1859年に史上初のオーディオ録音が行われて以来、あるいはその10年前に最初の基本的な電話が作られて以来、人々は録音または転送されるデータの品質を向上させることに執着してきた。

音楽の文脈における "プロデューサー "という言葉が登場するのは、もちろんずっと後のことだが、世紀の変わり目には、音楽産業はすでにその関連性を確立していた。イタリアのテノール歌手エンリコ・カルーソは、この業界の最初のスターとなり、すでにレコードの売り上げで数百万ドルを稼いでいた。

それから約120年が経ち、技術は進歩し、業界はデジタル化された。しかし、音楽に対する熱意と愛情しか持ち合わせていない初心者のプロデューサーにとって、疑問は業界の黎明期からのプロデューサーと同じである：

何から始めたらいいんだ？

奇妙な言い方をすれば、ゼロからのスタートは、アナログ時代のそれよりも、今の方がいくぶん混乱しやすいという結論になるのは当然かもしれない。確かに、ハードウェアの移動は悪夢のようだったし、値段もべらぼうに高かった。しかし一方で、今日、手元にある選択肢は文字通り無限であり、初心者プロデューサーは音楽制作のヒントを探しながら、混乱した頭をかきむしり、忘却の彼方へと導いている。

そして、音楽プロデュースという芸術的な技術を真剣に習得しようとする人にとって、それを一歩一歩、いくつかの文脈（つまり、プロデュース・プロセスそのものに関連するものだけでなく）で進めていく必要性は、真髄である。

しかし、貴重な情報は音楽業界での経験からも得られる...。

そうだね。しかし、数回クリックしてオンライン記事を読めば情報が得られるのに、経験から学ぶことに何百時間も費やすのは合理的だろうか？私もそう思う。

音楽プロデューサーの身体的健康

非技術的なアドバイスで音楽制作のヒントブログを始めるのは奇妙に思えるかもしれない。しかし、一方で、それはすべて音楽プロデューサーの幸福に依存しませんか？

よく休め

真剣に取り組めば、音楽制作はとりわけ生産性にも関わる。そのためには、スタミナや疲労の管理、そしてプロデューサーの体格全般に左右される。

より生産的になるためのあらゆる努力は、人間の本性を考慮に入れなければならない。休憩を取る。たとえスネアドラムのサチュレーションを触るだけでも、2分で終わると思って。

体の姿勢

快適ではあっても、モニターの前に座ることが音楽プロデューサーにとって過酷であることはあまり知られていない。椅子が自分の体格に合っていても、何時間も座り続けるのであれば、あまり役には立たない。

正しい姿勢は長寿の源である。椅子に座るときはベストな姿勢をとり、少なくとも1時間に1回は立ち上がって背筋を伸ばして数歩歩くようにしましょう。

読む（セッション終了後）

読書はあらゆる方法と文脈において美しい活動である。音楽制作は、他の多くの工芸や芸術以上に、集中して取り組むものだ。

セッションを終えたら、長めの休憩を取り、本を開く。読むのだ。インスピレーションを得るためでなければ、ただ読むために。

身体運動（セッション前）

これが物語っている。プロデューサーの仕事中はほとんど動かないので、仕事をする前に体を動かすことが不可欠だ。散歩、ランニング、有酸素運動（過度な疲労や負荷でない限り）など、何でもいい。

音楽制作のヒントは、どうしてもスタジオ・セッションに関係してきますが、その前（セッション）も同じくらい重要であることに注意してください。

趣味がない人は趣味を選ぼう

何でもいい。ただし、プロデュースに関するYouTubeのチュートリアルは趣味としてカウントされないので注意。必ず関係のないものを選んでください。

休息や運動とともに、趣味は時間の大半を占めるものから離れる方法を提供し、その結果、仕事そのものをより生産的なものにする。

一般的なアプローチと留意点

音楽プロデューサーのキャリアの成功に関わるほとんどのことは、性格的な特徴や後天的な習慣に関することである。

特に要求の厳しい分野である音楽制作は、物事に対する正しいアプローチと、必要に応じてどんな状況でもそれを貫き通すことにかかっている。

忍耐

これは、ほとんど性格的な特徴だと言えるかもしれない。しかし一方で、音楽制作のヒントは、音楽プロデューサーが参加するつもりがなく、根気よく続けるつもりがなければ、それ自体不毛なものだ。

そして忍耐とは、多くのことを意味する。物事が複雑な（ように見える）ときの忍耐力から、本当に困難なプロジェクトを粘り強くやり抜くこと、そして自分のお金を投資する覚悟まで。とにかく頑張ることだ。

