이제 막 일렉트로닉 음악에 발을 들여놓았다면 방대한 세계를 탐험할 수 있습니다. 수많은 플러그인, 신디사이저, 끊임없이 진화하는 다양한 프로덕션 스타일 등 일렉트로닉 음악의 가능성은 무궁무진합니다.

물론 일렉트로닉 음악의 종류가 워낙 다양하기 때문에 초보자가 입문하기에는 다소 어려울 수 있습니다. 이 주제와 관련된 수많은 YouTube 동영상, 기사, 온라인 강좌가 있는데 어디서부터 시작해야 할까요?

이것이 바로 저희가 여기 모인 이유입니다. 이 가이드에서는 신디사이저의 기초부터 미로 같은 프로덕션 소프트웨어와 하드웨어에 이르기까지 일렉트로닉 음악 제작의 필수 요소를 세분화하여 설명합니다. 댄스 플로어에 어울리는 테크노, 앰비언트 사운드스케이프 또는 그 사이의 모든 음악을 제작하고자 하는 분들을 위한 다양한 인사이트와 팁을 통해 여러분의 실력을 향상시킬 수 있는 영감을 얻으세요!

일렉트로닉 음악이란 무엇인가요?

일렉트로닉 음악은 가장 넓은 의미에서 일반적인 장르의 범위를 훨씬 뛰어넘습니다. 우리가 음악을 만들고 소비하는 방식을 완전히 바꾼 진정한 방식입니다.

기타, 현악기, 피아노, 라이브 드럼 및 퍼커션과 같은 어쿠스틱 악기의 자연스러운 사운드에 의존하는 오가닉 음악과 달리 일렉트로닉 음악은 합성된 사운드와 텍스처로 구성되는 경우가 많습니다.

그 중심에는 수십 년 동안 인기가 급증한 아날로그 신디사이저와 일렉트릭 오르간 및 드럼 머신과 같은 기타 전자 악기가 있습니다.

물론 오늘날의 전자 음악은 오래된 아날로그 하드웨어에서 볼 수 있는 촉각 노브와 전선 및 회로의 전자 시스템에서 컴퓨터와 디지털 소프트웨어 악기의 세련된 인터페이스로 진화했습니다.

대부분의 일렉트로닉 음악 프로듀서는 컴퓨터에 크게 의존하며, DAW와 그 무한한 사운드 및 효과 팔레트를 활용합니다. 저는 이러한 변화를 음악 제작의 민주화라고 생각하는데, 컴퓨터와 창의력이 있는 사람이라면 누구나 음악 제작에 접근할 수 있게 되었기 때문입니다.

70년대 후반 시카고에서 하우스 음악이 탄생하거나 60년대 후반 독일에서 신디사이저, 시퀀서, 테이프 루프가 포함된 실험적인 록의 하위 장르인 크라우트록이 소개된 것을 떠올려 보세요) 일렉트로닉 음악은 원래 언더그라운드 운동이었지만 이제는 주류 문화에 침투하여 팝부터 힙합까지 모든 분야에 영향을 미치고 있습니다.

보노보, 타이코, 포 테트 등 얼마나 많은 현대 일렉트로닉 음악 프로듀서들이 자신의 트랙에 어쿠스틱 요소를 다시 접목하는지 보는 것은 매우 흥미롭습니다. 과거에 경의를 표하는 동시에 혁신의 한계를 뛰어넘는 풍부하고 질감 있는 사운드를 만들어내는 다소 새로운 퓨전 방식입니다.

일렉트로닉 음악 프로듀싱은 너무 방대해서 한 가지 정의로 요약하기 어렵습니다(가장 중요한 세부 사항을 빼놓지 않으려면 책 한 권을 써야 할 정도입니다). 그럼에도 불구하고 일렉트로닉 음악 프로듀서가 되고자 하는 사람이라면 방향을 잡기 위해 시작하기에 좋은 곳이 있다고 생각합니다.

필수 소프트웨어 및 도구

일렉트로닉 음악 제작을 시작하면서 꼭 필요한 몇 가지 도구가 있습니다. 이 목록에 있는 각 장비는 디지털 스튜디오의 핵심인 DAW부터 사운드에 고유한 지문을 부여하는 하드웨어 신디사이저와 드럼 머신에 이르기까지 제작 과정에서 고유한 역할을 합니다.

이러한 각 도구가 일렉트로닉 음악 제작의 수준을 어떻게 향상시킬 수 있는지 자세히 살펴보겠습니다.

디지털 오디오 워크스테이션(DAW)

모든 일렉트로닉 음악 프로듀서 설정의 핵심에는 디지털 오디오 워크스테이션(DAW) 이 있습니다.

DAW가 주요 도구가 될 것입니다. 모든 창의적인 아이디어를 실현하는 중심 허브입니다. DAW를 사용하면 음악을 녹음, 편집, 믹싱, 마스터링할 수 있습니다. 기본적으로 원하는 대로 일렉트로닉 음악을 만들 수 있는 종합적인 환경을 갖추고 있습니다.

프로듀서마다 좋아하는 DAW가 있겠지만, 저는 일렉트로닉 음악을 만드는 데 다른 어떤 것보다 더 좋은 DAW가 있다고 믿게 되었습니다:

• Ableton Live: 저는 직관적인 세션 뷰 덕분에 10년 동안 Ableton Live의 열렬한 팬이었습니다. 또한 많은 일렉트로닉 음악 프로듀서들이 라이브 공연과 미디 시퀀싱 기능을 위해 애용하는 프로그램이기도 합니다.
• FL Studio: 사용자 친화적인 인터페이스와 강력한 패턴 기반 시퀀싱을 갖춘 FL Studio는 방대한 내장 신디사이저와 효과로 시작하려는 전자 음악 프로듀서에게 인기 있는 또 다른 인기 제품입니다.
• Logic Pro: Apple의 Logic Pro는 가장 포괄적인 프로덕션 제품군 중 하나이며, 대부분의 Apple 제품과 마찬가지로 세련되고 사용하기 쉽습니다. 또한 광범위한 사운드 및 루프 라이브러리가 제공되므로 바로 시작할 수 있습니다.
• 프로펠러헤드 리즌: 무한한 방식으로 상호 연결할 수 있는 고품질 가상 신디사이저, 샘플러 및 효과 랙을 갖춘 Reason은 음악 제작에 있어 가장 독특하고 실험적인 접근 방식을 제공합니다.

