Wenn Sie sich gerade erst mit elektronischer Musik vertraut machen, dann haben Sie eine riesige Welt zu entdecken. Mit unzähligen Plug-ins, Synthesizern und einer sich ständig weiterentwickelnden Palette von Produktionsstilen sind die Möglichkeiten der elektronischen Musik nahezu unbegrenzt.

Natürlich kann gerade die Fülle an Ressourcen, die die elektronische Musik so vielfältig macht, den Einstieg für Anfänger auch etwas entmutigend machen. Wo soll man überhaupt anfangen, wenn es ein Universum von YouTube-Videos, Artikeln und Online-Kursen zum Thema gibt?

Genau deshalb sind wir hier. In diesem Leitfaden werden wir die Grundlagen der elektronischen Musik aufschlüsseln, von den Grundlagen der Synthese bis zum Labyrinth der Produktionssoftware und Hardware. Ganz gleich, ob du tanzbaren Techno, Ambient-Soundscapes oder irgendetwas dazwischen produzieren willst, ich habe eine Reihe von Einblicken und Tipps, die dich hoffentlich dazu inspirieren, deine Fähigkeiten zu verfeinern!

Was ist elektronische Musik?

Elektronische Musik, im weitesten Sinne, geht weit über den Rahmen eines typischen Genres hinaus. Es ist wirklich eine Methode, die die Art und Weise, wie wir Musik schaffen und konsumieren, völlig verändert hat.

Im Gegensatz zur organischen Musik, die sich auf die natürlichen Klänge akustischer Instrumente wie Gitarren, Streicher, Klaviere, Schlagzeug und Perkussion stützt, besteht elektronische Musik oft aus synthetisch erzeugten Klängen und Texturen.

Im Mittelpunkt stehen analoge Synthesizer und andere elektronische Instrumente wie elektrische Orgeln und Drumcomputer, die sich im Laufe der Jahrzehnte immer größerer Beliebtheit erfreut haben.

Natürlich hat sich die elektronische Musik heutzutage von den taktilen Knöpfen und elektronischen Systemen aus Drähten und Schaltkreisen, die in alter analoger Hardware zu finden sind, zu den eleganten Schnittstellen von Computern und digitalen Software-Instrumenten entwickelt.

Die meisten Produzenten elektronischer Musik stützen sich stark auf Computer und nutzen DAWs und deren endlose Palette an Sounds und Effekten. Ich betrachte diese Entwicklung gerne als Demokratisierung der Musikproduktion, da sie für jeden zugänglich wurde, der einen Computer und eine kreative Ader hat.

Obwohl die elektronische Musik ursprünglich eine Underground-Bewegung war (man denke nur an die Entstehung der House-Musik in Chicago in den späten 70er Jahren oder an die Einführung des Krautrock in Deutschland in den späten 60er Jahren, einem Subgenre des experimentellen Rock, das Synthesizer, Sequenzer und Tonbandschleifen umfasste), hat sie inzwischen die Mainstream-Kultur durchdrungen und alles von Pop bis Hip-Hop beeinflusst.

Es ist ziemlich faszinierend zu sehen, wie viele zeitgenössische Produzenten elektronischer Musik akustische Elemente in ihre Tracks einbauen, wie Bonobo, Tycho und Four Tet. Es ist eine Art neuere Fusion, die einen reichhaltigen, strukturierten Sound erzeugt, um der Vergangenheit zu huldigen und gleichzeitig die Grenzen der Innovation zu verschieben.

Elektronische Musikproduktion ist ein so weites Feld, dass es schwierig ist, es auf eine Definition zu reduzieren (ich müsste ein ganzes Buch schreiben, wenn ich nicht einige der wichtigsten Details auslassen wollte). Wenn Sie jedoch ein Produzent elektronischer Musik werden wollen, gibt es meiner Meinung nach gute Ansatzpunkte, um sich zu orientieren.

Unverzichtbare Software und Tools

Wenn Sie sich an die Produktion elektronischer Musik heranwagen, sollten Sie sich ein paar Tools zulegen, die Sie auf Ihrem Weg begleiten. Jedes Gerät auf dieser Liste spielt eine einzigartige Rolle im Produktionsprozess, von der DAW, dem Herzstück Ihres digitalen Studios, bis hin zu Hardware-Synthesizern und Drumcomputern, die Ihrem Sound einen einzigartigen Fingerabdruck verleihen.

Lassen Sie uns ein wenig tiefer in die Materie eintauchen und herausfinden, wie jedes dieser Tools Ihre elektronische Musikproduktion verbessern kann.

Digitale Audio-Workstation (DAW)

Das Herzstück eines jeden Produzenten elektronischer Musik ist die Digital Audio Workstation (DAW ).

Ihre DAW wird Ihr wichtigstes Werkzeug sein. Sie ist der zentrale Knotenpunkt, an dem alle Ihre kreativen Ideen zum Leben erweckt werden. Mit einer DAW können Sie Ihre Musik aufnehmen, bearbeiten, mischen und mastern. Im Wesentlichen haben Sie eine umfassende Umgebung, in der Sie elektronische Musik machen können, wie Sie wollen.

Obwohl jeder Produzent seine eigene Lieblings-DAW hat, bin ich zu der Überzeugung gelangt, dass es einige gibt, die sich einfach besser für das Produzieren elektronischer Musik eignen als andere, darunter:

• Ableton Live: Ich bin schon seit zehn Jahren ein großer Fan von Ableton Live, vor allem wegen der intuitiven Session-Ansicht. Es ist auch ein Favorit für viele Produzenten elektronischer Musik für Live-Performances und MIDI-Sequencing-Funktionen.
• FL Studio: Mit seiner benutzerfreundlichen Oberfläche und dem leistungsstarken Pattern-basierten Sequencing ist FL Studio ein weiterer Volltreffer für Produzenten elektronischer Musik, die mit einer riesigen Auswahl an integrierten Synthesizern und Effekten beginnen wollen.
• Logic Pro: Logic Pro von Apple ist eine weitere der umfassendsten Produktionssuiten, und wie die meisten Apple-Produkte ist sie schlank und einfach zu bedienen. Außerdem erhalten Sie eine umfangreiche Bibliothek mit Sounds und Loops, die Ihnen den Einstieg erleichtern.
• Propellerhead Reason: Mit seinem hochwertigen virtuellen Rack aus Synthesizern, Samplern und Effekten, die auf unendlich viele Arten miteinander verbunden werden können, bietet Reason den vielleicht einzigartigsten und experimentellsten Ansatz für die Musikproduktion.

