En su forma más simple, el objetivo del diseño de sonido es esculpir el audio de tal manera que logre una visión creativa específica. Tanto si se trata de evocar el inquietante ambiente de una casa encantada para una película de terror como de crear un sintetizador palpitante para una dinámica pista de EDM, el diseño de sonido es un arte que abarca todos los medios, desde la música al cine, pasando por los videojuegos.
Los diseñadores de sonido se parecen mucho a los alquimistas sónicos: toman la idea de cómo podría sonar algo y utilizan las herramientas adecuadas para darle vida.
Imagine una escena de la última película de ciencia ficción en la que una criatura alienígena respira por primera vez. Probablemente sería una exhalación de otro mundo que provocaría escalofríos en el cine. Este inquietante y hermoso sonido no existiría si no fuera por el diseñador de sonido que le da vida.
Hoy vamos a profundizar en los entresijos del diseño de sonido y a explorar diez técnicas y consejos profesionales que pueden ayudarte a sacar el máximo partido a los sonidos que creas.
Historia del diseño de sonido
La evolución del diseño sonoro está estrechamente ligada a la de los medios de comunicación y la tecnología. Sin embargo, los primeros ejemplos de diseño sonoro aparecieron hace miles de años. Los griegos y los romanos construyeron dispositivos mecánicos únicos para incorporar efectos sonoros a sus representaciones escénicas, como las máquinas de viento, formadas por ruedas giratorias envueltas en tela, y las máquinas de trueno, que consistían en bolas de latón que se dejaban caer sobre pieles de vaca estiradas.
Sin embargo, a principios del siglo XX, cuando los ingenieros tuvieron por fin la capacidad de sincronizar el sonido en el cine y la radio, empezaron a crear efectos sonoros en directo durante las proyecciones cinematográficas y las emisiones radiofónicas utilizando diversos dispositivos mecánicos.
"El cantante de jazz" (1927), la primera película sonora, desempeñó un papel importante en la popularización del sonido sincronizado en el cine.
En la década de 1930, los diseñadores de sonido empezaron a utilizar sonidos grabados para efectos específicos en el cine y la radio con el fin de hacer más creíbles los medios de comunicación. Jack Foley fue uno de los pioneros de los efectos de sonido y desarrolló la técnica de crear y sincronizar efectos de sonido en tiempo real con la acción en pantalla.
Esto dio origen al término "Foley", o proceso de añadir efectos de sonido personalizados en las películas.
Desde la década de 1940 hasta la de 1970, la tecnología evolucionó rápidamente, dando a los diseñadores de sonido un mayor control creativo. La cinta magnética fue un elemento revolucionario del diseño sonoro, ya que permitía editar y manipular los sonidos grabados.
La forma artística se acuñó como "Musique concrète".
Los sintetizadores no tardarían en llegar al mercado, gracias a pioneros como Pierre Schaeffer y Robert Moog, permitiéndonos crear paisajes sonoros para cine y televisión como nunca antes.
Por supuesto, lo que realmente lo cambió todo para el productor moderno actual fue la llegada de la tecnología digital en la década de 1980. Con una combinación de estaciones de trabajo de audio digital, samplers y sintetizadores, el cielo se convirtió en el límite para la integración del diseño sonoro.
¿Qué hace un diseñador de sonido?
Los diseñadores de sonido esculpen, editan, crean y manipulan el sonido para diversos medios, como la música, el cine, la televisión, los juegos y las aplicaciones UX. Dependiendo del tipo de proyecto en el que trabajen, el alcance de su labor puede variar. Veamos algunos ejemplos de las funciones que puede desempeñar un diseñador de sonido.
Diseño sonoro en la música
En la producción musical, el papel de los diseñadores de sonido puede variar mucho.
Para componer, crear y manipular el sonido de sus pistas, se adentran en el complejo mundo de los instrumentos (reales o virtuales), las grabaciones de campo, los procesadores de efectos y las DAW.
Por ejemplo, un diseñador de sonido puede querer crear un sonido de sintetizador único en su DAW para que actúe como elemento melódico principal en su último tema de deep house. Puede utilizar un sintetizador como Serum, de Xfer Records, para crear una pista única con una combinación de tablas de ondas y efectos, o una colección de muestras grabadas a medida y pasadas por un motor de efectos granulares para crear algo más orgánico.
