La programación de baterías es una de las habilidades más esenciales en el arsenal de cualquier productor musical. La capacidad de secuenciar patrones rítmicos existe desde los albores de las cajas de ritmos, que se popularizaron en la década de 1980 para sustituir a los baterías humanos y ampliar las posibilidades de la batería.

Dado que la música moderna depende tanto del ritmo, ser un buen programador de percusión puede ser decisivo para convertirse en un productor musical de éxito. Los humanos estamos programados para reconocer el buen ritmo, incluso a nivel subconsciente.

Aunque no sepas cómo describirlo, sabes cuándo escuchas una canción con una programación de batería excelente.

Cualquier gran programador de baterías te dirá que todo está en los detalles. Un patrón de batería genérico con el mismo paquete de muestras 808 que han utilizado todos los productores sonará aburrido y mundano. Sin embargo, si coges ese mismo patrón de batería y le añades samples únicos, síncopas, envolventes, etc., puedes darle vida y añadir un nuevo nivel de interés para el oyente.

Sumérgete con nosotros en los entresijos de la programación de percusión y descubre cómo aplicar técnicas expertas a tus producciones.

¿Qué es la programación de percusión?

Empecemos por responder a la pregunta importante,

¿Qué es la programación de percusión?

Me gusta pensar en la programación de baterías como una composición de baterías. En lugar de tocar la batería en directo, la organizas en una secuencia específica.

La programación de percusión difiere de la síntesis, ya que no se crean necesariamente las muestras o sonidos que se utilizan para componer, aunque muchos productores incluyen la síntesis de percusión en sus métodos de programación.

En esencia, estás creando patrones de batería que puedes reorganizar, reproducir en bucle y crear variaciones dentro de ellos.

La importancia de una buena programación de batería

¿Qué es lo que hace que una buena programación de batería sea tan buena?

Puede resultar difícil explicar por qué nos sentimos tan conectados a un bucle de batería y no a otro, y la forma más sencilla que he encontrado de expresarlo con palabras es el groove.

La música necesita ritmo. Sin él, es difícil bailar y moverse.

La base de casi todos tus temas, a menos que sean extraños, ambientales o experimentales, debe ser un groove. Lo más probable es que quieras hacer bailar a la gente que escuche tus temas.

Por suerte, no se trata de una ciencia, y existen muchos enfoques para encontrar un ritmo, tanto si estás creando un tema de hip-hop de 100 BPM como uno de drum and bass de 175 BPM.

Si no existe una ciencia, la pregunta es,

¿Cómo se forma un surco?

Programación básica de batería

Para entender cómo se forma el groove, tenemos que empezar por examinar los fundamentos de la programación de la batería.

Se puede ganar bastante diseccionando un buen groove y analizando sus fundamentos. Como he mencionado antes, la batería es la columna vertebral de casi cualquier composición moderna. Hasta que un productor no sea capaz de establecer unos cimientos básicos, no podrá adentrarse en las complejidades más intrincadas de la programación experta de baterías.

En este sentido, veamos las distintas partes de un groove de batería convencional y cómo pueden funcionar entre sí para formar una base rítmica.

Patada

El bombo es el ancla de la mayoría de los grooves de batería. Desde el rock hasta el hip-hop, pasando por la música house, el bombo es lo que nos mantiene atados al tempo. A menudo me gusta pensar en el bombo como el elemento percusivo más rígido.

Al programar, a menudo me gusta mantener el bombo más "en la parrilla" que otros instrumentos percusivos.

Un bombo tiene más capacidad para definir las características sonoras de una pista, como un género o un estilo.

Backbeat

Lo primero que un productor colocará probablemente sobre un bucle de bombo es el backbeat.

El backbeat o "dos y cuatro" del ritmo de tambor suele ejecutarse con una caja o una palmada. Desempeña el papel de principal forma de síncopa, proporcionando impulso y energía para ayudar a definir mejor el groove del patrón de batería. Dentro de un rato hablaremos de cómo utilizar el backbeat para manipular los backbeats y hacer que suenen un poco más humanos.

