Hoy en día, la EDM está en todas partes.
Se escucha en los mayores festivales de música, como Electric Daisy Carnival o Tomorrowland, en tu bar local favorito, en fiestas en casa y en la mayoría de las emisoras de radio. Casi una cuarta parte de la música de Spotify está etiquetada como EDM, y el 23% de los oyentes de entre 16 y 19 años la escuchan.
Lo curioso es que la EDM ni siquiera es un género. Es un término paraguas que incluye una variedad de estilos tan diferentes entre sí que algunos apenas tienen nada en común.
Sin embargo, desde principios de la década de 2010, la revolución de la EDM ha cambiado la cultura de baile y la música pop para siempre, disparando la vieja música electrónica al reino de la corriente principal, y arrojando luz sobre el vibrante ecosistema de DJs y clubes que empujan los límites de este nuevo movimiento.
Hoy analizaremos qué es la EDM, cómo empezó y hacia dónde se dirige, y definiremos sus subgéneros más populares. Terminaremos el artículo con una sección sobre cómo puedes hacer EDM utilizando tu DAW (estación de trabajo de audio digital), así que si eso es lo que estás buscando, puedes saltar directamente a la sección Introducción a la producción de ED M.
Definición de EDM
EDM son las siglas de Electronic Dance Music (música electrónica de baile), y eso explica más o menos a qué se refiere este término paraguas: es música hecha con instrumentos sintetizados electrónicamente que están diseñados para hacer bailar a la gente a través de ritmos y melodías pegadizas.
Los instrumentos electrónicos pueden ser tanto analógicos como digitales, al igual que los procesos de muestreo y edición de audio. Lo importante es recordar que el término "EDM" incluye todo lo que está hecho para bailar.
La música electrónica, un término paraguas aún más amplio, incluye géneros musicales como la electroacústica, el drone y la música ambiental, que no son géneros bailables pero que se siguen haciendo por medios electrónicos, o una combinación de elementos analógicos y electrónicos.
Volvamos a la EDM. Dada la variedad de géneros que entran dentro de esta categoría, es difícil encontrar elementos comunes entre todos ellos, pero aquí van algunos:
- Todos tienen un pulso rítmico, en un tempo que puede oscilar entre 60 BPM (Dub) y 180 o más (Drum and Bass).
- Las canciones suelen ser fáciles de escuchar y memorables, con melodías pegadizas y un ambiente enérgico.
- A todos los instrumentos y voces se les aplican numerosos efectos y procesamientos.
- Uso frecuente de muestras y material pregrabado.
- Es música diseñada para galvanizar a los oyentes cuando suena en festivales y fiestas.
Todo lo demás es opcional, y cada género tiene su propia firma sonora que lo separa de los demás, que es lo que hace de la EDM un ecosistema tan vibrante y creativo para los productores.
Cronología de la EDM
Aunque parezca mentira, la EDM tiene sus raíces en la Musique Concrète, una forma de composición musical que comenzó en la década de 1920 y se basa en mezclar y modificar sonidos pregrabados.
Fue la época en que los compositores intentaron por primera vez crear música a partir de múltiples capas de sonidos y mezclarlas para crear un paisaje sonoro coherente. Un gran ejemplo de esta forma de arte es la obra de John Cage.
A medida que evolucionaba la tecnología, también lo hacía la experimentación electrónica. Generadores electrónicos más potentes propiciaron el nacimiento de la Elektronische Musik en la Alemania de los años 50, un movimiento de música puramente electrónica liderado por el gran Karlheinz Stockhausen.
(Alemania se convirtió en un fenomenal crisol de experimentación electrónica, dando vida durante décadas a géneros electrónicos únicos, desde la Kosmische Musik hasta el Electropop y el Berlin Techno. A día de hoy, Berlín es uno de los destinos musicales ineludibles para los entusiastas de la EDM).
A finales de los 60 y durante los 70, la popularidad de los sintetizadores modulares (el primer sintetizador comercial de Robert Moog salió a la venta en 1964) y las cajas de ritmos dio lugar a una mayor exploración de los sonidos electrónicos.