完璧主義者 vs 過度の自己批判者

この境界線は非常に薄いと言えるので、彼らがクオリティ（完璧を目指すこと）と考えていることでも、過度に強調されれば、時として道を塞ぐことになりかねないということを認識しておくべきだろう。

音楽制作のプロセスはまさにそれだ。そして、それは終結へと導かれなければならない。多くの場合、プロジェクトはそのままでいいということを忘れないでください。すべての解決策に問題を求めてはいけない。

知らないことを知る

非常に重要な特徴だ。簡単な工芸品や技術を学ぶことさえ、未知のものを認め、記録することに基づいている。

複雑さによっては、一度で把握し、習得できるものもある。音楽制作には奥が深く、初心者には手が届かないものもたくさんあることを忘れないでください。辛抱強く。

明日は新しい日

プロデューサーの一日は成功したように見えるかもしれないが、明日、昨日の仕事を見直したときに嫌悪感をもたらすだけかもしれない。その一方で、昨日の絶望は、もし正しく参加し、管理することができれば、刺激となり、やる気を起こさせるかもしれない。

音楽制作のヒントは、常に「明日」の視点を考慮すべきです。そして、そのような状況を認識し、正しく管理することが最も重要であることは言うまでもない！

直感は進化する-過信は禁物（特に最初のうちは）！

ある考え方が正しいと感じたり、適用したときに良いと思ったりしても、それをドグマとして受け止めるべきではない。新しいテクニックは日々生み出されている。コンフォートゾーンに深入りしすぎないように注意しよう。

学ぶことはWin-Winのプロセスである。率直なフィードバックは、音楽プロデューサーをオープンマインドに導くと同時に、彼らの全体的なスキルセットも向上させる。

設備とその周辺

デジタル・オーディオ・ワークステーション(DAW)は、プロデューサー、特にその中の初心者にとって物事をずっと簡単にした。とはいえ、手始めにスタジオモニター、ヘッドフォン、オーディオインターフェイス、マイクなど、いくつかのハードウェアを手に入れる必要がある。

例えば、エレクトロニック・ミュージック制作の愛好家やヒップホップ・アーティストの間でFL Studioが人気であるように、特定のジャンルに対する典型的なソフトウェアの好みがある。しかし、音楽制作のプロセスは人それぞれなので、細かい好みは常に異なります。

バランスギア（価格別）

そう、クソみたいなヘッドフォンが選択肢にないことは誰もが知っている。その一方で、（少なくともほとんどの初心者にとって）世界最高のものもそうではない。つまり、重要なのは、大まかに言って、あなたの機材が業界標準を満たせるかどうかということだ。

音楽制作は機材の問題ではないが、それでも機材なしでは成り立たない。ありがたいことに、かなりまともな機材が消費者レベルの価格で購入できる。プロデューサーの未来において、音楽機材は更新されるだけでなく、完全に、そして完全に変わっていくに違いない。

気が散るものを取り除く

自分で悩みを持ち込まないこと。音楽制作のヒントとして、プロデューサーがライターズ・ブロックや疲労した耳のせいで行き詰まってしまうという話をよく耳にする。もちろん、新鮮な耳は必要不可欠だが、時には単に気が散ることが原因で行き詰まることもある。

携帯電話はこの文脈では敵と考えるべきだ。そして、スタジオの壁や作業机から思い出の品を取り除くこと。いびきをかくのではなく、音楽を作るのだ。

スタジオの音響と防音

ハードウェアのセットアップが完了する前に、スタジオの音響を微調整（というより減衰）するために、スタジオに音響処理を施すことが最も重要です。

レコーディングの入力とすべてのオーディオ機器の出力は、スタジオのノイズと残響の影響を受ける。音楽プロデューサーにとって最悪の悪夢だ。

予算は十分

収入が入り始めると、食欲や野心も出てくる。ギアのアップグレードについては、必ずケースを作ること。今、本当に必要なのか？

音楽制作やビートメイキング、ミキシングは機材の産物ではないということを決して忘れてはいけない。他のプロデューサーから機材のアップデートを聞いたからといって、自分の収入のすべてを投資しないでください。

優先順位をつける

では、2台目のコンピューター・スクリーンと新しいオーディオ・インターフェイスが絶対に必要で、MIDIコントローラーも必要なのですね？しかし、そのうちの1つしか資金がないのであれば、すべてに手を出すのではなく、優先順位をつけましょう。