Platos

Los platillos son los instrumentos del registro superior en una batería tradicional. Una semicorchea o un patrón de hi-hat fuera de compás pueden añadir energía a un patrón general de batería, mientras que los crashes y otros platillos pueden ayudar a definir distintas secciones de una pista y añadir dinamismo.

A menudo me gusta incluir también en esta categoría otros instrumentos rítmicos de alta frecuencia, como panderetas y shakers. Puedes utilizar estos instrumentos de percusión auxiliares para añadir swing y textura a grooves que, de otro modo, serían convencionales.

Sonidos de percusión

Después de los shakers y las panderetas, tienes otras piezas de percusión que te ayudan a añadir síncopa, crear capas y aportar texturas únicas a tus patrones de batería básicos. La belleza de la percusión en el mundo de la programación de percusión es que te ofrece la mayor libertad en cuanto a selección y colocación de muestras.

Existen muchos tipos de instrumentos de percusión: bongos, triángulos, bloques de madera, marimbas y muchos más.

Lo importante aquí es seleccionar samples de alta calidad que resulten cohesivos, añadan dinamismo y den la sensación de encajar con el resto del groove.

Considere el uso de bucles

Tanto si acabas de empezar como si lees esto para refrescar la memoria, probablemente conozcas el estigma de utilizar loops en la producción musical.

Ese estigma me parece ridículo.

Un bucle muestreado puede ser una herramienta excelente para introducir complejidades en tu programación de percusión al tiempo que añade una sensación humanizada.

Los bucles muestreados también me resultan muy útiles para familiarizarme con la combinación de audio y MIDI. Aunque no lo utilices en la mezcla final, un buen bucle puede dar rienda suelta a tu creatividad e impulsar el proceso de producción.

Si te niegas a utilizar bucles porque has oído que tienen un mal estigma, sólo estás poniendo un obstáculo en tu flujo de trabajo.

Más allá de lo convencional

Una vez que te sientas cómodo con los fundamentos de la programación de percusión, puedes empezar a desentrañar los entresijos más complejos de este arte añadiendo síncopas, patrones únicos o detalles matizados para llevar tu groove de percusión al escalón superior.

Empezar tu viaje con patrones de batería convencionales puede ser ciertamente beneficioso, aunque, en algún momento, querrás empezar a considerar enfoques menos convencionales de la programación de baterías para hacer que tus pistas destaquen.

Síncopa

Hace poco escribí un artículo sobre la síncopa, que quizá te resulte útil para profundizar un poco más. Sin embargo, a efectos de este artículo, quiero hablar brevemente de la síncopa y de cómo puede abrirte más puertas creativas y ayudarte a trabajar desde un punto de vista poco convencional.

Backbeat

La síncopa de contratiempo existe desde hace más o menos un siglo. Estamos tan acostumbrados a ella en la música moderna que cuesta creer que no haya sido siempre un estilo fundamental de síncopa. La síncopa de contratiempo hace hincapié en el dos y el cuatro en lugar del uno y el tres, donde tradicionalmente se sitúa el bombo.

Tomar un backbeat estándar y manipularlo puede darle energía, swing o cualquier característica que necesites para transmitir la sensación deseada.

Offbeat

La síncopa offbeat se utiliza para enfatizar un pulso diferente que se sitúa fuera del pule downbeat convencional. A menudo utilizamos platillos y elementos de percusión para crear síncopas offbeat. Si escuchas casi cualquier tema house, es probable que oigas síncopas offbeat en los hi-hats. Los hi-hats a menudo se sitúan en la "y" entre la cuenta 1-2-3-4 - 1 y 2 y 3 y 4.

Suspensión

La síncopa en suspensión puede crear un fuerte énfasis al mantener o solapar un compás con un elemento del compás anterior. Este tipo de síncopa es único, ya que altera nuestras expectativas rítmicas tradicionales y crea un efecto de cascada que funde los compases y hace que los arreglos parezcan menos rígidos.