Jede DAW bringt etwas Einzigartiges mit sich, aber die Entscheidung, welche DAW Ihre Bedürfnisse am besten erfüllt, ist völlig subjektiv. Ich empfehle, sie alle auszuprobieren, um herauszufinden, welche sich am natürlichsten in Ihren Arbeitsablauf einfügt.

Sound Libraries und Sample Packs

Als Nächstes haben wir Soundbibliotheken und Sample Packs, die die Bausteine der elektronischen Musik sind. Ganz gleich, ob Sie knackige Drum-Loops, brennende Synth-Leads oder eine R&B-Stimme der alten Schule suchen, die Sie zerhacken und neu pitchen können - der Zugriff auf diese Ressourcen ist wichtig.

In den letzten Jahren bin ich ein großer Fan von Splice geworden (und viele andere, die elektronische Musik produzieren, auch). Mit dem abonnementbasierten Modell erhält man Credits, die man gegen eine große, genreübergreifende Sammlung von Samples und Loops eintauschen kann.

Wenn du gerne komplette Packs herunterlädst, empfehle ich dir Loopmasters. Sie bieten ebenfalls eine große Auswahl an hochwertigen Packs für verschiedene Genres, von Vintage-Drum-Machine-Samples bis hin zu modernen Synthesizern.

Ich wäre nachlässig, wenn ich nicht auch Native Instruments Komplete erwähnen würde . Komplete ist zwar kein Sample-Pack im eigentlichen Sinne, bietet aber eine unendliche Bibliothek von Instrumenten, Effekten und Sounds, die für die allgemeine Musikproduktion unschlagbar sind.

Wenn Sie Ihre Soundbibliotheken und Samples in Ihrer DAW verwenden möchten, benötigen Sie eine Art von Tool, mit dem Sie sie abspielen oder auf verschiedene Weise bearbeiten können (Time-Stretching, Pitch-Shifting usw.) Glücklicherweise verfügen die meisten DAWs über integrierte Sampler und Drumcomputer für diesen Zweck.

Der Sampler und das Drum-Rack von Ableton Live beispielsweise bieten beide leistungsstarke Sampling- und Beat-Making-Funktionen und verfügen jeweils über umfangreiche Modulations- und Bearbeitungsoptionen.

In Logic Pro können Sie den Quick Sampler verwenden, der sich hervorragend für den Import und die Wiedergabe einer Vielzahl von Sample-Formaten eignet. Außerdem bietet er ziemlich detaillierte Bearbeitungs- und Anpassungsmöglichkeiten.

Natürlich gibt es auch Optionen von Drittanbietern, wie Kontakt von NI, das einen stark anpassbaren Sampler sowie eine umfangreiche Soundbibliothek und Erweiterungen von Drittanbietern bietet, oder Serato Sample, mit dem man Musik aus einer Vielzahl von Quellen sampeln und schnelle Tools für Chopping, Time-Stretching und Pitch-Shifting verwenden kann.

Plugins und virtuelle Instrumente

Jetzt kommt der lustige Teil.

Plugins und virtuelle Instrumente sind Schlüsselkomponenten im Produktionsprozess elektronischer Musik. Es ist ein schwarzes Loch, das man wirklich ewig erforschen kann, denn es gibt Tausende von verschiedenen Effekt-Plugins und VSTs da draußen. Ich würde sagen, das Beste, was Sie jetzt tun können, ist, sich ein paar davon in verschiedenen Kategorien zu besorgen und sie so gut wie möglich kennenzulernen.

Hier sind ein paar Arten, auf die Sie achten sollten:

• Synth-Plugins: Erzeugen elektronischer Klänge durch Synthese (wie bei einem analogen Synthesizer), ideal zum Erstellen einzigartiger Leads, Bässe, Pads usw.
• Effekt-Plugins: Verbessern oder verändern Sie Sounds mit Effekten wie EQ, Kompression, Reverb, Delay, Distortion, Modulation und mehr.
• Sampler-Plugins: Spielen Sie digitale Aufnahmen oder Samples ab oder bearbeiten Sie sie.
• Drum Machine Plugins: Emulieren Sie Drumcomputer oder Sampler, um Beats und Rhythmen zu spielen oder zu entwerfen.
• Sequenzer-Plugins: Ideal für das Arrangieren und Sequenzieren von Musik. Diese verfügen oft über erweiterte Funktionen zur Erstellung von Patterns und Loops.

Wie gesagt, man kann Jahrzehnte damit verbringen, Plugins und virtuelle Instrumente von verschiedenen Entwicklern zu erforschen, und was für den einen Produzenten elektronischer Musik ein Must-Have ist, kann für den anderen ein Flop sein. Es liegt an Ihnen, zu recherchieren und diejenigen zu finden, die am besten zu Ihnen passen. Sie können sogar Websites wie Equipboard besuchen, um herauszufinden, was Ihre Lieblingskünstler verwenden.