音楽は物語であり、どんな物語も急いでは良い印象を残さない。忍耐と献身があれば、やがて物事は整う。急がず、優先順位をつけて。

作曲＆サウンドデザイン

サウンド・デザインは別のプロセスであるべきですが、サウンド・デザインの目的は、作曲／音楽制作にサウンド・デザインを取り入れることができるようになることです。音楽制作を学ぶには、まずサウンドデザインと作曲を学ぶことが基本です。

音楽理論を学ぶ。他のアーティストは異論を唱えるかもしれないが、音楽理論のしっかりした-基本的な理解ではあるが-理解は長い目で見れば必要だ。どのようなジャンルが好きで活動しているかに関わらず、重宝されるはずだ。

非対称性の導入

トランジションを含め、フォームにバリエーションを導入する。固定された8小節のセクションしか使わないのであれば、オリジナルのサンプル・パックを使おうが、派手なシンセ・パッチを使おうが、滑らかなシンセ・ベースを使おうが......。

自分のメロディーの長さを探求し、変化させましょう。そうすることで、同じサウンドを使い続けても、トランジションやバラエティーを出すことができるようになります。

何度も挑戦するよりも、耳を傾け、休む

音楽のアイデアは、何度も何度も試してみるよりも、聴くことから生まれる。行き詰まった？お気に入りの曲を何曲か聴いて、シンセのリードのアイデアでも、サブベースのEQ設定でも、太陽の下にある他のどんなものでも、あなたが追い求めているものに集中してください。

新鮮なアイデアを得た後は、仕事に戻ること。話を聞くことは常に助けになるが、時には休憩を取るだけで十分なこともある。

リサーチ＆ラーニング・オール（クラシックも含む）

ビートメイキングやシンセリードの作曲は、新鮮なアイデアにかかっている。音楽とは独創性であり、それは研究と学習（あえて言うなら勉強）によってのみ達成できるものだ。

時には300年前の曲がインスピレーションを呼び起こすこともある。だからクラシックも無視しないように。理論的な知識があれば、それらを深く研究してください。

歴史的参考文献

ホップホップアーティストはしばしば音楽の歴史を参照し、時にはサンプルパックを通して直接引用することもある。物事がどのように進化してきたかを知ることで、プロダクション・スキルは確実に向上する。

優れた音楽とは、それ以前のもの、一般的な文化的影響、そして個人的なタッチのミックスである。これらのバランスが、常に新鮮なレシピを作るのだ。

ジャンル間の移行練習

2つの異なるジャンルから、まったくランダムな例を2つ選んでください。その間にスムーズな移行ができるようにしよう。いい音に聞こえるのは、一見混ざりそうにない素材のミックスであることが多い。

もしスムーズな移行ができないなら、想像してみてほしい。長い目で見れば、あなたの音楽が固定されたジャンルのレッテルを貼られずに済むからだ。後日、あなたのスキルが食欲に見合うようになったら、もう一度移行に挑戦してください。

ミキシング

ヒップホップであれ、他の音楽ジャンルやスタイルであれ、常に自分の好きなように音楽をプロデュースする。そうする一方で、ミキシングはその重要な一部であり、それ自体が卓越した芸術性であることを決して忘れてはならない。

手始めに、必要と思われるプラグインをすべて別のチャンネルに割り当てましょう。整理しながらプリセットを保存し、不要なものは必ず削除して、ごちゃごちゃしないようにしましょう。

リファレンス・トラック

ミキシングにおけるリファレンスの重要性は、いくら強調してもしすぎることはない。したがって、優れた音楽制作のコツは、ミキシング時にリファレンス・トラックが必要であることを常に提唱しています。

好きなリファレンス・トラックを選んで再生し、特別に良い音と微調整がなされていることに注目する。ある解決策をただ真似ることが、最善の解決策になることもある。

お気に入りのリスト作成（プラグイン、エフェクト、曲全体など）

ノートとペンを用意してください（そう、昔ながらの方法です）。それぞれのエフェクトについて、お気に入りのプラグインをリストアップしてください。お気に入りのリバーブ・プラグイン、ディレイ・プラグイン、コンプレッサー、リミッター...。音楽リストも作りましょう。好きな曲をリストアップし、その曲の好きなエフェクトも書いておく。

他の場所で見つけたものを自分のサウンドに取り入れるようにしよう。あなたが最も尊敬しているYouTubeチャンネルもリストアップしておくこと。これらのリストは日常的に重宝し、時間を大幅に節約し、フラストレーションを避けることができる。

要求する行動を取る前に考える

優れた音楽プロデューサーは通常、自分が何を求めているのか、それを試す前に知っているものだ。初心者は行動を起こす前に、少なくとも手元にある選択肢について考えるべきだ。

