La música reggae no sigue las reglas de nadie, y eso es lo que la hace tan especial. Nacido a finales de los años 60 en Jamaica, el reggae surgió de una mezcla de ska, rocksteady y soul americano, todo ello cocinado a fuego lento bajo el sol de la isla. Pero mientras el ska era hiperactivo y nervioso, el reggae alargaba las cosas. Dejaba espacio. Espacio para el ritmo. Espacio para el mensaje.

En el fondo, la música reggae tiene menos que ver con la velocidad y más con el sentimiento. El bombo se mantiene firme en el dos y cuatro, la guitarra se agita detrás del ritmo y las líneas de bajo más profundas que la música puede ofrecer. En cuanto a la producción, el reggae tiende a ser crudo pero hipnótico. Oirás tonos de batería amplios, colas de reverberación elásticas y ese sutil bamboleo que proviene de la saturación de la cinta o de las mesas de mezclas de la vieja escuela.

Ahora viene lo interesante. A pesar de toda la variedad del reggae, desde el roots al dub, pasando por el dancehall reggae y el lovers rock, la mayor parte se construye con las mismas herramientas básicas. Por supuesto, cada artista le da su propio toque, pero bajo la superficie hay un conjunto familiar de instrumentos que mantiene los pies en la tierra.

Así que si estás intentando conseguir ese auténtico sonido reggae en tus propias producciones, o simplemente tienes curiosidad por saber qué confiere al género su inconfundible sonido, estás en el lugar adecuado. Conozcamos los instrumentos esenciales que han mantenido el reggae en movimiento durante décadas.

¿Qué instrumentos se utilizan en el reggae?

1. Bajo

Si la música reggae fuera una casa, el bajo no sería sólo los cimientos. Sería la puerta principal, las ventanas y la mitad de los muebles. Al contrario que en la mayoría de los géneros, donde el bajo se esconde en un segundo plano, en el reggae está en primer plano. Muchos incluso lo consideran el instrumento principal. ¿Y sinceramente? No se equivocan.

Las líneas de bajo del reggae son melódicas y a menudo repiten los mismos riffs hipnóticos durante toda la canción. Y aunque el sonido pueda parecer simple desde fuera, no se trata necesariamente de lo que se toca, sino de cómo se toca. Hay muchos ritmos lentos y medios, mucho espacio entre las notas y un gran énfasis en la sensación por encima del destello. En lugar de correr arriba y abajo por el diapasón, los bajistas de reggae tienden a encerrarse en un surco y cabalgarlo como una ola.

El instrumento elegido suele ser un bajo eléctrico de cuatro cuerdas, como un Fender Precision o un Jazz Bass. Aston "Family Man" Barrett de The Wailers era un maestro del P-Bass. Tono profundo, graves cálidos y el mordiente justo para cortar sin ser agresivo. Robbie Shakespeare, la mitad del legendario dúo Sly & Robbie, también era conocido por utilizar modelos Fender, mezclados ocasionalmente con bajos Music Man para darle un toque ligeramente más moderno.

En cuanto a los amplificadores, los Ampeg de la vieja escuela eran los favoritos, sobre todo modelos como el SVT, que podía hacer temblar las paredes sin sonar como una papilla tonal. Pero en el estudio, muchos bajos de reggae se grababan con entrada directa (DI), a veces con un preamplificador o un compresor de válvulas en la cadena para mantener el volumen y la redondez.

También hay algunos detalles que merece la pena conocer.

La mayoría de los bajistas de reggae utilizan cuerdas planas. Estas cuerdas te dan un sonido suave y contundente sin todo el zumbido y el ruido de los dedos que obtienes de las cuerdas redondas. Es como poner fieltro en el martillo de un piano. El sonido es mas oscuro, mas calido y mucho mas controlado.

