Escrever uma canção é um processo prazeroso para todos os cantores e compositores, mas é inegável que eles reconhecem a luta que o acompanha, se lhes perguntarmos. Nós tendemos a ver os grandes compositores como John Mayer como artistas que lançam novas ideias sobre uma grande linha mel ódica, e isso milagrosamente soa bem sem qualquer processo criativo. Quando, na realidade, todos os grandes compositores têm um processo complexo de composição que seguem meticulosamente para produzir uma boa canção.
Na atual indústria musical de ritmo acelerado, não temos qualquer oportunidade de ver o percurso musical por detrás de uma faixa. Ouvimo-la e depois seguimos em frente, sem saber como passou de uma ideia inicial para uma estrutura de canção completa. Ficamos satisfeitos com a forma como nos faz sentir, mas nunca olhamos para além disso e tentamos compreender o processo de escrita.
A escrita de letras é, sem dúvida, um dos aspectos mais importantes da escrita de canções. Os produtores de música sabem disso e preferem contratar um compositor que conheça o seu processo, em vez de simplesmente atirar letras ao acaso sobre as suas ideias musicais.
Mesmo as bandas de sucesso chegam a um ponto em que precisam de contratar um compositor que não seja o cantor e compositor inicial. Isso ajuda-os a melhorar a qualidade do seu processo de produção musical e, em alguns casos, a ultrapassar o bloqueio de escritor. Isto mostra-nos a quantidade de trabalho por detrás das cortinas que não vemos.
Começaste a tua carreira musical, deixaste cair uma bela progressão de acordes sobre uma batida cativante. Agora precisa de escrever, mas as letras que põe no papel não o satisfazem. É provável que se trate de um problema no processo de escrita e, neste artigo, queremos mostrar-lhe 10 técnicas accionáveis que mostrarão resultados tangíveis.
Estas dicas de composição aplicam-se a qualquer tipo de carreira de compositor e, ao lê-las, será capaz de reconhecer todos os tipos de bloqueios no seu processo criativo. Depois, será capaz de os ultrapassar com uma das dicas práticas que vamos apresentar.
Será capaz de escrever canções mais rapidamente, de forma autêntica e sem se perder em pensamentos excessivos.
Vamos mergulhar.
1. Manter a simplicidade.
Esta é uma daquelas dicas que é mais fácil dizer do que fazer. É muito compreensível ficar obcecado em escrever canções que vão deixar o seu público boquiaberto, mas a ironia aqui é que a grande maioria das canções de sucesso do pop e do rock são principalmente simples. As progressões de acordes são fáceis de apreender e de mover os nossos corpos, e as letras são tudo menos complexas.
Pensamos que precisamos de algum tipo de conteúdo lírico revolucionário que faça o nosso nome ecoar em todo o lado, mas pegue nas nossas canções favoritas ao longo da história e verá que elas resistiram ao tempo porque eram simples de lembrar.
O que importa é o que tens para dizer ao teu público. Quando escrevem uma canção, pensem nos vossos ouvintes e simplifiquem a compreensão da vossa mensagem e a memorização das vossas melodias. É isso que torna muitos êxitos pop cativantes e inesquecíveis.
2. Grave-se a si próprio.
É muito comum os compositores rejeitarem uma nova canção antes mesmo de gravarem um rascunho, apenas para verem as outras pessoas adorarem-na depois de gravada. Tente criar o hábito de se gravar de vez em quando durante o processo. Sempre que acrescentar algo ou mudar alguma coisa, pegue no microfone e grave. Isto dar-lhe-á uma ideia de como soa, o que funciona e o que não funciona no seu estilo.
Mesmo que não goste dela no final, terá mais ideias a que pode voltar mais tarde enquanto cria música. É uma sensação óptima voltar a uma ideia antiga no seu gravador de voz e perceber que tem potencial. Para além disso, o trabalho de base já foi feito pelo seu passado.
Gravar-se a si próprio é também uma excelente forma de partilhar com os seus amigos e familiares para obter feedback, uma vez que um compositor precisa de ter uma ideia de como o público reagirá ao seu estilo.
3. Trabalhe na sua linha de melodia.
Por vezes, a sua linha melódica não corresponde ao que estava a tentar transmitir na sua produção, deixando-o frustrado consigo mesmo. Fazes o teu melhor para adicionar uma linha de baixo ou escrever uma letra, mas não soa bem. Tente trabalhar na sua melodia ou até mesmo mudá-la.
