Textur. Das weiche Gefühl deines Lieblings-T-Shirts. Das knusprig-knackige Gefühl des letzten Girl Scout Thin-Mint-Kekses, der in Ihrem Mund verschwindet. Kurz gesagt, etwas, das Sie normalerweise mit taktilen Empfindungen in Verbindung bringen.

Wenn also jemand von musikalischer Textur spricht, kann das zu einigem Kopfzerbrechen führen. Was ist Textur in der Musik? Wie definiert man sie, und wie spricht man über sie? Warum sollte man darüber reden? Verwendet Nickelback Textur?

Alles gute Fragen. Lassen Sie uns ganz am Anfang beginnen.

Was ist Textur in der Musik?

Textur in der Musik bezieht sich auf die Beziehung zwischen den verschiedenen musikalischen Elementen eines Stücks. Textur verleiht der Musik Tiefe, Komplexität und Reichtum.

Ein formaler Ansatz zur Beschreibung der Textur würde eine melodische Linie und die zugrundeliegende Harmonie (oder deren Fehlen) verwenden, um die musikalische Textur zu bewerten, zusammen mit den rhythmischen Ähnlichkeiten oder Unterschieden zwischen ihnen. Dieser Ansatz wurde entwickelt, um klassische Musik (in all ihren Formen) zu analysieren, und lässt keinen Raum für die Beschreibung von Texturen, die mit modernen Musikproduktionstechniken erzeugt wurden.

Eine informelle Herangehensweise würde auch andere Elemente in die Betrachtung der musikalischen Textur einer Melodie einbeziehen, wie Form, Tempo und Klangfarbe. Dies ist besonders nützlich, wenn man über zeitgenössische oder nicht-traditionelle Musik spricht. So könnte man zum Beispiel Gantz Gra f von Autechre als "körnig" oder Treinamento De Força von TRXVELER als "scharf" beschreiben.

Bei beiden Ansätzen geht es bei der Textur in der Musik darum, wie die verschiedenen Elemente zusammenwirken, um ein Musikstück zu schaffen und dessen Stimmung, Atmosphäre und Erzählung zu beeinflussen.

Wege zur Beschreibung der Textur in der Musik

Es ist eine freie Welt, und so wie ein Musikstück bei verschiedenen Menschen unterschiedliche Emotionen hervorrufen kann, so können auch musikalische Texturen unterschiedlich interpretiert werden. Sprache ist ein komisches Ding, und es liegt an Ihnen, wie Sie kommunizieren wollen.

Aber manchmal ist es hilfreich, einen Rahmen zu haben, von dem aus man arbeiten kann. Und hier kommt der formale Ansatz der Diskussion über musikalische Textur ins Spiel.

Die folgenden Begriffe werden in der Musikgeschichte und Musikanalyse häufig verwendet, um die Textur in der Musik zu beschreiben, und ein solches Verständnis kann für jeden von Vorteil sein. Seien Sie jedoch gewarnt: Diese Methodik ist stark auf die "westliche" Musik ausgerichtet. Ich werde später noch mehr darüber schimpfen...

Jetzt ist es an der Zeit, die "Phonys" vorzustellen!

Monophone Textur

Die erste und einfachste musikalische Textur ist die Monophonie. In der einstimmigen Musik gibt es nur eine Musiklinie. Keine Harmonie. Keine rhythmische Begleitung. Kein Nichts.

Das war der letzte Schrei im Mittelalter, als die frühesten christlichen Lieder - Plainchants genannt - so ziemlich die einzige Form der Unterhaltung waren. Lustige Zeiten.

Eine monophone Textur kann aus einer Solostimme/einem Soloinstrument bestehen oder aus mehreren Instrumenten, die dasselbe zur gleichen Zeit spielen.

Stellen Sie sich vor, Sie sind bei einem Fußballspiel von Liverpool (Fußball, für meine amerikanischen Freunde). Du fängst an, " You'll Never Walk Alone" zu singen. Das ist eine monophone Textur. Aber da Sie allein sind, könnten Sie sie als "dünn" oder "spärlich" bezeichnen.

Einer nach dem anderen fangen die Leute um Sie herum an, mitzusingen. Da Sie und Ihre Mitstreiter dieselbe Melodie singen, ist es immer noch eine monophone Textur, aber man könnte sie als etwas dichter beschreiben.

