Om du precis har börjat med elektronisk musik har du en enorm värld att utforska. Med otaliga plugins, syntar och ett ständigt utvecklande utbud av produktionsstilar är möjligheterna med elektronisk musik nästan oändliga.

Naturligtvis kan det överflöd av resurser som gör elektronisk musik så varierad också göra det lite skrämmande för nybörjare att ta steget in. Var ska man ens börja när det finns ett universum av YouTube-videor, artiklar och onlinekurser kring ämnet?

Det är precis därför vi är här. I den här guiden kommer vi att gå igenom det viktigaste för att skapa elektronisk musik, från grunderna i syntes till labyrinten av produktionsprogram och hårdvara. Oavsett om du vill producera dansgolvsklar techno, ambienta ljudlandskap eller något däremellan, har jag en rad insikter och tips som förhoppningsvis kommer att inspirera dig att förfina dina färdigheter!

Vad är elektronisk musik?

Elektronisk musik, i dess bredaste bemärkelse, går långt utöver vad som ryms inom en typisk genre. Det är verkligen en metod som helt har förändrat vårt sätt att skapa och konsumera musik.

Till skillnad från organisk musik, som bygger på de naturliga ljuden från akustiska instrument som gitarrer, stråkar, pianon och levande trummor och slagverk, består elektronisk musik ofta av syntetiserade ljud och texturer.

Kärnan är analoga synthesizers och andra elektroniska instrument, som elorglar och trummaskiner, som har ökat i popularitet under årtiondena.

Naturligtvis har elektronisk musik idag utvecklats från att använda de taktila rattarna och elektroniska systemen med ledningar och kretsar som finns i gammal analog hårdvara till de eleganta gränssnitten i datorer och digitala mjukvaruinstrument.

De flesta producenter av elektronisk musik lutar sig tungt mot datorer och utnyttjar DAW:er och deras oändliga palett av ljud och effekter. Jag vill se det här skiftet som en demokratisering av musikproduktionen, eftersom det gjorde den tillgänglig för alla med en dator och en kreativ ådra.

Även om elektronisk musik ursprungligen var en undergroundrörelse (tänk tillbaka på house-musikens födelse i Chicago i slutet av 70-talet eller introduktionen av Krautrock i Tyskland i slutet av 60-talet, som var en subgenre av experimentell rock som involverade syntar, sequencers och bandloopar), har den nu genomsyrat mainstreamkulturen och påverkat allt från pop till hiphop.

Det är ganska fascinerande att se hur många nutida producenter av elektronisk musik som väver in akustiska element i sina låtar, till exempel Bonobo, Tycho och Four Tet. Det är något av en nyare fusion som skapar ett rikt, texturerat ljud för att hylla det förflutna samtidigt som det fortfarande driver innovationslinjerna.

Elektronisk musikproduktion är ett så stort paraply att det är svårt att koka ner till en definition (jag skulle behöva skriva en hel bok om jag ville undvika att utelämna några av de viktigaste detaljerna). Om du är någon som vill bli en elektronisk musikproducent känner jag ändå att det finns bra ställen att börja för att få dina lager raka.

Programvara och verktyg som måste finnas

När du ger dig i kast med att skapa elektronisk musik finns det några verktyg som du bör skaffa dig på vägen. Varje del av utrustningen på den här listan spelar en unik roll i produktionsprocessen, från DAW, som är hjärtat i din digitala studio, till hårdvarusyntar och trummaskiner, som ger ditt ljud ett unikt fingeravtryck.

Låt oss ta en liten djupdykning i hur vart och ett av dessa verktyg kan lyfta din elektroniska musikproduktion.

Digital ljudarbetsstation (DAW)

Kärnan i varje elektronisk musikproducents setup är Digital Audio Workstation (DAW).

Din DAW kommer att vara ditt främsta verktyg. Det är det centrala navet där alla dina kreativa idéer kommer till liv. Med en DAW kan du spela in, redigera, mixa och mastra din musik. I grund och botten har du en omfattande miljö för att skapa elektronisk musik hur du än vill.

Nu, medan varje producent har sin egen favorit DAW, har jag kommit att tro att det finns några som helt enkelt är bättre för att göra elektronisk musik än andra, inklusive:

• Ableton Live: Jag har varit ett stort fan av Ableton Live i ett decennium nu, särskilt på grund av den intuitiva sessionsvyn. Det är också en favorit för många producenter av elektronisk musik för liveframträdanden och MIDI-sekvenseringsfunktioner.
• FL Studio: Med sitt användarvänliga gränssnitt och sin kraftfulla mönsterbaserade sekvensering är FL Studio en annan tungviktare för producenter av elektronisk musik som vill börja med ett massivt utbud av inbyggda syntar och effekter.
• Logic Pro: Apples Logic Pro är en annan av de mest omfattande produktionssviterna, och som de flesta Apple-produkter är den snygg och enkel att använda. Dessutom får du ett omfattande bibliotek med ljud och loopar för att komma igång.
• Propellerhead Reason: Med sitt virtuella kvalitetsrack av syntar, samplers och effekter som kan kopplas samman på oändliga sätt, erbjuder Reason vad som kan vara det mest unika och experimentella sättet att producera musik.