良い音で満足のいく解決策が、もっと単純な方法で達成できることもある。シンプルであることが鍵になることも多く、巷に溢れる音楽制作のヒントの中でも特に有用だ。

歪める（飽和させるなど）

トランペットの音色と（例えば）バイオリンの音色を聞き分けることができるのは、単に両者が異なる自然な「彩度」を持っているからだと言ったらどうだろう？音色は倍音を加えることで生まれますが、それはサチュレーションを使った場合のように微妙な場合もあれば、ディストーションを使った場合のように非常に強烈な場合もあります。面白いことに、サチュレーションも歪みの一種です。

それなら歪ませてみよう。多くの場合、ミックスが面白くないのは、単に色がなさすぎるからです。音楽制作において、サウンドデザインは歪ませることに大きく依存している。ラップトップのスピーカーで音を鳴らし、それを録音し、録音したものを再生して、S/N比や一般的な歪み効果をチェックするだけです。

コントラストによるニュアンス

何を、いつ、どの程度強調するかを学ぶ。音楽制作とは、音楽そのものと同じくらい、オーディオ・スペクトラムの中にコントラストを生み出す空間を作ることなのです。

それぞれのステムのダイナミックレンジとサウンドの特性に合わせてEQをかける。注意深くパンし、圧縮しすぎない。すべてのステムとそれらに追加されたエフェクト、そしてマスタリング・ステージのためのヘッドルームを確保する。

マスタリング

ミキシングが終わると、音楽の完成は一歩近づく。マスタリングエンジニアは、すでに美しいミックスをさらに引き立たせるだけでいい。そうでなければ、あまりに多くの作業が残され、何も機能しないようであれば、それは「振り出しに戻る」時間なのだ。

好きなアーティストのアルバムをチェックし、マスタリングに特化した音楽制作の全体的な（非言語的ではあるが）ヒントを身につけよう。マスタリングとは、単にノブを回すだけでなく、音量を業界標準まで上げることであることを決して忘れないでください。

自明でない段落で望ましい結果を記述する

マスターバスに何があるか、デフォルトのマスタリングチェーンに微調整が必要か、などなど。それから、あなたが求めていることがどのように実現可能なのかに集中してください。それも書き出してください。

音楽制作の完成まであと少し。マイペースで、忍耐強く。もう少しだ。

その場所と目的を知る

マスタリングはプロセスの完成であって、過度に創造的になる場所ではない。音楽を作ること（自由に創造すること）が先決だ。さらにミキシングが必要だと感じたらアドバイスを求めよう。とにかく耳を頻繁に休ませ、耳の疲れを適切に管理する必要がある。

音楽制作のヒントの中でも最高のもののひとつがまさにそれだ。

比較し、また比較する

他人の音楽は常に良い出発点だ。しかし、音楽制作は終わりのない学習プロセスであることを忘れないでほしい。

ほとんどのことはすでに設定されている。各ステムのステレオ幅、コンプレッション、サイドチェイン、プリディレイの設定...。主にマスターバスの編集に集中してください。ノブを回す。比べてみてください。

一般的な微妙さ

一流の音楽プロデューサーは細部へのこだわりで有名であり、音楽制作全般は、特にマスタリングの段階で、繊細さと強く関係している。

慎重に。ノブを大きく上げられるプラグインはリミッターだけで、それはミキシング段階で用意されるスペースによる。あとはすべてニュアンスです。

大丈夫」の瞬間

プロジェクトを終わらせるタイミングを知ることはとても重要だ。あなたの最終的な書き出しを聴いて、他のプロデューサーはそうではないと思うかもしれない。残念なことに、将来のある時点で、あなたにとっても良い音ではないかもしれません。しかし、それに取り掛かりましょう：時が来たら-時が来たのです！

音楽制作のコツの中で最も重要なのは、まさにそれだ：やめ時を知り、最終的なオーディオファイルを書き出すこと。よく休んでから、新しい制作プロジェクトを始める。それを完成させる。それを繰り返す！

探索、探求、恐れず、常に前進！

音楽、音楽、音楽...！オリジナルのサウンドを探し続け、自分自身のビートメイキング、自分自身の音楽を表現するのに最適なものを把握する。有用な音楽制作のヒントを求めて、他のプロデューサーに相談する（ステレオ幅のために彼らを死ぬほど退屈させる）。時には雰囲気だけでも十分だ。プロとして高く評価している人と同じ部屋にいるだけで十分だ。

作曲する。音楽を書く。人々の音楽。電子音楽。どんな音楽でもいい。でも、何をするにしても、音楽を作る過程そのものを楽しんでください！

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