Aber da Sie schon einmal hier sind, möchte ich Ihnen einige meiner Lieblingsempfehlungen geben, die ich in den meisten meiner Tracks verwende, angefangen bei den Effekt-Plug-ins:

• FabFilter Pro-Q 3: Kein Mix kommt ohne diesen unglaublich vielseitigen und benutzerfreundlichen EQ von FabFilter aus. Er eignet sich hervorragend für chirurgisches und dynamisches EQing und hat eine schöne Oberfläche, die einen Überblick über das Frequenzspektrum bietet.
• Valhalla VintageVerb: Wahrscheinlich mein meistgenutztes Reverb-Plugin, vor allem wenn ich üppige, Vintage-inspirierte Reverbs brauche, um jedem Track Tiefe und Raum zu verleihen.
• Soundtoys EchoBoy: Ich kann mir kein vielseitigeres Delay-Plugin vorstellen. Sie erhalten eine Reihe von reichhaltigen, analog klingenden Verzögerungseffekten, die vielfältig genug sind, um alle Genres der elektronischen Musik zu bedienen.
• iZotope Ozone: Für das Mastering enthält Ozone alles, was Sie für ein ausgefeiltes, professionell klingendes Ergebnis benötigen, von EQ und Kompression bis hin zu Stereo-Imaging und Limiting.
• Xfer Records LFOTool: Wenn ich einen Track habe, der Bewegung braucht, greife ich oft auf das LFO-Tool von Xfer Records zurück, das eine einfache Möglichkeit bietet, mit minimalem Aufwand Tremolo-, Auto-Pan-, Trance-Gate-, Side-Chain-Kompressor-Simulationen und Dubstep-artige Wobble-Effekte hinzuzufügen.
• FabFilter Saturn 2: Ein weiteres meiner Lieblingsplugins von FabFilter, Saturn 2, bietet eine riesige Auswahl an Verzerrungs-, Sättigungs- und Verstärkermodellierungseffekten, ideal für Tracks, die Wärme oder Schärfe benötigen.

Was virtuelle Instrumente angeht, empfehle ich Ihnen, sich ein paar davon anzuschauen, vor allem, wenn Sie vor allem Vielseitigkeit wünschen:

• Xfer Records Serum: Als eines der Top-Software-Instrumente für die elektronische Musikproduktion bietet dieser Wavetable-Synthesizer einige der hochwertigsten Klänge und flexibelsten Sound-Design-Möglichkeiten auf dem Markt.
• Native Instruments Massive X: Massive wurde mit dem Aufkommen von Dubstep zu einer festen Größe in der elektronischen Musikproduktion, und NI hat mit Massive X die Grenzen noch weiter verschoben. Es ist meine erste Wahl, wenn ich tiefe, kraftvolle Bässe und Leads brauche.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 ist vielleicht eines der vielseitigsten Software-Instrumente auf dem Markt, mit seiner riesigen Bibliothek von Sounds und endlosen Synthesestilen. Keyscape ist auch für modellierte Pianos und Keyboards eine echte Bereicherung.
• Native Instruments Battery 4: Mein wichtigster Drum- und Percussion-Sampler ist heutzutage Battery 4. Er verfügt nicht nur über eine riesige Bibliothek von Kits und Samples für alle Arten von elektronischer Musik, sondern bietet auch tiefgreifende Bearbeitungs- und einfache Wiedergabemöglichkeiten, wenn Sie Ihre eigenen Samples hochladen.
• Arturia V Collection: Akkurat modellierte Vintage-Synthesizer und -Keyboards sind das A und O bei Arturia. Wenn Sie keinen Zugang zu analoger Hardware haben, ist diese Kollektion perfekt, um Ihren Tracks klassische Sounds hinzuzufügen.
• Spitfire Audio LABS: Ich habe vor kurzem begonnen, LABS zu erkunden, und ich liebe jede ihrer Veröffentlichungen. Es handelt sich um eine ständig wachsende Reihe hochwertiger, kostenloser Instrumente, die von Streichern über Gesang bis hin zu experimentellen Klängen reichen und perfekt geeignet sind, um einzigartige Texturen in deine Musik zu bringen.

Wenn Sie weiterhin elektronische Musik kreieren, werden Sie sich in bestimmte Plugins und virtuelle Instrumente verlieben und wieder verlieben, aber ich empfehle Ihnen, weiter zu erforschen und sich über neue Veröffentlichungen auf dem Laufenden zu halten, denn es gibt immer etwas Spannendes am Horizont.

MIDI-Keyboard oder Controller

MIDI, die Abkürzung für "Musical Instrument Digital Interface", ist die Sprache der elektronischen Musik.

Es ist ein technischer Standard, der es elektronischen Musikinstrumenten, Computern und anderen Geräten ermöglicht, miteinander zu kommunizieren, zu steuern und zu synchronisieren. Wir verwenden ihn, damit verschiedene digitale Musikgeräte miteinander interagieren können. In unserem MIDI-Leitfaden finden Sie weitere Informationen zur Funktionsweise.

Sie können MIDI-Noten zwar auch mit der Maus oder der Computertastatur in Ihre DAW einzeichnen, aber mit einem MIDI-Keyboard oder -Controller haben Sie ein viel taktileres und ausdrucksstärkeres Erlebnis. Mit einem Keyboard oder Controller können Sie Melodien und Schlagzeugrhythmen spielen und Synthesizer in Ihrer DAW in Echtzeit steuern, was Ihnen ein unmittelbares Feedback und eine intuitivere Art der elektronischen Musikproduktion ermöglicht.

Für mich bringt ein Stück Hardware, mit dem ich Musik machen kann, den menschlichen Touch zurück in den digitalen Prozess.

Hier sind einige MIDI-Keyboards und -Controller, die ich empfehlen würde: für verschiedene Bedürfnisse und Budgets:

• Akai MPK Mini MkIII: Wenn Sie ein kompaktes und erschwingliches Gerät suchen, ist dieser Controller perfekt. Der Preis ist für Anfänger erschwinglich und die 25-Minitasten-Schnittstelle ist ideal für alle, die nur wenig Platz im Studio haben. Außerdem erhalten Sie zuweisbare Pads und Drehregler für noch mehr Vielseitigkeit!
• Novation Launchkey-Serie: Obwohl die Launchkey-Serie für Ableton Live entwickelt wurde, kann sie mit jeder DAW verwendet werden. Sie bietet Tasten, Pads, Drehregler und Fader in voller Größe, um alle Aspekte der Produktion elektronischer Musik zu steuern.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential bietet ein ausgewogenes Verhältnis zwischen Funktionen und Erschwinglichkeit und eignet sich perfekt für die Integration in Arturias Software-Instrumentensammlung. Das Keyboard fühlt sich großartig an und es gibt viele DAW-Bedienelemente, die für eine praxisnahe Erfahrung sorgen.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Wenn Sie die Software von Native Instruments häufig verwenden, gibt es keine bessere Wahl für die Integration. Die Keyboards der S-Serie bieten hochwertige Tastaturen mit Aftertouch sowie eines der intuitivsten Browsing- und Parameter-Steuerungssysteme auf dem Markt.
• ROLI Seaboard Block: Dieses Keyboard ist das schwarze Schaf unter den MIDI-Controllern. Wenn Sie jedoch über das traditionelle Keyboardspiel hinausgehen möchten, bietet das Seaboard eine ausdrucksstarke Spielfläche, die die fünf Dimensionen des Tastsinns auf eine Weise einfängt, die von keinem anderen Keyboard erreicht wird.