Varje DAW tillför något unikt, men när det gäller vilken som bäst uppfyller dina behov är det helt subjektivt. Jag rekommenderar att du provar dem alla för att se vilken som integreras mest naturligt med ditt arbetsflöde.

Ljudbibliotek och Sample Packs

Sedan har vi ljudbibliotek och samplingspaket, som är byggstenarna i elektronisk musik. Oavsett om du letar efter krispiga trumslingor, brännande synthslingor eller en gammaldags R&B-sång som du kan hacka upp och pitcha om, är det viktigt att ha tillgång till dessa resurser.

Under de senaste åren har jag blivit ett stort fan av Splice (liksom många andra som producerar elektronisk musik). Med sin prenumerationsbaserade modell får du krediter som du kan byta in mot en enorm, genrespännande samling av samplingar och loopar.

Om du är någon som gillar att ladda ner hela paket , rekommenderar jag att du kollar in Loopmasters. De erbjuder också ett brett utbud av högkvalitativa paket i olika genrer, från vintage trummaskinprover till moderna synthar.

Jag skulle vara försumlig om jag inte också nämnde Native Instruments Komplete. Även om det inte är ett provpaket i sig, erbjuder Komplete ett oändligt bibliotek med instrument, effekter och ljud, som är dödliga för allmän musikproduktion.

Om du vill använda dina ljudbibliotek och samplingspaket i din DAW behöver du något slags verktyg som gör att du kan spela upp dem eller manipulera dem på olika sätt (time-stretching, pitch-shifting etc.). Som tur är har de flesta DAW:er inbyggda samplers och trummaskiner för just detta ändamål.

Ableton Lives Sampler och Drum Rack ger till exempel båda kraftfulla samplings- och beatskapande funktioner, och båda har omfattande modulerings- och redigeringsalternativ.

Om du arbetar i Logic Pro kan du använda Quick Sampler, som är perfekt för att importera och spela upp en mängd olika samplingsformat. Den har också ganska detaljerade redigerings- och anpassningsmöjligheter.

Naturligtvis finns det också tredjepartsalternativ, till exempel NI:s Kontakt, som har en djupt anpassningsbar sampler, liksom ett massivt ljudbibliotek och tredjepartsexpansioner, eller Serato Sample, som gör det enkelt att sampla musik från en mängd olika källor och använda snabba verktyg för hackning, tidsstretching och pitch-shifting.

Plugins och virtuella instrument

Här är den roliga delen.

Plugins och virtuella instrument är nyckelkomponenter i produktionsprocessen för elektronisk musik. Det är ett svart hål som du verkligen kan spendera evigheter med att utforska, eftersom det finns tusentals olika effektplugins och VST:er där ute. Jag skulle säga att det bästa du kan göra just nu är att lägga vantarna på några i olika kategorier och lära känna dem så bra som möjligt.

Här är några typer att hålla utkik efter:

• Plugins för synt: Generera elektroniska ljud med hjälp av syntes (som med en analog synt), perfekt för att skapa unika leads, basar, pads etc.
• Plugins för effekter: Förbättra eller ändra ljud med effekter som EQ, kompression, reverb, delay, distorsion, modulation och mycket mer.
• Plugins för samplare: Spela upp eller manipulera digitala inspelningar eller samplingar.
• Plugins för trummaskiner: Emulerar trummaskiner eller samplers, perfekt för att spela eller ta fram beats och rytmer.
• Plugins för sequencer: Perfekt för att arrangera och sekvensera musik. Dessa kommer ofta med avancerade funktioner för att skapa mönster och loopar.

Som sagt, du kan ägna årtionden åt att utforska plugins och virtuella instrument från olika utvecklare, och det som kan vara ett måste för en producent av elektronisk musik kan vara en flopp för en annan. Det är upp till dig att göra efterforskningar och hitta de som passar dig bäst. Du kan även utforska webbplatser som Equipboard för att ta reda på vad dina favoritartister använder.