CONSEJO PROFESIONAL: Si estás tocando un bajo reggae y te cuesta conseguir el sonido adecuado, elimina los agudos. Ya sea en el propio bajo, en el amplificador o en el DAW, lo que buscas no es brillo. Corta todo lo que esté por encima de, digamos, 4-5 kHz o menos. Lo que quieres es un tono que parezca envuelto en una gruesa manta de lana. Debe ser suave para los oídos, pero lo suficientemente pesado como para sacudirte el pecho.

El bajo es donde la música reggae vive y respira. Acierta con esto y ya tienes medio camino recorrido.

2. Guitarra eléctrica

Al contrario que en el rock, la guitarra eléctrica en el reggae no intenta lucirse. Sin embargo, no hay que dejarse engañar. Como alguien que pasó años tocando la guitarra rítmica en una banda de funk, puedo decirte que "engancharse" a un surco requiere un nivel de habilidad y destreza totalmente diferente.

En la música reggae, la guitarra eléctrica puede ser tan importante como el bajo y, en muchos sentidos, es la pareja de baile perfecta del bajo. Mientras los graves retumban, la guitarra pone la nota picante.

La mayoría de las guitarras rítmicas de reggae utilizan lo que llamamos el "skank". Se trata de un acorde corto y entrecortado que se golpea en los tiempos muertos (los "y", si estás contando). Es casi más percusión que melodía. Se silencian las cuerdas lo justo para mantener la tensión y luego se les da vida con un movimiento de muñeca. Es como un metrónomo integrado en el género.

Lo normal es que los músicos utilicen guitarras estándar: Fender Stratocasters, Telecasters o Gibson Les Pauls. La Strat, en particular, ha sido la preferida de muchos músicos de reggae, gracias a su tono nítido y su versátil configuración de pastillas. Dicho esto, no hay una regla fija. Si se siente bien y tiene un sonido limpio, funciona.

De hecho, Ernest Ranglin, uno de los pioneros del sonido de la guitarra jamaicana, tocaba a menudo una Gibson ES-175 y podía pasar de los licks con influencias jazzísticas a los chops apretados y apagados en el mismo suspiro. Hux Brown, que tocó con Toots and the Maytals, se apoyaba en una Telecaster por sus medios ágiles y su toque twangy.

En lo que respecta a los amplificadores, muchos músicos de la época utilizaban Fender Twins, Roland Jazz Chorus o incluso amplificadores Vox para conseguir ese dulce timbre. El truco está en conseguir un tono limpio y brillante con una pizca de reverberación o delay para darle un poco de aire. Deja el overdrive y la distorsión para tu banda punk.

https://www.youtube.com/watch?v=S3UqvWk8-uw

Si quieres oír un ejemplo de manual, escucha "Stir It Up" de Bob Marley & The Wailers. Esa guitarra tintineante en los tiempos muertos es el skank. Legalize It" de Peter Tosh es otro gran ejemplo.

Así que no, la guitarra reggae no es llamativa, pero es precisa, contundente y mucho más difícil de tocar bien de lo que parece. No se puede fingir esa sensación.

3. Batería

La batería y el bajo en la música reggae van de la mano. Juntos crean lo que se llama riddim. Esta palabra se utiliza mucho, sobre todo en el reggae y el dancehall, pero lo que realmente significa es el groove de la sección rítmica. Es el motor que impulsa todo el tema y, cuando se hace bien, se siente en la columna vertebral.

En la música reggae hay algunos patrones de batería característicos, pero el más famoso es el one drop. Se llama así porque el bombo, que normalmente toca en los tiempos uno y tres en la mayoría de la música rock, falta en el uno. En su lugar, el bombo y la caja tocan juntos en el tiempo tres, dejando el primer tiempo vacío. Suena sencillo, pero esa pequeña pausa da a todo el ritmo una sensación de relajación, casi de ingravidez.

https://www.youtube.com/watch?v=IT8XvzIfi4U&pp=0gcJCdgAo7VqN5tD

Carlton Barrett, batería de Bob Marley & The Wailers, básicamente escribió el libro sobre el one drop. Escucha "No Woman, No Cry" o "Three Little Birds". Ese pulso lento y paciente es de manual. Tenía la habilidad de hacer que la batería pareciera perezosa y bloqueada al mismo tiempo, lo cual es más difícil de lo que parece.