Auch hier sind dies nur einige meiner Favoriten, obwohl es viele andere MIDI-Keyboards und -Controller gibt, die etwas Einzigartiges bieten, ganz gleich, ob Sie Wert auf Tragbarkeit und Erschwinglichkeit oder auf Vielseitigkeit und tiefe Software-Integration legen.

Probieren Sie nach Möglichkeit verschiedene aus und sehen Sie, was am besten zu Ihrem Arbeitsablauf passt.

Drumcomputer und Sampler

Ich glaube zwar nicht, dass Drumcomputer und Sampler heutzutage ein Muss für die Produktion elektronischer Musik sind, aber sie sind wichtige Werkzeuge, die man kennen sollte, da sie seit ihren Anfängen das Rückgrat der elektronischen Musikproduktion bilden.

Die Geschichte dieser Instrumente reicht weit zurück, und viele der legendären Modelle haben den Sound ganzer Genres geprägt. Die Roland TR-808 zum Beispiel, die in den frühen 80er Jahren auf den Markt kam, wurde zum Synonym für Hip-Hop. Wenn Sie sich "Planet Rock" von Afrika Bambaataa anhören, hören Sie eines der ersten Beispiele für den Aufstieg dieser Drum-Maschine zum Star.

In ähnlicher Weise revolutionierte die Akai MPC, eine Kombination aus Sampler und Sequenzer, die Art und Weise, wie Produzenten Beats produzierten. J Dilla ist eines der besten Beispiele für einen legendären Beatmaker, der mit der MPC die Art und Weise, wie wir elektronische Musik machen, verändert hat.

Das Schöne an der Verwendung von Hardware-Drumcomputern und -Samplern im Vergleich zu ihren virtuellen Gegenstücken ist, dass man das haptische Erlebnis und den analogen Sound erhält. Wie viele andere Produzenten auch, finde ich die physische Interaktion mit Knöpfen, Pads und Fadern viel inspirierender.

Außerdem können die einzigartigen Klangeigenschaften und Beschränkungen von Hardware die Kreativität im Moment anspornen. Natürlich gibt es auch den Aspekt der Live-Performance, und es besteht kein Zweifel, dass Hardware für ein zuverlässigeres und visuell ansprechendes Set sorgt.

Sie sollten sich auf jeden Fall ansehen, was einige Ihrer Lieblingskünstler und -produzenten verwenden, um Ihre Sammlung aufzubauen. Hier sind einige meiner Lieblings-Drumcomputer und -Sampler, die ich anderen oft empfehle:

• Roland TR-8S: Wenn Sie wie die meisten Produzenten nicht Tausende von Dollar für eine Original TR-08 ausgeben können, empfehle ich Ihnen die TR-8S. Diese relativ neue Roland-Veröffentlichung bietet klassische Drum-Sounds der TR-Serie mit Sample-Wiedergabefunktionen, was sie zu einem vielseitigen Werkzeug für Live-Performance und Studioarbeit macht.
• Elektron Digitakt: Dieser kompakte Drumcomputer und Sampler ist einer meiner Favoriten für Produzenten, die viel unterwegs sind. Er verfügt über extrem leistungsstarke Sequenzer-Funktionen und jede Menge integrierter Sound-Design-Tools.
• Akai MPC Live II: Für den legendären MPC-Workflow und die Standalone-Flexibilität ist die MPC Live II dank der eingebauten Lautsprecher und des wiederaufladbaren Akkus ideal für die Produktion unterwegs.
• Korg Volca Sample: Dieser erschwingliche und kompakte Sample-Sequenzer eignet sich perfekt für Einsteiger, da er über eine Vielzahl von Funktionen und Anschlussmöglichkeiten für die Erstellung von Grooves in Echtzeit verfügt.
• Dave Smith Instruments Tempest: Diese Drum Machine, die in Zusammenarbeit von Dave Smith und Roger Linn entwickelt wurde, ist eine meiner Lieblingsoptionen, um einen kraftvollen analogen Drum Machine-Sound zu erzielen, auch wenn sie im Laufe der Jahre nicht unumstritten war.

Hardware erlebt ein großes Comeback, weshalb jeder, der sich mit elektronischer Musikproduktion beschäftigt, auch diese Seite des Werkzeugschuppens erkunden sollte. Auch wenn Sie kein großes Budget haben, gibt es immer noch viele Möglichkeiten!

Audio-Schnittstelle

Natürlich können Sie die Produktion elektronischer Musik auch mit einem Laptop erlernen, aber wenn Sie sich ernsthaft mit der Produktion elektronischer Musik befassen und eine Brücke zwischen Ihren Instrumenten, Mikrofonen und Ihrem Computer schlagen wollen, benötigen Sie ein Audio-Interface.

Kurz gesagt, ein Audio-Interface wandelt analoge Signale in digitale Audiodaten um, die Ihre DAW verarbeiten kann, und umgekehrt. Neben der Umwandlung kann ein Audio-Interface auch die Klangqualität Ihrer Aufnahmen im Vergleich zu den eingebauten Audioeingängen und -ausgängen der meisten Computer erheblich verbessern und wesentliche Funktionen wie Mikrofonvorverstärker, direktes Monitoring für latenzfreie Aufnahmen und mehrere Ein- und Ausgänge für den Anschluss verschiedener Audioquellen und externer Geräte bieten.