각 DAW는 고유한 기능을 제공하지만, 어떤 것이 사용자의 요구 사항을 가장 잘 지원하는지는 전적으로 주관적입니다. 모두 사용해보고 어떤 것이 워크플로우에 가장 자연스럽게 통합되는지 알아보는 것이 좋습니다.

사운드 라이브러리 및 샘플 팩

다음으로 일렉트로닉 음악의 기본이 되는 사운드 라이브러리와 샘플 팩이 있습니다. 선명한 드럼 루프, 불타는 신스 리드, 잘게 자르고 다시 피치할 수 있는 올드스쿨 R&B 보컬을 찾고 있다면 이러한 리소스에 액세스할 수 있는 것이 중요합니다.

지난 몇 년 동안 저는 (전자 음악을 제작하는 다른 많은 분들과 마찬가지로) Splice의 열렬한 팬이 되었습니다. 구독 기반 모델을 통해 다양한 장르의 방대한 샘플과 루프 컬렉션으로 교환할 수 있는 크레딧을 얻을 수 있습니다.

전체 팩을 다운로드하는 것을 좋아하신다면 Loopmasters를 확인해 보시길 추천합니다. 빈티지 드럼 머신 샘플부터 현대적인 신디사이저까지 다양한 장르의 고품질 팩을 제공합니다.

Native Instruments Komplete도 빼놓을 수 없습니다. Komplete는 샘플 팩 자체는 아니지만 일반 음악 제작에 유용한 악기, 효과 및 사운드의 무한한 라이브러리를 제공합니다.

DAW에서 사운드 라이브러리와 샘플 팩을 사용하려면 이를 재생하거나 다양한 방식으로 조작(타임 스트레칭, 피치 시프트 등)할 수 있는 도구가 필요합니다. 다행히도 대부분의 DAW에는 이러한 용도의 샘플러와 드럼 머신이 내장되어 있습니다.

예를 들어, Ableton Live의 샘플러와 드럼 랙은 모두 강력한 샘플링 및 비트 제작 기능을 제공하며, 각각 광범위한 변조 및 편집 옵션을 제공합니다.

Logic Pro를 사용하는 경우 다양한 샘플 포맷을 가져오고 재생하는 데 유용한 퀵 샘플러를 사용할 수 있습니다. 또한 상당히 상세한 편집 및 사용자 지정 기능도 함께 제공됩니다.

물론 사용자 정의가 가능한 샘플러와 방대한 사운드 라이브러리 및 타사 확장 기능을 갖춘 NI의 Kontakt나 다양한 소스의 음악을 쉽게 샘플링하고 빠른 자르기, 시간 늘이기, 피치 이동 도구를 사용할 수 있는 Serato Sample과 같은 타사 옵션도 있습니다.

플러그인 및 가상 악기

재미있는 부분은 여기 있습니다.

플러그인과 가상 악기는 일렉트로닉 음악 제작 프로세스의 핵심 구성 요소입니다. 수천 가지의 다양한 이펙트 플러그인과 VST가 시중에 나와 있기 때문에 영원히 탐험할 수 있는 블랙홀과도 같습니다. 지금 할 수 있는 최선의 방법은 다양한 카테고리의 몇 가지를 직접 사용해보고 최대한 많이 알아보는 것입니다.

다음은 주의해야 할 몇 가지 유형입니다:

• 신디사이저 플러그인: 아날로그 신디사이저와 마찬가지로 신디사이저를 사용하여 전자 사운드를 생성하여 독특한 리드, 베이스, 패드 등을 만들 수 있습니다.
• 효과 플러그인: EQ, 압축, 리버브, 딜레이, 왜곡, 변조 등의 효과로 사운드를 향상하거나 변경할 수 있습니다.
• 샘플러 플러그인: 디지털 녹음 또는 샘플을 재생하거나 조작할 수 있습니다.
• 드럼 머신 플러그인: 드럼 머신 또는 샘플러를 에뮬레이션하여 비트와 리듬을 연주하거나 그릴 때 유용합니다.
• 시퀀서 플러그인: 음악 편곡 및 시퀀싱에 적합합니다. 고급 패턴 및 루프 생성 기능이 포함된 경우가 많습니다.

앞서 말했듯이, 수십 년 동안 다양한 개발자의 플러그인과 가상 악기를 탐색할 수 있으며, 어떤 일렉트로닉 음악 프로듀서에게는 필수적인 VST가 다른 프로듀서에게는 실패작이 될 수도 있습니다. 조사를 통해 자신에게 가장 적합한 것을 찾는 것은 여러분의 몫입니다. Equipboard와 같은 사이트를 탐색하여 좋아하는 아티스트가 무엇을 사용하고 있는지 알아볼 수도 있습니다.