Men eftersom du är här ska jag ge dig några av mina favoritrekommendationer som jag använder i de flesta av mina låtar, och jag börjar med effektplugins:

• FabFilter Pro-Q 3: Inte en mix går förbi utan denna otroligt mångsidiga och användarvänliga EQ från FabFilter. Den är perfekt för kirurgisk och dynamisk EQing och har ett vackert gränssnitt som ger en översikt över frekvensspektrumet.
• Valhalla VintageVerb: Förmodligen mitt mest använda reverbplugin, särskilt när jag vill ha frodiga, vintageinspirerade reverb för att ge djup och rymd till alla spår.
• Soundtoys EchoBoy: Jag kan inte tänka mig ett mer mångsidigt delay-plugin. Du får en uppsättning fylliga, analogt klingande delay-effekter som är tillräckligt mångsidiga för att passa alla genrer inom elektronisk musik.
• iZotope Ozone: För mastering innehåller Ozone allt du behöver för en polerad, professionell ljudbild, från EQ och komprimering till stereobilder och limitering.
• Xfer Records LFOTool: Om jag har ett spår som behöver rörelse använder jag ofta Xfer Records LFO Tool, som ger ett enkelt sätt att lägga till tremolo, auto-pan, trance-gate, kompressorsimulering med sidokedja och wobble-effekter av dubstep-typ med minimal ansträngning.
• FabFilter Saturn 2: Saturn 2 är en annan av mina favoritplugins från FabFilter och har ett stort utbud av distorsions-, mättnads- och förstärkarmodelleringseffekter, perfekt när dina spår behöver värme eller grus.

När det gäller virtuella instrument finns det några som jag skulle rekommendera att du tittar närmare på, särskilt om du vill ha mångsidighet framför allt:

• Xfer Records Serum: Denna wavetable-synthesizer är ett av de främsta mjukvaruinstrumenten inom elektronisk musikproduktion och erbjuder några av marknadens mest högkvalitativa ljud och mest flexibla ljuddesignfunktioner.
• Native Instruments Massive X: Massive blev en stapelvara i elektronisk musikproduktion när dubstep kom på scenen, och NI pressade kuvertet ännu längre med Massive X. Det är en go-to när jag behöver djupa, kraftfulla basar och leads.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 kan bara vara ett av de mest mångsidiga mjukvaruinstrumenten på marknaden, med sitt massiva bibliotek av ljud och oändliga syntesstilar. Keyscape är lika spelförändrande för modellerade pianon och keyboards.
• Native Instruments Battery 4: Min huvudsakliga trum- och slagverkssampler idag är Battery 4. Inte bara har det ett stort bibliotek med kit och prover för alla typer av elektroniska musikgenrer, men det erbjuder också djup redigering och enkel uppspelningsfunktioner när du laddar upp dina egna prover.
• Arturia V Collection: Noggrannt modellerade vintage-synthesizers och keyboards är vad som gäller med Arturia. Om du inte har tillgång till analog hårdvara är den här kollektionen perfekt för att lägga till klassiska toner i dina spår.
• Spitfire Audio LABS: Jag började nyligen utforska LABS och jag älskar varje utgåva de släpper. Det är en ständigt växande serie av högkvalitativa, fria instrument som sträcker sig från strängar till sång till experimentella ljud, perfekt för att lägga till unika texturer i din musik.

När du fortsätter att skapa elektronisk musik kommer du att bli förälskad i vissa plugins och virtuella instrument, men jag uppmanar dig att fortsätta utforska och hålla dig uppdaterad om nya utgåvor, eftersom det alltid finns något spännande på horisonten.

MIDI-klaviatur eller -kontroll

MIDI, som står för "Musical Instrument Digital Interface", är den elektroniska musikens språk.

Det är en teknisk standard som gör det möjligt för elektroniska musikinstrument, datorer och annan utrustning att kommunicera, styra och synkronisera med varandra. Vi använder det för att hjälpa olika delar av digital musikutrustning att interagera med varandra. Kolla in vår MIDI-guide för mer information om hur det fungerar.

Även om du kan rita in MIDI-noter i din DAW med hjälp av musen eller datorns tangentbord, ger ett MIDI-keyboard eller en controller en mycket mer taktil och uttrycksfull upplevelse. Med ett tangentbord eller en controller kan du spela melodier, trumrytmer och styra synthesizers i din DAW i realtid, vilket ger dig omedelbar feedback och ett mer intuitivt sätt att producera elektronisk musik.

För mig innebär det att ha en hårdvara som jag kan använda för att skapa musik att jag får tillbaka den mänskliga touchen i den digitala processen.

Här är några MIDI-keyboards och -controllers som jag rekommenderar att du tittar närmare på och som passar olika behov och budgetar:

• Akai MPK Mini MkIII: Om kompakt och prisvärd är vad du är ute efter är den här controllern perfekt. Priset är lätt att svälja för nybörjare och gränssnittet med 25 miniknappar är utmärkt för dem med begränsat studioutrymme. Dessutom får du tilldelningsbara pads och rattar för ännu mer mångsidighet!
• Novation Launchkey-serien: Även om den är utformad för Ableton Live kan Launchkey-serien användas med alla DAW. Den erbjuder tangenter, pads, rattar och faders i full storlek för att styra alla aspekter av att producera elektronisk musik.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential har en bra balans mellan funktioner och prisvärdhet, och den är perfekt för integration med Arturias mjukvaruinstrumentkollektion. Tangentbordet känns bra och det finns gott om DAW-kontroller för att göra det till en mer praktisk upplevelse.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-serie: Om du ofta använder Native Instruments programvara finns det inget bättre val för integration. Tangentborden i S-serien erbjuder högkvalitativa tangentbord med aftertouch, samt ett av de mest intuitiva systemen för bläddring och parameterkontroll på marknaden.
• ROLI Seaboard Block: Det här tangentbordet är det svarta fåret på MIDI-controllermarknaden, men om du vill utforska mer än traditionellt tangentbordsspelande, fångar Seaboards uttrycksfulla spelyta de fem dimensionerna av beröring på ett sätt som inget annat tangentbord har matchat.

Det här är bara några av mina favoriter, men det finns gott om andra MIDI-keyboards och controllers som tillför något unikt, oavsett om du prioriterar bärbarhet och prisvärdhet eller mångsidighet och djup mjukvaruintegration.

Prova olika om möjligt och se vad som passar bäst med ditt arbetsflöde.

Trummaskiner och samplers

Även om jag inte tror att trummaskiner och samplers är "måste-haves" för att producera elektronisk musik idag, är de viktiga verktyg att känna igen, eftersom de har varit ryggraden i elektronisk musikproduktion sedan starten.

Historien om dessa instrument är djup och många av de ikoniska modellerna har format ljudet av hela genrer. Roland TR-808, som kom ut i början av 80-talet, blev till exempel synonymt med hiphop. Lyssna på "Planet Rock" av Afrika Bambaataa och du kan höra ett av de första exemplen på denna trummaskins uppgång till stjärnstatus.

På samma sätt revolutionerade Akai MPC, som var en sampler- och sequencerkombination, sättet som producenter gjorde beats på. J Dilla är ett av de bästa exemplen på en legendarisk beatmaker som förändrade vårt sätt att göra elektronisk musik med hjälp av MPC.

Det fina med att använda trummaskiner och samplers i hårdvara jämfört med deras virtuella motsvarigheter är att du får den taktila upplevelsen och det analoga ljudet. Jag, liksom många andra producenter, tycker att den fysiska interaktionen med rattar, pads och faders är mycket mer inspirerande.

Dessutom kan hårdvarans unika ljudegenskaper och begränsningar stimulera kreativiteten i stunden. Naturligtvis finns det också en aspekt av liveframträdanden, och det råder ingen tvekan om att hårdvara ger en mer tillförlitlig och visuellt engagerande uppsättning.

Även om du definitivt bör titta på vad några av dina favoritartister och producenter använder för att börja bygga din samling, är här några av mina favorittrummaskiner och samplers som jag ofta rekommenderar till andra:

• Roland TR-8S: Om du är som de flesta producenter och inte har tusentals dollar att spendera på en original TR-08, skulle jag rekommendera att du tittar på TR-8S. Denna relativt nya Roland-release levererar klassiska trumljud från TR-serien med uppspelningsfunktioner för samplingar, vilket gör det till ett mångsidigt verktyg för liveframträdanden och studioarbete.
• Elektron Digitakt: Den här kompakta trummaskinen och samplern är ett av mina favoritval för den som är ute och spelar. Den har mycket kraftfulla sekvenseringsfunktioner och massor av inbyggda ljuddesignverktyg.
• Akai MPC Live II: För legendariskt MPC-arbetsflöde och fristående flexibilitet, tack vare de inbyggda högtalarna och det uppladdningsbara batteriet, är MPC Live II perfekt för produktion på språng.
• Korg Volca Sample: Denna prisvärda och kompakta sample-sequencer är perfekt för nybörjare, eftersom den ger massor av leverprestanda och har massor av funktioner och anslutningsmöjligheter för groove-skapande i realtid.
• Dave Smith Instruments Tempest: Även om den har haft sin beskärda del av kontroverser genom åren är denna trummaskin från Dave Smith och Roger Linn ett av mina favoritalternativ för att få det kraftfulla analoga trummaskinsljudet.

Hårdvara gör en stor comeback, och därför bör alla som lär sig elektronisk musikproduktion utforska även den här sidan av verktygsskåpet. Även om du inte har en enorm budget finns det fortfarande gott om alternativ där ute!

Ljudgränssnitt

Du kan säkert komma undan med att lära dig elektronisk musikproduktion på något annat än din bärbara dator, men om du vill gå på allvar med din elektroniska musikproduktionsinstallation och bygga en bro mellan dina instrument, mikrofoner och din dator behöver du ett ljudgränssnitt.