A mudança é inspiradora, e é por isso que os criadores adoram mudar de cenário quando sentem um bloqueio de escritor. Alterar um ou vários aspectos da sua melodia criará uma nova sensação para a canção, dando-lhe um cenário mental musical diferente no qual se poderá inspirar. Não hesite em experimentar.
Trabalhe nas suas progressões de acordes, utilize um instrumento diferente ou até adicione novos instrumentos. Pode ser que isso dê um impulso ao seu cérebro e lhe dê um novo conjunto de novas ideias. Recomenda-se, naturalmente, que guarde um rascunho da sua melodia antes de começar a trabalhar nela ou de a alterar completamente.
4. Fazer pausas.
Quando trabalhamos nas nossas canções, temos tendência para as tornar pessoais. Se alguma vez tivermos um bloqueio de escritor quando escrevemos música, tentamos forçar-nos a terminar a canção. Infelizmente, não é assim que o cérebro criativo funciona. O mais provável é ter uma descoberta no dia seguinte, enquanto toma banho ou, inocentemente, toma um café no exterior.
O cérebro criativo funciona melhor em ambientes de baixo stress, onde pode relaxar e ligar os pontos para ter mais ideias. Por isso, se estiver a sentir-se bloqueado na sua canção, faça uma pausa. É muito importante que o nosso cérebro descanse de vez em quando. Forçar o processo de escrita de uma canção geralmente piora a sua qualidade.
Vivemos numa sociedade que incentiva uma elevada atividade cerebral desde o momento em que acordamos até ao momento em que dormimos, mas não tem de ser assim. Se fizer alguma pesquisa sobre as pessoas mais criativas do mundo, descobrirá que elas não levam o descanso do cérebro de ânimo leve. É para elas um processo tão importante como a sua arte.
5. Praticar com rascunhos.
Nem todas as canções têm de ser feitas para publicação, especialmente se for um principiante. É necessário fazer rascunhos para desenvolver os músculos da composição. É uma das dicas de composição mais importantes. Deixamos cair algumas progressões de acordes, acrescentamos um kick e um snare e decidimos que esta será a próxima canção a ser publicada. Não tem de ser. Pense nisso da mesma forma que um culturista que precisa de repetir os mesmos movimentos durante anos antes de se expor em competições, a sua escrita de canções precisa do mesmo tipo de repetição para atingir uma certa mestria.
Não tenhas medo de tocar e experimentar na tua faixa. Ouça e decida se soa bem e, em seguida, pratique a criação de mais música. A faixa certa aparecerá e saberá quando está pronto para a publicar. Reconhecer que está a trabalhar num rascunho dará permissão ao seu cérebro para ter mais liberdade ao trabalhar na sua canção. Nunca se sabe quando é que um rascunho se pode transformar numa boa canção.
6. Estabelecer algumas limitações.
A criatividade tem um aspeto de inspiração espontânea que atrai os artistas, e tem as suas vantagens. No entanto, impor algumas limitações à sua inspiração pode ajudá-lo a tornar-se mais eficiente no seu processo de composição. Defina personagens, uma história curta, um número limitado de acordes ou qualquer coisa que defina direcções e facilite as suas decisões durante a composição mais tarde.
Esta estrutura vai gerar o seu progresso de forma tão natural que nem vai dar por si a avançar na sua canção. Pensa que está apenas a respeitar os limites que estabeleceu para si próprio, mas em vez disso, está a desenvolver a sua composição na mesma direção. Desta forma, todos os elementos da sua canção vão encaixar na sua visão, porque foram definidos antes de começar.
Escusado será dizer que, hoje em dia, a maioria das canções segue a mesma estrutura geral, com pequenos ajustes para as tornar diferentes. Especialmente as canções pop.
7. Capture as suas ideias.
Um dos erros mais comuns dos compositores principiantes é deixar uma ideia por verificar antes de entrarem no estúdio. A maior parte das nossas ideias surgem quando estamos a tomar banho, a comer ou a conduzir numa autoestrada, e o reflexo mais comum que temos é deixá-las para quando vamos para casa. Finalmente chegamos a casa e não encontramos nada, porque a ideia ficou enterrada no meio de conversas no trabalho ou noutra coisa qualquer.
É por isso que os compositores devem ter um gravador de voz para as melodias e sons e um bloco de notas para o conteúdo lírico. No momento em que tem uma ideia, anota-a no papel e grava o som que pensa que terá no seu gravador de voz. A sua ideia está então segura e pronta a ser utilizada no estúdio.
Se acha que é demasiado carregar um bloco de notas e um gravador de voz, o seu telemóvel pode fazer tudo isso. Basta captar as suas ideias e ver a sua produtividade subir aos céus.
