Puede que la música dub empezara como un género de nicho, pero sus ondas han llegado mucho más allá de las costas de Jamaica, donde nació. Desde los temas cargados de eco de las leyendas del reggae de los años setenta hasta la producción cargada de bajos de la música electrónica de baile actual, el dub ha dejado su impronta en un amplio abanico de la música popular.

Artistas como The Clash y Massive Attack se han sumergido en el dub, creando música que ha resonado durante mucho tiempo entre el público de todo el mundo, pero, de alguna manera, el dub sigue siendo un género que pasa desapercibido para muchos.

A pesar de sus décadas de influencia, la música dub sigue siendo un sonido a la vez omnipresente y escurridizo. En este artículo nos adentraremos en la historia, la influencia y los iconos de la música dub. Al final, verás por qué el dub merece mucho más que un simple gesto de reconocimiento. ¿Y quién sabe? Puede que en tu próximo tema incluyas un ritmo inspirado en el dub.

¿Qué es la música dub?

La música dub, a menudo denominada "dub reggae", nació de las versiones instrumentales de canciones de reggae jamaicano a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Todo empezó con la simple pero brillante (y accidental) idea de reducir las canciones de reggae a su mínima expresión -eliminando la voz principal y manteniendo a veces los coros-, creando un espacio en el que el ritmo, o "riddim", ocupaba un lugar central.

Estos primeros temas dub se centraban en el tambor y el bajo, el latido de la música reggae, al desnudo para que todos lo oyeran.

El nombre "dub" procede de los " dubplates", que eran discos de acetato utilizados por los operadores de sistemas de sonido para probar nuevas mezclas o reproducir temas exclusivos. El propio término "dub" se convirtió en sinónimo de remezcla y alteración de estas versiones instrumentales, añadiendo capas de efectos como reverberación, eco y retardo.

Esencialmente, el productor se convertía en el artista, remezclando y remodelando la música en tiempo real, convirtiendo la mesa de mezclas en un instrumento propio.

En sus inicios, la música dub era cruda y orgánica. Los productores utilizaban el estudio como campo de juego creativo. Pero a medida que avanzaba la tecnología, también lo hacía la música dub. Las cajas de ritmos y los samplers acabaron por introducirse en la mezcla, empujando el género hacia nuevos territorios.

Hoy en día, la música dub ha evolucionado hasta convertirse casi en un género de música electrónica por sí mismo, influyendo en todo tipo de estilos, desde el hip-hop hasta la EDM. Sin embargo, en el fondo, el dub sigue siendo fiel a sus raíces: una celebración del ritmo, la experimentación y el poder del bajo.

Historia de la música dub

"En la playa"

El nacimiento de la música dub es uno de esos accidentes felices que cambiaron para siempre el curso de la historia de la música.

Corría el año 1968 en Jamaica y el aire se llenaba de sonidos de música reggae. El productor Rudolph "Ruddy" Redwood acababa de encargar al estudio Treasure Isle la grabación del éxito "On the Beach" de los Paragons.

Sin embargo, un pequeño desliz de Byron Smith, el ingeniero del estudio, dio lugar a algo mágico.

Smith imprimió accidentalmente una copia de la canción sin la voz, sólo con el instrumental. En lugar de desechar el "error", Redwood decidió seguir adelante con él, haciendo girar la versión sin voces en una de sus fiestas con equipo de sonido.

La respuesta fue eléctrica.

Al público le encantó el sonido despojado y rítmico, y la versión instrumental se convirtió rápidamente en un éxito masivo. ¿Por qué era tan especial? Por un lado, dejaba más espacio para que la música respirara y, por otro, ofrecía la oportunidad de hacer algo llamado "toasting", en el que los DJ hablaban, coreaban o cantaban sobre el riddim. Fue uno de los primeros precursores de lo que hoy conocemos como rap y hip-hop modernos.