Kort sagt omvandlar ett ljudgränssnitt analoga signaler till digitala ljuddata som din DAW kan bearbeta och vice versa. Utöver konvertering kan ett ljudgränssnitt också avsevärt förbättra ljudkvaliteten på dina inspelningar jämfört med de inbyggda ljudingångarna och -utgångarna i de flesta datorer, samt tillhandahålla viktiga funktioner som mikrofonförförstärkare, direktövervakning för latensfri inspelning och flera in- och utgångar för anslutning av olika ljudkällor och outboardutrustning.

Ljudgränssnitt finns i alla former och storlekar, men om du är osäker på var du ska börja, har vi här några alternativ för olika budgetar:

• Budgetvänlig :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3:e generationen): En av de bästa rekommendationerna för nybörjare som vill ha ett gränssnitt med högkvalitativa preamps och en hållbar konstruktion.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Ett extremt prisvärt alternativ som ger alla grunderna som behövs för att komma igång med heminspelning.
• Mellanklass :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Oklanderlig ljudkvalitet och UAD-bearbetning i realtid, perfekt för dig som vill förbättra din produktion.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Erbjuder en bra balans mellan funktioner och pris, med flera in-/utgångar och låg latens.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Känd för sin tillförlitlighet, exceptionella ljudkvalitet och låga latens, lämplig för små, professionella studior.
  • Apollo x4 från Universal Audio: Med fyra Unison-förförstärkare, UAD-2 Quad Core-bearbetning och överlägsen konvertering får du det bästa av UAD-hårdvara.

Vilket ljudgränssnitt som är rätt för dig beror på dina specifika behov.

Om du t.ex. spelar in flera mikrofoner samtidigt är det nödvändigt att ha många in- och utgångar. Om du är mycket på språng kan dock bärbarheten vara det största försäljningsargumentet. Oavsett vilket är det ett måste att investera i ett ljudgränssnitt om du vill höja kvaliteten på din musik.

Hörlurar eller studiomonitorer

När du börjar göra din egen musik behöver du något att lyssna på den på.

En av de första sakerna du måste bestämma dig för är om du ska investera i hörlurar eller studiomonitorer. Var och en tjänar ett unikt syfte i musikproduktionsprocessen, och i själva verket är det bästa alternativet att ha båda.

Studiomonitorer ger en mer exakt återgivning av ljudet i ett rum, så att du kan förstå hur din musik kommer att låta i verkliga miljöer. De ger också ett rumsligt och dimensionellt perspektiv på din mix, vilket hjälper dig att fatta välgrundade beslut om panorering, djup och stereobilder.

Hörlurar erbjuder å andra sidan detaljer och isolering. De är utmärkta för att identifiera subtila nyanser i en mix som kan förbises med högtalare, t.ex. lågfrekvent brus eller klick och pop. Hörlurar är också viktiga för sena kvällssessioner eller om du arbetar i obehandlade utrymmen där du inte kan göra en korrekt monitorering via högtalare.

Det är en stor fördel att ha båda verktygen till sitt förfogande, eftersom det kan hjälpa dig att se hur din mix låter i olika lyssningsmiljöer, så att du vet att din musik låter bra på ett stort antal olika uppspelningssystem.

Här är några av mina rekommendationer för var och en av dem:

Rekommendationer för hörlurar:

• Budget: Audio-Technica ATH-M40x - Utmärkt ljudkvalitet och hållbarhet till ett överkomligt pris.
• Mellanklass: Beyerdynamic DT 770 PRO - Kända för sitt detaljerade, balanserade ljud och sin komfort. Jag älskar att använda dem under långa mixningssessioner.
• Högklassig: Sennheiser HD 650 - Studiohörlurar med öppen baksida i toppklass för enastående naturlig ljudåtergivning och exakt basåtergivning.

Rekommendationer för studiomonitorer:

• Budget: Presonus Eris E3.5 - Superkompakt och prisvärd, men ger ändå en tydlig och exakt ljudprofil för små hemmastudior.
• Mellanregister: Yamaha HS5 - Perfekt för en platt respons och utmärkt ljudåtergivning, särskilt vid mixning i obehandlade rum.
• Högklassig: Adam Audio A7X - Perfekt för professionella musikproducenter och ingenjörer som vill ha exakt basåtergivning och detaljerade övre frekvenser.

När jag började producera elektronisk musik arbetade jag med hörlurar i ungefär ett år innan jag uppgraderade min studiokonfiguration, så om studiomonitorer inte finns i din ljudproduktionsbudget just nu skulle jag inte oroa mig för mycket över det. Se bara till att ta täta pauser om du bara lyssnar i hörlurar för att behålla perspektivet och förhindra att dina öron blir trötta.

Hur man gör elektronisk musik

Elektronisk musikproduktion är enorm. Jag kan verkligen inte lova dig att du genom att läsa den här artikeln kommer att behärska konsten, men jag kan förhoppningsvis ge dig lite inblick i min erfarenhet av att producera elektronisk musik under det senaste decenniet och du kan använda det som inspiration på din egen resa.