하지만 여기 오셨으니 제가 대부분의 트랙에 사용하는 이펙트 플러그인부터 제가 가장 좋아하는 몇 가지 추천 기능을 알려드리겠습니다:

• FabFilter Pro-Q 3: 놀랍도록 다재다능하고 사용자 친화적인 FabFilter의 이 EQ 없이는 믹스를 진행할 수 없습니다. 수술적이고 다이내믹한 이퀄라이징에 적합하며 주파수 스펙트럼에 대한 개요를 제공하는 아름다운 인터페이스를 갖추고 있습니다.
• 발할라 빈티지버브: 제가 가장 자주 사용하는 리버브 플러그인으로, 특히 트랙에 깊이와 공간을 더하기 위해 풍성한 빈티지 느낌의 리버브를 원할 때 사용합니다.
• 사운드토이즈 에코보이: 이보다 더 다재다능한 딜레이 플러그인은 없을 것 같습니다. 모든 일렉트로닉 음악 장르에 사용할 수 있을 만큼 다양한 아날로그 사운드의 풍부한 딜레이 이펙트를 제공합니다.
• 아이조토프 오존: 오존에는 마스터링에 필요한 EQ 및 압축부터 스테레오 이미징 및 리미팅에 이르기까지 세련되고 전문적인 사운드 마무리에 필요한 모든 기능이 포함되어 있습니다.
• Xfer 레코드 LFO 도구: 움직임이 필요한 트랙이 있다면 트레몰로, 자동 팬, 트랜스 게이트, 사이드 체인 컴프레서 시뮬레이션, 덥스텝 유형의 워블 효과를 최소한의 노력으로 쉽게 추가할 수 있는 Xfer Records의 LFO 도구를 자주 찾습니다.
• FabFilter Saturn 2: 제가 가장 좋아하는 FabFilter 플러그인 중 하나인 Saturn 2는 다양한 디스토션, 채도 및 앰프 모델링 효과가 있어 트랙에 따뜻함이나 그릿이 필요할 때 유용하게 사용할 수 있습니다.

가상 인스트루먼트의 경우, 무엇보다도 다양한 기능을 원하는 경우 범위를 설정하는 것이 좋습니다:

• Xfer 레코드 세럼: 전자 음악 제작 분야에서 최고의 소프트웨어 악기 중 하나인 이 웨이브 테이블 신디사이저는 시중에서 가장 높은 품질의 사운드와 가장 유연한 사운드 디자인 기능을 제공합니다.
• 덥스텝이 등장하면서 매시브는 일렉트로닉 음악 제작의 필수품이 되었고, NI는 매시브 X를 통해 한계를 더욱 확장했습니다. 깊고 강력한 베이스와 리드가 필요할 때 자주 사용하는 제품입니다.
• 스펙트라소닉스 옴니스피어 2: 옴니스피어 2는 방대한 사운드 라이브러리와 끝없는 신디사이저 스타일로 시중에서 가장 다재다능한 소프트웨어 악기 중 하나라고 할 수 있습니다. 키스케이프는 모델링된 피아노와 키보드의 판도를 바꾸고 있습니다.
• Native Instruments Battery 4: 요즘 제가 주로 사용하는 드럼 및 퍼커션 샘플러는 Battery 4입니다. 모든 종류의 일렉트로닉 음악 장르에 대한 방대한 키트와 샘플 라이브러리가 있을 뿐만 아니라, 직접 샘플을 업로드하면 심층적인 편집과 간편한 재생 기능도 제공합니다.
• 아르투리아 V 컬렉션: 정확하게 모델링된 빈티지 신디사이저와 키보드가 바로 아르투리아의 이름입니다. 아날로그 하드웨어를 사용할 수 없다면 이 컬렉션은 트랙에 클래식한 톤을 추가하는 데 적합합니다.
• 스핏파이어 오디오 랩스: 저는 최근에 LABS를 탐험하기 시작했고, 그들이 내놓는 모든 릴리스를 좋아합니다. 현악기부터 보컬, 실험적인 사운드에 이르기까지 다양한 고품질의 무료 악기 시리즈가 계속 출시되고 있어 음악에 독특한 질감을 더하기에 완벽합니다.

일렉트로닉 음악을 계속 만들다 보면 특정 플러그인과 가상 악기에 빠지기도 하고 사랑에 빠지기도 하겠지만, 항상 새로운 출시가 예정되어 있으므로 계속해서 새로운 기능을 탐색하고 따라잡기를 권장합니다.

미디 키보드 또는 컨트롤러

'악기 디지털 인터페이스'의 약자인 MIDI는 일렉트로닉 음악의 언어입니다.

전자 악기, 컴퓨터 및 기타 장비가 서로 통신, 제어 및 동기화할 수 있도록 하는 기술 표준입니다. 서로 다른 디지털 음악 장비가 서로 상호 작용할 수 있도록 돕기 위해 사용됩니다. 작동 방식에 대한 자세한 내용은 미디 가이드를 확인하세요.

마우스나 컴퓨터 키보드로도 DAW에 미디 노트를 입력할 수 있지만, 미디 키보드나 컨트롤러를 사용하면 훨씬 더 촉각적이고 표현력이 풍부한 경험을 할 수 있습니다. 키보드나 컨트롤러를 사용하면 DAW 내에서 실시간으로 멜로디와 드럼 리듬을 연주하고 신디사이저를 제어할 수 있어 즉각적인 피드백을 받고 보다 직관적인 방식으로 일렉트로닉 음악을 제작할 수 있습니다.

음악을 만드는 데 사용할 수 있는 하드웨어가 있다는 것은 디지털 프로세스에 인간의 손길을 다시 불어넣는 일입니다.

다양한 요구와 예산에 맞는 몇 가지 미디 키보드와 컨트롤러를 소개합니다:

• 작고 저렴한 제품을 찾는다면 이 컨트롤러가 제격입니다. 초보자도 부담 없이 사용할 수 있는 가격이며, 25개의 미니 키 인터페이스는 스튜디오 공간이 제한된 분들에게도 좋습니다. 또한 어사인 패드와 노브가 있어 더욱 다양하게 활용할 수 있습니다!
• Novation 런치키 시리즈: Launchkey 시리즈는 Ableton Live를 위해 설계되었지만 모든 DAW에서 사용할 수 있습니다. 풀사이즈 키, 패드, 노브 및 페이더를 제공하여 일렉트로닉 음악 제작의 모든 측면을 제어할 수 있습니다.
• Arturia 키랩 에센셜: 키랩 에센셜은 기능과 경제성 사이의 균형을 잘 맞추고 있으며, Arturia의 소프트웨어 악기 컬렉션과 통합하기에 완벽한 제품입니다. 키베드의 촉감이 훌륭하고 다양한 DAW 컨트롤을 통해 보다 실용적인 경험을 할 수 있습니다.
• 네이티브 인스트루먼트 완벽한 Kontrol S-시리즈: Native Instruments의 소프트웨어를 자주 사용하신다면 이보다 더 좋은 통합 키보드는 없습니다. S-시리즈 키보드는 애프터터터치 기능을 갖춘 고품질 키베드와 업계에서 가장 직관적인 탐색 및 매개변수 제어 시스템을 제공합니다.
• ROLI Seaboard Block: 이 키보드는 미디 컨트롤러 시장의 검은 양이지만, 전통적인 키보드 연주 이상의 것을 탐구하고자 한다면 Seaboard의 표현력 넘치는 연주 표면은 다른 어떤 키보드와도 비교할 수 없는 방식으로 터치의 5차원을 포착합니다.