La música disco, con sus ritmos "four-on-the-floor" y sus adictivas líneas de bajo, es precursora de la EDM moderna y alcanzó el éxito mundial con Giorgio Moroder y Donna Summer. El electropop, con Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra como artistas más populares, también alcanzó el éxito mundial a mediados de los años setenta.
También es crucial mencionar el impacto de la música dub y la cultura de los sistemas de sonido que se originaron en Jamaica por esta época, que encendieron la cultura de la remezcla y potenciaron el uso de los platos de DJ y las mesas de mezclas como instrumentos creativos.
A principios de la década de 1980, todos estos elementos convergieron y se mezclaron en dos ciudades, Chicago y Detroit, que dieron origen a la música House y Techno, respectivamente.
La música Chicago House es la música disco revisitada en una forma más electrónica, con ritmos de 4/4 hechos con cajas de ritmos, melodías accesibles, líneas de bajo profundas y síncopas realzadas.
La música Techno de Detroit es más futurista, con ritmos más pesados y una vibración más abstracta que el House. También suele tener ritmos percusivos más complejos.
A partir de los años 90, empezaron a surgir nuevas ramificaciones en el ecosistema de la música electrónica en todo el mundo.
Durante años, la música trance se convirtió en la fuerza motriz de la música electrónica mainstream, mientras que géneros más orientados a la rave como el jungle y el Drum and Bass se popularizaban en el Reino Unido y la cultura de club europea. El dúo francés Daft Punk dio vida a una mezcla única de música electrónica, dance y disco que los convirtió en un fenómeno mundial.
En el siglo XXI, la popularización de los DAW revolucionó la producción de música electrónica, permitiendo a innumerables artistas experimentar con la producción musical incluso sin tener acceso a equipos musicales o estudios de grabación de alta gama.
Esto nos lleva al siguiente capítulo: los géneros EDM más populares en la actualidad.
Panorama de los géneros EDM
Existen infinitos géneros y subgéneros dentro de la categoría EDM, y analizar cada uno de ellos va más allá del alcance de este artículo. Sin embargo, es importante entender las diferencias entre los estilos EDM más populares y cómo debes enfocar la producción en función del género en el que quieras centrarte.
En esta sección encontrarás una lista de algunos de los géneros de música electrónica de baile más populares del pasado y del presente, por orden alfabético. Para mantener las cosas simples y ordenadas, para cada género he esbozado las principales características sónicas, el tempo habitual y los artistas más populares que definieron el género.
Tecno ácido
Desde finales de los 80 y durante los 90, el Acid Techno fue un éxito en las raves y clubes underground. Se inspiraba en los sonidos de otro mundo del sintetizador Roland TB-303 y se caracterizaba por ritmos repetitivos, texturas minimalistas y un tempo de 140 BPM. Echa un vistazo a Aphex Twin, Richie Hawtin y Chris Liberator para hacerte una idea.
Bajo
La Bass Music es un estilo amplio que incluye géneros como el Dubstep, el Drum and Bass, el Trap y, básicamente, cualquier cosa que tenga un potente extremo bajo. La bass music suele tener líneas de bajo pesadas que se inspiran en la cultura del soundsystem y el garaje del Reino Unido. Skream y Benga son pioneros del género.
Casa grande
El Big Room House, epítome de un sonido apto para festivales, es el género EDM más importante actualmente en la escena de los clubes. Se hizo popular a principios de la década de 2010, y Martin Garrix, Hardwell, Nicky Romero y Afrojack se convirtieron rápidamente en los máximos representantes del género. Como estilo, es muy fácil de identificar: drops masivos, melodías sencillas y un tempo de alrededor de 128 BPM.
Bitpop
Mezcla de elementos chiptune con música pop, el Bitpop es un género de música electrónica que utiliza los chips de sonido de ordenadores antiguos (de 8 o 16 bits) y los combina con equipos modernos y voces. Tiene un aire nostálgico, con un tempo que oscila entre 100 y 140 BPM. Escucha Anamanaguchi y Slagsmålsklubben.
Breakbeat Hardcore
El breakbeat hardcore combina ritmos de breakbeat con la sensación galvanizante de la música rave. Surgió en los años 90 en el Reino Unido y suele tener ritmos rápidos de 145-155 BPM o más, bajos pesados y ganchos vocales sampleados. The Prodigy, especialmente sus primeros álbumes, son los mejores ejemplos de este estilo.