Latido perdido

Este tipo de síncopa es uno de mis favoritos, ya que pone el énfasis en lugares inesperados. Con la síncopa de tiempo perdido se pueden crear grooves de batería extraños y extravagantes, que dejan al oyente esperando golpes de batería o percusión que nunca llegan o que llegan un poco antes de lo esperado en el patrón de batería.

Esto se oye a menudo en la música trap, cuando un productor coloca un bombo en un lugar que el oyente no esperaría para crear expectación o tensión.

Sobres de tambor

Un elemento importante de la programación del que no hablan muchos productores es el espacio entre los golpes. El espacio o el vacío son conceptos muy importantes en la música, que debemos materializar en nuestra producción.

Piensa que la mayoría de las mezclas nunca sonarán cohesionadas sin un poco de ecualización y compresión. Del mismo modo, la mayoría de los grooves de batería no sonarán nunca de la mejor manera sin un poco de ajuste de la envolvente.

Por ejemplo, notarás un arrastre palpable cuando coloques elementos de percusión largos en un groove rápido. Una muestra de caja muy larga en un groove de 160 BPM puede hacer que la pista parezca perezosa o distante.

Por suerte, la mayoría de los DAW modernos vienen con samplers que nos permiten manipular las envolventes ADSR de las muestras, de modo que podemos marcar grooves más ajustados o más sueltos para proporcionar la cantidad adecuada de espacio dentro de nuestros arreglos de batería.

En una pista rápida, puedes acortar el sustain de un bombo para que no se solape con otras muestras. Por otro lado, en una pista lenta, podrías aumentar el sustain de ese mismo bombo, para que rellene el espacio vacío entre los golpes principales.

Esto no sólo puede ayudar a que tus grooves suenen más ajustados y seguros, sino que también puede dar más margen a tus grooves sin que se solapen varias muestras.

Percusión melódica

No muchos programadores de baterías hablan de la percusión melódica, aunque puede ser muy divertido establecer ganchos centrales sin tener que recurrir a instrumentos melódicos tradicionales, como sintetizadores, teclados o guitarras.

Utilizar instrumentos de percusión melódica para que hagan de gancho melódico en tu canción puede actuar como una capa única e interesante para tu groove. Hay algunos métodos que suelo incorporar a mis canciones en este sentido, aunque lo más importante es buscar instrumentos de percusión afinados.

Hay muchos instrumentos de percusión que tienen tonalidad, como los tambores de acero y las marimbas, lo que te permite darles forma de melodías por sí solos. Lo importante aquí es asegurarte de que estos instrumentos de percusión melódica están afinados para tu pista, de modo que puedas utilizarlos para crear melodías y riffs sencillos.

Aunque no utilices instrumentos de percusión de tono para crear melodías independientes, puedes utilizarlos para llamar a patrones rítmicos de respuesta, plantear patrones de tipo pregunta-respuesta que hagan eco de ciertas melodías o frases de tu pista, o utilizarlos como capas para partes principales, como voces o melodías de sintetizador, para elevar la energía general.

Aunque los sonidos de percusión con tono pueden ser muy útiles en casi cualquier género, a menudo los encuentro más beneficiosos en géneros como el techno y el house. Cuando la gente baila, no suele estar tan pendiente de los entresijos de la melodía como del ritmo de la batería. La percusión afinada puede ofrecer un enfoque más sutil a la hora de crear melodías.

Haz que tu batería suene realista

Uno de los aspectos más difíciles de programar baterías "en directo" es conseguir que las baterías programadas suenen realistas.

Dar una característica humana a tus grooves de batería programados puede hacerlos más apetecibles para los oyentes y hacerlos más emocionantes de escuchar en general.

Veamos algunas formas de transformar tus patrones digitales de batería en grooves de sonido realista.

Ser baterista

Uno de los aspectos más sencillos pero más importantes de la programación de baterías realistas es pensar como un batería de verdad.

Por supuesto, exagerar con ritmos excéntricos o fuera de este mundo puede ser emocionante, aunque es crucial asegurarse de que cualquier parte de batería o percusión que escribas sea algo que los bateristas reales podrían tocar si quieres una batería realista.