다시 말하지만, 휴대성과 경제성, 다용도성 및 심층적인 소프트웨어 통합을 우선시하든, 독특한 기능을 제공하는 다른 미디 키보드와 컨트롤러가 많이 있지만, 이 제품들은 제가 가장 좋아하는 제품 중 일부에 불과합니다.

가능하면 여러 가지를 시도해보고 워크플로에 가장 적합한 젤이 무엇인지 확인하세요.

드럼 머신 및 샘플러

드럼 머신과 샘플러가 요즘에는 전자 음악 제작의 '필수품'이라고 생각하지는 않지만, 드럼 머신과 샘플러는 처음부터 전자 음악 제작의 중추적인 역할을 해온 중요한 도구라는 점을 인식해야 합니다.

이 악기의 역사는 깊고, 많은 상징적인 모델들이 전체 장르의 사운드를 형성했습니다. 예를 들어, 80년대 초에 출시된 롤랜드 TR-808은 힙합의 대명사가 되었습니다. 아프리카 밤바아타의 "Planet Rock"을 들어보면 이 드럼 머신이 스타덤에 오른 첫 번째 사례 중 하나를 들을 수 있습니다.

마찬가지로 샘플러와 시퀀서의 조합인 Akai MPC는 프로듀서들이 비트를 만드는 방식에 혁명을 일으켰습니다. 전설적인 비트메이커 J Dilla는 MPC로 일렉트로닉 음악 제작 방식을 바꾼 대표적인 사례 중 하나입니다.

가상 드럼 머신과 샘플러보다 하드웨어 드럼 머신과 샘플러를 사용할 때의 장점은 촉각적인 경험과 아날로그 사운드를 느낄 수 있다는 점입니다. 다른 많은 프로듀서들과 마찬가지로 저도 노브, 패드, 페이더를 직접 만지는 것이 훨씬 더 영감을 줍니다.

또한 하드웨어의 고유한 음향 특성과 한계는 즉흥적인 창의력을 자극할 수 있으며, 물론 라이브 공연의 측면도 있으며 하드웨어가 더 안정적이고 시각적으로 매력적인 세트를 만든다는 것은 의심할 여지가 없습니다.

컬렉션 구축을 시작하려면 좋아하는 아티스트와 프로듀서들이 어떤 제품을 사용하는지 살펴보는 것이 좋겠지만, 제가 자주 다른 사람들에게 추천하는 드럼 머신과 샘플러 몇 가지를 소개해드리겠습니다:

• 롤랜드 TR-8S: 대부분의 프로듀서처럼 오리지널 TR-08에 수천 달러를 투자할 여력이 없다면 TR-8S를 살펴보는 것을 추천합니다. 비교적 최근에 출시된 롤랜드의 이 제품은 샘플 재생 기능을 갖춘 클래식 TR 시리즈 드럼 사운드를 제공하여 라이브 공연 및 스튜디오 작업에 다용도로 활용할 수 있는 도구입니다.
• 일렉트론 디지탁트: 이동이 잦은 프로듀서에게 이 소형 드럼 머신 겸 샘플러는 제가 가장 좋아하는 제품 중 하나입니다. 매우 강력한 시퀀싱 기능과 수많은 온보드 사운드 디자인 도구를 갖추고 있습니다.
• Akai MPC Live II: 내장 스피커와 충전식 배터리로 전설적인 MPC 워크플로우와 독립형 유연성을 제공하는 MPC Live II는 이동 중에도 프로덕션에 적합한 제품입니다.
• Korg Volca Sample: 이 저렴하고 컴팩트한 샘플 시퀀서는 강력한 간 성능과 실시간 그루브 제작을 위한 다양한 기능과 연결 옵션을 제공하므로 초보자에게 적합합니다.
• 데이브 스미스 인스트루먼트 템페스트: 지난 몇 년간 논란이 많았지만, 데이브 스미스와 로저 린이 협업한 이 드럼 머신은 강력한 아날로그 드럼 머신 사운드를 얻기 위해 제가 가장 좋아하는 옵션 중 하나입니다.

하드웨어가 큰 인기를 끌고 있기 때문에 일렉트로닉 음악 프로덕션을 배우는 사람이라면 누구나 도구 창고에서 이쪽도 살펴봐야 합니다. 막대한 예산이 없더라도 여전히 많은 옵션이 있습니다!

오디오 인터페이스

물론 노트북만으로 전자 음악 프로덕션을 배울 수도 있지만, 본격적으로 전자 음악 프로덕션을 설정하고 악기, 마이크, 컴퓨터 간의 연결 고리를 구축하려면 오디오 인터페이스가 필요합니다.

간단히 말해, 오디오 인터페이스는 아날로그 신호를 DAW가 처리할 수 있는 디지털 오디오 데이터로 변환하거나 그 반대로 변환하는 역할을 합니다. 오디오 인터페이스는 변환 외에도 대부분의 컴퓨터에 내장된 오디오 입력 및 출력에 비해 녹음 음질을 크게 향상시킬 뿐만 아니라 마이크 프리앰프, 지연 없는 녹음을 위한 직접 모니터링, 다양한 오디오 소스 및 외부 장비 연결을 위한 다중 입력 및 출력과 같은 필수 기능을 제공할 수 있습니다.