Deep House
El deep house tiene un ambiente envolvente, con líneas de bajo pegadizas, elementos percusivos, acordes jazzísticos y un tempo de 120-125 BPM. Duke Dumont, Robin Schulz y Maya Jane Coles son grandes artistas que deberías conocer si te interesa este género.
Techno profundo
A diferencia del Deep House, el Deep Techno tiene texturas más ricas y un flujo más hipnótico. Tiene un tempo constante de aproximadamente 120-125 BPM y a menudo incluye paisajes sonoros ambientales. En mi opinión, Donato Dozzy y Deepchord son los mejores.
Downtempo
El downtempo combina elementos de la música ambiental y chillout para crear una atmósfera relajante. Suele tener un tempo lento de 60-90 BPM para realzar la atmósfera relajante e introspectiva que transmite el género. Echa un vistazo a Bonobo para hacerte una idea.
Drum and Bass
El drum and bass surgió en el Reino Unido a principios de los 90 y está experimentando un gran resurgimiento en la actualidad. Tiene un tempo de 160-180 BPM, breakbeats rápidos, líneas de bajo cavernosas y ritmos intrincados inspirados en la batería de jazz con esteroides. Recomiendo escuchar a Chase & Status, Pendulum, Sub Focus, Goldie y Noisia.
Dub Techno
El Dub Techno tiene un sonido profundo que incita a la introspección, y una atractiva vibración dub que lo convierte en un elemento básico en los clubes underground de todo el mundo. Su tempo oscila entre 110 y 120 BPM. Artistas como Basic Channel y Deepchord son pioneros del género.
Dubstep
El dubstep fue el género de mediados de la década de 2000, con sus fuertes caídas de bajo y ritmos sincopados que influyeron en todos los demás géneros dominantes, desde el heavy metal hasta el pop. Tiene un tempo de unos 140 BPM y una atmósfera oscura y melancólica. El género puede ser muy diverso, pero no hay duda de que Burial ha creado una firma sonora que definió el género, así que echa un vistazo a su discografía si quieres saber más sobre el estilo.
Electro House
El Electro House se hizo popular a principios de la década de 2000, con una mezcla de música house y sonidos de inspiración electrónica, líneas de bajo pesadas y un tempo que oscila entre 125 y 135 BPM. Deadmau5 y David Guetta convirtieron el género en la corriente dominante en su día.
Electro Swing
Electro Swing, una interesante fusión de música swing vintage y ritmos electrónicos modernos, ofrece un enfoque bastante singular de la EDM moderna, con ritmos up-tempo en torno a 110-130 BPM y un uso intensivo de samples de metales. Echa un vistazo a Parov Stelar y su inmensa producción para experimentar el género en su máxima expresión.
Bajo futuro
El Future Bass tiene un ambiente más cálido y un sonido más animado que los géneros en los que se inspira, principalmente el dubstep y el trap. Se popularizó a mediados de la década de 2010, con un tempo que oscila entre 130 y 175 BPM. Flume e Illenium popularizaron el género en la última década, aunque el Future Bass parece haber perdido impulso en la década de 2020.
Glitch
La música glitch utiliza la distorsión digital, los glitches y los sonidos inesperados para crear un paisaje sonoro experimental, normalmente acompañado de un ritmo de inspiración electrónica. Artistas como Autechre, Apparat y Tim Hecker son grandes representantes del género.
Hardstyle
Muy popular en los Países Bajos, Bélgica e Italia, el Hardstyle es un género contundente y directo, con bombos distorsionados y melodías enérgicas. El tempo suele rondar los 140-150 BPM. Headhunterz y Showtek han pinchado este género en los festivales más famosos del mundo.
Industrial
La música industrial puede ser extremadamente diversa, oscilando entre el ambient y la música metal y cualquier cosa intermedia, pero siempre se encontrará un sentimiento distópico que de alguna manera conecta el género en todas sus variaciones. Nine Inch Nails y Front 242 son algunos de los exponentes más conocidos del género.