Pero el one drop no es el único truco en la bolsa. También está el ritmo rockero, en el que la patada golpea en cada tiempo, añadiendo una sensación de conducción, casi de marcha. Es la versión reggae del four-on-the-floor. Luego está el ritmo steppers, que se apoya aún más en el ritmo. Hay una patada en cada negra y una caja en cada tres, lo que es ideal para la música dub y otros ritmos más enérgicos.

En cuanto al tono, las baterías de reggae suelen ser bastante secas y compactas. A menudo oirás una caja con los bordones un poco sueltos o incluso con cinta adhesiva, lo que le da ese sonido tosco y cuadrado. Los toms se afinan bajo y con ruido sordo. Los platillos se utilizan con moderación, con pequeños acentos aquí y allá. No es un género de "crash and bang". Es más bien un fuego lento y controlado.

En cuanto a la producción, los tambores de reggae suelen tratarse con efectos sutiles.

La reverberación de muelles es un elemento básico, especialmente en el dub, donde se abusa de ella de la mejor manera posible. También puedes oír delay de cinta en la caja o los hi-hats, que añade movimiento sin interferir en el groove. Y cuando llega la hora del dub, las cosas se ponen más raras. A menudo, los productores suprimen el bombo durante unos compases, añaden un retardo slapback al golpe de aro y panoramizan los hi-hats por todo el campo estéreo.

4. Instrumentos de percusión

En la música reggae, la percusión es el pegamento que mantiene unido el ritmo. Estos sutiles acentos rellenan las grietas entre el bombo, la caja y el bajo, dando al ritmo más textura y vida. Es algo que quizá no percibas conscientemente, pero a lo que tu cuerpo responde.

Y la percusión reggae no es una solución única. Hay todo un buffet de instrumentos entre los que los músicos pueden elegir, cada uno de los cuales añade su propio sabor a la mezcla. Aquí tienes un desglose de algunas de las piezas de percusión que encontrarás a menudo en la música reggae:

• Bongo Drums - Un par de tambores de mano pequeños y agudos que suelen tocar frases cortas y sincopadas. Son ideales para crear tensión o mantener un ritmo a fuego lento bajo la superficie. A menudo los oirás rodando al principio de una estrofa o colándose en las pausas instrumentales.
• Conga - Más altas y profundas que los bongos, las congas tienen un tono más cálido y redondo. En el reggae, se suelen tocar con las manos en un ritmo constante y repetitivo que encaja con la línea de bajo. Escucha casi cualquier tema de reggae roots y las oirás sonar por debajo.
• Shakers - Estos pequeños pueden parecer insignificantes, pero hacen mucho trabajo. Tanto si se trata de una simple coctelera de huevo como de una maraca más tradicional, ayudan a mantener el ritmo en movimiento y añaden ese aireado "ts-ts-ts" al compás. Perfectos para dar a una pista un poco de movimiento hacia adelante sin añadir volumen.
• Pandereta - No sólo para los coros de las iglesias. En el reggae, las panderetas suelen sonar en el backbeat o entre los golpes de caja. Son afiladas, vibrantes y atraviesan la mezcla, sobre todo cuando se combinan con palmadas u otra percusión de alto nivel.
• Cencerro - Se usa poco, pero cuando está ahí, ¡necesitas más! El cencerro añade una pegada metálica de rango medio que puede dar a la sección rítmica un poco más de rebote. Se utiliza a menudo en los estilos steppers y dancehall.
• Guiro - Es ese sonido hueco y áspero que se obtiene al arrastrar un palo por una calabaza con muescas o una superficie de plástico. No es muy común en todas las pistas, pero puede añadir una textura rasposa única que nada más puede replicar.
• Woodblock - Otra sutil herramienta de acentuación. Son chasquidos cortos de madera que pueden proporcionar síncopa o reflejar un patrón de guitarra rítmica. Ideal para rellenos o golpes de acento.
• Finger Cymbals o Chimes - Los oirás en el reggae de estilo dub, sobre todo en las intros o durante los breakdowns. Añaden un brillo de ensueño, de otro mundo, que flota sobre el ritmo como el humo.