Irgendwann singt das ganze Stadion mit. Es ist immer noch eine monophone Textur, weil ihr alle eine einzige Melodie singt. Aber dank der unterschiedlichen Klangfarben der verschiedenen Stimmen könnte man es auch als eine dichte Textur bezeichnen.

Unten sehen Sie eine visuelle Darstellung einer einstimmigen Textur. Die blaue Linie stellt eine einzelne melodische Linie dar.

Homophone Textur

Die nächste Stufe auf der Skala der Texturkomplexität ist die homophone Textur. In homophoner Musik gibt es eine einzige melodische Linie, wobei alle anderen Teile die Rolle der harmonischen Begleitung spielen.

Die folgende Grafik zeigt eine visuelle Darstellung einer homophonen Textur. Die blaue Linie stellt die musikalische Hauptlinie dar, während die grüne Schattierung die harmonische Unterstützung anzeigt.

Die meisten traditionellen protestantischen Hymnen und die Musik eines Barbershop-Quartetts sind gute Beispiele für homophone musikalische Texturen. Es gibt kaum ein Gospellied, das nicht auf Homophonie setzt, um die Stimmung zu steigern. In diesen Beispielen bewegen sich die verschiedenen Instrumente oder Stimmen in Blockakkorden zusammen.

Traditionell spielen bei homophonen Texturen alle Instrumente denselben Rhythmus - den der Melodiezeile. Der Begriff wird jedoch oft weiter gefasst und umfasst auch Teile, die sich rhythmisch von der Hauptmelodie unterscheiden.

Stellen Sie sich einen Sänger vor, der auf einem Klavier eine Akkordbegleitung spielt, oder einen Akkordeonspieler, der eine schwermütige Melodie spielt, während im Hintergrund eine Gitarre zupft. Oder eine kleine Jazz-Combo, die eine Trompete rhythmisch und harmonisch unterstützt, die wild drauflos improvisiert. Auch wenn sie nicht dieselbe Melodie spielen, produzieren sie auch keine unabhängigen melodischen Teile. Es ist alles nur homophon.

Aufgrund dieser breiteren Definition zur Beschreibung homophoner Musik gilt sie heute als die am häufigsten gehörte Textur in der Musik.

Heterophone Textur

Es handelt sich hierbei um eine weniger verbreitete Textur, wenn man die Dinge auf breiterer Ebene betrachtet, aber es lohnt sich, einen Blick darauf zu werfen, weil sie auf einer detaillierteren Ebene verwendet werden kann.

In der heterophonen Musik tragen mehrere Interpreten Variationen einer einzigen Melodielinie vor. Ein Sänger, der von einem einzigen Flügelhorn begleitet wird und dieselbe Melodie mit kleinen Riffs hier und da vorträgt, wäre heterophon.

Zurück zu unserem Spiel gegen den FC Liverpool (sie führen 2:0, also sind wir mutig). Alle singen die gleiche Melodie mit. Plötzlich fängt die Nordtribüne an, die lange gehaltene Note von "a-loooone" zu riffen , ähnlich wie wenn die Background-Sänger die Hauptmelodie wiederholen, während die Hauptstimme improvisiert. Das, meine Freunde, ist eine heterophone Textur.

Mehrstimmige Textur

Polyphone Textur - abgeleitet von den griechischen Wörtern poly (viele) und phony (Klang) - ist Musik, die aus mehreren Teilen besteht, von denen jeder eine unabhängige melodische Linie spielt. Alle Teile klingen unabhängig und haben ihr eigenes melodisches Interesse, aber sie wirken alle zusammen, um eine interessante (und harmonisch sinnvolle) Textur zu schaffen.

Mehrstimmige Musik, auch kontrapunktische Musik oder Kontrapunkt genannt, war im Barock vorherrschend. Bachs Präludien und Fugen sind großartige Beispiele für Mehrstimmigkeit, und dieser Stil, Musik mit verschiedenen Schichten zu schreiben, setzt sich bis heute fort.

Chris Rupp macht eine wunderbare Coverversion von Ed Sheerans Shape of You, bei der er den Song mit Hilfe eines gut geschriebenen Kontrapunkts neu interpretiert. Ein großartiges Beispiel dafür, wie man eine homophone Textur in mehrstimmige Musik verwandelt. Probieren Sie es unten aus.

Beachten Sie, dass in einer mehrstimmigen Textur jeder Teil eine unabhängige Melodie hat. Das ist etwas anderes als eine Melodielinie mit Instrumentalbegleitung, auch wenn alle Instrumente unabhängige Teile spielen. Der Hauptunterschied besteht darin, dass in einer mehrstimmigen Textur jeder Teil als eigene Melodie fungiert.