Lo-Fi
Baja calidad de sonido, ritmos suaves, ruido ambiental y un tempo relajado de unos 60-90 BPM es la fórmula de éxito del lo-fi, un género que se ha hecho muy popular en la última década, sobre todo porque es perfecto para estudiar y relajarse. Artistas como Nujabes y Jinsang han sido pioneros en este género con sus temas relajantes y nostálgicos.
Minimal Techno
El Minimal Techno es una versión despojada del Techno, con ritmos repetitivos, elementos minimalistas y un tempo de entre 120 y 130 BPM, que se hizo popular a principios de la década de 1990. Richie Hawtin, Robert Hood, Ricardo Villalobos y Mika Vainio son algunos de los grandes productores que exploraron este género hipnótico.
Progressive House
El Progressive House es un estilo de música House inspirado en el trance, con estructuras melódicas, caídas eufóricas y un tempo que suele rondar los 125-130 BPM. Sin embargo, también muestra una estructura más compleja en comparación con el trance edificante, con intrincadas capas rítmicas o patrones melódicos. Echa un vistazo a Eric Prydz, deadmau5, Swedish House Mafia y Lane 8.
Trance
La música trance es pura euforia traducida en sonidos. Con melodías envolventes y un tempo cautivador (hasta 150 BPM) con estimulantes subidas y bajadas, el género se popularizó en los 90 y desde entonces nunca ha abandonado las pistas de baile. Te recomiendo que empieces a explorar el género de la mano de los maestros: Armin van Buuren, Paul van Dyk y Tiesto.
Garaje Reino Unido
El UK Garage surgió en la década de 1990 en el Reino Unido como una mezcla de ritmos sincopados de 2 pasos con elementos de dance y R&B. Inspirado en gran medida en el movimiento jungle, pero más accesible para los oyentes ocasionales, el género se popularizó rápidamente en todo el mundo. Inspirado en gran medida en el movimiento jungle, pero más accesible para los oyentes ocasionales, el género creció rápidamente en popularidad en todo el mundo, ramificándose en una plétora de subgéneros, desde bassline, future garage, grime y dubstep. El-b y Groove Chronicles se cuentan entre los mejores artistas que exploran el género.
Vaporwave
El vaporwave es un fascinante microgénero que combina la estética retro con un aire surrealista. Suele presentar samples ralentizados, con un tempo de unos 60-90 BPM, que recuerdan a la cultura pop de los 80 y 90, así como a la música para anuncios y la música de ascensor de épocas pasadas. A lo largo de los años, el género se ha utilizado como herramienta para exponer (y criticar) la tecno-cultura moderna. Si te interesa este rincón oculto de la EDM, no dejes de echar un vistazo a Telepath y Saint Pepsi.
Introducción a la producción EDM
Puede que tu primer tema no parezca un éxito mundial, pero dar tus primeros pasos en el mundo de la producción musical EDM no es tan difícil. Hay ciertos programas y plugins que necesitas, pero después de eso, ¡todo lo que tienes que hacer es practicar, practicar y practicar!
A continuación encontrarás lo que creo que es el mejor enfoque a la hora de hacer música EDM. Cada género es diferente, pero por lo que yo sé, esta es una estructura que funciona bien con todos los estilos que entran dentro de la categoría Electronic Dance Music.
Elige tu DAW
Podríamos pasarnos días hablando sobre qué DAW elegir, pero vamos a intentar simplificarlo.
La mayoría de los DAW profesionales, si no todos, cubrirían tus necesidades como productor de EDM, sobre todo si eres principiante. Si GarageBand es todo lo que tienes o puedes permitirte (es gratis), úsalo. Si no usas productos Apple, usa Cakewalk (de nuevo, gratis, pero para Windows).
Si puedes invertir un poco más y quieres aprender a producir pistas de forma profesional, hay dos DAW excepcionales para productores de EDM que te recomiendo: Ableton Live y FL Studio.
Ableton Live es el DAW más popular, y es fenomenal cuando se trata de producción EDM, gracias a su icónico sistema de looping. FL Studio es otra gran opción para los productores de música electrónica, con una biblioteca de sonidos profesional y una caja de ritmos y teclado MIDI súper intuitivos.