Jag gillar att tänka på musikskapandeprocessen i tre steg:

1. Idéer: I den första fasen skissar du på dina första idéer, experimenterar med ljud och mönster och samlar idéer eller inspiration från andra artister som du gillar.
2. Arrangemang: När du har skrivit ner dina idéer kan du strukturera dem till ett sammanhängande flöde och skapa ett spår som tar lyssnaren med på en resa från början till slut.
3. Förfining: Det här är mixnings- och mastringsfasen, där du polerar ditt spår och ser till att alla element sitter fint ihop.

Det är viktigt att notera att varje producent går sin egen unika väg genom dessa faser.

Vissa kanske börjar med en medryckande melodi och bygger runt den, medan andra hackar ihop några samplingar och kör en cool sekvens på en MPC. Andra kanske tar det traditionella tillvägagångssättet och använder den vanliga poparrangemangsstrukturen för att bygga en låt från grunden, med trummor, bas, gitarr och så vidare.

Det vackra med elektronisk musikproduktion ligger i denna mångfald av tillvägagångssätt.

Jag ska dela med mig av den metod som fungerar bäst för mig, men kom ihåg att det inte finns någon process som passar alla. Det handlar om att hitta det arbetsflöde som tänder din kreativitet och låter dina idéer flöda fritt.

Hitta ditt sound

När du först lär dig att göra elektronisk musik kan det svåraste vara att hitta ditt sound.

Det finns så många subgenrer under paraplybegreppet "elektronisk musik", och var och en har sin unika palett av ljud, rytmer och struktur. Här är några av de populära subgenrerna, för att nämna några:

• Hus
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent dansmusik)
• EDM (elektronisk dansmusik)
• Trance
• Trummor och bas
• Future Bass

Som ny producent tror jag att nyckeln till att hitta sitt eget sound i den här mångfalden är att utforska och experimentera.

Gör en djupdykning i olika subgenrer, inte bara som lyssnare utan även som elev. Skapa korta stycken eller beats inspirerade av olika stilar för att se vad som väcker genklang hos dig och får dina kreativa juicer att flöda. Du kan också prova att samarbeta med andra producenter som kan erbjuda nya perspektiv och inspirera till riktningar som du kanske inte hade övervägt på egen hand.

Detta tillvägagångssätt kräver aktivt lyssnande. Det är ett av de mest kraftfulla verktygen för att förstå nyanserna i varje subgenre. När du lyssnar på ett spår, försök att dissekera det: identifiera de kärnelement som definierar dess sound, från tempo och trummönster till syntvalen och arrangemangets struktur. Var uppmärksam på hur spänning och frigörelse skapas, hur låten utvecklas över tid och vilka känslor eller atmosfärer som framkallas.

Än i dag är ett analytiskt lyssnande ett av mina favoritsätt att lära mig mer om en låt.

Få den grundläggande känslan

I hjärtat av elektronisk musik ligger groovet, som vi ofta får från trummor och slagverk.

BPM (Beats Per Minute) spelar en avgörande roll när det gäller att definiera subgenren, och även om man alltid kan experimentera har de flesta lyssnare förväntningar när de lyssnar på vissa typer av elektronisk musik.

Till exempel ligger techno vanligtvis mellan 120 och 135 BPM och har ett kick-trummönster med fyra på golvet, medan traditionell housemusik ofta är mer själfull och upplyftande och ligger mellan 120 och 130 BPM med ett något funkigare och groovigare trummönster.

Dubstep, som är känt för sin tunga bas och synkoperade grooves, ligger vanligtvis runt 140 BPM, vilket skapar lite utrymme för de ikoniska, tunga halvtidstrummönstren.

Drum and bass tar detta ännu längre med nästan 160-180 BPM och använder uppskruvade breakbeat-rytmer som ger mer intensiv och kaotisk energi.

Naturligtvis har vi också ambient elektronisk musik som undviker traditionella trumslag för en mer flytande, utvecklande textur. Ibland finns det inte några trummor alls. I stället fokuserar man på att skapa ett mer atmosfäriskt landskap.

Att känna till de typiska tempona och trummönstren för dessa subgenrer kan hjälpa dig att anpassa dina spår till genrekonventioner. Naturligtvis, som jag sa, var inte rädd för att experimentera med tempo och rytm för att hitta ditt unika ljud!

Utarbeta din Beat

Jag har alltid tyckt att det är en bra strategi att börja med trummorna när man producerar elektronisk musik.

Rytmsektionen kan lägga grunden för ett spårs tempo och energi och skapa en groove som resten av elementen kan låsa sig vid. Tänk på det som att först lägga ner ryggraden i ditt spår.

Även om elektroniska låtar kan förändras ganska drastiskt från en till en annan, är de viktigaste komponenterna i de flesta trumgrooves kick, snare eller clap, hi-hats och ytterligare slagverk, som kan ge lite smak och textur.