8. Estudar as referências do seu percurso.
Ao escrever uma canção, é muito útil manter a referência da sua faixa no fundo da sua mente. Utilize uma canção que o inspire na direção que pretende dar à sua composição. Estude a batida, dissecar a linha de baixo e analisar as progressões de acordes. Isto dá-lhe algo com que comparar a sua canção em termos de qualidade de som e de conclusão geral.
É uma prática comum entre os produtores musicais. Quando se trabalha com eles, normalmente pedem uma faixa de referência. Dá-lhes uma ideia de como a canção vai evoluir e geralmente facilita o processo.
Pode usar esta dica em qualquer momento do seu processo, mesmo que não esteja a escrever música. Pegue nas suas canções favoritas e desconstrua-as do título ao final. Aprenda, pouco a pouco, o que faz delas grandes canções, e vai encontrar esta informação pronta da próxima vez que escrever uma canção.
9. aprender teoria musical.
A teoria musical alargará a sua compreensão da música e, por conseguinte, trará mais elementos ao seu cérebro para sintetizar em ideias musicais. Fará com que veja as progressões de acordes comuns de forma diferente e será capaz de melhorar ideias simples de forma lógica.
Não precisa de aprender tudo de uma vez, apenas alguns conhecimentos básicos para melhorar a qualidade dos seus materiais e saber musicalmente o que está a fazer. Pode começar com a teoria por detrás de um acorde maior ou de uma progressão de acorde menor e aprender diferentes formas de os tocar, por exemplo.
Pode parecer uma palavra pomposa, mas a teoria musical é apenas o significado por detrás de tudo o que fazemos na música. A sua composição só terá a ganhar com isso, e não ficará mais preso aos mesmos quatro acordes.
Aqui está uma lista do que achamos que vai ajudar a compor as suas canções de imediato:
- Ritmo: Fórmulas de compasso, ritmos fora de compasso, etc.
- Leitura de partituras: Claves, durações das notas, ritmos, etc.
- Progressões de acordes: Progressões de acordes comuns, cadências, formas de acordes, etc.
- Escalas: Escalas maiores e menores, tonalidades.
10. Escreva longe dos seus instrumentos.
Pode parecer muito lógico manter-se ao piano quando se escreve uma letra, mas não é a forma mais inovadora. Pode funcionar muito bem, mas há o risco de cair em padrões familiares de composição.
As suas capacidades num instrumento são limitadas, a sua imaginação não. Por isso, em vez de começar a tocar um instrumento, vá dar um passeio e cantarolar algumas melodias.
Assim que tiveres uma linha superior e uma estrutura, vai para casa e cria uma progressão de acordes que a suporte. Trata-se de levar os seus instrumentos e ferramentas à sua visão, e não o contrário.
O famoso Tom Waits tinha uma forma muito própria de compor canções. Sentava-se à volta de quatro ou cinco rádios e ligava um canal diferente em cada um deles. Ouvia a tempestade de canções que se sobrepunham e inspirava-se para a sua próxima canção. Isto mostra que, por vezes, temos de nos afastar dos nossos instrumentos e tentar formas únicas de encontrar inspiração.
Um erro muito comum dos principiantes é produzir uma canção inteira sem letras e, depois, esforçarem-se por as inserir. O seu projeto deve crescer em torno da letra, uma vez que esta é uma componente fundamental da estrutura da canção.
11. Aprender estruturas de canções.
Se começar um puzzle sem saber como será o resultado final, o mais provável é apostar cegamente qual a peça que vai para onde. O mesmo se aplica à composição de canções. Precisa de uma tela para o seu processo criativo, e precisa que ela seja personalizada. Para cada música, a sua estrutura.
Há muitas estruturas de canções por aí, e elas diferem dependendo do género de canção que se pretende. A mais famosa é a estrutura pop ( verso, pré-refrão, refrão ) que funcionou tão bem que se tornou uma fórmula. Uma receita para o sucesso.
Claro que, se o seu objetivo for outro, existem outras estruturas de canções que pode experimentar e ver se funcionam consigo. O mais importante aqui é aprender como podem ser usadas para construir a sua canção e ajudá-lo a desenvolver o seu projeto usando a estrutura escolhida como bússola.
12. Diversifique suas abordagens para escrever músicas.
O que pode ter funcionado com a sua canção anterior pode não funcionar com a atual. É por isso que, por vezes, tens dificuldades com uma canção, mesmo que estejas a usar a mesma abordagem que usaste no teu trabalho anterior. É completamente normal, e é bom que estejas a ter dificuldades com uma canção desta forma. Isto significa que a sua canção tem novidade, e não pode tratar a novidade da mesma forma que tratou projectos antigos. Precisas de uma nova abordagem.