Flying Lotus (Steve Ellison) es un excelente ejemplo de productor que utiliza el diseño sonoro para su música que desafía los géneros.
"Cosmogramma" es uno de mis álbumes electrónicos favoritos del siglo XXI, ya que mezcla elementos de jazz, hip-hop y música electrónica. Durante la grabación del álbum, la madre de Ellison enfermó gravemente. Mientras estaba en el hospital, decidió llevar a la habitación de su madre un juego de micrófonos y un equipo de grabación para grabar muestras de audio de los monitores de constantes vitales y los respiradores, que luego utilizaría en la pista final del álbum, "Galaxy in Janaki".
Aunque se trataba de algo poco convencional (y potencialmente extraño), señaló que "no quería olvidar el espacio" mientras lloraba la muerte de su madre. Estos sonidos se convirtieron en una parte importante de ese tema.
Diseño de sonido en producciones de cine y televisión
En el cine y la televisión, los diseñadores de sonido desempeñan un papel fundamental para realzar la narrativa visual.
Ya sea el crujido de una puerta que aumenta el suspense en una película de terror o el lejano retumbar de un trueno que marca el tono de una tormenta inminente, los diseñadores de sonido profesionales crean y seleccionan cuidadosamente los sonidos para sincronizarlos con los efectos visuales de la pantalla.
Un gran ejemplo de ello es la exitosa película de 1993 "Parque Jurásico", en la que el diseñador de sonido Gary Rydstrom dio vida a estas criaturas prehistóricas creando rugidos realistas de dinosaurios. Según Rydstrom, el icónico rugido del T-Rex era un compuesto de varios sonidos de animales, como el gruñido de un tigre, el chillido de una cría de elefante y el gorgoteo de un caimán.
Diseño de sonido en videojuegos
En la industria de los videojuegos, los diseñadores de sonido tienen que construir mundos enteros desde cero para ofrecer a los jugadores experiencias auditivas envolventes.
Desde el eco de las pisadas hasta el estruendo explosivo de un cañón de un barco del siglo XVIII disparando a lo lejos, cada sonido es un elemento constructivo.
Pensemos en el juego postapocalíptico "The Last of Us", que utiliza los sutiles ecos de la fauna lejana y el inquietante ambiente de las ciudades abandonadas para crear una atmósfera terrorífica. Por supuesto, los que han jugado al juego saben que ni siquiera esos efectos de sonido son comparables al estremecedor tema de guitarra de Gustavo Santaolalla.
Diseño de sonido en la experiencia del usuario (UX)
Los diseñadores de sonido también trabajan con desarrolladores de productos para crear sonidos para UX y otras aplicaciones del mundo real.
Ese pequeño silbido que oyes en tu smartphone cuando envías un correo electrónico es obra de un diseñador de sonido. Lo mismo ocurre en entornos físicos, como los ascensores, donde oyes un pequeño timbre que te indica que has llegado a una planta o que es hora de que entren nuevos pasajeros.
Diseño de sonido en el teatro
Por último, pero no por ello menos importante, vemos el diseño de sonido en las representaciones teatrales en directo. Como he dicho antes, los efectos de sonido en los escenarios existen desde hace miles de años, aunque con una tecnología mejor que nunca, los diseñadores de sonido en directo tienen mucha más flexibilidad que los antiguos griegos y romanos.
Más allá de la icónica partitura de Elton John y Tim Rice en la producción de Broadway de "El Rey León", escuchará el uso de inmersivos paisajes sonoros de la sabana africana y sonidos de animales, que se unen para crear un mundo en el que el público puede adentrarse.
Creación del primer sonido
Un gran diseño sonoro requiere una intrincada danza entre distintos elementos de diseño sonoro.
Para convertirte en un maestro de la creación y manipulación de sonidos, tienes que entender cómo se interrelacionan estos elementos. Exploremos algunos de los componentes básicos del diseño sonoro y las distintas herramientas de diseño sonoro que puedes utilizar para crear nuevos sonidos.
1. Elegir la herramienta de diseño de sonido adecuada
Al iniciarte en la búsqueda del diseño de sonido, lo primero que tendrás que hacer es encontrar la herramienta que mejor se adapte a ti.