오디오 인터페이스는 다양한 형태와 크기로 제공되지만, 어디서부터 시작해야 할지 잘 모르겠다면 예산에 따른 몇 가지 옵션을 살펴보세요:

• 예산 친화적 :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3세대): 고품질 프리앰프와 내구성이 뛰어난 인터페이스를 원하는 초보자를 위한 최고의 추천 제품 중 하나입니다.
  • Behringer U-PHORIA UM2: 홈 레코딩을 시작하는 데 필요한 모든 기본 사항을 제공하는 매우 합리적인 가격의 옵션입니다.
• 미드 레인지 :
  • 유니버설 오디오 아폴로 트윈 MKII: 완벽한 오디오 품질과 실시간 UAD 프로세싱으로 프로덕션의 수준을 한 단계 높이고 싶다면 완벽한 제품입니다.
  • 네이티브 인스트루먼트 컴플리트 오디오 6: 다중 입력/출력 및 짧은 지연 시간으로 기능과 가격 간의 균형이 잘 잡힌 제품입니다.
• 하이엔드 :
  • RME Fireface UCX: 안정성과 뛰어난 오디오 품질, 짧은 지연 시간으로 잘 알려져 있으며 소규모 전문 스튜디오에 적합합니다.
  • 유니버설 오디오의 아폴로 x4: 4개의 Unison 프리앰프, UAD-2 쿼드 코어 프로세싱, 뛰어난 변환 기능으로 UAD 하드웨어의 장점을 최대한 활용할 수 있습니다.

적합한 오디오 인터페이스는 사용자의 특정 요구 사항에 따라 달라집니다.

예를 들어 한 번에 여러 대의 마이크를 녹음하는 경우에는 다양한 입력과 출력이 필요합니다. 하지만 이동이 잦은 경우에는 휴대성이 가장 큰 장점일 수 있습니다. 어쨌든 음악의 품질을 높이고 싶다면 오디오 인터페이스에 투자하는 것은 필수입니다.

헤드폰 또는 스튜디오 모니터

나만의 음악을 만들기 시작하면 다시 들을 수 있는 음악이 필요합니다.

가장 먼저 결정해야 할 것 중 하나는 헤드폰에 투자할지 스튜디오 모니터에 투자할지 여부입니다. 각각은 음악 제작 과정에서 고유한 용도로 사용되며, 실제로는 둘 다 사용하는 것이 가장 좋은 선택입니다.

스튜디오 모니터는 공간 내 사운드를 보다 정확하게 표현하여 실제 환경에서 음악이 어떻게 변환되는지 이해할 수 있게 해줍니다. 또한 믹스에 대한 공간적, 입체적 관점을 제공하여 패닝, 깊이, 스테레오 이미징에 대한 정보에 입각한 결정을 내릴 수 있도록 도와줍니다.

반면 헤드폰은 디테일과 고립감을 제공합니다. 헤드폰은 스피커에서 간과할 수 있는 낮은 수준의 노이즈나 딸깍거리는 소리 등 믹스의 미묘한 뉘앙스를 식별하는 데 유용합니다. 늦은 밤 세션이나 스피커로 정확하게 모니터링할 수 없는 공간에서 작업하는 경우에도 헤드폰은 필수입니다.

두 가지 도구를 모두 사용할 수 있으면 다양한 청취 환경에서 믹스가 어떻게 들리는지 확인할 수 있으므로 다양한 재생 시스템에서 음악이 훌륭하게 들리는지 확인할 수 있어 매우 유용합니다.

다음은 각각에 대한 몇 가지 권장 사항입니다:

헤드폰 권장 사항:

• 예산: 오디오테크니카 ATH-M40x - 합리적인 가격에 뛰어난 음질과 내구성을 제공합니다.
• 미드 레인지: Beyerdynamic DT 770 PRO - 섬세하고 균형 잡힌 사운드와 편안함으로 유명합니다. 저는 장시간 믹싱 세션에 이 제품을 즐겨 사용합니다.
• 하이엔드: Sennheiser HD 650 - 뛰어난 자연스러운 사운드 충실도와 정확한 저음 응답을 제공하는 최고급 오픈형 스튜디오 헤드폰입니다.

스튜디오 모니터 권장 사항:

• 예산: Presonus Eris E3.5 - 소형 홈 스튜디오에 적합한 매우 컴팩트하고 경제적이면서도 선명하고 정확한 사운드 프로파일을 제공합니다.
• 미드 레인지: Yamaha HS5 - 평탄한 응답과 뛰어난 사운드 재생에 적합하며, 특히 처리되지 않은 공간에서 믹싱할 때 더욱 그렇습니다.
• 하이엔드: 아담 오디오 A7X - 정밀한 저음 응답과 섬세한 고음역대를 원하는 전문 음악 프로듀서 및 엔지니어에게 적합합니다.

저는 일렉트로닉 음악 프로듀싱을 시작할 때 스튜디오 환경을 업그레이드하기 전 약 1년 동안 헤드폰으로 작업했기 때문에 지금 당장 스튜디오 모니터가 오디오 제작 예산에 포함되어 있지 않더라도 너무 걱정하지 않으셔도 됩니다. 다만 헤드폰으로만 듣는다면 자주 휴식을 취해 원근감을 유지하고 귀가 피로해지지 않도록 주의하세요.

일렉트로닉 음악 제작 방법

일렉트로닉 음악 제작은 방대합니다. 이 글을 읽는다고 해서 이 기술을 마스터할 수 있다고 장담할 수는 없지만, 지난 10년간의 전자 음악 제작 경험에 대한 통찰력을 제공하고 이를 자신의 여정에 영감으로 활용할 수 있기를 바랄 뿐입니다.