El sonido King Tubby

El nacimiento accidental de la música dub acabó llamando la atención de uno de sus pioneros más influyentes, Osbourne "King Tubby" Ruddock. King Tubby, ingeniero de sonido con un agudo oído para la innovación, vio la posibilidad de llevar la idea de las pistas instrumentales de reggae al siguiente nivel. Inspirado por las múltiples posibilidades, Tubby desarrolló su propia fórmula dub, que consistía en deconstruir y reconstruir.

Tomaba las pistas originales de reggae y las reducía a sus elementos básicos, principalmente la batería y el bajo, conocidos como "riddim". A continuación, añadía a las pistas una mezcla de eco, reverberación y retardo. Las voces se reducían a fragmentos, ecos del original, mientras que otros instrumentos entraban y salían de la mezcla, creando una experiencia auditiva envolvente.

Este innovador enfoque de la producción musical pronto se extendió como la pólvora, y la música dub pasó rápidamente de ser un fenómeno de los equipos de sonido a un elemento básico de los estudios de grabación. En poco tiempo, los álbumes de dub empezaron a aparecer en las estanterías de las tiendas de discos, presentando al mundo una nueva faceta experimental del reggae.

Doblaje de la corriente dominante

Durante las décadas de 1960 y 1970, la escena musical jamaicana estaba en pleno auge con los éxitos del ska, el rocksteady y el reggae. Estos géneros dominaban las ondas y las salas de baile. Pero mientras estos temas iluminaban las listas de éxitos, en las caras B se estaba gestando algo revolucionario.

Los equipos de sonido, siempre a la caza de algo nuevo y excitante, empezaron a experimentar con las caras opuestas de estos populares discos. En lugar de limitarse a reproducir las pistas originales, empezaron a crear versiones dub de las caras A, eliminando las voces y jugando con los elementos instrumentales.

Estas versiones dobladas dieron una nueva vida a los grandes éxitos.

Por ejemplo, "King Tubby Meets Rockers Uptown" fue la versión doblada de "Baby I Love You So" de Jacob Miller, convirtiéndose en una de las versiones dobladas más famosas de una cara A.

Los expertos en dub entran en escena

A principios de la década de 1970, la música dub se había convertido en un movimiento en toda regla. Varios productores pioneros entraron en escena, cada uno aportando su propio sabor al género en evolución. Nombres como Lee "Scratch" Perry, King Tubby, Augustus Pablo y Errol Thompson empezaron a resonar en las calles de Kingston cuando estos visionarios se hicieron un hueco como verdaderos propietarios del dub.

Uno de los que contribuyeron a la revolución dub fue Derrick Harriott, un productor que aportó su toque único al género.

Harriott se hizo famoso por su inventivo uso de los efectos de sonido, añadiendo elementos como sirenas, truenos e incluso fragmentos de diálogo a sus doblajes. Estos efectos añadían capas de atmósfera y dramatismo a la música, haciendo que cada pista pareciera una entidad viva y que respiraba.

Creación de la escena dub británica

Cuando los inmigrantes jamaicanos se establecieron en el Reino Unido en las décadas de 1970 y 1980, trajeron consigo los sonidos del reggae y la música dub. Este intercambio cultural provocó la creación de una escena dub británica distinta.

Artistas pioneros como Dennis Bovell, Mad Professor y Jah Shaka desempeñaron un papel crucial en la conformación de este movimiento, infundiendo a los bajos contundentes y los ritmos hipnóticos del dub jamaicano su particular sabor británico.

Dennis Bovell, conocido como el "Padrino del UK Dub", contribuyó decisivamente a acercar el dub a las masas británicas. Su trabajo con grupos como Matumbi ayudó a tender puentes entre el reggae, el dub y la emergente escena punk.

Del mismo modo, Mad Professor se hizo famoso por su enfoque experimental, mezclando elementos tradicionales del dub con sonidos electrónicos para crear un ambiente futurista y espacial que resonó entre los jóvenes de la época. Jah Shaka defendió el lado espiritual del dub, utilizando su música para promover mensajes de paz, amor y resistencia.