Programar una parte de batería que vaya más allá de lo que podría tocar un baterista real hará que sea evidente que estás utilizando software.

No se me ocurre ningún baterista que pueda tocar un hi-hat groove de 64 notas a 150BPM, aunque hay muchos bateristas que pueden tocar un simple ritmo de cuatro en el suelo a ese mismo tempo.

Para saber qué podría tocar un batería de verdad y qué no, hay que escuchar atentamente a baterías de verdad. Escucha atentamente algunas de tus canciones favoritas y presta atención a los surcos de batería que utilizan para hacerte una idea de lo que es realista.

Utilizar un instrumento MIDI

Cuando se programan baterías con un volumen constante y perfectamente sincronizadas, resulta bastante obvio que se está utilizando software.

Una forma fácil de combatir esto y hacer que tu software de batería suene más realista es utilizar un instrumento MIDI. Puede que seas un batería sin la posibilidad de grabar baterías en directo, así que puedes plantearte utilizar una batería electrónica e integrarla en tu software de batería para tocar tus grooves en tiempo real.

A menudo me gusta hacer esto cuando utilizo el software Addictive Drums 2, ya que me ayuda a conseguir realismo sin tener que entrar a hacer montones de ajustes.

Si no eres batería, también puedes utilizar un teclado MIDI o un pad de batería.

Independientemente del hardware que decidas utilizar, crear patrones de batería con un instrumento MIDI hará que tu pista suene mucho más realista al variar el tiempo y la velocidad.

Dicho esto, puedes obtener los mismos resultados sin utilizar un instrumento MIDI, aunque te costará un poco más de esfuerzo.

No te vuelvas loco con la cuantización

Pregúntale a cualquier batería y te dirá lo importante que es centrarse en el timing.

Sin embargo, ni siquiera los mejores baterías del mundo son robots. Graba a un batería de verdad y notarás que algunas notas se salen ligeramente de la cuadrícula de tu DAW. Los constantes empujones y tirones son los que crean un ritmo realista.

En la mayoría de los DAW actuales, tenemos la opción de cuantizar las notas MIDI para encajarlas en la rejilla. Básicamente, si una nota no está perfectamente sincronizada, puedes utilizar la cuantización para ajustarla a la rejilla rítmica.

Aunque la cuantización puede ser útil para afinar un groove, pasarse con ella puede hacer que tus pistas parezcan robóticas.

Si estás programando a mano, es mejor que te asegures de que algunas de las notas están ligeramente fuera de la cuadrícula si quieres que suenen realistas. Puedes empezar cuantizando todo el groove de batería para fijarlo en su sitio antes de repasar el patrón y ajustar las notas antes o después del compás.

La decisión de colocar los golpes detrás o delante del ritmo dependerá de la pista. Si quieres que tu groove de batería suene más enérgico, considera colocar los golpes ligeramente por delante de la rejilla. Por otro lado, si quieres que tu groove de batería suene más perezoso, considera colocar los golpes detrás de la rejilla.

Ten en cuenta que muchas DAW tienen distintos ajustes de cuantización, lo que permite a los productores decidir cuánto quieren fijar sus golpes a la rejilla. Los valores de cuantización más bajos harán que los grooves suenen más realistas, mientras que los valores de cuantización más altos bloquearán los elementos a la rejilla.

Ajustar la velocidad

Otro elemento importante para que tus grooves de batería suenen más realistas es ajustar la velocidad.

Todas las notas MIDI tienen velocidad, que describe la intensidad con la que se dispara una muestra.

Una nota de alta velocidad sonará más fuerte e intensa, mientras que una nota de baja velocidad sonará suave y tranquila.

Puedes acentuar ciertos tiempos en tus grooves cambiando la velocidad de las notas que los componen. Se trata de pensar como un batería. Un batería resaltará los tiempos que considere más importantes golpeándolos con más fuerza.