Audioschnittstellen gibt es in allen Formen und Größen. Wenn Sie sich nicht sicher sind, wo Sie anfangen sollen, finden Sie hier einige Optionen für unterschiedliche Budgets:

• Budget-freundlich :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. Generation): Eine der Top-Empfehlungen für Einsteiger, die ein Interface mit hochwertigen Vorverstärkern und einer robusten Bauweise suchen.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Eine äußerst erschwingliche Option, die alle notwendigen Grundlagen für den Einstieg in das Homerecording bietet.
• Mid-Range :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Tadellose Audioqualität und UAD-Echtzeitverarbeitung - perfekt, wenn Sie Ihre Produktion aufwerten wollen.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Bietet ein ausgewogenes Verhältnis zwischen Funktionen und Preis, mit mehreren Ein- und Ausgängen und niedriger Latenz.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Bekannt für seine Zuverlässigkeit, außergewöhnliche Audioqualität und geringe Latenz, geeignet für kleine, professionelle Studios.
  • Apollo x4 von Universal Audio: Mit vier Unison-Vorverstärkern, UAD-2 Quad Core-Verarbeitung und überlegener Konvertierung erhalten Sie das Beste der UAD-Hardware.

Welches Audio-Interface für Sie das richtige ist, hängt von Ihren spezifischen Anforderungen ab.

Wenn Sie z. B. mehrere Mikrofone gleichzeitig aufnehmen, sind zahlreiche Ein- und Ausgänge erforderlich. Wenn Sie jedoch viel unterwegs sind, könnte die Portabilität das wichtigste Argument sein. Unabhängig davon ist die Investition in ein Audio-Interface ein Muss, wenn Sie die Qualität Ihrer Musik verbessern wollen.

Kopfhörer oder Studiomonitore

Wenn du anfängst, deine eigene Musik zu machen, brauchst du etwas, womit du sie anhören kannst.

Eine der ersten Entscheidungen, die Sie treffen müssen, ist die, ob Sie in Kopfhörer oder Studiomonitore investieren wollen. Beide erfüllen einen bestimmten Zweck bei der Musikproduktion, und in Wirklichkeit ist es am besten, beides zu haben.

Studiomonitore bieten eine genauere Darstellung des Klangs in einem Raum und ermöglichen es Ihnen zu verstehen, wie Ihre Musik in realen Umgebungen wirken wird. Sie bieten auch eine räumliche und dimensionale Perspektive auf Ihren Mix und helfen Ihnen, fundierte Entscheidungen über Panning, Tiefe und Stereoabbildung zu treffen.

Kopfhörer hingegen bieten Details und Isolierung. Sie eignen sich hervorragend, um subtile Nuancen in einem Mix zu erkennen, die über Lautsprecher übersehen werden könnten, z. B. leises Rauschen oder Klick- und Knackgeräusche. Kopfhörer sind auch der Schlüssel für nächtliche Sessions oder wenn Sie in unbehandelten Räumen arbeiten, in denen Sie nicht genau über Lautsprecher abhören können.

Es ist von großem Vorteil, beide Tools zur Verfügung zu haben, denn so können Sie sehen, wie Ihr Mix in verschiedenen Hörumgebungen klingt, so dass Sie wissen, dass Ihre Musik auf einer Vielzahl von Wiedergabesystemen gut klingt.

Hier sind ein paar meiner Empfehlungen für jeden:

Empfehlungen für Kopfhörer:

• Budget: Audio-Technica ATH-M40x - Hervorragende Klangqualität und Langlebigkeit zu einem günstigen Preis.
• Mittelklasse: Beyerdynamic DT 770 PRO - Bekannt für ihren detaillierten, ausgewogenen Klang und Komfort. Ich verwende sie gerne für lange Mixing-Sessions.
• Hochwertig: Sennheiser HD 650 - Offener Studiokopfhörer der Spitzenklasse für herausragend natürliche Klangtreue und präzise Basswiedergabe.

Empfehlungen für Studio-Monitore:

• Budget: Presonus Eris E3.5 - Super kompakt und erschwinglich, liefert aber dennoch ein klares und präzises Klangprofil für kleine Heimstudios.
• Mitteltonbereich: Yamaha HS5 - Perfekt für einen flachen Frequenzgang und eine exzellente Klangwiedergabe, insbesondere beim Mischen in unbehandelten Räumen.
• Hochwertig: Adam Audio A7X - Ideal für professionelle Musikproduzenten und Toningenieure, die eine präzise Basswiedergabe und detaillierte obere Frequenzen wünschen.

Als ich anfing, elektronische Musik zu produzieren, habe ich etwa ein Jahr lang mit Kopfhörern gearbeitet, bevor ich mein Studio aufgerüstet habe. Wenn Studiomonitore also nicht in Ihrem Budget für Audioproduktionen enthalten sind, würde ich mich nicht zu sehr darüber ärgern. Achten Sie nur darauf, dass Sie häufige Pausen einlegen, wenn Sie nur mit Kopfhörern hören, um den Überblick zu behalten und Ihre Ohren nicht zu ermüden.

Wie man elektronische Musik macht

Die Produktion elektronischer Musik ist ein weites Feld. Ich kann dir sicherlich nicht versprechen, dass du die Kunst des Produzierens beherrschst, wenn du diesen Artikel liest, aber ich kann dir hoffentlich einen Einblick in meine Erfahrungen beim Produzieren elektronischer Musik in den letzten zehn Jahren geben und du kannst das als Inspiration für deine eigene Reise nutzen.

Ich stelle mir den Prozess der Musikproduktion gerne in drei Phasen vor:

1. Ideen: In der ersten Phase skizzieren Sie Ihre ersten Ideen, experimentieren mit Klängen und Mustern und sammeln Ideen oder Inspirationen von anderen Künstlern, die Sie mögen.
2. Arrangement: Sobald Sie Ihre Ideen niedergeschrieben haben, können Sie sie in einen kohärenten Fluss strukturieren und einen Track erstellen, der den Hörer von Anfang bis Ende auf eine Reise mitnimmt.
3. Verfeinerung: Dies ist die Misch- und Mastering-Phase, in der Sie Ihrem Track den letzten Schliff geben und dafür sorgen, dass alle Elemente gut zusammenpassen.