저는 음악 제작 과정을 세 단계로 생각하곤 합니다:

1. 아이디어: 첫 번째 단계에서는 초기 아이디어를 스케치하고, 사운드와 패턴을 실험하고, 마음에 드는 다른 아티스트의 아이디어나 영감을 수집합니다.
2. 편곡: 아이디어를 정리한 후에는 일관된 흐름으로 구성하여 청취자가 처음부터 끝까지 여정을 따라갈 수 있는 트랙을 만들 수 있습니다.
3. 다듬기: 이 단계에서는 트랙을 다듬고 모든 요소가 잘 어울리는지 확인하는 믹싱 및 마스터링 단계입니다.

중요한 점은 모든 프로듀서가 이러한 단계를 통해 자신만의 고유한 길을 걷는다는 것입니다.

어떤 사람들은 캐치한 멜로디로 시작해서 그 멜로디를 중심으로 곡을 만들기도 하고, 어떤 사람들은 샘플 몇 개를 잘게 쪼개서 MPC로 멋진 시퀀스를 만들기도 합니다. 다른 사람들은 전통적인 접근 방식을 취하고 표준 팝 편곡 구조를 사용하여 드럼, 베이스, 기타 등의 순서로 처음부터 곡을 만들 수도 있습니다.

일렉트로닉 음악 제작의 매력은 바로 이러한 다양한 접근 방식에 있습니다.

저에게 가장 잘 맞는 방법을 공유하려고 하지만, 모든 사람에게 딱 맞는 프로세스는 없다는 점을 기억하세요. 창의력을 자극하고 아이디어를 자유롭게 발산할 수 있는 워크플로우를 찾는 것이 중요합니다.

사운드 찾기

일렉트로닉 음악을 만드는 방법을 처음 배울 때 가장 어려운 부분은 자신의 사운드를 찾는 것입니다.

'일렉트로닉 음악'이라는 포괄적인 용어 아래에는 수많은 하위 장르가 있으며, 각 장르에는 고유한 사운드, 리듬, 구조가 있습니다. 다음은 몇 가지 인기 있는 하위 장르를 소개합니다:

• 집
• 테크노
• 더빙 단계
• IDM(인텔리전트 댄스 뮤직)
• EDM(일렉트로닉 댄스 뮤직)
• 트랜스
• 드럼 앤 베이스
• 퓨처 베이스

신인 프로듀서로서 저는 이러한 다양성 속에서 자신의 사운드를 발견하는 열쇠는 탐구와 실험이라고 생각합니다.

청취자뿐만 아니라 학생의 입장에서 다양한 하위 장르를 깊이 있게 살펴보세요. 다양한 스타일에서 영감을 받은 짧은 곡이나 비트를 만들어 무엇이 공감을 불러일으키고 창의력을 발휘하게 하는지 살펴보세요. 혼자서는 생각하지 못했던 새로운 관점을 제시하고 영감을 줄 수 있는 다른 프로듀서와 공동 작업을 시도해 볼 수도 있습니다.

이 접근 방식에는 적극적인 경청 이 필요합니다. 이는 각 하위 장르의 뉘앙스를 이해하는 데 가장 강력한 도구 중 하나입니다. 트랙을 들을 때는 템포와 드럼 패턴부터 신디사이저 선택, 편곡의 구조까지 사운드를 정의하는 핵심 요소를 파악하는 등 트랙을 분석해 보세요. 긴장과 이완이 어떻게 만들어졌는지, 시간이 지남에 따라 트랙이 어떻게 진화하는지, 어떤 감정이나 분위기를 불러일으키는지 주목하세요.

지금까지도 분석적으로 듣는 것은 제가 노래에 대해 더 많이 알기 위해 가장 좋아하는 방법 중 하나입니다.

기초 그루브 얻기

일렉트로닉 음악의 중심에는 드럼과 퍼커션에서 흔히 들을 수 있는 그루브가 있습니다.

BPM(분당 비트 수)은 하위 장르를 정의하는 데 중요한 역할을 하며, 언제나 실험할 수 있지만 대부분의 청취자는 특정 종류의 일렉트로닉 음악을 들을 때 기대하는 바가 있습니다.

예를 들어, 테크노는 일반적으로 120~135 BPM이며 4발 킥 드럼 패턴을 사용하는 반면, 전통적인 하우스 음악은 120~130 BPM 사이에서 약간 펑키하고 그루브한 드럼 패턴을 사용하며 소울풀하고 경쾌한 분위기를 자아내는 경우가 많습니다.

묵직한 베이스와 싱코페이드 그루브로 유명한 덥스텝은 일반적으로 약 140 BPM으로, 상징적이고 무게감 있는 하프타임 드럼 패턴을 위한 약간의 공간을 만들어 줍니다.

드럼과 베이스는 약 160-180 BPM으로 더욱 강렬하고 혼란스러운 에너지를 전달하는 빠른 브레이크 비트 리듬을 사용하여 이를 더욱 강화합니다.

물론 전통적인 드럼 비트를 피하고 보다 유동적이고 진화하는 질감을 살린 앰비언트 일렉트로닉 음악도 있습니다. 때로는 드럼이 전혀 없는 곡도 있습니다. 그보다는 보다 분위기 있는 풍경을 만드는 데 중점을 둡니다.

이러한 하위 장르의 일반적인 템포와 드럼 패턴을 알면 트랙을 장르의 규칙에 맞추는 데 도움이 될 수 있습니다. 물론 앞서 말했듯이 나만의 독특한 사운드를 찾기 위해 템포와 리듬을 실험하는 것을 두려워하지 마세요!

비트 구성하기

저는 항상 드럼부터 시작하는 것이 일렉트로닉 음악 제작에 있어 확실한 전략이라고 생각합니다.

리듬 섹션은 트랙의 템포와 에너지의 기초를 설정하고 나머지 요소들이 고정될 수 있는 그루브를 확립할 수 있습니다. 트랙의 뼈대를 먼저 세운다고 생각하면 됩니다.

일렉트로닉 곡은 곡마다 크게 달라질 수 있지만, 대부분의 드럼 그루브의 핵심 구성 요소에는 킥, 스네어 또는 박수, 하이햇, 추가 퍼커션이 포함되어 있어 약간의 풍미와 질감을 더할 수 있습니다.