Por ejemplo, un groove punk rock estándar tendrá acento en el dos y el cuatro de cada compás, mientras que un groove reggae de una sola caída tendrá acento en el uno.

A medida que vayas ajustando las velocidades, piensa en cómo tocarías ese surco en la vida real.

Creo que puede ser útil grabarse a uno mismo repiqueteando al ritmo de la batería para ver qué tiempos se acentúan de forma natural. A continuación, puedes ajustar las velocidades en el surco MIDI para que coincidan con los cambios de velocidad en la forma de onda grabada.

Humanización

Muchos DAW, como Logic y Ableton, incorporan funciones de "humanización" que realizan ligeros ajustes en el tiempo y la velocidad de las notas. La función de ojos humanos es una forma maravillosamente eficaz de hacer que los grooves MIDI suenen menos robóticos.

Sin embargo, es importante proceder con cautela al utilizar la función humanizar, ya que la mejor forma de determinar qué notas acentuar se reduce al tacto. Puede ser difícil para un ordenador asignar velocidades e incoherencias de tiempo basadas en el tacto, y asignar esos pequeños matices al azar puede hacer que tu batería MIDI suene aún menos realista.

El YouTuber Joshua Casper ha publicado un excelente vídeo sobre cómo utilizar la función de humanización en Ableton Live.

Utilizar bucles reales

Una forma sencilla de añadir realismo a tus baterías MIDI es utilizar bucles prefabricados.

A menudo encuentro que combinar baterías MIDI programadas y loops en directo ofrece lo mejor de ambos mundos en términos de control y realismo.

Si utilizas un instrumento de batería virtual con grooves MIDI prefabricados, como Addictive Drums 2 o Steven Slate Drums, puedes utilizar los bucles MIDI como puntos de partida para empezar a tocar. Estos grooves MIDI fueron grabados por bateristas reales y ordenados por tempo y sensación, por lo que las características ideales de tiempo y velocidad ya deberían estar ahí.

A continuación, puedes tomar los patrones individuales de la pista MIDI en estos bucles MIDI prefabricados y desplazarlos por la sesión para utilizarlos con distintos instrumentos. Por ejemplo, puedes tomar el patrón de caja de la pista MIDI y utilizarlo para activar una muestra diferente, como un rim shot o una palmada.

También puedes apilar tus notas MIDI con loops de muestras en directo para añadir una capa única a tu groove de batería. Por ejemplo, a menudo encuentro que los hi-hats realistas son lo más difícil de programar. A menudo complemento mis hi-hats MIDI con loops de hi-hats reales para que suenen más realistas.

Utilice su propia reverberación

Muchos programas de batería profesionales incorporan reverberación.

Aunque puede sonar bien por sí sola, siempre encuentro que tener demasiados tipos diferentes de reverberación de distintos programas de batería mezclados puede hacer que las cosas suenen desconectadas. Por eso siempre silencio la reverb interna o de parada con el plan de usar una reverb de sala para mi mezcla.

Una vez que haya programado todo mi groove de batería, enviaré cada uno de los elementos a esta reverberación de sala en diferentes cantidades. La idea es que todos los elementos suenen como si hubieran sido grabados en la misma habitación.

A continuación, puede ajustar los distintos parámetros de esta reverb de sala para que encaje con el resto de la mezcla, como el tamaño, el estilo, la ecualización, etc.

Añadir saturación

Si estás programando sonidos de batería desde un VST de batería, puede que necesites añadir algo de saturación para evitar que las cosas suenen demasiado prístinas. La saturación es uno de mis efectos favoritos, ya que añade artefactos naturales que estarían presentes en una grabación en directo.

Aunque puedes añadir un plugin de saturación, como un plugin de máquina de cinta, a tu bus de batería y listo, a menudo encuentro que la saturación paralela te da un poco más de control y te permite marcar la cantidad justa de grano que necesitas para hacer que tu batería golpee a través de los altavoces.

Para ello, puedes enviar tu bus de batería a una pista auxiliar con un plugin de saturación. Escucha la batería mientras subes el volumen de tu plugin de saturación. Lo bueno de la saturación paralela es que puedes hacer que la pista auxiliar saturada sea tan sucia como quieras, ya que sólo quieres meterla sutilmente bajo el bus seco.