Una vez que sepas qué tipo de sonido quieres crear, puedes preguntarte: "¿Qué fuente de audio puedo utilizar para crear este sonido?".
Sintetizadores
Los sintetizadores son indispensables en el mundo del diseño sonoro.
Con la potencia de las formas de onda, los osciladores y los efectos, puedes moldear y remodelar los sonidos a tu antojo.
También hay varios estilos de síntesis, cada uno de los cuales tiene un timbre único que se adapta mejor a los distintos proyectos.
Por ejemplo, los sintetizadores analógicos transmiten una calidez difícil de reproducir en otros lugares. Los sonidos de un Minimoog o un Juno-60 capturan a la perfección la esencia de una época pasada y son perfectos para dar un tono "vintage" a tus sonidos personalizados.
Echa un vistazo al revolucionario álbum de 1974 de Kraftwerk "Autobahn", en el que la banda utilizó una mezcla de sintetizadores analógicos, incluidos los famosos ARP Odyssey y Minimoog, para crear una pieza musical de 22 minutos que simula la experiencia de conducir por la autopista alemana.
Muestreadores
El artista noruego de electrónica ambiental Geir Jenssen, más conocido bajo el seudónimo de Biosphere, incorpora a sus composiciones grabaciones de campo en bruto del mundo natural que le rodea.
Su aclamado álbum "Substrata", de 1997, entreteje paisajes sonoros atmosféricos con grabaciones del mundo natural, como el viento, el agua y el canto de los pájaros, para crear una experiencia sonora única y envolvente.
Para un ejemplo más moderno, el productor musical Rob Late, de Ableton, utiliza grabaciones muestreadas de elementos de su estudio que le rodean para construir pistas completas.
Grabadoras de campo
Aventurarse más allá de los confines de un estudio no es para todo el mundo, pero utilizar grabaciones de campo personalizadas en la música es una de mis formas favoritas de añadir una característica tridimensional orgánica y auténtica a la música y el subrayado.
El sonidista británico Chris Watson es uno de los pioneros de la grabación de campo más influyentes de la historia, conocido sobre todo por sus inmersivas grabaciones del mundo natural. Fue uno de los miembros fundadores de Cabaret Voltaire, un proyecto de música experimental de los años setenta y ochenta.
Echa un vistazo al vídeo de arriba para ver cómo Watson capta los sonidos ambientales y los utiliza en su trabajo.
2. Ajustar los elementos fundamentales
Una vez que hayas encontrado la herramienta de diseño de sonido que deseas, el siguiente paso en tu viaje alquímico es ajustar esos sonidos para que cumplan tu objetivo.
Comprender las formas de onda
En el laberinto del diseño sonoro basado en sintetizadores, elegir el punto de partida adecuado es fundamental.
Deberás elegir una forma de onda con un timbre similar al resultado final deseado.
Tanto si quieres conseguir la suave pegada de un bombo limpio como el zumbido modulado de un cañón láser, contar con la forma de onda básica adecuada creará el escenario perfecto.
Una vez me encargaron que creara un sonido ambiente distante, de otro mundo, para un cortometraje de ciencia ficción, y decidí empezar construyendo sobre una onda sinusoidal. Las ondas sinusoidales son conocidas por su pureza, lo que las convierte en la base perfecta para otras capas, sobre todo cuando quieres algo que suene más misterioso.
Por supuesto, todas las formas de onda básicas -senoidal, cuadrada, diente de sierra y triangular- son diferentes.
Cada uno tiene una firma sonora distintiva y, como diseñador de sonido, es importante aprender a discernir sus cualidades únicas.
Te recomiendo que te tomes un tiempo para sumergirte en los tonos puros de cada forma de onda para que puedas empezar a distinguirlos en los sonidos que escuchas en tus canciones o paisajes sonoros favoritos.
Las ondas triangulares son mucho más suaves que las cuadradas, aunque un poco más ricas que las sinusoidales. Los dientes de sierra son un buen punto intermedio, y así sucesivamente. Piensa en el proceso como si fueras un pintor que aprende a combinar los distintos colores primarios para crear texturas más refinadas.