Dicho esto, cualquier DAW que tengas disponible debería tener suficientes herramientas y sonidos para crear una pista básica de EDM. Como verás a continuación, yo no utilizo ni Ableton Live ni FL Studio, pero aún así puedo crear una pista EDM desde cero. Así que no te centres demasiado en la herramienta, sino más bien en cómo puedes crear el flujo de trabajo de producción EDM perfecto en tu DAW de elección.
Una vez más, cualquier DAW puede ser bueno, siempre que estés familiarizado con su funcionamiento. Tómate tu tiempo para probar diferentes estaciones de trabajo (la mayoría están disponibles en versión de prueba gratuita) y ver cuál se adapta mejor a tu flujo de trabajo.
Antes de empezar, permíteme aclarar que no existe una regla de oro en la producción de música electrónica. Además, el flujo de trabajo entre productores de hip-hop y techno, por ejemplo, puede ser radicalmente distinto.
Esto quiere decir que espero que encuentres valor en el flujo de trabajo que se presenta a continuación, pero es posible que tengas un enfoque completamente diferente de la producción musical y aún así publiques música excepcional.
Tempo y ritmo
El ritmo de la batería es por lo que hay que empezar, y cuatro en el suelo es el camino a seguir.
Elige la velocidad de tu canción en función del género en el que estés trabajando. Si estás produciendo una canción dance o tech-house clásica, elige entre 126 y 132 BPM.
Para esta guía, utilizaré Studio One como DAW:
Ajustar el tempo de tu proyecto antes de empezar es importante por varias razones, pero sobre todo porque quieres escuchar cómo suenan tus samples a la velocidad a la que se finalizará la pista. Puede que tengas una muestra vocal que suene muy bien a 126 BPM pero extremadamente artificial a 132 BPM, así que elige el tempo sabiamente y asegúrate de escoger las muestras adecuadas para tu pista.
A continuación, céntrate en el bombo, que es la base de tu pista EDM. En tu DAW, añade una nueva pista mono, elige un sonido de bombo que te guste de tu biblioteca (la mayoría de los DAW vienen con alguna biblioteca incorporada, y si el tuyo no lo hace, hay un montón de bibliotecas gratuitas en línea).
A continuación, copia y pega el sonido del bombo en la nueva pista y añade un bombo en cada tiempo del primer compás. A continuación, resalta toda la sección y duplícala durante el tiempo que quieras que dure la pista.
Si lo has hecho correctamente, tu pista EDM debería tener este aspecto:
Los DAW como Ableton Live y FL Studio vienen con sistemas de bucle intuitivos y rollos de piano que convierten la creación de ritmos en un paseo por el parque. Pero, en general, si consigues el tempo adecuado y añades un bombo a todos los ritmos, deberías oír el familiar sonido dance bombeante.
Ahora, centrémonos en la caja, que es lo que hace avanzar la canción.
Los snares de EDM suelen tocar junto con el bombo en las negras, o tocan ritmos más rápidos que conducen a la sección de drop. Este es un ejemplo de un ritmo básico de bombo y caja:
Las canciones de EDM tienen muchas formas, y no toda la música de club es four-on-the-floor. Aun así, es un buen punto de partida si quieres crear tu primera canción de EDM.
Si utilizas samples, asegúrate de que los ritmos estén perfectamente sincronizados y comprueba los niveles de volumen cuando el bombo y la caja suenen simultáneamente. Es fácil obtener un sonido distorsionado, ya que la mayoría de los sonidos EDM están diseñados para sonar lo más alto posible.
Línea de bajo
Aunque ya tengas una melodía en mente, siempre es una buena práctica empezar por la línea de bajo, ya que será el puente entre los acordes y los ritmos que definirán tu canción.
Te recomiendo que al principio lo hagas sencillo. Siempre puedes hacerlo más articulado más adelante en el proceso, pero por ahora, crea algo que sea groovy y pegadizo.
Cuando se trata del bajo, es importante encontrar el equilibrio perfecto entre groove y sutileza. En algunos géneros, como el minimal techno, el bajo puede ser el elemento principal de tu canción, pero en general debe ser el pegamento entre el ritmo y la melodía, añadiendo profundidad a ambos sin eclipsarlos.