Piensa qué es lo que te falta en el bus de batería y comprueba si puedes utilizar la saturación para conseguirlo.

¿Tus sonidos de batería son demasiado débiles?

Si es así, considere la posibilidad de aumentar la saturación de medios-bajos.

¿Quizá suenan demasiado oscuros?

Si ese es el caso, aumenta la gama alta para conseguir un brillo caro.

Una vez que tengas un buen tono marcado, puedes bajar el fader auxiliar hasta el fondo y volver a subirlo lentamente hasta que tengas una buena combinación de limpio y sucio.

Añadir rellenos

Una vez que tengas un groove bastante decente a lo largo de las distintas secciones de una canción (estrofa, preestribillo, estribillo, etc.), puedes considerar el uso de rellenos para unir estas secciones. A menudo me gusta añadir rellenos cada ocho compases más o menos para romper la monotonía del ritmo de la batería y dividir una sección larga por la mitad o dar paso a la siguiente.

Es bastante fácil programar rellenos sencillos en un groove. Además, si trabajas con un VST de batería, es más que probable que encuentres una biblioteca de rellenos incluida con montones de patrones de relleno entre los que elegir.

Para que el relleno se mezcle con el patrón existente, debes asegurarte de que no haya elementos que choquen con los del relleno. Por ejemplo, si el relleno añadido utiliza una caja, debes eliminar la muestra de caja del patrón original para dejarle algo de espacio. Sin embargo, si mantienes otros elementos en el patrón que no desentonen, como shakers o hi-hats, conseguirás un sonido más cohesivo en general.

Una vez colocado el relleno en el lugar correcto, el siguiente paso es situarlo correctamente en la mezcla. El objetivo principal debe ser conseguir que las velocidades de las notas del relleno coincidan con las velocidades de esos mismos elementos en el patrón original. No quieres que la caja y el relleno sean mucho más fuertes o duros que la caja del patrón subyacente.

Lo último que tienes que hacer es aplicar un poco de cuantización o ajustar la sincronización de los elementos del relleno para que sean coherentes con el groove de batería principal. Por ejemplo, si el groove de batería principal es oscilante, puedes considerar ajustar los elementos de relleno para que se sitúen ligeramente por detrás de las líneas de la rejilla.

Las mejores muestras de batería

Puedes ser muy bueno programando grooves de batería y ajustando los distintos parámetros de los VST de batería. Sin embargo, si no utilizas las muestras adecuadas, tus mezclas no tendrán éxito. Encontrar muestras de calidad para utilizar en tus composiciones es sin duda una de las cosas más importantes que debes tener en cuenta.

Selección de muestras

Existen muchos samples y packs de samples que suenan fantásticos por sí solos. Sin embargo, que un sample suene increíble por sí solo no significa que vaya a sonar increíble en el contexto de tu mezcla y de los demás samples que lo rodean. Aunque puedes utilizar herramientas de mezcla como el ecualizador, la compresión y la forma envolvente para manipular una mala muestra, no hay mucho que puedas hacer.

Además, intentar mezclar muestras que no combinan bien de entrada sólo te da más trabajo.

Quieres que tus loops de percusión y tus samples suenen como si pertenecieran los unos a los otros desde el punto de partida. Nada desconcierta tanto al oyente como la discontinuidad.

Aunque tengas la tentación de recurrir a cualquier muestra que tengas más cerca, dedicar tiempo a encontrar las muestras perfectas te compensará en gran medida en la fase de mezcla.

Si aún no tiene una colección de muestras, le recomiendo encarecidamente que eche un vistazo a Splice.

Afinación de tambores

Técnicamente, un tambor es un instrumento inarmónico, lo que significa que tiene sobretonos que no contribuyen a un tono concreto. Sin embargo, la mayoría de los tambores tienen un tono fundamental sobre el que se construyen estos sobretonos inarmónicos.