Warum ist musikalische Textur wichtig?

Abgesehen davon, dass es Ihnen hilft, die Musik, die Sie hören, besser zu verstehen, hat das Verständnis der musikalischen Textur (sowohl in formeller als auch in informeller Hinsicht) viele Vorteile:

Leistung:

Musiker können ihre Rolle in einem Musikstück besser interpretieren, wenn sie die vorhandenen Texturen verstehen. Vor allem in großen Instrumentalgruppen ist es gut zu wissen, ob man eine Unterstützung (Homophonie), einen Beitrag zu einer melodischen Linie (Monophonie oder Polyphonie) oder eine Verzierung (Heterophonie) bietet .

Zusammensetzung

Das Verständnis von Texturen in der Musik kann eine große Hilfe sein, wenn Sie an Ihrer eigenen Musik arbeiten. Sie können sie manipulieren, um bestimmte Emotionen hervorzurufen, oder um thematische Elemente herauszuarbeiten. Sie wollen einfach und direkt sein? Monophonie. Sie möchten betonen, wie kompliziert die Dinge sind? Dann ist die Polyphonie Ihr Freund.

Herstellung von

Wenn Sie die Elemente eines Tracks zusammensetzen, denken Sie an die Texturen, die Sie erzeugen. Die meiste Musik verwendet heutzutage mehrere Texturen in einem Musikstück. Die Art und Weise, wie Sie diese Texturen präsentieren, hat Einfluss auf die Geschichte, die Ihr Song erzählt, und auch darauf, wie engagiert Ihr Publikum sein wird.

Mischen

Wenn Sie sich einen Moment Zeit nehmen, um über musikalische Texturen nachzudenken, können Sie Probleme lösen und kreative Effekte hinzufügen, wenn es um die Abmischung eines Songs geht.

Textur in der Musik: Formale und informelle Ansätze

Wählen Sie einen Song. Irgendein Lied. Je nachdem, auf welcher Seite des akademischen Zauns Sie sitzen, gibt es zwei Möglichkeiten, über seine musikalische Textur zu sprechen.

Der formale Ansatz besteht darin, die Musik durch die Linse der melodischen Linien zu analysieren und dabei die oben genannten Kategorien zu verwenden. Das ist sicher ein sehr nützliches Werkzeug, das hilft zu verstehen, wie Musik funktioniert.

Aber es ist auch sehr elitär und stellt die westliche Musik an die Spitze der Nahrungskette, ohne Rücksicht auf Kulturen, die schon seit Äonen Slammer hervorbringen. Man könnte es sogar als eine Möglichkeit für Akademiker betrachten, ihre eigene Existenz zu rechtfertigen.

Der informelle Ansatz besteht darin, über musikalische Strukturen zu sprechen und dabei alles zu berücksichtigen: melodische Linien und die zugrunde liegende Harmonie, Dynamik, die Klangfarbe der Instrumente, die Größe des Ensembles, die beteiligten Rhythmen, die Komplexität der Mischung usw.

Beide Ansätze sind gültig und hilfreich für das Verständnis von Musik, und wenn man weiß, worauf man achtet, kann man bessere Abmischungen erstellen und beim Schreiben oder Produzieren eines Songs helfen.

Schlussfolgerung

Da haben Sie es also: alles, was Sie über Textur in der Musik wissen müssen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Sie auf einer informellen Ebene jedes beliebige Wort zur Beschreibung von Textur verwenden können. Wie Sie kommunizieren, bleibt Ihnen überlassen.

Aber wenn Ihr Musikprofessor Sie bittet, die Textur eines Mozart-Klavierkonzerts zu beschreiben, dann tun Sie gut daran, den formalen Ansatz zu wählen:

• Monophone Textur: Musik, die nur eine Melodie enthält
• Homophone Textur: Musik, bei der die Stimmen eine Melodie und meist die gleichen Rhythmen spielen. Eine umfassendere Definition schließt die rhythmische und harmonische Begleitung unter der Melodie ein, z. B. das Schlagen von Akkorden auf einer Gitarre.
• Polyphone Textur: Musik mit mehreren, unabhängigen melodischen Linien.
• Heterophone Textur: Musik, bei der eine Melodie durch eine zusätzliche Stimme zur gleichen Zeit wie die ursprüngliche Melodie variiert wird

Nun geht hinaus und macht die Texturmusik!