텍스처. 좋아하는 티셔츠의 부드러운 촉감. 마지막 걸스카우트 얇은 민트 쿠키가 입안에서 사라지는 바삭바삭한 느낌. 요컨대, 일반적으로 촉각과 연관된 감각입니다.

그래서 누군가가 음악의 질감에 대해 이야기하면 머리를 긁적일 수 있습니다. 음악에서 텍스처란 무엇일까요? 어떻게 정의하고 어떻게 이야기할까요? 왜 텍스처에 대해 이야기해야 할까요? 니켈백은 텍스처를 사용하나요?

모두 좋은 질문입니다. 처음부터 시작하겠습니다.

음악에서 텍스처란 무엇인가요?

음악에서 텍스처란 곡의 여러 음악 요소 간의 관계를 말합니다. 텍스처는 음악에 깊이, 복잡성, 풍성함을 더합니다.

텍스처를 설명하는 형식적인 접근 방식은 멜로디 라인과 기본 화성(또는 화성 부족)을 사용하여 음악적 텍스처와 그 사이의 리듬적 유사성 또는 차이점을 평가하는 것입니다. 이 접근 방식은 클래식 음악(모든 형태의 음악)을 분석하기 위한 방법으로 개발되었으며, 현대 음악 제작 기술로 만들어진 텍스처를 설명할 수 있는 여지를 남기지 않습니다.

비공식적인 접근 방식은 곡의 음악적 질감을 고려할 때 형식, 템포 및 음색과 같은 다른 요소를 포함할 수 있습니다. 이는 현대 음악이나 비전통 음악에 대해 이야기할 때 특히 유용합니다. 예를 들어 오테크레의 간츠 그라 f를 '세밀하다'고 표현하거나 트렉벨러의 트레나멘토 데 포르사(Treinamento De Força )를 '날카롭다'고 설명할 수 있습니다.

어떤 접근 방식이든 음악의 텍스처는 음악의 분위기, 분위기, 내러티브에 영향을 미치는 다양한 요소가 함께 어우러져 음악을 만들어내는 방식에 관한 것입니다.

음악에서 텍스처를 묘사하는 방법

음악이 사람마다 다른 감정을 전달할 수 있는 것처럼 음악적 질감도 다르게 해석될 수 있는 자유로운 세상입니다. 언어라는 것은 재미있는 오래된 것이며, 어떻게 소통할 것인지는 여러분에게 달려 있습니다.

하지만 때로는 작업할 수 있는 프레임워크가 있으면 도움이 됩니다. 그래서 음악적 질감을 논의하는 공식적인 접근 방식이 필요한 것입니다.

다음 용어는 음악사 및 음악 분석에서 음악의 질감을 설명하는 데 자주 사용되며, 이러한 방식으로 질감을 이해하면 모든 사람에게 도움이 될 수 있습니다. 하지만 이 방법론은 '서양' 음악에 크게 치우쳐 있다는 점을 주의하세요. 이에 대해서는 나중에 더 자세히 설명하겠습니다...

이제 '포니스'를 소개할 시간입니다!

모노 포닉 텍스처

첫 번째이자 가장 단순한 음악적 질감은 모노포니입니다. 모노포닉 음악에는 한 줄의 음악만 존재합니다. 하모니가 없습니다. 리드미컬한 반주도 없습니다. 아무것도 없습니다.

중세 시대에는 플레인챈트라고 불리는 초기 기독교 노래가 유일한 오락의 형태였던 시절에 큰 인기를 끌었습니다. 즐거운 시절이었죠.

모노 포닉 텍스처는 솔로 음성/악기 또는 여러 악기가 동시에 같은 것을 연주하는 것일 수 있습니다.

미국 친구들을 위해 리버풀 축구 경기를 관람하고 있다고 상상해 보세요. 유 윌 네버 워크 얼론 을 부르기 시작합니다. 이것은 모노 포닉 텍스처입니다. 하지만 혼자서 부르기 때문에 '가늘다' 또는 '드문드문하다'고 표현할 수 있습니다.

주변 사람들이 하나둘씩 합창에 참여하기 시작합니다. 여러분과 동료들이 같은 멜로디를 부르기 때문에 여전히 모노톤의 질감이지만, 그 질감이 약간 더 두꺼워졌다고 표현할 수 있습니다.