Estos pioneros británicos del dub también inspiraron una oleada de bandas crossover que incorporaron el dub a su propio sonido, contribuyendo a llevarlo a un público aún más amplio.

Grupos como The Police, The Clash y UB40 empezaron a experimentar con los ritmos profundos y los efectos de eco del dub, mezclándolos con el punk, el rock y la new wave. El emblemático álbum Sandinista! de The Clash y el tema "Walking on the Moon" de The Police muestran cómo el dub influyó en la música británica dominante.

La escena dub británica no sólo dio una plataforma a los sonidos jamaicanos, sino que también amplió el alcance de la música dub.

El dub se vuelve electrónico

A principios de la década de 1980, la evolución de la música dub dio un giro apasionante con la aparición de las remezclas electrónicas. Los productores empezaron a experimentar con sintetizadores, cajas de ritmos y efectos de sonido digitales, ampliando los límites del sonido característico del dub. Esta época dio origen a una fusión del dub con la música electrónica, creando todo un nuevo espectro de subgéneros que siguen influyendo en el mundo de la música actual.

Con la llegada del dub a la era digital, surgieron varias formas electrónicas de dub:

• Dubstep: Muchos aficionados al dubstep moderno no saben que el género se originó en el Reino Unido a finales de la década de 1990. Al principio, el dubstep tomaba los bajos profundos y los elementos de reverberación del dub y los fusionaba con un sonido más oscuro y agresivo. Artistas pioneros como Skream, Benga y Burial ayudaron a definir este género, que rápidamente ganó popularidad en los clubes underground y más tarde explotó en la escena musical mundial.
• Dubtronica: Con las cualidades atmosféricas del dub y la batería electrónica, la dubtronica se convirtió en un espacio para la experimentación. Artistas como Thievery Corporation y Ott son conocidos por su trabajo en este género.
• Dub Techno: El dub techno toma el minimalismo del techno y le infunde las cualidades profundas y resonantes del dub. Artistas como Basic Channel y Deepchord fueron pioneros en este género.
• Psydub: Fusión de dub y música psicodélica, el psydub ofrece una experiencia auditiva alucinante. Shpongle y Younger Brother son figuras clave de la escena psydub.
• Trip-Hop: El trip-hop mezcla el dub con el hip-hop, el jazz y la música electrónica, creando un género a la vez relajado y vanguardista. Massive Attack, Portishead y Tricky son algunos de los artistas más emblemáticos de la escena trip-hop de los 90.

Con el paso del tiempo, el solapamiento entre el dub y el dancehall también se hizo más pronunciado, sobre todo cuando el dancehall empezó a incorporar elementos electrónicos a finales de los ochenta y principios de los noventa.

Artistas como King Jammy desempeñaron un papel decisivo en esta fusión, y más tarde, artistas como Shabba Ranks y Buju Banton difuminarían aún más las líneas, utilizando técnicas de producción inspiradas en el dub para crear éxitos de dancehall.

Reggae vs. Dub

El reggae y el dub son géneros estrechamente relacionados, por lo que no es de extrañar que mucha gente hable de ellos indistintamente. Para empezar, ambos tienen sus raíces en las ricas tradiciones musicales de Jamaica.

Sin embargo, aunque comparten muchas similitudes, hay algunas diferencias clave que los diferencian. He aquí un desglose de las principales diferencias entre el reggae y el dub:

• Estructura :
  • Reggae: Suele presentar formatos de canción estructurados con estrofas, estribillos y, a menudo, fuertes melodías vocales.
  • Dub: Principalmente instrumental, con un enfoque en la remezcla y la manipulación de los elementos de la pista original, a menudo eliminando o minimizando las voces.
• Instrumentación :
  • Reggae: Se basa en una configuración de banda completa, que incluye guitarra, bajo, batería, teclados y vientos, con un fuerte énfasis en el ritmo y la melodía.
  • Dub: Se centra principalmente en el bajo y la batería (el "riddim"), a menudo eliminando otros instrumentos o utilizándolos escasamente con efectos añadidos.
• Técnicas de producción :
  • Reggae: Grabado y producido con un mínimo de efectos de sonido, centrándose en un sonido natural de banda en directo.
  • Dub: Conocido por su uso experimental de efectos de estudio como la reverberación, el eco y el retardo, que crean un sonido más espacioso y de otro mundo.
• Presencia vocal :
  • Reggae: Las voces ocupan un lugar central, transmitiendo el mensaje de la canción, a menudo con temas de amor, justicia social y espiritualidad.
  • Dub: Las voces, si están presentes, suelen estar fragmentadas, con eco o remezcladas, convirtiéndose en parte de la textura general más que en el punto focal.
• Propósito :
  • Reggae: Su objetivo es ofrecer una experiencia musical cohesionada con una narrativa o un mensaje claros.
  • Dub: A menudo es una remezcla o reinterpretación de la música reggae, centrada en el humor, el ritmo y la experimentación sónica.
• Impacto cultural :
  • Reggae: Ampliamente reconocido por su influencia en la música mundial, especialmente en la difusión de la cultura jamaicana y de mensajes de paz y unidad.
  • Dub: Influyente en la configuración del sonido de la música electrónica moderna, desde el hip-hop hasta la EDM, y conocido por su papel en la cultura de la remezcla.

Aunque el dub y el reggae tienen un origen común, sus diferencias radican en la forma de hacer música.

Artistas Dub icónicos

Rey Tubby

King Tubby, nacido Osbourne Ruddock, suele ser aclamado como el "padre del dub".

Como ingeniero de sonido pionero, Tubby revolucionó la producción musical convirtiendo la mesa de mezclas en un instrumento. Su trabajo pionero consistió en desmontar las pistas de reggae hasta su núcleo y añadir efectos de sonido innovadores como eco, reverberación y retardo.

Temas como King Tubby Meets Rockers Uptown con Augustus Pablo muestran su estilo característico. La influencia de Tubby es inmensa y, en casi todos los sentidos, sentó las bases de la cultura moderna de la remezcla y la música electrónica.

Lee Scratch Perry

Lee "Scratch" Perry, también conocido como "The Upsetter", es otra de las figuras más excéntricas e influyentes del dub. Productor, mezclador y artista, el trabajo de Perry en el Black Ark Studio de Jamaica produjo algunos de los temas dub más rompedores de todos los tiempos.

Era un maestro del uso de sonidos poco convencionales, como cristales rotos o ruidos de animales, mezclados con fuertes reverberaciones y retardos para crear paisajes sonoros de otro mundo. Las colaboraciones de Perry con artistas como Bob Marley y The Wailers, así como sus propios álbumes, contribuyeron a ampliar los límites de lo que podía ser el dub, convirtiéndole en un icono del género.

Augusto Pablo

Augustus Pablo, nacido Horace Swaby, es conocido sobre todo por su magistral uso de la melódica, instrumento que popularizó en la música reggae y dub. Su sonido característico, que podría describirse como inquietante, etéreo y melódico, con líneas de bajo profundas y resonantes, se convirtió en un sello distintivo del género dub.

Las colaboraciones de Pablo con King Tubby dieron lugar a algunos de los álbumes de dub más emblemáticos, como King Tubby Meets Rockers Uptown. Su habilidad para mezclar la música tradicional jamaicana con elementos experimentales del dub contribuyó a consolidar su posición como uno de los artistas más innovadores y duraderos del género.

Profesor Loco

Mad Professor, nacido Neil Fraser, es una figura clave en la evolución del dub, especialmente en el Reino Unido. Conocido por su enfoque futurista del género, Mad Professor abrazó el lado digital de las cosas, empujando el dub hacia nuevos territorios electrónicos.