Es ist wichtig zu wissen, dass jeder Produzent seinen eigenen Weg durch diese Phasen geht.

Manche fangen mit einer eingängigen Melodie an und bauen darauf auf, während andere ein paar Samples zerhacken und eine coole Sequenz auf einer MPC zusammenbasteln. Andere wählen den traditionellen Ansatz und verwenden die Standard-Pop-Arrangement-Struktur, um einen Song von Grund auf aufzubauen, beginnend mit Schlagzeug, Bass, Gitarre und so weiter.

Die Schönheit der elektronischen Musikproduktion liegt in dieser Vielfalt der Ansätze.

Ich werde jetzt die Methode vorstellen, die für mich am besten funktioniert, aber denken Sie daran, dass es kein Patentrezept gibt. Es geht darum, den Arbeitsablauf zu finden, der Ihre Kreativität anregt und Ihren Ideen freien Lauf lässt.

Finden Sie Ihren Sound

Wenn man zum ersten Mal lernt, wie man elektronische Musik macht, ist es oft am schwierigsten, seinen Sound zu finden.

Unter dem Oberbegriff "elektronische Musik" gibt es viele Subgenres, und jedes hat seine eigene Palette an Klängen, Rhythmen und Strukturen. Hier sind einige der beliebtesten Subgenres, um nur einige zu nennen:

• Haus
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligente Tanzmusik)
• EDM (Elektronische Tanzmusik)
• Trance
• Schlagzeug und Bass
• Zukunft Bass

Als neuer Produzent denke ich, dass der Schlüssel zur Entdeckung des eigenen Sounds inmitten dieser Vielfalt in der Erforschung und im Experimentieren liegt.

Tauchen Sie tief in verschiedene Subgenres ein, nicht nur als Zuhörer, sondern auch als Schüler. Erstellen Sie kurze Stücke oder Beats, die von verschiedenen Stilen inspiriert sind, um herauszufinden, was bei Ihnen Anklang findet und Ihre kreative Ader anregt. Versuchen Sie auch, mit anderen Produzentinnen und Produzenten zusammenzuarbeiten, die Ihnen neue Perspektiven bieten und Sie zu Richtungen inspirieren können, die Sie allein vielleicht nicht in Betracht gezogen hätten.

Dieser Ansatz erfordert aktives Zuhören. Es ist eines der besten Werkzeuge, um die Nuancen jedes Subgenres zu verstehen. Wenn Sie sich einen Track anhören, versuchen Sie, ihn zu sezieren: Identifizieren Sie die Kernelemente, die seinen Sound ausmachen, vom Tempo und den Schlagzeugmustern bis hin zur Wahl der Synthesizer und der Struktur des Arrangements. Achten Sie darauf, wie Spannung und Entspannung erzeugt werden, wie sich der Track im Laufe der Zeit entwickelt und welche Emotionen oder Atmosphären hervorgerufen werden.

Bis heute ist die analytische Herangehensweise beim Hören eine meiner Lieblingsmethoden, um mehr über einen Song zu erfahren.

Den grundlegenden Groove bekommen

Das Herzstück der elektronischen Musik ist der Groove, den wir oft von Schlagzeug und Percussion bekommen.

BPM (Beats Per Minute) spielt eine entscheidende Rolle bei der Definition des Subgenres, und obwohl man immer experimentieren kann, haben die meisten Hörer Erwartungen, wenn sie bestimmte Arten von elektronischer Musik hören.

So bewegt sich Techno in der Regel zwischen 120 und 135 BPM und hat ein Four-on-the-Floor-Kick-Drum-Muster, während traditionelle House-Musik oft gefühlvollere und erhebende Vibes hat, die sich zwischen 120 und 130 BPM bewegen, mit einem etwas funkigeren und groovigeren Drum-Muster.

Dubstep, der für seine schweren Bässe und synkopischen Grooves bekannt ist, bewegt sich in der Regel um die 140 BPM, was ein wenig Raum für die ikonischen, gewichtigen Half-Time-Drum-Patterns schafft.

Drum and Bass geht mit 160-180 BPM noch einen Schritt weiter und verwendet beschleunigte Breakbeat-Rhythmen, die eine noch intensivere und chaotischere Energie liefern.

Natürlich gibt es auch elektronische Ambient-Musik, die auf traditionelle Schlagzeugbeats verzichtet und stattdessen eine fließende, sich entwickelnde Textur aufweist. Manchmal gibt es auch gar kein Schlagzeug. Vielmehr geht es darum, eine atmosphärische Landschaft zu schaffen.

Wenn Sie die typischen Tempi und Drum-Patterns dieser Subgenres kennen, können Sie Ihre Tracks an den Genre-Konventionen ausrichten. Natürlich, wie gesagt, haben Sie keine Angst, mit Tempo und Rhythmus zu experimentieren, um Ihren einzigartigen Sound zu finden!

Die Erstellung eines Beats

Ich habe immer das Gefühl, dass es eine solide Strategie für die Produktion elektronischer Musik ist, mit dem Schlagzeug zu beginnen.

Die Rhythmusgruppe kann die Grundlage für das Tempo und die Energie eines Tracks legen und einen Groove schaffen, in den sich die übrigen Elemente einfügen können. Stellen Sie sich vor, Sie legen zuerst das Rückgrat Ihres Tracks fest.

Obwohl sich elektronische Songs von einem zum nächsten ziemlich stark verändern können, gehören zu den Hauptbestandteilen der meisten Drum-Grooves die Kick, die Snare oder Clap, die Hi-Hats und zusätzliches Schlagzeug, das ein wenig Würze und Textur hinzufügen kann.

