ライブ・ミキシングの技術を理解することは、あなたがパフォーミング・アーティストであれ、フロント・オブ・ハウスのエンジニアを目指している人であれ、様々なミュージシャンにとって重要なことです。無限のチャンネルがあるように見えるミキシング・コンソールに近づくと、最初は圧倒されるように感じるかもしれませんが、ライブ・サウンド・ミキシングの基本を解き明かすことは、あなたが思っているよりもずっと簡単です。
以下では、ライブ・ミックスを成功させるための重要な要素を紹介し、プロのオーディオ・エンジニアになるためのヒントを紹介します。
ライブ・ミキシングとは？
ライブ・ミキシングとは、一般的にライブ・パフォーマンスにおいて、リアルタイムでサウンドを操作し、オーディエンスが消費する個々のサウンドを1つのコンポジションとしてバランスの取れた比率にするプロセスである。このプロセスでは、ボーカル、ギター、ベース、ドラム、その他の楽器など、複数の音の要素をミキシング・コンソール内でブレンドする。
ミキシング・コンソールは、サウンドの入出力をルーティングし、プリフェーダーとポストフェーダーの処理を橋渡しするコントロールボードとしての役割を果たします。これはスタジオのミキシングに似ていますが、ライブの要素や相互作用には特別な配慮が必要です。
ライブ・ミキシングの主な構成要素
ライブミックスの構成要素は、ダイレクトでダイナミックな音源を扱うため、その場で変化します。ここでは、ライブ環境で複数のオーディオソースのミキシングに挑戦する前に理解しておくべき、最も重要な構成要素を紹介します：
信号の流れを理解する
オーディオ信号の流れ、つまりソースからインプット、アウトプットまで、どのようなサウンドがどのような経路をたどっているのかを理解することは、ライブ・オーディエンスの前では必須です。会場では、デジタル機器とアナログ機器の両方を扱うというユニークな課題があり、どちらにもそれぞれの考慮事項があります。
例えば、ライブ・ボーカルの信号の流れは、ボーカリスト→マイク→プリアンプ→ミキサー→フロント・オブ・ハウス・スピーカーとなる。
オーディオの経路を理解することで、ミックスの問題箇所を特定し、必要に応じてその場で素早く調整することができます。オーディオの経路を理解していれば、信号経路の各チェーンをテストして、潜在的な干渉を分離し、修正する方法を知っています。
ゲイン・ステージング
ゲインステージングとは、単純に言えば、機器や出力をプロセスの現段階に適したレベルに設定することです。ライブミックスの場合、ハウリングやディストーションなど、ミックスをすぐに溺れさせ、聴衆の気を散らせるような干渉を防ぐには、機材の個々のニーズを理解することが最も重要です。
ライブ環境では、これらの要素が常に相互に影響し合うため、各音源の配置を考慮することも重要です。
ミックスのバランス
ハイパスフィルター、ローパスフィルター、EQ、エフェクトなどのインボードツールを活用することは、サウンドを形作る上で確かに役立ちますが、ゲインレベルとフェーダーレベルが最も重要であることは間違いありません。ゲインレベルを設定した後は、ボリュームフェーダーだけに集中し、そこから調整することで、可能な限りバランスの取れたミックスを実現したいものです。
ライブ・サウンド・モニタリング
ライブ・サウンドは、フェーダーに触れることなくミキシング・バランスが刻々と変化するユニークなものです。ライブ・ミキサーでのモニタリングでは、アーティストがどのようなステージでも輝けるように、アクティブなリスニングとレスポンスの良いサウンド・シェイピングが要求されます。ライブ・サウンドにはユニークなレベルの柔軟性と適応性が要求されます。ライブ・パフォーマンスのような貴重なものには、バックアップ・プランを用意しておきたいものです。
ライブ・サウンド・ミキシングのための7つのプロのヒント