Su serie Dub Me Crazy mostró su innovador uso de sintetizadores, samplers y cajas de ritmos, mezclando técnicas tradicionales de dub con lo que entonces era producción de vanguardia. Las colaboraciones de Mad Professor con una amplia gama de artistas, entre ellos Massive Attack en su álbum No Protection, ayudaron a acercar el dub a un público más amplio.

Científico

Scientist, nacido Hopeton Overton Brown, fue protegido de King Tubby y se dio a conocer por su enfoque lúdico del dub. Tras empezar como aprendiz en el estudio de Tubby, Scientist desarrolló rápidamente su propio estilo, caracterizado por graves pesados, efectos de eco únicos y una intrincada manipulación del sonido. Álbumes como Scientist Rids the World of the Evil Curse of the Vampires y Scientist Wins the World Cup se celebran a menudo por sus imaginativos títulos y sus pioneras técnicas de producción.

La capacidad de Scientist para crear paisajes sonoros vívidos, casi cinematográficos, le convirtió en una de las figuras más icónicas y queridas de la escena dub.

Los 5 mejores consejos para mezclar dub

El dub es una forma de arte única. En muchos sentidos, la "mesa de mezclas" es el instrumento más importante.

Por supuesto, en los primeros tiempos del dub, pioneros como King Tubby y Lee "Scratch" Perry convirtieron el estudio en sus instrumentos. Hoy en día, aunque los ordenadores han cambiado la forma de crear dub, la esencia del oficio sigue siendo la misma.

Aquí tienes algunos consejos que te ayudarán a dominar el arte de las mezclas dub en una configuración moderna:

1. Adoptar un enfoque manual

Cuando se trata de mezclar dub, el uso de las manos tiene un poder único. Aunque las herramientas digitales ofrecen precisión, la forma táctil de expresión que se obtiene al interactuar físicamente con el equipo es insustituible.

En el dub, tus manos deben actuar como una extensión de tus instintos creativos.

El enfoque manual de la mezcla te permite conectar con la música a un nivel más profundo. Ya sea pulsando faders o girando mandos en una consola, el acto físico de manipular el sonido en tiempo real aporta un nivel de espontaneidad e intuición que está en el corazón del dub. Cuando te relacionas físicamente con tu mesa de mezclas o tu equipo, respondes a la música en el momento, tomando decisiones basadas en la sensación más que en la teoría.

En resumen, el doblaje debe ser siempre un proceso instintivo.

2. Configuración de la plantilla de la sesión Dub

Cuando se trata de mezclar dub, la preparación es clave.

Tanto si trabajas con racks externos como con una DAW, tener una plantilla de sesión con envíos auxiliares listos para rockear puede ahorrarte tiempo y ayudarte a mantener el flujo creativo. Aquí tienes un desglose de algunos envíos auxiliares y efectos imprescindibles que deberías incluir en tu configuración:

• Reverberación de muelles mono: Puede utilizar una reverberación de muelles clásica para añadir una calidez arenosa y analógica a su mezcla. Ideal para enviar golpes de caja o fragmentos vocales para crear ese auténtico ambiente dub de la vieja escuela. La configuración mono ayuda a mantener el efecto ajustado y centrado. Si utiliza hardware, una unidad de reverberación Fender '63 es una buena elección. Si está trabajando en la caja, eche un vistazo a la AKG BX 20 de UAD.
• Reverberación estéreo digital: Una reverberación estéreo digital te ofrece un sonido estéreo más amplio. Envía tus guitarras, vientos o incluso kits de batería completos a través de ella para crear una atmósfera exuberante. Este efecto funciona bien para añadir profundidad a su mezcla, haciendo que parezca más espaciosa. El Lexicon PCM 92 es ideal para una reverberación expansiva desde el punto de vista del hardware, pero si lo que busca es un software, el Valhalla VintageVerb es su elección.
• Long-Building Dub Echo (mono o estéreo): Este es un dub esencial. Configure un retardo con un bucle de realimentación largo, permitiendo que se construya y evolucione con el tiempo. Utilízalo en mono para un sonido más directo y centrado, o en estéreo para un efecto más amplio y envolvente. Perfecto para dejar que un riff de guitarra o una línea vocal se pierdan en el infinito, creando el clásico espacio dub. El Roland RE-201 Space Echo es la opción más obvia, aunque para una mayor flexibilidad, recomiendo el Soundtoys EchoBoy.
• Phaser: Un phaser es ideal para añadir movimiento y textura a una mezcla. Puedes enviar tus hi-hats, sintetizadores, o incluso loops enteros de batería a través de un phaser para crear un efecto giratorio e hipnótico. Como guitarrista, el Electro-Harmonix Small Stone Phaser es uno de mis favoritos por hardware. Sin embargo, si quieres ir por la ruta del software, echa un vistazo a Soundtoys Phasemistress.