Deconstrucción de sonidos complejos
El verdadero reto entra en juego cuando te enfrentas a la ingeniería inversa de sonidos complejos, como el sonido de una pistola láser futurista.
Siempre que me encargan la tarea de crear un sonido específico, me gusta pensar en él como si fuera un puzzle. Intento identificar y aislar las capas individuales clave responsables del ataque, el sustain y la liberación del sonido.
Por ejemplo, veamos cómo el diseñador de sonido Ben Burtt hizo el icónico sonido del sable láser de Star Wars.
El zumbido de ralentí, que es el ruido principal del sable láser, procedía de dos motores de proyector entrelazados y del zumbido de un viejo tubo de imagen de un televisor. En cuanto al sonido de choque, cuando los dos sables láser se unían en combate, Burt necesitaba un ataque, un sostenido y una liberación.
Para el ataque, utilizó el sonido de un palo clavado en hielo seco, mientras que para el sostenido y la liberación, utilizó el sonido afectado de una aspiradora.
3. Dar forma a la envoltura
Una vez que tengas la materia prima, puedes empezar a jugar con las envolventes de amplitud.
La envolvente de amplitud de un sonido es su evolución en el tiempo, incluidos el ataque, la caída, el sostenido y la liberación.
A la hora de crear un nuevo sonido, tendrás que hacerte preguntas como:
¿Quiero que el sonido golpee fuerte con un impacto inmediato o que se despliegue gradualmente?
¿Debe desaparecer rápidamente o desvanecerse suavemente?
La forma de ajustar la envolvente de amplitud determinará las respuestas a estas preguntas.
Veamos brevemente estas características principales de la envoltura:
- Ataque - El tiempo de ataque es el tiempo que tarda un sonido en alcanzar su máxima amplitud. El ataque de un redoblante y el de una cuerda de violín son muy diferentes. Si quisieras recrear el choque de dos espadas, podrías considerar un sonido con un ataque agudo y metálico.
- Decaimiento - La fase de decaimiento se establece directamente después de que un sonido alcanza su amplitud máxima y dicta el tiempo que tarda en descender de nuevo a su nivel de sustain. Me gusta pensar en la resonancia. Por ejemplo, si toco una nota en un pequeño piano de salón y luego toco la misma nota en un gran piano de cola, obtendré más decaimiento del piano de cola, gracias a la resonancia añadida de la caja.
- Sostenido - Esta parte de un sonido se centra en el nivel de volumen que mantiene cuando se mantiene. Volviendo al ejemplo del choque de espadas, el sustain sería bastante rápido a menos que se produjera un largo "ping" por la vibración de los dos metales al chocar.
- Release - El release es el tiempo que tarda una nota en decaer desde el nivel de sustain hasta el silencio total. Quieres que un sonido se prolongue o que puntúe de forma percusiva?
Comprender el ADSR es clave a la hora de crear efectos de sonido y texturas sónicas, aunque no es el paso final.
4. Añadir modulación
En el mundo vivo, el sonido no es estático. Se mueve y modula. Lo mismo debería ocurrir con la música y los efectos sonoros que crees.
La mejor forma de hacer más interesantes los sonidos estáticos es añadirles modulación.
En esencia, lo que desea es variar una o varias propiedades de un sonido o forma de onda determinados a lo largo del tiempo, ya sean cambios sutiles en el tono o la evolución del contenido de frecuencia.
Cuando se escuchan sonidos que se quieren recrear, hay que discernir qué elementos de ese sonido cambian con el tiempo.
¿Oyes cambios de tono?
¿Cambia el volumen de un momento a otro?
¿Hay filtros o generadores de armónicos que introduzcan nuevos contenidos de frecuencia?
El proceso de modulación tampoco tiene por qué ser evidente. Puedes introducir sutilmente cambios de tono y frecuencia ajustando los mandos o deslizadores de tu sintetizador o procesadores de efectos. Esto puede hacerse manualmente o con osciladores de baja frecuencia (LFO), que ofrecen un estilo de modulación más rítmico y predecible.
Como diseñador de sonido, puedes utilizar parámetros como la velocidad, la intensidad o el tipo de forma de onda para cambiar la forma en que un sonido evoluciona con el tiempo.