ミキシング・コンソールを揺らし、あらゆるライブ・アクトを素晴らしいサウンドにする最良の方法は、現場で時間を費やすことだ。ミキシングの技術的なことを理解するのも一つだが、そのスキルを自然にダイナミックな環境の中で実践するのはまた別のことだ。これらの重要な戦略とは関係なく、ボード上で時間を費やし、他のエンジニアやアーティストからのフィードバックを取り入れ、機材を最適化する基本に磨きをかければ、ライブ・サウンド環境でのミキシングに苦労することはないだろう。
それを念頭に置いて、どんな状況下でもミキシング・コンソールを使いこなすための基礎的なヒントを活用してください：
バランスを調整する前に信号対雑音比を最適化する
新進エンジニアがよく犯す間違いの一つは、ゲイン（利得）とボリューム（音量）を混同することです。ゲインは信号のパワーや感度を表し、ボリュームはその信号が観客に向かってどれだけ高く、または低く再生されるかを表します。これらの点は混同しやすいのですが、ボリュームを調整するつもりでゲインを上げると、ライブ・セッティングでは悲惨なことになり、歪みやフィードバックの扉を開いてしまいます。
その代わりに、ミックスのバランスを調整する前に、各入力チャンネルの信号の明瞭度、つまりS/N比を最適化してください。ミックスの弱点を特定し、修正するために、干渉のポイントをカットし、独立した変数をテストします。
シグナルチェーンの始まりから終わりまで
ミックスをセットアップする際には、一度にすべてをオン にしないでください。その代わりに、シグナルチェー ンの最初から最後まで作業し、チェーンの各ポイントでノイ ズレベルをチェックできるようにします。こうすることで、各変曲点におけるギアのパフォーマンスをモニターすることができ、最も重要なときに不要な干渉を排除することができます。
ケーブルとフェーダーにラベルを貼る
とても簡単なことのように聞こえるかもしれませんが、32の異なるチャンネルに直面したとき、あなたはフェーダーにラベルを付けたことを喜ぶでしょう。ミックスの前に、ドラムキット、リードボーカル、エレキベース、ギターなどを分けるチャンネルを示す時間を取りましょう。セットアップが楽になるだけでなく、会場がアーティストや他の人に自分のケーブルだと勘違いされて紛失することもなくなります。
基本的なバランスから始め、耳を傾け、調整する
ライブ・ミキシングで厄介なのは、ミックスが毎回違うということだ。非常にダイナミックな環境でサウンドを調整するわけですから、一秒一秒違います。ライブを2、3回経験すれば、自分のコントロールがどの範囲に収まる傾向があるか、感覚的に分かってくるでしょう。しかし、ミキシング・コンソールを "セットして忘れる "ようなことはしないでください。
ライブ環境では、パフォーマンス全体を通してアクティブなリスニングが要求され、ステージ上で披露される様々なジャンル、ダイナミクス、サウンドプロファイルに基づいて微調整を行うことがよくあります。アコースティック・ギターのための比較的デリケートな環境にマイクを合わせたかと思えば、次はノイズ・メタル・バンドにマイクを合わせることもあります。ライブ・ミキシング・エンジニアとして、あなたはあらゆるサウンドコンディションに備えなければなりません。
異なる視点から聴く
ライブミキシングの最も難しい要素のひとつは、部屋のどの位置から聴いてもサウンドが異なるということです。ミックスの土台を作ったら、スペースを歩き回り、様々な位置からミックスを聴く時間を取るようにしてください。また、ライブミックスはエンジニアとステージ上のアーティストとの共同作業であることが多いことを忘れないでください。サウンドチェックを通してフィードバックを求め、出演者の好みを把握しましょう。
ブーストよりもEQカットを優先する
サウンド・リインフォースメントの最初の衝動は、強調したい要素の音量を上げることかもしれませんが、よりクリーンでバランスの取れたミックスにするために、まずイコライジングで空間を作ることを検討してください。
