質感。お気に入りのTシャツの柔らかい肌触り。最後のガールスカウトのシン・ミントクッキーが口の中で消えていくときのサクサクとした感覚。要するに、あなたが一般的に触覚から連想するもの。

だから、誰かが音楽のテクスチャーについて話すと、頭を悩ませることになる。音楽におけるテクスチャーとは何か？それをどう定義し、どう語るのか？なぜそれを語る必要があるのか？ニッケルバックはテクスチャーを使っているのか？

いい質問ばかりだ。一番最初から始めよう。

音楽におけるテクスチャーとは何か？

音楽におけるテクスチャーとは、楽曲のさまざまな音楽要素間の関係を指す。テクスチャーは音楽に深み、複雑さ、豊かさを加える。

テクスチャーを記述するための形式的なアプローチは、旋律線とその下にある和声（またはその欠如）を使って、それらの間のリズムの類似性や差異とともに、音楽のテクスチャーを評価します。このアプローチは、（あらゆる形態の）クラシック音楽を分析する方法として開発されたもので、現代の音楽制作技術で作られたテクスチャーを記述する余地はありません。

インフォーマルなアプローチでは、曲の音楽的テクスチャーを考える際に、形式、テンポ、音色など、他の要素も含めることになる。これは、コンテンポラリーや非伝統的な音楽について話すときに特に有効です。例えば、AutechreのGantz Grafを「グラニュラー」と表現したり、TRXVELERのTreinamento De Forçaを「シャープ」と表現したり。

どちらのアプローチにせよ、音楽におけるテクスチャーとは、さまざまな要素がどのように組み合わさって楽曲を創り上げ、そのムードや雰囲気、物語に影響を与えるかということに尽きる。

音楽の質感を表現する方法

自由な世界だから、一曲の音楽が人によって異なる感情を伝えるのと同じように、音楽のテクスチャーもまた異なる解釈ができるかもしれない。言語というのは古くて面白いもので、どのようにコミュニケーションを取るかはあなた次第だ。

しかし、作業するための枠組みがあると便利なこともある。そこで、音楽のテクスチャーを論じるという形式的なアプローチの出番となる。

以下の用語は、音楽史や音楽分析において、音楽のテクスチャーを説明するためによく使われるもので、この方法でテクスチャーを理解することは誰にとっても有益です。しかし、この方法論は「西洋」音楽に大きく偏っているので注意してください。このことについては、後でもっとわめきます...。

とりあえず、『フォニーズ』を紹介しよう！

モノフォニック・テクスチャー

最初の、そして最も単純な音楽的テクスチュアは単旋律である。単旋律音楽では、音楽の線は1本しかない。和声はない。リズム伴奏もない。何もない。

それは中世に大流行したもので、初期のキリスト教の歌（プレーンチャントと呼ばれる）が唯一の娯楽だった。楽しい時代だった。

モノフォニックなテクスチャーとは、ソロの声／楽器の場合もあれば、複数の楽器が同時に同じものを演奏する場合もある。

リヴァプールのサッカーの試合を見たとしよう。あなたはYou'll Never Walk Aloneを歌い始める。それはモノフォニックなテクスチャーだ。しかし、それはあなただけなので、あなたはそれを「薄い」とか「まばら」と表現するかもしれません。

あなたの周りの人たちが次々と参加し始める。あなたとあなたの仲間は同じメロディーを歌っているので、モノフォニックなテクスチャーであることに変わりはないが、そのテクスチャーは少し厚みがあると表現できるかもしれない。

やがてスタジアム全体が一緒に歌うようになる。全員がひとつのメロディーを歌っているのだから、モノフォニックなテクスチャーであることに変わりはない。しかし、複数の声の音色が変化するおかげで、厚みのあるテクスチャーと表現できるかもしれない。

以下は、モノフォニック・テクスチャーの視覚的表現である。青い線は単一のメロディラインを表しています。

同音のテクスチャー

テクスチャの複雑さのスケールで次に上がるのは、ホモフォニック・テクスチャです。ホモフォニック・ミュージックでは、メロディラインは1つで、他のパートはすべて和声的な伴奏の役割を果たします。

下の図は、同音テクスチュアを視覚的に表したものです。青い線は主要な楽線を表し、緑の網掛けは和声的な支えを示しています。

伝統的なプロテスタントの賛美歌や、バーバーショップ・カルテットの音楽は、ホモフォニー音楽の良い例だ。ゴスペルの曲でホモフォニーに頼っていないものはほとんどない。これらの例では、異なる楽器や声がブロックコードで一緒に動く。

伝統的にホモフォニック・テクスチャーでは、すべての楽器が同じリズムを演奏する。しかし、この用語は、主旋律とはリズムが異なるパートを含む、より広い意味で使われることが多い。

ピアノの和音伴奏を弾く歌手や、ギターのピッキング伴奏をバックに哀愁のメロディーを奏でるアコーディオン奏者を思い浮かべてほしい。あるいは、トランペットの気ままな即興演奏を、小さなジャズ・コンボがリズムとハーモニーでサポートする。彼らは同じメロディーを演奏しているわけではないが、独立したメロディーを作っているわけでもない。すべて同音なのだ。

ホモフォニック・ミュージックを説明するためのこの広い定義により、ホモフォニック・ミュージックは今日の音楽で最もよく聴かれるテクスチャーと考えられている。

ヘテロフォニック・テクスチャー

このテクスチャーは、より広いスケールで考えるとあまり一般的ではないが、より細かいレベルで使用されるため、一見の価値がある。

ヘテロフォニック音楽では、複数の演奏者がひとつのメロディーラインのバリエーションを演奏する。一人のラッパを伴奏にした歌手が、同じメロディーラインをあちこちで小さなリフをつけながら鳴らすのがヘテロフォニックだ。