När du börjar göra dina egna trumbeats finns det flera sätt att gå tillväga:

• Använda trumsamplers: Jag är ett stort fan av Native Instruments Battery 4, eftersom du kan ladda upp dina egna trumsamplingar och skapa MIDI-grooves från grunden.
• Flipping av breaks, loopar och samplingar: Att kunna skära upp breakbeats och loopar är en gammaldags metod, men det är fortfarande en viktig komponent för att skapa elektronisk musik och inspirera till nya idéer.
• Lyssna på referensspår: Jag rekommenderar att du ägnar tid åt att analysera trumspåren i spår du gillar och försöker replikera dem. Var uppmärksam på de olika lagren, swing eller straight timing, och hur beatet kompletterar spårets övergripande känsla.

Låt oss ta en titt på hur du kan gå tillväga för att skapa en enkel housebeat:

1. Börja med en kicktrumma: Hitta en perfekt kick i house-stil och placera den på varje taktslag (1, 2, 3, 4) för att få den ikoniska rytmen "fyra på golvet".
2. Lägg till en clap eller snare: Lägg till en clap eller snare på 2:a och 4:e beatet för att börja bygga groove.
3. Introducera h i-hats : Lägg till stängda hi-hats mellan varje kick- och snare-träff för en stadig, drivande rytm. Om du vill ha en mer flytande känsla kan du använda åttondelsnoter.
4. Inkorporera slagverk : För att krydda dina grooves kan du lägga till några slagverkselement, som shakers eller tamburiner.
5. Experimentera med loopar: Om jag vill ha ytterligare textur i mina grooves lägger jag ofta på en loopad slagverks- eller topploop för att fylla ut den.

Att skapa ett beat handlar lika mycket om att experimentera som om att följa en formel, så lek med alla dessa element ovan och justera dem efter eget tycke och smak.

Lägga ner en baslinje

Att lägga en baslinje är där ditt spår verkligen börjar få fart. En bas bör komplettera din trumspår men och överbrygga de rytmiska och harmoniska elementen i din musik, som vi kommer att gå mer in på lite.

Här är en förenklad metod för att skapa en intressant baslinje:

1. Välj ditt ljud: Börja med att välja ett basljud som passar din genre. Syntbasar är mångsidiga och kan formas på många olika sätt, medan samplade basar kan ge en verklighetstrogen textur till ditt spår. A
2. Skapa en groove: Börja med ett grundmönster som följer din trumgroove, experimentera sedan med synkopering eller ytterligare noter för att skapa rytm och intresse. Jag rekommenderar att du lyssnar på baslinjer i andra elektroniska spår som du gillar och ser vilka tekniker de använder.
3. Variera dina noter: Var inte rädd för att avvika från rotnoten. Du kan utforska skalan för olika notalternativ. Är du osäker på hur du ska implementera skalor baserade på musikteori? Kolla in några av våra bloggar om ämnet.
4. Lägg till en subbas: Om din bas behöver lite mer "oomph" i de låga frekvenserna kan du lägga till en ren, sinusvågsbaserad subbas under den. Se bara till att den är stämd och rytmiskt i linje med huvudbasen.

Oavsett hur du gör ska du veta att basgången är ett grundläggande element i alla elektroniska musikspår, så ta tid på dig att förfina den och var inte rädd för att göra ändringar tills du hittar det perfekta groovet.

Arrangera dina ackord

Därefter vill du börja utveckla en ackordprogression för ditt spår. Dina ackord är där för att lägga den känslomässiga grunden som du bygger din melodi och andra texturer på. De har förmågan att framkalla vissa stämningar, bygga spänning och frigöra och vägleda lyssnaren genom en berättelse.

Naturligtvis kan sättet vi närmar oss ackord på förändras avsevärt från en genre till en annan. I ambient elektronisk musik kan till exempel frodiga, utdragna ackordprogressioner vara bra för att skapa en känsla av djup, medan i house eller techno kan enklare ackordstick utan mycket harmonisk rörelse vara ett bättre val.

Du behöver inte vara en expert på musikteori, men att ha en solid förståelse för teorin kan hjälpa dig att fatta mer välgrundade beslut om ackordstämmor och progressioner. Det fina med musikteori är att det handlar om att känna till reglerna så att du kan bryta dem. Dessutom ger det dig möjlighet att kommunicera vissa känslor och idéer genom din musik,

Om du vill lära dig mer om musikteori kan du kolla in vår guide till hur du skapar ackordprogressioner.

Skriva en melodi

Så vad är en melodi?

I sin mest grundläggande form är det en sekvens av noter som fungerar som huvudtema eller fokuspunkt i ett musikstycke.