Por nova abordagem, queremos dizer que deve alterar o seu processo de uma forma ou de outra, pelo menos até que algo resulte. Se está habituado a escrever a música antes da letra, tente o contrário. Se escreves sempre a música na guitarra, experimenta o teclado desta vez. Se escreve o título antes da canção, experimente o contrário. Use qualquer coisa para que o seu cérebro saiba que não está a fazer as coisas como antigamente, e isso dar-lhe-á mais ideias para o ajudar.
13. Refletir sobre a sua experiência pessoal.
As melhores canções são aquelas com que nos identificamos. Gostamos de linhas de melodia bonitas e padrões de bateria complexos, mas o impacto é diferente quando a canção fala de uma situação com a qual estamos familiarizados ou pela qual já passámos. É por isso que recomendamos a utilização da sua experiência pessoal como âncora para a sua canção.
Tente definir a experiência que quer partilhar com o seu público e defina o ambiente em que quer escrever. Isso vai dar o tom e facilitar as decisões no seu processo, simplesmente trazendo todos os elementos da sua música para a mesma história que está a tentar contar. Isso facilitará a tua vida e dará ao teu público uma canção que também faz sentido para ele. Especialmente se eles souberem do que está a falar.
É por isso que canções como "Imagine" ou "We are the world" tiveram um impacto internacional eterno. Todos se identificavam com as histórias contadas e todos compreendiam a canção em todos os seus elementos homogéneos.
14. Ir para outro sítio.
A criatividade e a rotina são como água e óleo, não se misturam de todo. O seu cérebro tem muito mais hipóteses de ser criativo se for estimulado, e que melhor estímulo do que uma novidade? Se trabalha sempre no seu estúdio, mude o cenário e vá para um parque. Se está sempre com as mesmas pessoas, ligue a um velho amigo ou conheça alguém novo. Experimente qualquer coisa que quebre o padrão de rotina e ponha o seu cérebro em modo de descoberta.
É muito comum entre os cantores e compositores isolarem-se das actividades do dia a dia e regressarem passado algum tempo com letras prontas para serem usadas nas suas canções. Não se trata de magia, apenas do alimento excitante para o nosso cérebro que é a novidade. É claro que isto é recomendado até um certo ponto em que a sua vida social não sofra com isso.
15. Pedir ajuda.
Talvez tenhamos guardado esta para o fim deste artigo, mas é uma das dicas de composição mais necessárias. Nenhum artista se safa sozinho, especialmente na indústria da música. É preciso uma equipa inteira para chegar a algum lado, e um compositor precisa de pedir ajuda.
Fale com os seus amigos, pergunte a pessoas que conhece na indústria, ou até envie um e-mail a um professor de poesia. Não seja tímido quando se trata de aprender e crescer, pois é através do contacto que poderá obter respostas sobre como melhorar a sua carreira musical.
As maiores ideias surgem através da colaboração, e os artistas sabem-no. É a principal razão pela qual os "featurings" são um aspeto importante da indústria musical. Podes acreditar mais numa atitude de "fazer tudo sozinho", mas isso não te vai servir a longo prazo. Chegará uma altura em que terás de pedir ajuda, mais vale fazê-lo agora.
16. Utilizar amostras.
O sampling é uma técnica muito utilizada pelos produtores musicais. É um processo em que se trabalha com materiais prontos a usar ( loops de melodia, padrões de bateria, etc.) como partes da música que se está a escrever. Isto faz com que o processo de escrita flua mais facilmente e, ao mesmo tempo, está a pedir ajuda, uma vez que está a usar o material de outra pessoa. É como se alguém o estivesse a ajudar com a sua canção, fornecendo uma parte que irá melhorar a sua produção.
Tem havido uma espécie de dilema em torno desta prática, que foi considerada não autêntica por muitos críticos. No entanto, algumas peças fantásticas foram produzidas por artistas que utilizaram samples, e não há nada de errado nisso. A música continua a ser as mesmas 12 teclas repetidas de formas e padrões diferentes.
Conclusão: Onde há vontade, há um caminho.
Existem muitas outras formas de ação que o podem ajudar a melhorar a sua escrita de canções, estas são apenas as que considerámos mais práticas. Algumas delas podem ser mais interessantes para si do que outras, mas não se esqueça de as ter sempre em mente. Elas serão úteis. Não se esqueça que escrever canções é suposto ser divertido antes de qualquer outra coisa, e certifique-se de que escreve a partir de um lugar autêntico. O resto virá depois.