Para poner en práctica esta estrategia, te recomiendo que experimentes con la automatización en tu DAW. Puedes tomar un sonido y dibujar envolventes de modulación personalizadas para darle movimiento y energía.
5. Aplicar efectos
La parte final, y a menudo la más emocionante, del proceso de diseño de sonido es añadir efectos. Aquí es donde transformas por completo el audio con el que estás trabajando para crear algo realmente especial.
La mayoría de los diseñadores de sonido cuentan con enormes arsenales de efectos, tanto de hardware como de software, y muchos han construido cadenas de señales únicas para ofrecer distintos estilos de profundidad, espacio y textura.
Con una cuidada secuencia de efectos, puedes convertir una única señal de audio en toda una experiencia.
El principal objetivo de los efectos de audio es recrear fenómenos psicoacústicos. Piensa en un lugar o una experiencia y piensa en todos los elementos que colaboran para crear los sonidos que hay en ellos.
La inmensidad del sonido que se oye en un cañón tiene que ver con la distancia entre las superficies duras y el número de repeticiones de eco que se escuchan, mientras que el sonido de una voz que te habla al otro lado del teléfono tiene que ver con la resonancia de un filtro paso banda y un poco de saturación.
Hay cuatro tipos principales de efectos que utilizamos en el diseño de sonido, cada uno de los cuales ofrece capacidades distintas.
- Efectos basados en el tiempo: La reverberación y el retardo modelan la dimensión temporal, dando a los oyentes la ilusión de espacio y profundidad.
- Efectos de modulación: Los efectos chorus, phaser, flanger, trémolo y auto-pan añaden movimiento y carácter a los sonidos.
- Filtros: Los filtros de paso bajo, alto y banda nos permiten modelar el espectro de frecuencias de los sonidos.
- Efectos dinámicos: La compresión y la saturación nos permiten controlar la intensidad dinámica de los sonidos al tiempo que añaden características tímbricas únicas.
Digamos que queremos crear un sonido atmosférico espacial, de ciencia ficción.
Yo empezaría con un pad de sintetizador básico y aplicaría una generosa cantidad de reverberación. Como estamos en el espacio, la cola de reverberación tendría que ser bastante larga (lo sé, en realidad no hay sonido en el espacio, así que ten paciencia conmigo y no seas un guerrero del teclado). Incluso puedes experimentar con el parámetro de difusión para mezclar un poco más las reflexiones y hacer que la reverberación sea más densa.
A continuación, puedes añadir un efecto de retardo para aumentar aún más la sensación de espacio. Cuanto mayor sea el tiempo de retardo, más expansivo parecerá el sonido.
Para que suene más de otro mundo, puedes colocar un efecto de modulación, como un chorus o un phaser, después del retardo y la reverb en la cadena, para darle algo de movimiento.
Por supuesto, tampoco dudaría en cambiar el orden de la cadena de señales para ver qué otros resultados obtenía o automatizar los parámetros dentro de cada efecto para añadir aún más movimiento.
10 consejos adicionales para mejorar su diseño de sonido
Ahora que ya tienes una idea bastante clara de las distintas estrategias y efectos que utiliza un diseñador de sonido para crear un nuevo sonido o paisaje sonoro para una canción, una película, un juego o un producto, veamos algunos consejos y técnicas que pueden ayudarte a mejorar tu diseño de sonido.
1. Apilar texturas y superponer sonidos
Apilar texturas y superponer sonidos es una forma estupenda de añadir profundidad a tus sonidos. Combinando diversos elementos, puedes crear sonidos compuestos que son más que la suma de sus partes.
El sonido de una guitarra arenosa, distorsionada y con tono de octava sobre un pad de sinte ambiental sutil pero amplio puede hacer que ambos sonidos resulten más interesantes.
2. Aprovechar el efecto Haas
El efecto Haas es una forma sutil pero potente de transmitir la percepción de amplitud en un sonido. Al retardar ligeramente un canal de una señal estéreo, hace que suene más amplio. Es una herramienta maravillosa para tomar sonidos que de otro modo estarían centrados y extenderlos "fuera de los altavoces".
3. No sigas añadiendo elementos si la mezcla no funciona
En la búsqueda de la perfección, los productores y compositores musicales se encuentran a menudo añadiendo continuamente nuevos elementos si descubren que su mezcla no funciona.