나만의 드럼 비트를 만들기 시작할 때 취할 수 있는 몇 가지 접근 방식이 있습니다:

• 드럼 샘플러 사용: 저는 자신만의 드럼 샘플을 불러와 처음부터 미디 그루브를 만들 수 있는 Native Instruments의 Battery 4를 매우 좋아합니다.
• 브레이크, 루프, 샘플 뒤집기: 브레이크 비트와 루프를 잘게 쪼개는 것은 오래된 방식이지만, 여전히 일렉트로닉 음악을 만들고 새로운 아이디어를 떠올리게 하는 핵심 요소입니다.
• 레퍼런스 트랙 듣기: 좋아하는 트랙의 드럼 그루브를 분석하고 이를 따라 해보는 데 시간을 할애하는 것이 좋습니다. 다양한 레이어, 스윙 또는 스트레이트 타이밍, 비트가 트랙의 전체적인 느낌을 어떻게 보완하는지 주의하세요.

간단한 하우스 비트를 만드는 방법을 살펴보겠습니다:

1. 킥 드럼으로 시작하기: 이상적인 하우스 스타일의 킥을 찾아 각 박자(1, 2, 3, 4)의 박자에 맞춰 배치하면 상징적인 4박자 리듬을 만들 수 있습니다.
2. 박수 또는 스네어 추가하기: 2박자와 4박자에 박수 또는 스네어를 겹쳐서 그루브를 만들기 시작합니다.
3. 하이햇 도입: 각 킥과 스네어 타격 사이에 닫힌 하이햇을 추가하여 안정적이고 주도적인 리듬을 만들 수 있습니다. 좀 더 유동적인 느낌을 원한다면 8번째 음을 사용할 수 있습니다.
4. 타악기 추가하기 : 그루브에 활기를 불어넣으려면 셰이커나 탬버린과 같은 타악기 요소를 추가할 수 있습니다.
5. 루프 실험: 그루브에 질감을 더하고 싶을 때 루프 퍼커션이나 탑 루프를 오버레이하여 채우는 경우가 많습니다.

비트를 만드는 것은 공식을 따르는 것만큼이나 실험에 관한 것이므로, 위의 모든 요소를 가지고 놀면서 자신의 취향에 맞게 조정해 보세요.

베이스 라인 배치하기

베이스라인을 배치하는 것은 트랙이 본격적으로 탄력을 받기 시작하는 부분입니다. 베이스는 드럼 그루브를 보완하는 동시에 음악의 리듬과 화성 요소를 연결해야 하는데, 이에 대해서는 잠시 후에 자세히 설명하겠습니다.

다음은 흥미로운 베이스라인을 만드는 간단한 접근 방식입니다:

1. 사운드 선택: 장르에 맞는 베이스 사운드를 선택하는 것으로 시작하세요. 신스 베이스는 다재다능하고 다양한 모양을 만들 수 있으며, 샘플링된 베이스는 트랙에 실제 질감을 더할 수 있습니다. A
2. 그루브 만들기: 드럼 그루브를 따라가는 기본 패턴으로 시작한 다음, 싱코페이션이나 추가 음을 실험하여 리듬과 흥미를 만들어 보세요. 좋아하는 다른 일렉트로닉 트랙의 베이스 라인을 듣고 어떤 종류의 기법을 사용하는지 살펴보는 것이 좋습니다.
3. 노트 변형하기: 루트 음표에서 벗어나는 것을 두려워하지 마세요. 다양한 음표 옵션에 대한 음계를 살펴볼 수 있습니다. 음악 이론에 기반한 음계를 구현하는 방법을 잘 모르시나요? 해당 주제에 대한 블로그 게시물을 확인해 보세요.
4. 서브 베이스 레이어링: 베이스에 저음에 좀 더 '힘'이 필요하다면 그 아래에 깨끗한 사인파 기반의 서브 베이스를 추가할 수 있습니다. 메인 베이스와 조율되고 리드미컬하게 정렬되어 있는지 확인하기만 하면 됩니다.

어떤 방식으로 접근하든 베이스 라인은 모든 일렉트로닉 음악 트랙의 기본 요소이므로 시간을 들여 다듬고 완벽한 그루브를 찾을 때까지 변경하는 것을 두려워하지 마세요.

코드 편곡하기

다음으로 트랙의 코드 진행을 개발하기 시작할 수 있습니다. 코드는 멜로디와 기타 텍스처를 구축할 감정적 토대를 마련하기 위한 것입니다. 화음은 특정 분위기를 불러일으키고, 긴장과 이완을 조성하며, 듣는 사람을 내러티브로 안내하는 힘을 가지고 있습니다.

물론 코드에 접근하는 방식은 장르에 따라 크게 달라질 수 있습니다. 예를 들어 앰비언트 일렉트로닉 음악에서는 풍성하고 확장된 코드 진행이 깊이 있는 느낌을 연출하는 데 적합할 수 있지만, 하우스나 테크노에서는 화음의 움직임이 많지 않은 단순한 코드 스탭이 더 좋은 선택이 될 수 있습니다.

음악 이론 전문가가 될 필요는 없지만, 이론을 확실히 이해하면 코드 보이스와 진행에 대해 보다 현명한 결정을 내리는 데 도움이 될 수 있습니다. 음악 이론의 장점은 규칙을 알고 있어야 규칙을 깨뜨릴 수 있다는 것입니다. 또한 음악을 통해 특정 감정과 아이디어를 전달할 수 있는 힘을 얻을 수 있습니다,

음악 이론에 대해 자세히 알아보려면 코드 진행 만들기 가이드를 확인하세요.

멜로디 쓰기

그렇다면 멜로디란 무엇인가요?

가장 기본적으로는 음악의 주요 테마 또는 초점 역할을 하는 일련의 음표입니다.