3. Creación de largos retardos de eco de doblaje

Una de las técnicas emblemáticas de la música dub es la creación de esos retardos de eco profundos y evolutivos que parecen extenderse hasta el infinito. La base de este sonido es un truco sencillo pero poderoso: enviar el retardo hacia sí mismo. Este método, a menudo llamado "feedback looping", es la piedra angular de la producción dub.

Para conseguir este efecto, deberás encaminar la salida de la unidad de retardo a su entrada.

Así es como funciona: cuando la señal de retardo se realimenta a sí misma, crea un bucle que hace que los ecos se construyan y evolucionen con el tiempo, haciéndose más intensos con cada repetición. Este bucle de realimentación puede ajustarse para controlar cuánto duran los ecos y cómo interactúan con el resto de la mezcla.

Recomiendo utilizar retardos analógicos, ya que las imperfecciones y peculiaridades naturales del hardware contribuyen a la magia. Las unidades analógicas, como el Roland Space Echo o los retardos de cinta clásicos, suelen introducir sutiles variaciones en el tono, la sincronización y el tono a medida que se repiten los ecos, lo que da a tus pistas de dub ese carácter cálido y arenoso.

Como los ritmos de estos retardos no están perfectamente sincronizados, tus elecciones se basan en la sensación más que en reglas estrictas. Al manipular la retroalimentación y los tiempos de retardo, estás respondiendo a la música en tiempo real.

Una de las formas más efectivas de crear ecos de dub es cambiar la velocidad del retardo de muy rápido a muy lento. Empieza con un retardo rápido y ajustado para crear una sensación de urgencia, y luego ralentízalo gradualmente para estirar los ecos y crear un paisaje sonoro amplio y espacioso.

4. Acentuar la batería

En la música dub, la batería lo es todo.

Para que tu batería destaque, tendrás que ser creativo con los efectos y el procesado. Una forma de hacerlo es enviar elementos específicos de la batería a auxiliares cargados con phasers, reverbs de muelles o delays, que pueden añadir profundidad, movimiento y atmósfera.

Por ejemplo, prueba a enviar tu caja a una pista auxiliar con una reverb mono clásica de muelles, o envía tus hi-hats o percusión a un phaser en una pista auxiliar.

Además de los efectos creativos, conseguir la pegada y presencia adecuadas en tu batería es clave. Los compresores como el DBX-160 son fantásticos para este propósito. Ajusta un ataque medio y una liberación rápida para dejar pasar los transitorios iniciales, y luego ajusta la compresión al gusto. Esto le dará a tu batería ese chasquido y pegada característicos que atraviesan la mezcla.

Reflexiones finales

La música dub es más que un género. Nacida de las ricas tradiciones de la música jamaicana, ha evolucionado desde sus raíces hasta convertirse en una forma de arte dinámica y en constante expansión. La historia del dub es larga y profunda. Desde la música reggae prensada en pistas instrumentales hasta la música reggae instrumental remezclada en música dance moderna, la música dub sigue evolucionando tal y como la conocemos.

Esperamos que esta pequeña guía de música dub te haya servido para apreciar mejor el género y te haya inspirado para crearlo por tu cuenta.