결국 경기장 전체가 함께 노래를 부르게 됩니다. 모두가 하나의 멜로디를 부르기 때문에 여전히 모노 포닉 텍스처입니다. 하지만 여러 목소리의 다양한 음색 덕분에 두꺼운 질감이라고 표현할 수도 있습니다.

아래는 모노 포닉 텍스처를 시각적으로 표현한 것입니다. 파란색 선은 하나의 멜로디 라인을 나타냅니다.

동음이의어 텍스처

텍스처 복잡도 척도에서 다음 단계는 동조화 텍스처입니다. 호모포닉 음악에는 하나의 뚜렷한 멜로디 라인이 있으며 다른 모든 부분은 화성 반주 역할을 합니다.

아래 그래픽은 호모포닉 텍스처의 시각적 표현을 보여줍니다. 파란색 선은 메인 음악 라인을 나타내고 녹색 음영은 하모닉 서포트를 나타냅니다.

대부분의 전통적인 개신교 찬송가와 이발소 4중주단의 음악은 동조적 음악 질감의 좋은 예입니다. 가스펠 곡 중에서 동조성을 사용하지 않는 곡은 거의 없습니다. 이러한 예에서는 서로 다른 악기나 목소리가 블록 화음으로 함께 움직입니다.

전통적으로 호모포닉 텍스처에서는 모든 악기가 멜로디 라인의 리듬과 같은 리듬을 연주합니다. 그러나 이 용어는 메인 멜로디와 리듬이 다른 부분을 포함하기 위해 더 광범위하게 사용되는 경우가 많습니다.

피아노 반주에 맞춰 화음을 연주하는 가수나 기타 피킹 반주를 배경으로 애절한 멜로디를 연주하는 아코디언 연주자를 상상해 보세요. 또는 즉흥적으로 연주하는 트럼펫 연주자에게 리듬과 화성을 지원하는 소규모 재즈 콤보를 상상해 보세요. 같은 멜로디를 연주하는 것은 아니지만 독립적인 멜로디 파트를 연주하는 것도 아닙니다. 모두 동음이의어일 뿐입니다.

동조성 음악을 설명하는 이 광범위한 정의 때문에 오늘날 음악에서 가장 흔히 들을 수 있는 텍스처로 간주됩니다.

헤테로포닉 텍스처

이 텍스처는 더 큰 규모로 고려할 때는 덜 일반적인 텍스처이지만, 보다 세분화된 수준에서 사용되기 때문에 살펴볼 가치가 있습니다.

헤테로포닉 음악에서는 여러 연주자가 하나의 멜로디 라인을 변형하여 연주합니다. 나팔 한 대를 반주하는 가수가 동일한 멜로디 라인을 여기저기서 약간의 리프가 가미된 나팔 소리를 내는 것이 바로 헤테로포닉입니다.

리버풀 FC 경기로 돌아가서(2-0으로 앞서고 있으니 대담한 기분입니다). 모두가 같은 노래를 따라 부르고 있습니다. 갑자기 북쪽 관중석에서 '아-루-원 '이라는 긴 음을 리핑하기 시작하는데, 마치 백업 가수가 메인 훅을 반복하는 동안 리드 보컬이 애드리브를 할 때처럼요. 이것이 바로 헤테로포닉 텍스처입니다.

다성 텍스처

폴리포닉 텍스처는 그리스어 폴리 (많은)와 포이 (소리)에서 따온 말로, 각각 독립적인 멜로디 라인을 연주하는 여러 부분으로 구성된 음악입니다. 모든 구성 파트는 독립적으로 들리며 각자의 멜로디를 가지고 있지만, 모두 함께 작용하여 흥미롭고 조화로운 텍스처를 만들어냅니다.

대위법 음악 또는 대위법이라고도 불리는 다성음악은 바로크 시대에 주류를 이루었습니다. 바흐의 전주곡과 푸가는 다성음악의 좋은 예이며, 여러 층으로 음악을 작곡하는 이 스타일은 오늘날에도 계속되고 있습니다.

크리스 루프는 에드 시런의 셰이프 오브 유를 멋지게 커버하여 잘 쓰여진 대위법을 통해 이 곡을 새롭게 재해석했습니다. 동음이의어 텍스처를 다성 음악으로 바꾸는 좋은 예입니다. 아래에서 확인해 보세요.

다성 텍스처에서는 각 파트가 독립적인 멜로디를 갖습니다. 이는 모든 악기가 독립적인 파트를 연주하더라도 악기 반주가 있는 하나의 멜로디 라인과는 다릅니다. 주요 차이점은 다성 텍스처에서는 각 파트가 고유한 멜로디로 기능한다는 것입니다.