Platos Hi Hat y Crash
El emblemático ingeniero de sonido Steve Albini calificó el hi-hat de "instrumento verdaderamente satánico" porque parece estar siempre en el camino cuando se graban baterías. Puede que así sea en la música rock indie, pero cuando se trata de EDM, la sección de hi-hat cuidadosamente elaborada es a menudo lo que hace que una pista resulte galvanizante.
Utiliza una combinación de sonidos de hi-hat cerrados y abiertos que llenen la sección rítmica de elementos agudos, asegurándote de que el hi-hat complementa el ritmo existente y realza el groove.
Algunas pistas funcionan bien con un hi-hat mínimo, mientras que otras se sienten más completas cuando el hi-hat es una presencia constante. A diferencia del bombo y la caja, con el hi-hat puedes ser infinitamente creativo.
No existe una solución única para el hi-hat. Lo único que hay que tener en cuenta es que debe seguir el ritmo de todos los demás elementos de tu canción y añadir variedad a la batería mediante acentos y efectos groovy.
Para este ejemplo, he utilizado un bucle de batería que creé para una pista anterior, pero deberías hacerte una idea:
Melodía y progresión de acordes
Ahora que ya tienes los cimientos de tu pista EDM, es hora de enriquecerla con acordes y melodías.
Una vez más, nada está escrito en piedra, pero mi recomendación es centrarse en los siguientes aspectos, y en el orden que se indica a continuación:
1) Línea de bajo, de la que ya hemos hablado
2) Acordes
3) Melodía
4) Voces (si las hay)
De este modo, crearás el paisaje sonoro de tu canción desde cero, y lo más probable es que te resulte más fácil crear una melodía cohesionada.
Ni que decir tiene que tener unos conocimientos básicos de progresiones de acordes y escalas musicales te será de gran ayuda. Los temas de EDM no suelen ser intrincados desde el punto de vista de la composición, pero deben tener cierta musicalidad para sonar bien.
Puede que des vida a una melodía icónica simplemente tocando al azar en tu teclado MIDI, pero entender la relación entre las distintas teclas puede ayudarte a añadir variedad y profundidad a tus composiciones, y también a hacer que suenen más parecidas a los éxitos mundiales que intentas emular.
Para mi tema, añadí un par de melodías de sintetizador para enriquecer el sonido:
Estructura de la canción
Te habrás dado cuenta de que muchos temas de EDM siguen un patrón similar en lo que respecta a la estructura de la canción.
En parte, esto se debe a que los productores quieren atraer la atención del oyente de inmediato con un diseño familiar, pero hay otro factor crucial que debes tener en cuenta si quieres que tu canción suene en los clubes: tienes que hacerla "apta para DJ".
Al mezclar dos pistas, los DJ necesitan tiempo para fusionar las canciones antes de pasar a la siguiente, lo que significa que las canciones deben empezar despacio, aunque sólo sea con el ritmo, e ir introduciendo el resto de la textura sonora poco a poco.
Lo mismo ocurre con el final de la canción. Como regla general, un minuto para construir la canción al principio y otro minuto para despojarlo todo hasta que lo único que quede sea el ritmo, es una buena práctica.
Siempre puedes publicar dos versiones de las canciones, como hacen muchos productores. A eso se refieren los términos "Radio Edit" o "Extended Version" cuando los ves en el título de una canción.
No hay reglas de oro sobre lo que debe haber entre la intro y la outro, pero no hay duda de que los build-ups y los drops desempeñan un papel crucial en todos los géneros EDM.
El build-up es un crescendo: un momento de las canciones en el que coges impulso y preparas a tu público para lo que está por llegar, que es el drop. Normalmente, el build-up incluye una parte de batería sin el bombo y algunas partes melódicas, y destila una sensación de expectación común en todos los géneros EDM.
El drop es la parte más enérgica de una canción, donde se produce un cambio repentino en la melodía, la línea de bajo o el ritmo, y donde los elementos percusivos y los sonidos graves galvanizan al público.
Para que la canción sea más dinámica, debes alternar momentos de mucha energía con partes más tranquilas, también conocidas como "breaks" o "breakbeats". Son momentos de la canción en los que hay menos movimiento, ya sea solo la melodía o la sección rítmica, para dar sensación de movimiento a la canción y atraer al oyente.