Te animo a que reconozcas cuándo tienes esta inclinación y resistas la tentación de enterrar tu mezcla en basura. En lugar de eso, céntrate en refinar y optimizar lo que ya tienes. El mantra es más calidad que cantidad, por eso es tan importante elegir los elementos con cuidado.
4. El silencio es tu amigo
A menudo subestimamos el poder del silencio en el diseño sonoro, lo cual es irónico porque existe en nuestro lenguaje cotidiano.
Cuando ponemos un punto al final de una frase, damos al lector o al oyente un momento para respirar y reflexionar sobre lo que acaba de oír. Lo mismo debería ocurrir con la música y el diseño de sonido.
Al incorporar estratégicamente el silencio a nuestro proceso de creación, podemos crear momentos de tensión, haciendo que los sonidos principales parezcan más impactantes.
5. Experimenta siempre con la marcha atrás
Aunque es fácil abusar del efecto inverso, a veces es justo lo que necesitas para hacer un sonido más interesante.
Ya se trate de un golpe de platillos invertido que represente el sonido de la puerta de una esclusa al cerrarse o de una reverberación invertida detrás de una voz seca para darle un aspecto fantasmagórico, existen infinitas formas de experimentar con la inversión del audio que pueden abrir posibilidades únicas.
6. Graba sonidos en la medida de lo posible
Una de las mejores formas de hacer que tu diseño de sonido sea más auténtico es grabar sonidos siempre que sea posible. Siempre llevas encima un pequeño dispositivo de grabación (tu smartphone). ¿Por qué no aprovecharlo para capturar los sonidos orgánicos del mundo que te rodea y manipularlos después en tu DAW?
En una de mis canciones recientes, "Under the Sun", incorporé una grabación de los pájaros de mi vecino de al lado y rocié el audio con una fuerte dosis de reverberación para que pareciera que volaban por un cañón.
7. Aprovechar el ruido
Aunque a menudo pensamos en el ruido como algo que no queremos en nuestras mezclas, puede ser un aliado increíblemente poderoso en el diseño de sonido.
Experimenta con distintos tipos de ruido -blanco, rosa o incluso granular- para añadir textura, carácter y complejidad a tus sonidos.
8. Utilizar el campo estéreo completo
Si no maximizas tu campo estéreo de derecha a izquierda, estás perdiendo muchas oportunidades.
Crear un espacio tridimensional requiere cuidado, ya que implica distribuir los elementos de forma que se complementen, no que se enmascaren.
También requiere contraste. Para que un sonido dé la percepción de anchura, necesitamos un sonido estrecho que lo contraste. Experimenta moviendo los sonidos en el campo tridimensional y utiliza efectos como la panorámica automática para crear aleatoriedad.
9. El contraste es la clave
Más allá del campo estéreo, el contraste es igual de importante en todos los aspectos del diseño sonoro.
Sin suavidad no hay ruido, y sin suavidad no hay dureza.
Utilizando distintos sabores en su proceso, puede crear una receta más dinámica.
10. Manténgase organizado
Este último consejo no es creativo, sino más bien práctico.
El proceso de diseño de sonido puede ser caótico, y la mejor forma de mantener el orden es organizarse.
Asegúrate de que tus pistas y elementos están etiquetados correctamente, organiza tus sonidos y efectos en carpetas de fácil acceso y utiliza plantillas y cadenas de efectos preconfiguradas en tu DAW para que, cuando te llegue la inspiración, puedas sumergirte de lleno en ella en lugar de perder el tiempo buscando ese archivo de audio de caja distorsionada que hubieras jurado que tenías en tu arsenal.
Reflexiones finales
Ser un gran diseñador de sonido lleva años de práctica. Sin embargo, conocer las técnicas únicas de mezcla y grabación experimental que utilizan los diseñadores de sonido, ya sea en la producción musical, el diseño de sonido de películas, la producción televisiva o los videojuegos, puede darte ventaja a la hora de producir tus propios sonidos originales.
Hay un paisaje infinito de sonido ahí fuera, esperando a que lo machaques, manipules, mezcles y masterices. Ve a capturarlo.