Wenn Sie anfangen, Ihre eigenen Schlagzeugbeats zu erstellen, können Sie verschiedene Wege einschlagen:

• Verwendung von Drum-Samplern: Ich bin ein großer Fan von Native Instruments' Battery 4, da man hier seine eigenen Drum-Samples laden und MIDI-Grooves von Grund auf erstellen kann.
• Flipping von Breaks, Loops und Samples: Die Fähigkeit, Breakbeats und Loops zu zerschneiden, ist zwar ein altmodischer Ansatz, aber immer noch eine Schlüsselkomponente beim Produzieren elektronischer Musik und bei der Inspiration für neue Ideen.
• Hören Sie sich Referenztracks an: Ich empfehle, die Schlagzeug-Grooves in Tracks, die Ihnen gefallen, zu analysieren und zu versuchen, sie zu kopieren. Achten Sie auf die verschiedenen Schichten, das Swing- oder Straight-Timing und darauf, wie der Beat das Gesamtgefühl des Tracks ergänzt.

Schauen wir uns einmal an, wie Sie einen einfachen House-Beat erstellen können:

1. Beginnen Sie mit einer Kick Drum: Suchen Sie einen idealen Kick im House-Stil und platzieren Sie ihn auf jedem Schlag des Taktes (1, 2, 3, 4), um den kultigen Four-on-the-Floor-Rhythmus zu erhalten.
2. Fügen Sie einen Clap oder eine Snare hinzu: Legen Sie einen Clap oder eine Snare auf den 2. und 4. Takt, um den Groove aufzubauen.
3. Hi-Hats einführen: Fügen Sie zwischen jedem Kick- und Snare-Schlag geschlossene Hi-Hats ein, um einen gleichmäßigen, treibenden Rhythmus zu erzeugen. Wenn Sie ein fließenderes Gefühl wünschen, können Sie Achtelnoten verwenden.
4. Percussion einbauen: Um Ihre Grooves aufzupeppen, können Sie einige Percussion-Elemente wie Shaker oder Tamburine einbauen.
5. Mit Loops experimentieren: Wenn ich meinen Grooves zusätzliche Textur verleihen möchte, lege ich oft einen geloopten Percussion- oder Top-Loop darüber, um sie zu ergänzen.

Beim Erstellen eines Beats geht es ebenso sehr um das Experimentieren wie um das Befolgen einer Formel, also spielen Sie mit all den oben genannten Elementen und optimieren Sie sie nach Ihrem Geschmack.

Legen einer Basslinie

Mit einer Basslinie gewinnt Ihr Track erst richtig an Schwung. Ein Bass sollte deinen Schlagzeug-Groove ergänzen und die rhythmischen und harmonischen Elemente deiner Musik überbrücken, worauf wir gleich noch näher eingehen werden.

Hier ist ein vereinfachter Ansatz zur Erstellung einer interessanten Basslinie:

1. Wählen Sie Ihren Sound: Wählen Sie zunächst einen Bass-Sound, der zu Ihrem Genre passt. Synthesizer-Bässe sind vielseitig und können umfangreich geformt werden, während gesampelte Bässe Ihrem Track eine realistische Textur verleihen können. A
2. Entwickeln Sie einen Groove: Beginnen Sie mit einem Grundmuster, das Ihrem Schlagzeug-Groove folgt, und experimentieren Sie dann mit Synkopen oder zusätzlichen Noten, um Rhythmus und Interesse zu erzeugen. Ich empfehle, sich die Basslinien anderer elektronischer Tracks, die Ihnen gefallen, anzuhören und zu sehen, welche Techniken sie verwenden.
3. Variieren Sie Ihre Noten: Scheuen Sie sich nicht, vom Grundton abzuweichen. Sie können die Skala für verschiedene Notenoptionen erkunden. Sie wissen nicht, wie Sie Tonleitern auf der Grundlage der Musiktheorie einsetzen können? Schauen Sie sich einige unserer Blogs zu diesem Thema an.
4. Legen Sie einen Subbass darüber: Wenn Ihr Bass etwas mehr "Wumms" in den tiefen Frequenzen braucht, können Sie einen sauberen, auf Sinuswellen basierenden Subbass darunter legen. Achten Sie nur darauf, dass er auf den Hauptbass abgestimmt ist und rhythmisch mit ihm harmoniert.

Wie auch immer du vorgehst, sei dir bewusst, dass die Basslinie ein grundlegendes Element in jedem elektronischen Musikstück ist. Nimm dir also Zeit, sie zu verfeinern, und scheue dich nicht, Änderungen vorzunehmen, bis du den perfekten Groove gefunden hast.

Arrangieren Ihrer Akkorde

Als Nächstes sollten Sie damit beginnen, eine Akkordfolge für Ihren Track zu entwickeln. Ihre Akkorde sind dazu da, die emotionale Grundlage zu schaffen, auf der Sie Ihre Melodie und andere Strukturen aufbauen. Sie haben die Macht, bestimmte Stimmungen hervorzurufen, Spannung aufzubauen und zu lösen und den Hörer durch eine Erzählung zu führen.

Natürlich kann sich die Herangehensweise an Akkorde von einem Genre zum anderen erheblich ändern. In elektronischer Ambient-Musik zum Beispiel können üppige, ausgedehnte Akkordfolgen gut sein, um ein Gefühl von Tiefe zu erzeugen, während in House oder Techno einfachere Akkordstopps ohne viel harmonische Bewegung die bessere Wahl sein können.

Sie müssen zwar kein Musiktheorie-Experte sein, aber ein solides Verständnis der Theorie kann Ihnen helfen, fundierte Entscheidungen über Akkordstimmungen und -folgen zu treffen. Das Schöne an der Musiktheorie ist, dass es darum geht, die Regeln zu kennen, damit man sie brechen kann. Außerdem gibt sie Ihnen die Möglichkeit, bestimmte Gefühle und Ideen durch Ihre Musik zu vermitteln,

Wenn Sie mehr über Musiktheorie erfahren möchten, lesen Sie unseren Leitfaden zur Erstellung von Akkordfolgen.

Eine Melodie schreiben

Was ist also eine Melodie?

Im Grunde handelt es sich um eine Abfolge von Noten, die als Hauptthema oder Brennpunkt eines Musikstücks dienen.

Es ist der Teil des Titels, an den sich die Hörer am meisten erinnern, d. h. eine gute Melodie sollte einprägsam sein. Aus musiktheoretischer Sicht sollte sie auch in den harmonischen Kontext deines Tracks passen.