Capas
En las secciones anteriores has visto cómo he creado una estructura básica para una canción. Esa melodía dista mucho de estar completa, aunque haya un ritmo, una línea de bajo, una melodía básica y todo eso. ¿Por qué?
Una vez esbozada la canción, es hora de perfeccionarla añadiendo más elementos percusivos y melódicos, mezclar todos los elementos, añadir profundidad y textura a cada sonido que utilices.
Aquí es donde reside la singularidad de un productor: en la capacidad de crear una firma sonora única, mezclando diferentes elementos de una forma que ningún otro productor musical consigue.
Afinar tus canciones antes de publicarlas es fundamental y sin duda elevará tus melodías, haciéndote sonar más profesional y creativo.
Los ajustes de volumen y la panoramización desempeñan aquí un papel crucial. Cada elemento de tu canción debe oírse con claridad y tener un espacio específico en el escenario sonoro. Si los instrumentos chocan entre sí, sólo provocarán confusión y harán que la canción resulte desagradable.
Escucha la canción con distintos auriculares o altavoces para asegurarte de que sonará bien en el mayor número posible de sistemas de reproducción. Este proceso también te ayudará a simplificar el proceso de posproducción, del que hablaremos en un momento.
Plugins, Efectos, Librerías de sonido
La mayoría de las DAW vienen con una biblioteca de sonidos y efectos que puedes utilizar para iniciarte en el mundo de la producción musical. Asegurarte de que tienes los adecuados para tus necesidades, así como aprender a utilizar esos sonidos y efectos de la mejor manera posible, será una parte importante de tu viaje como artista.
Mi recomendación es que empieces con lo que tienes en tu DAW. No llenes tu biblioteca de plugins y efectos que nunca vas a usar, sino céntrate en dominar las pocas herramientas que tienes y luego actualízalas solo cuando sientas la necesidad de hacerlo.
Puede ser tentador descargar todas las bibliotecas gratuitas que encuentres en Internet, pero créeme, esto tendrá un impacto negativo en tu flujo de trabajo. Si tienes cientos de bombos, acabarás cuestionándote cada decisión que tomes mientras construyes tu ritmo.
Los grandes productores musicales hasta principios de la década de 2000 tenían acceso a una fracción de lo que hay hoy en día en cuanto a efectos y sonidos, y aun así podían dar vida a melodías intemporales. No estoy diciendo que debas comprar una cinta de carrete a carrete y dedicarte por completo a la producción musical analógica, pero te recomiendo que reduzcas tu biblioteca al mínimo para maximizar tu flujo de trabajo creativo.
Finalice su pista
Mezclar y masterizar una pista de EDM puede resultar desalentador al principio, pero si se hace bien, estos dos procesos de posproducción realzarán la belleza de tu canción y te ayudarán a conectar con tu público de la mejor manera posible.
No profundizaré demasiado en los conceptos de mezcla y masterización musical, pero sí explicaré estos procesos y lo que debes esperar de cada uno de ellos.
Mezclar significa unir todos los elementos de una canción, de modo que la canción en su conjunto suene cohesionada y coherente, donde todos los instrumentos tengan un espacio en el escenario sonoro, y el resultado sea una experiencia auditiva agradable.
La masterización le ayuda a alcanzar el estándar de la industria en cuanto a volumen, al tiempo que mejora ciertos elementos de su canción para hacerla más acorde con su género musical de referencia. Es la fase final de la producción musical, en la que se dan los últimos retoques a la canción antes de publicarla.
A menos que produzcas música sólo por diversión, ambos procesos son fundamentales si quieres que tus canciones sean apreciadas y compartidas por tu público. Aunque puedes hacer tus propias ediciones y encargarte tú mismo del proceso de posproducción, hay ingenieros de sonido profesionales que pueden hacer que tu canción brille de verdad, así que considera la posibilidad de contratar a un ingeniero de mezclas o masterización si quieres que tu canción tenga éxito.
Reflexiones finales
Y eso es todo lo que sé sobre música electrónica de baile.
Espero que esta guía te ayude a entender y explorar el género más profundamente, y si estos son tus primeros pasos en el mundo de la producción musical EDM, te deseo la mejor de las suertes, ¡y espero escuchar tus melodías en el Ultra Music Festival!