청취자가 트랙에서 가장 많이 기억하는 부분이기 때문에 좋은 멜로디는 기억에 남을 수 있어야 합니다. 음악 이론의 관점에서 볼 때 트랙의 화성적 맥락과도 잘 맞아야 합니다.

기억에 남는 멜로디를 만들 때 고려해야 할 주요 사항 중 하나는 반복의 힘 입니다.

반복되는 모티브나 구절은 트랙을 고정하고 청취자에게 일관성을 부여하는 좋은 방법이지만, 멜로디가 단조롭게 들릴 수 있으므로 너무 많이 반복하는 것은 자제해야 합니다.

영감을 얻기 위해 멜로디가 강한 음악을 적극적으로 듣는 것을 추천합니다.

이러한 멜로디가 어떻게 구성되어 있는지 분석하고, 코드 및 리듬과 어떻게 상호작용하는지, 반복과 변주를 사용하여 움직임과 감정을 어떻게 만들어내는지 주목하세요. 태초부터 예술가들이 해왔던 것처럼 노골적으로 표절하지 않고도 이러한 곡에서 영감을 얻을 수 있습니다. 모든 것은 이전의 무언가를 기반으로 만들어집니다.

모든 것을 하나로 묶기

다음으로 트랙의 모든 요소를 하나로 묶을 방법을 찾아야 합니다.

일렉트로닉 음악의 구조는 다양할 수 있지만, 대부분의 팝 스타일의 일렉트로닉 트랙은 처음부터 끝까지 기복이 있는 표준 구조를 따릅니다.

인트로에서 스토리가 전개되기 시작하는 구절로 이동할 수 있습니다. 이는 트랙의 클라이맥스 역할을 하는 코러스, 후크 또는 드롭의 긴장감을 높이기 위한 프리 코러스 또는 빌드업으로 이어질 수 있습니다.

여기에서 특정 신디사이저나 보컬 라인을 강조하기 위해 솔로 섹션을 추가하거나, 마지막 코러스, 드롭 또는 아웃트로 전에 대비나 반전의 순간을 위한 브릿지를 추가할 수 있습니다.

믹싱 및 마스터링

마지막으로 포스트 프로덕션 프로세스의 중요한 단계인 믹싱 및 마스터링 프로세스에 도달합니다. 이 단계에서는 개별 트랙 컬렉션을 출시할 수 있는 응집력 있고 세련된 음악으로 만드는 데 중점을 두어야 합니다.

믹싱에서는 레벨 밸런스를 맞추고, 스테레오 필드에서 다양한 악기를 패닝하고, EQ를 적용하여 주파수 충돌을 제거하고, 압축을 통해 다이내믹을 고르게 만들고, 리버브 및 딜레이와 같은 효과를 사용하여 입체적인 깊이를 만드는 것이 목표입니다.

마스터링은 마지막 단계로, 믹싱된 트랙을 다듬고 배포할 수 있도록 준비하는 작업입니다. 이 단계에서는 전체적인 사운드를 미세 조정하고, 프로젝트를 제작하는 경우 앨범이나 EP 전체에 걸쳐 곡의 일관성을 유지하며, 다양한 재생 시스템에서 음악이 최상의 사운드로 들리는지 확인합니다.

이 두 가지 과정 모두 세밀한 귀와 사운드의 작동 원리에 대한 깊은 이해가 필요하며, 물론 자신의 트랙을 믹싱하고 마스터링할 수 있을 만큼 실력을 쌓을 수 있지만, 일반적으로 처음 시작할 때는 새로운 귀와 전문 장비를 갖춘 다른 사람에게 이러한 작업을 맡기는 것이 좋습니다.

일렉트로닉 음악 제작 방법을 배우기 위한 최고의 리소스

이 글 외에도 일렉트로닉 음악을 만드는 것은 수많은 시행착오와 실험을 통해 끊임없이 배우는 과정입니다. 다행히도 모든 수준의 프로듀서를 위한 수많은 리소스가 마련되어 있습니다:

다음은 다양한 리소스 목록과 이러한 리소스가 지식과 기술을 확장하는 데 도움이 되는 이유입니다:

• 온라인 튜토리얼 및 강좌: 스킬셰어, Udemy, 코세라와 같은 플랫폼에서는 업계 전문가가 초급부터 고급까지 다양한 레벨의 일렉트로닉 음악 강좌를 제공합니다.
• YouTube 동영상: 포인트 블랭크 뮤직 스쿨, ADSR 음악 제작 튜토리얼과 같은 채널은 음악 제작 과정의 다양한 측면에 대한 끝없는 무료 튜토리얼, 팁, 기술을 제공하여 시각적 학습자에게 완벽한 채널입니다.
• 포럼 및 온라인 커뮤니티: Gearslutz, Reddit의 r/edmproduction, KVR Audio와 같은 커뮤니티는 다른 프로듀서들과 소통하고, 음악을 공유하고, 피드백을 받고, 제작 기술에 대해 토론할 수 있는 좋은 커뮤니티입니다.
• DAW 관련 리소스: 대부분의 DAW에는 공식 포럼, 튜토리얼 및 설명서가 있습니다. 저는 DAW 관련 팁, 요령, 가이드가 무궁무진한 Ableton의 학습용 음악 웹사이트를 매우 좋아합니다.

또한 저희 블로그에는 음악 이론, 음악 산업의 작동 방식, 곡 편곡에 접근하는 방법 등 전자 음악을 만드는 데 유용한 자료가 가득합니다.

최종 생각

일렉트로닉 음악을 만드는 방법을 배우는 것은 하루아침에 되는 일이 아닙니다.

결국 궁극적인 목표는 무언가를 느끼게 하는 트랙, 즉 자랑스러워할 수 있는 트랙을 만드는 것입니다. 음악은 끊임없이 진화하고 있으므로 일련의 규칙에 얽매일 이유가 없습니다. 하지만 위의 도구와 사용법을 이해하면 방대한 일렉트로닉 음악의 세계에서 아름답고 독특한 작품을 만드는 데 도움이 될 수 있습니다.