Lo interesante de afinar samples de batería es que no hay un enfoque correcto o incorrecto. Dicho esto, es bastante fácil oír cuándo la afinación de una muestra no encaja en el contexto del groove de batería completo.

Uno de los elementos de batería más importantes que hay que afinar es el bombo, ya que un bombo con la fundamental incorrecta puede desentonar con el bajo y los demás instrumentos de gama baja, dejándote con una mezcla que nunca suena ajustada ni afinada.

Esto es más problemático en géneros como el trap y el hip-hop, donde la mayor parte de la pista depende en gran medida del 808. En géneros con bombos más cortos, es casi imposible detectar un tono concreto.

Puedes utilizar un analizador de espectro si tienes problemas para oír el tono fundamental de un tambor.

Además de mantener la afinación, la afinación de los tambores puede aportar una sensación totalmente distinta. Por ejemplo, bajar el tono de un tambor puede hacer que suene más grave y suave. Por otro lado, aumentar el tono de un tambor puede hacerlo sonar más ágil y darle más energía.

Experimenta afinando o transponiendo tus baterías y comprueba si al hacerlo encajan mejor en el contexto de tus producciones.

Fuera del género

Considera la posibilidad de utilizar samples de paquetes no tradicionales para crear contraste en tus grooves. Por ejemplo, puedes utilizar muestras suaves y de apoyo sin transitorios pesados para dar textura y aire a tu batería de dubstep.

Del mismo modo, puedes considerar apilar tu groove techno con un hi-hat en directo para añadir una sensación de realismo o utilizar un bombo digital sobre tu groove de batería en directo para darle más impacto.

A menudo encontrarás samples fuera de los packs de samples de géneros específicos que pueden hacer que tus baterías programadas suenen mucho más interesantes. Incluso si eres un productor de rock, no tengas miedo de utilizar una muestra de caja con pegada de un pack de future bass.

Disposición

Organiza la batería de forma que genere energía a lo largo de la pista.

Aunque seas capaz de apilar 20 elementos de percusión diferentes uno encima de otro para crear un groove masivo bajo el gancho, eso no significa que necesites utilizar esa pila masiva de elementos para cada gancho de la pista.

Considera una construcción lenta en la que añadas o introduzcas nuevos elementos en cada sección, de modo que el gancho final, el estribillo o la caída de la canción tengan la mayor recompensa energética. Por ejemplo, puedes guardar ese shaker de alta energía para el último estribillo.

El mejor software para programar baterías

Batería adictiva 2

Addictive Drums 2 de XLN Audio ha sido durante mucho tiempo uno de mis VST de batería favoritos para conseguir baterías con un sonido realista. Uno de los aspectos más destacados de este VST de batería es que viene con una amplia variedad de kits de batería de sonido increíble y una enorme biblioteca de grooves MIDI que fueron grabados por algunos de los bateristas más legendarios de la industria musical.

Uno de mis kits favoritos es la batería Fairfax, grabada en Sound City de Los Ángeles. Con cada kit de batería dispones de más de 130 preajustes, desde sonidos limpios y realistas a otros más arenosos y distorsionados.

Aunque me encanta la naturaleza intuitiva de Addictive Drums 2, ya que es fácil para cualquier principiante profundizar y empezar a crear grooves de batería de alta calidad, hay un montón de características en profundidad que le permiten ajustar cada sonido al contenido de su corazón. Dispones de un mezclador de 10 canales para los distintos elementos de la batería, así como canales individuales para los overheads, los micrófonos de sala y el bus.

En cuanto al procesamiento, cada elemento de batería tiene controles individuales de ecualizador, compresión, saturación, modelado de transitorios, contenido de ruido oh, y mucho más. Incluso puedes utilizar la reverberación y el retardo integrados para conseguir un sonido de batería más tridimensional.

Comparado con otros VSTs de batería realistas del mercado de la producción musical, Addictive Drums 2 es el más inmediato. Yo podría ser parcial porque he estado usando durante tanto tiempo, aunque incluso después de todos estos años, el plugin todavía se siente fresco y emocionante.