음악 텍스처가 중요한 이유는 무엇인가요?

듣고 있는 음악을 더 깊이 감상하는 데 도움이 되는 것 외에도, 음악의 질감을 이해하는 것은 공식적인 접근 방식과 비공식적인 접근 방식 모두에서 많은 이점을 가져다 줍니다:

성능:

음악가는 음악에 존재하는 질감을 이해할 때 음악에서 자신의 역할을 더 잘 해석할 수 있습니다. 특히 대규모 악기 그룹에서는 자신이 백업을 제공하는지 (동조), 멜로디 라인에 기여하는지 (모노포니 또는 폴리포니 ), 장식을 제공하는지 (헤테로포니)를 아는 것이 좋습니다.

구성

음악의 텍스처를 이해하면 음악 작업을 할 때 큰 도움이 될 수 있습니다. 텍스처를 조작하여 특정 감정을 불러일으키거나 주제적 요소를 끌어내는 데 사용할 수 있습니다. 단순하고 직접적으로 표현하고 싶으신가요? 모노포니. 복잡한 것을 강조하고 싶으신가요? 폴리포니가 당신의 친구가 되어줄 것입니다.

프로덕션

트랙의 요소를 조합할 때 만들고 있는 텍스처에 대해 생각해 보세요. 요즘 대부분의 음악은 한 곡에 여러 가지 텍스처를 사용합니다. 이러한 텍스처를 어떻게 표현하느냐에 따라 노래의 스토리는 물론 청중의 몰입도에도 영향을 미칩니다.

믹싱

잠시 시간을 내어 음악적 질감에 대해 생각해 보면 곡의 믹싱 단계에서 문제를 해결하고 창의적인 효과를 추가하는 데 도움이 될 수 있습니다.

음악의 텍스처: 공식적인 접근 방식과 비공식적인 접근 방식

노래를 선택합니다. 아무 노래나 골라보세요. 학문적 울타리의 어느 쪽에 앉아 있느냐에 따라 음악적 질감에 대해 두 가지 방식으로 이야기할 수 있습니다.

형식적인 접근 방식은 위의 카테고리를 사용하여 멜로디 라인의 렌즈를 통해 음악을 분석하는 것입니다. 이는 매우 유용한 도구이며 음악이 어떻게 작동하는지 이해하는 데 도움이 됩니다.

그러나 그것은 또한 매우 엘리트주의적이며, 오랫동안 슬래머를 만들어온 문화를 거의 또는 전혀 고려하지 않고 서양 음악을 먹이사슬의 최상위에 놓습니다. 학자들이 자신의 존재를 정당화하기 위한 수단으로 볼 수도 있습니다.

비공식적인 접근 방식은 멜로디 라인과 기본 하모니, 다이나믹, 악기의 음색, 앙상블의 크기, 관련된 리듬, 믹스의 복잡성 등 모든 것을 고려하여 음악적 질감에 대해 이야기하는 것입니다.

두 가지 접근 방식 모두 음악을 이해하는 데 유효하고 도움이 되며, 자신이 무엇을 보고 있는지 아는 것은 더 나은 믹스를 만드는 데 도움이 될 뿐만 아니라 곡을 쓰거나 제작하는 데도 도움이 될 수 있습니다.

결론

음악에서 텍스처가 무엇인지에 대해 알아야 할 모든 것이 여기 있습니다.

요약하자면, 비공식적인 수준에서는 어떤 단어든 텍스처를 설명하는 데 사용할 수 있습니다. 소통 방식은 여러분에게 달려 있습니다.

하지만 음악 교수님이 모차르트 피아노 협주곡의 질감을 묘사하라고 한다면 형식적인 접근 방식을 취하는 것이 좋습니다:

• 모노포닉 텍스처: 멜로디가 하나만 있는 음악
• 호모포닉 텍스처: 하나의 멜로디와 대부분 같은 리듬을 연주하는 목소리가 있는 음악. 더 넓은 의미로는 기타의 스트럼핑 코드와 같이 멜로디 아래에 리듬과 화음이 반주되는 음악도 포함됩니다.
• 다성 텍스처: 여러 개의 독립적인 멜로디 라인이 있는 음악입니다.
• 헤테로포닉 텍스처: 원래 멜로디와 동시에 추가 파트로 멜로디가 변주되는 음악

이제 텍스처 음악을 만들어 보세요!