リヴァプールFCの試合に戻る（2-0で勝っているので、大胆な気分だ）。誰もが同じ曲に合わせて歌っている。突然、北側のスタンドが「a-loooone」のロングホールドノートでリフを始めた。これがヘテロフォニックなテクスチャーだ。

ポリフォニック・テクスチャー

ポリフォニック・テクスチャーとは、ギリシャ語のポリ（多くの）とフォニー（音）から取った言葉で、それぞれが独立したメロディラインを奏でる複数のパートからなる音楽のこと。構成されるパートはすべて独立して聞こえ、それぞれのメロディーの面白さがあるが、それらが一体となって興味深い（そして和声的に理にかなった）テクスチュアを作り出す。

ポリフォニー音楽は、対位法音楽とも呼ばれ、バロック時代には主流だった。バッハの前奏曲とフーガはポリフォニーの素晴らしい例であり、異なるレイヤーで音楽を書くこのスタイルは今日も続いている。

クリス・ルップがエド・シーランの『シェイプ・オブ・ユー』を見事にカヴァーしている。ホモフォニックなテクスチャーをポリフォニックな音楽に変えた素晴らしい例だ。下記をご覧ください。

ポリフォニックなテクスチャーでは、各パートが独立したメロディーを持つことに注意してください。これは、たとえすべての楽器が独立したパートを演奏していたとしても、楽器伴奏付きの1つのメロディーラインとは異なります。重要な違いは、ポリフォニックテクスチャーでは、各パートがそれ自身のメロディーとして機能することです。

音楽の質感はなぜ重要なのか？

聴いている音楽をより深く理解するのに役立つのはもちろんのこと、音楽のテクスチャーを理解することは（フォーマルなアプローチでもインフォーマルなアプローチでも）多くの利点があります：

パフォーマンス

テクスチャーを理解することで、ミュージシャンは楽曲における自分の役割をより的確に解釈することができます。特に大編成の楽器の場合、自分がバックを担当しているのか（ホモフォニー）、メロディーラインに貢献しているのか（モノフォニーまたはポリフォニー）、装飾を提供しているのか（ヘテロフォニー）を知っておくとよいでしょう。

構成

音楽のテクスチャーを理解することは、自分の音楽に取り組むときに大いに役立つ。特定の感情を呼び起こすためにテクスチャーを操作したり、テーマとなる要素を引き出すためにテクスチャーを使ったりすることができる。シンプルで直接的でありたい？モノフォニー。物事の複雑さを強調したい？ポリフォニーはあなたの味方です。

プロデュース

トラックの要素を組み合わせるとき、あなたが作っているテクスチャーについて考えてみてください。最近のほとんどの音楽は、同じ曲の中で複数のテクスチャーを使っています。これらのテクスチャーをどのように表現するかによって、曲が語るストーリーや、聴衆がどれだけ惹きつけられるかが変わってきます。

ミキシング

音楽的なテクスチャーについてじっくり考えることは、曲のミキシング段階で問題を解決したり、クリエイティブな効果を加えたりするのに役立つ。

音楽におけるテクスチャー：フォーマルなアプローチとインフォーマルなアプローチ

曲を選んでください。どんな曲でもいい。あなたが学問的なフェンスのどちら側に座っているかによって、その音楽的な質感について語る方法は2つあるだろう。

形式的なアプローチとは、上記のカテゴリーを使い、メロディーラインというレンズを通して音楽を分析することです。確かにとても便利なツールで、音楽がどのように機能するかを理解するのに役立つ。

しかし、それは非常にエリート主義的でもあり、西洋音楽を食物連鎖の頂点に置き、何世紀にもわたってスラマーを世に送り出してきた文化をほとんど無視している。 学者が自分たちの存在を正当化するための方法とみなすことさえできるかもしれない。

非公式なアプローチとは、メロディラインとその根底にあるハーモニー、ダイナミクス、楽器の音色、アンサンブルのサイズ、リズム、ミックスの複雑さなど、すべてを考慮して音楽のテクスチャーを語ることだ。

どちらのアプローチも有効であり、音楽を理解するのに役立つ。自分が何を見ているかを知ることは、より良いミックスを作るのに役立つだけでなく、曲を作ったりプロデュースしたりする際にも役立つ。

結論

つまり、音楽におけるテクスチャーとは何かについて知っておく必要があることのすべてだ。

要約すると、非公式なレベルでは、質感を表現するのにどんな言葉を使ってもいい。どのように伝えるかはあなた次第だ。

しかし、もし音楽教授からモーツァルトのピアノ協奏曲のテクスチャーを説明するよう求められたら、形式的なアプローチを取るのがいいだろう：

• モノフォニック・テクスチャー：メロディーが1つしかない音楽
• ホモフォニック・テクスチャー：声部が1つのメロディーを演奏し、ほとんど同じリズムを奏でる音楽。より広い定義では、ギターのコードをかき鳴らすような、メロディーの下のリズムやハーモニーの伴奏も含まれる。
• ポリフォニック・テクスチャー：複数の独立した旋律線を持つ音楽。
• ヘテロフォニック・テクスチャー：旋律が元の旋律と同時に付加的なパートによって変化する音楽

さあ、テクスチャーのある音楽を作りに行こう！