Steven Slate Batería

Cuando se habla de leyendas en el mundo del sampling de batería, no se puede dejar de mencionar a Steven Slate. Su VST de batería, SSD 5, ofrece una increíble colección de muestras de batería de alta calidad, incluyendo 112 bombos, 135 cajas, 58 toms, 14 crashes, 11 hi-hats, seis rides y siete splashes/chinas.

Cada sonido se ha preconfigurado en una de las 148 opciones de batería, muchas de las cuales se han modelado a partir de configuraciones de batería icónicas de diferentes leyendas de la batería.

El realismo es la clave del éxito de SSD. Incluso con la colección original de muestras de batería de la primera iteración SSD, se obtienen baterías increíblemente potentes y realistas que se sostienen en las mezclas más pesadas de pop, rock o metal.

Al igual que con Addictive Drums 2, también dispones de una amplia gama de grooves MIDI incorporados en una variedad de estilos, incluyendo rock, jazz, hip-hop, reggae y funk. Sin embargo, yo diría que el sonido general del plugin está orientado hacia el sonido de kit de rock y metal moderno.

Batería 4

Si buscas un programa que te ayude a manipular muestras de batería, Battery 4 de Native Instruments es uno de mis favoritos absolutos. Se trata de un potente sampler, con una interfaz gráfica elegante y toneladas de muestras profesionales para empezar.

El plugin se centra definitivamente en sonidos de batería electrónica de gama urbana, lo que lo hace perfecto para la música dance, aunque viene con más de 140 kits de batería diferentes que funcionan de maravilla con casi cualquier estilo de música. En estos kits también encontrarás loops melódicos y FX.

La interfaz también es bastante única, ya que dispones de 128 celdas en las que puedes cargar las muestras incluidas o tus propias muestras, haciéndolas fácilmente reproducibles en tu teclado MIDI o pad de batería. Cada celda tiene controles individuales de ADSR, compresión, EQ y modulación. También puedes ajustar el tono, el panorama y mucho más.

Me encanta poder importar mis propias muestras y trocearlas, recortarlas, invertirlas o destrozarlas hasta hacerlas casi irreconocibles.

La belleza de la Batería 4 es que puede sonar como tú quieras, ya sea estrafalaria, moderna o vintage. Básicamente, es un lienzo en blanco para programar la batería de la forma que quieras.

MT Power Drumkit 2

MT Power Drumkit 2 ofrece una excelente forma de iniciarse en la batería por software sin tener que gastar un céntimo. Este VST de batería ofrece una gama de baterías acústicas muestreadas sólidas y de alta calidad con un nivel de detalle de edición bastante decente para ayudar a que los elementos encajen en tu mezcla.

Aunque no se obtiene tanto control como con los VST anteriores, la naturaleza preprocesada de los sonidos ofrece el equilibrio perfecto entre realismo y preparación para la radio.

Es un programador de percusión muy sencillo e intuitivo que proporciona satisfacción instantánea independientemente de cómo crees los patrones de percusión.

Ponte en marcha

Programar baterías es un arte al que muchos productores no prestan suficiente atención. Crear patrones de batería únicos requiere cientos de pequeñas decisiones y variaciones, que finalmente culminan en un groove fresco y emocionante.

La programación de la batería también es un caso en el que te animo a aceptar los matices y la complejidad. No te cortes a la hora de hacer pequeños ajustes que puedan parecer triviales en ese momento. En realidad, es la acumulación de estos ajustes lo que al final marca la diferencia.

Puedes pasarte meses o años estudiando los aspectos técnicos de la programación de la batería, aunque aprender a hacerlo bien te llevará tiempo. No hay forma de explicar la sensación que se tiene cuando se consigue el groove perfecto. Simplemente lo sabes. Empieza a escuchar con más atención las canciones de algunos de tus artistas favoritos para ver cómo implementan samples o técnicas específicas de las que hemos hablado antes.

Más pronto que tarde, estarás en camino de hacer baterías programadas con sonido profesional.