Det är den del av spåret som lyssnarna minns mest, vilket innebär att en bra melodi ska vara minnesvärd. Ur en musikteoretisk synvinkel bör den också passa in i det harmoniska sammanhanget för ditt spår.

En av de viktigaste sakerna att tänka på när man skapar en minnesvärd melodi är kraften i upprepning.

Ett upprepande motiv eller en fras är ett bra sätt att förankra ditt spår och ge lyssnaren en känsla av sammanhang, men du måste också avstå från att använda för mycket upprepning, eftersom din melodi kan sluta låta monotont.

Jag rekommenderar att du lyssnar aktivt på musik med starka melodier för att få lite inspiration.

Analysera hur melodierna är uppbyggda, notera hur de samspelar med ackorden och rytmen och hur de använder upprepning och variation för att skapa rörelse och känsla. Du kan också hämta inspiration från dessa låtar utan att direkt plagiera dem, precis som artister har gjort sedan tidernas begynnelse. Allt är uppbyggt av något tidigare.

Att knyta ihop säcken

Därefter vill du börja hitta sätt att knyta ihop alla delar av ditt spår.

Elektronisk musik kan variera i fråga om struktur, men de flesta elektroniska popspår följer en standardstruktur som har upp- och nedgångar från början till slut.

Från introt kan du gå över till versen, där berättelsen börjar utvecklas. Det kan leda till pre-chorus eller uppbyggnad för att öka spänningen till refrängen, kroken eller droppen, som fungerar som spårets klimatpunkt.

Därefter kan du lägga till en solosektion för att visa upp en viss synt- eller sånglinje, eller en brygga för ett ögonblick av kontrast eller eftertanke före den avslutande refrängen, droppen eller outrot.

Mixning och mastring

Slutligen kommer vi till mixnings- och masteringsprocessen, som är de kritiska stadierna i efterproduktionsprocessen. Vid den här tidpunkten bör fokus ligga på att förvandla din samling av enskilda spår till en sammanhängande, polerad musikbit för utgivning.

Vid mixning är målet att balansera nivåer, panorera de olika instrumenten i stereofältet, använda EQ för att rensa upp frekvenskrockar, komprimera för att jämna ut dynamiken och använda effekter som reverb och delay för att skapa tredimensionellt djup.

Mastering är det sista steget, där det mixade spåret finputsas och förbereds för distribution. I det här skedet finjusterar du det övergripande ljudet, ser till att låtarna är konsekventa över hela albumet eller EP:n om du skapar ett projekt, och kontrollerar att musiken låter bäst på en mängd olika uppspelningssystem.

Båda dessa processer kräver ett detaljerat öra och en djup förståelse för hur ljud beter sig, och även om du säkert kan utveckla dina färdigheter tillräckligt för att mixa och mastra dina egna spår, är det vanligtvis fördelaktigt att låta någon annan utföra dessa uppgifter när du först börjar, eftersom det är bra att ha någon med en ny uppsättning öron och specialutrustning.

Bästa resurserna för att lära sig göra elektronisk musik

Utöver denna artikel är att göra elektronisk musik en kontinuerlig inlärningsprocess med massor av försök och fel och experiment. Lyckligtvis finns det otaliga resurser tillgängliga som tillgodoser producenter på alla nivåer, inklusive:

Här är en lista över olika resurser och varför de är användbara för att utöka dina kunskaper och färdigheter:

• Onlinehandledning och kurser: Plattformar som Skillshare, Udemy och Coursera erbjuder kurser om elektronisk musik som undervisas av branschfolk, som kan sträcka sig från nybörjare till avancerade nivåer.
• YouTube-videor: Kanaler som Point Blank Music School och ADSR Music Production Tutorials ger oändliga gratis tutorials, tips och tekniker om olika aspekter av musikskapandeprocessen, perfekt för visuella elever.
• Forum och onlinegemenskaper: Forum som Gearslutz, Reddit's r/edmproduction och KVR Audio är utmärkta för att få kontakt med andra producenter, dela musik, få feedback och diskutera produktionsteknik.
• DAW-specifika resurser: De flesta DAW:er har officiella forum, handledning och dokumentation. Jag är ett stort fan av Abletons Learning Music-webbplats, som har oändliga DAW-specifika tips, tricks och guider.

Vår blogg är också full av användbara resurser för att skapa elektronisk musik, oavsett om du lär dig musikteori, hur musikbranschen fungerar eller hur du ska gå tillväga för att arrangera en låt.

Slutliga tankar

Att lära sig att göra elektronisk musik är inte något du kommer att göra över en natt.

I slutändan är det ultimata målet att skapa ett spår som får dig att känna något - ett spår som du kan vara stolt över. Musik utvecklas ständigt, så det finns ingen anledning att binda sig vid en uppsättning regler. Men genom att förstå verktygen ovan och hur du använder dem kan du skapa något som är både vackert och unikt i den elektroniska musikens vidsträckta värld.