例えば、スタジオ録音と同じように、ベースギターとキックドラムは同じ周波数帯域を共有しているため、ぶつかりやすい。ミックスを不必要に濁らせているものをEQカーブでカットし、重なっていた周波数が息をするスペースを確保したことに注目してください。
主役を見つけよう
スタジオ・ミックスと同じように、どのような瞬間にどのようなサウンド・インプットを際立たせる必要があるかを見極めることが不可欠です。たいていの場合、これはリード・ボーカルや曲のメロディーを導くものですが、ライブではソロの存在によって、このダイナミズムが瞬間的に変化することがあります。
簡単なことのように聞こえるが、曲の中で優先されるべき要素を把握し、それに従ってサウンド・エンジニアリングを決定することだ。
逆に、サウンドチェック中、曲の中でダイナミクスがオーバーロードしそうなポイントに注意してください。ペダルのオン・オフ、メロディーの頂点や高音、あるいはアーティストが叫び声を上げるような場合です。このような瞬間には、スペースを作り、ハウリングを避けるために、これらのチャンネルを調整しなければならないのは当然ですが、重要なのは、その瞬間のインパクトを否定するような方法でミックスを抑圧しないことです。
ライブ・ミキシングに関するFAQ
サウンドを適切にミキシングすることは、常に学び続けるプロセスです。よくある質問とその答えを参考にして、ミキシングの旅に役立ててください。
ライブミキシングとスタジオミキシングの違いは何ですか？
スタジオ・ミキシングでは、録音されたトラックをミキシングし、一般的なリスニング体験に最適化します。ライブ・ミキシングでは、サウンドの変化に即座に対応すること、パフォーマンスのエネルギーを維持すること、ハウリングなどの技術的ミスを避けることなど、いくつかの新しい変数が導入される。
良いライブミックスとは？
良いライブミックスは、ライブパフォーマンス特有のエネルギーを維持しながら、バランスと明瞭さを提供します。この包括的なライブサウンドミキシングガイドでは、このバランスを作り出すためのいくつかの戦略を詳しく説明しています。
ライブハウスにおけるミキサーとは？
ミキサーは、ライブ・パフォーマンスのサウンドを形作るための機材です。一般的なミキシング・コンソールには、複数の入力音のバランスを取るためのチャンネル、基本的なエフェクト、EQやイコライザー、サウンドを形作るためのセンド/リターンが含まれています。また、ミキシング・ユニットには、音のルーティングを指示するためのインプット、アウトプット、インサートがあります。
生演奏のミックスはどうやって学ぶのですか？
ライブ・サウンドのミキシングを学ぶ最良の方法は、その技術の背景にある基本に興味を持ち、何時間もの練習と現場での継続的な学習に取り組むことです。デジタルレコーディングとミキシングの基本を学ぶことから始めて、そのスキルをよりプレッシャーの高いライブ環境に移すとよいでしょう。
ライブ・オーディオ・ミキサーになるには？
ライブ・サウンドの基礎を学んだら、地元で舞台係やライブ・サウンドのインターンシップを探してみましょう。やがてスキルを身につければ、ライブ・サウンド・エンジニアとしてのポジションを獲得することも可能です。
ライブでサウンドをミックスする場合、その賭けはより高くなります。レベルのバランスを取り、すべての楽器のベストを引き出し、会場を圧倒することなくインパクトのあるダイナミクスを保つには、その瞬間しかない。サウンドエンジニアとして、アーティストが最高の輝きを放ち、ファンや音楽ファンに一生の思い出を作る手助けをする機会があるのです。
このガイドが、ライブでボードを最大限に活用するのに役立つことを願っています。これらのヒントは基本的な枠組みであることを忘れないでください。会場やアーティストのパラメーターに応じて、ミックスに特別なセンスを加えるのはあなた次第です。あなたには、ステージを変幻自在のサウンド体験に変える力があるのです。
