clave, especialmente útiles en la música para el cine o el ámbito teatral. Y sí: hoy todo el mundo está de acuerdo en que las obras de Schoenberg eran -y siempre serán- ¡música!