Einer der wichtigsten Punkte, die man bei der Schaffung einer einprägsamen Melodie berücksichtigen sollte, ist die Kraft der Wiederholung.

Ein sich wiederholendes Motiv oder eine sich wiederholende Phrase ist eine gute Möglichkeit, Ihren Track zu verankern und dem Hörer ein Gefühl der Kohärenz zu vermitteln. Allerdings müssen Sie auch darauf achten, dass Sie nicht zu viele Wiederholungen verwenden, da Ihre Melodie sonst monoton klingt.

Ich würde empfehlen, aktiv Musik mit starken Melodien zu hören, um sich inspirieren zu lassen.

Analysieren Sie, wie diese Melodien aufgebaut sind, achten Sie darauf, wie sie mit den Akkorden und dem Rhythmus interagieren und wie sie durch Wiederholungen und Variationen Bewegung und Gefühle erzeugen. Sie können sich von diesen Liedern inspirieren lassen, ohne sie zu plagiieren, so wie es Künstler seit Anbeginn der Zeit getan haben. Alles baut auf etwas Vorherigem auf.

Alles zusammenbinden

Als Nächstes sollten Sie sich überlegen, wie Sie alle Elemente Ihres Tracks miteinander verbinden können.

Elektronische Musik kann zwar in ihrer Struktur variieren, aber die meisten elektronischen Titel im Pop-Stil folgen einer Standardstruktur, die von Anfang bis Ende Höhen und Tiefen aufweist.

Vom Intro kann man in die Strophe übergehen, in der sich die Geschichte zu entfalten beginnt. Das kann in den Pre-Chorus oder den Build-up übergehen, um die Spannung bis zum Refrain, der Hook oder dem Drop zu steigern, der den Höhepunkt des Tracks darstellt.

Von dort aus können Sie einen Soloteil hinzufügen, um eine bestimmte Synthesizer- oder Gesangslinie zu präsentieren, oder eine Bridge für einen Moment des Kontrasts oder der Reflexion vor dem abschließenden Refrain, Drop oder Outro.

Abmischung und Mastering

Schließlich kommen wir zum Abmischen und Mastern, den kritischen Phasen des Postproduktionsprozesses. An diesem Punkt sollte der Schwerpunkt darauf liegen, Ihre Sammlung einzelner Tracks in ein zusammenhängendes, ausgefeiltes Musikstück für die Veröffentlichung zu verwandeln.

Beim Abmischen geht es darum, die Pegel auszugleichen, die verschiedenen Instrumente im Stereofeld zu schwenken, mit dem Equalizer Frequenzüberschneidungen zu beseitigen, die Dynamik zu komprimieren und mit Effekten wie Hall und Delay dreidimensionale Tiefe zu erzeugen.

Das Mastering ist der letzte Schritt, bei dem der abgemischte Track poliert und für den Vertrieb vorbereitet wird. In dieser Phase nehmen Sie die Feinabstimmung des Gesamtklangs vor, stellen sicher, dass die Songs auf dem gesamten Album oder der EP (wenn Sie ein Projekt erstellen) konsistent sind, und prüfen, ob die Musik auf verschiedenen Wiedergabesystemen optimal klingt.

Beide Prozesse erfordern ein feines Gehör und ein tiefes Verständnis dafür, wie sich Klang verhält, und obwohl Sie Ihre Fähigkeiten sicherlich so weit entwickeln können, dass Sie Ihre eigenen Tracks mischen und mastern können, ist es in der Regel von Vorteil, diese Aufgaben von jemand anderem erledigen zu lassen, wenn Sie gerade erst anfangen, da es gut ist, jemanden mit frischen Ohren und spezialisierter Ausrüstung zu haben.

Die besten Ressourcen zum Erlernen von elektronischer Musik

Über diesen Artikel hinaus ist das Produzieren elektronischer Musik ein ständiger Lernprozess mit vielen Versuchen und Experimenten. Glücklicherweise gibt es unzählige Ressourcen, die sich an Produzenten aller Niveaus richten, darunter:

Hier finden Sie eine Liste verschiedener Ressourcen und warum sie für die Erweiterung Ihrer Kenntnisse und Fähigkeiten von Vorteil sind:

• Online-Tutorials und -Kurse: Plattformen wie Skillshare, Udemy und Coursera bieten Kurse zu elektronischer Musik an, die von Fachleuten aus der Branche unterrichtet werden und vom Anfänger- bis zum Fortgeschrittenenniveau reichen.
• YouTube-Videos: Kanäle wie Point Blank Music School und ADSR Music Production Tutorials bieten endlose kostenlose Tutorials, Tipps und Techniken zu verschiedenen Aspekten des Musikproduktionsprozesses, die perfekt für visuelle Lernende sind.
• Foren und Online-Gemeinschaften: Communities wie Gearslutz, Reddit's r/edmproduction und KVR Audio sind großartig, um mit anderen Produzenten in Kontakt zu treten, Musik auszutauschen, Feedback zu erhalten und Produktionstechniken zu diskutieren.
• DAW-spezifische Ressourcen: Die meisten DAWs haben offizielle Foren, Tutorials und Dokumentationen. Ich bin ein großer Fan von Abletons Learning Music-Website, die unzählige DAW-spezifische Tipps, Tricks und Anleitungen enthält.

Unser Blog ist auch vollgepackt mit hilfreichen Ressourcen für das Produzieren von elektronischer Musik, egal ob Sie Musiktheorie lernen, wie die Musikindustrie funktioniert oder wie man ein Lied arrangiert.

Abschließende Überlegungen

Wie man elektronische Musik macht, kann man nicht über Nacht lernen.

Letztendlich geht es darum, einen Track zu kreieren, bei dem man etwas fühlt - einen Track, auf den man stolz sein kann. Musik entwickelt sich ständig weiter, es gibt also keinen Grund, sich an eine Reihe von Regeln zu binden. Wenn du jedoch die oben genannten Werkzeuge und ihre Anwendung verstehst, kannst du etwas schaffen, das sowohl schön als auch einzigartig in der weiten Welt der elektronischen Musik ist.