Lo bueno de la percusión reggae es lo mínima que puede ser sin dejar de ser muy eficaz. Un shaker bien colocado o un simple ritmo de conga cambian por completo el groove de un tema sin saturar la mezcla. Los productores suelen tratar la percusión como un condimento, dándole lo justo para realzar el groove sin apoderarse de él.

Y cuando se trata de grabar o mezclar, la percusión suele recibir un tratamiento de spa completo. Se amplía el panorama, se sumerge en reverberación o se pasa por un retardo de cinta para darle ese toque dub tan distendido. Cualquier forma en que un productor pueda conseguir carácter, suele ser la mejor.

Así que si estás produciendo música reggae y te preguntas qué es lo que falta, lo más probable es que a tu percusión le haga falta un poco de amor. Porque a veces no son las cosas obvias las que marcan el ritmo, sino los pequeños detalles que se sienten más que se oyen.

5. Teclado

En sus inicios, la música reggae utilizaba pianos verticales. Sin florituras, sólo alguien martilleando acordes fuera de compás junto a la guitarra. Tenía un encanto crudo y tosco que daba a esos primeros temas, como "Isrealites" de Desmond Dekker, un aire de taberna.

https://www.youtube.com/watch?v=0wSXTN2EfRo

A finales de los 70, los grandes pianos acústicos empezaron a dar paso a los teclados eléctricos, como el Fender Rhodes y el Yamaha CP70. Tenían más garra, más sustain y podían aguantar el tipo en una banda completa. Luego llegaron los 80 como un maremoto empapado de sintetizadores, y el reggae hizo lo propio. De repente, había pads exuberantes, leads extraños y órganos tambaleantes que se arremolinaban en la mezcla.

El sonido clásico del reggae en el que la mayoría de la gente piensa hoy en día suele provenir de algo digital. Los primeros Casios y Yamahas causaron sensación, en concreto modelos como el Yamaha DX7 y la serie Casio CZ. Eran asequibles, tenían un montón de preajustes y podían sobrevivir en la carretera. Ese característico sonido de órgano digital era probablemente un patch llamado algo así como "Reggae Organ 1". Era un nombre descarado, pero funcionaba.

Luego estaba el Korg M1, que apareció por todas partes en el reggae y el dancehall de finales de los 80 y los 90.

Ese teclado era un monstruo, con campanas, punteos, cuerdas, incluso tambores de acero falsos. Podía con todo. La serie Juno de Roland también tuvo su momento, especialmente el Juno-60 y el Juno-106, con su cálido tono analógico y filtros fáciles de ajustar. La gente empezó a dar rienda suelta a su creatividad con pads, leads y pequeños y extraños punteos. Todo estaba permitido.

La cuestión es que no hay una única forma de utilizar los teclados en la música reggae. A veces suenan junto a la guitarra. A veces flotan en el fondo, añadiendo textura. A veces toman la iniciativa con una línea de sintetizador tambaleante que suena como si viniera del espacio exterior. La variedad es infinita, y eso es parte de la diversión.

Cuando se trata de efectos, el retardo y la reverberación son los más importantes, sobre todo en el dub. Al igual que con la batería, el retardo de cinta se aplica a todos los golpes de órgano y sintetizador, y la reverberación de muelles añade un toque metálico que parece venir de ninguna parte y de todas partes a la vez. A menudo se oyen filtros de barrido, phasers e incluso sutiles efectos de chorus que dan movimiento a las partes de teclado.

En el reggae, el teclado es una especie de arma secreta. Puede que no sea el elemento más llamativo, pero cuando se hace bien, lo une todo.

6. Cuernos

La familia de los metales en la música reggae es una mezcla de trompetas, trombones, saxofones y, ocasionalmente, fliscornos o trompas francesas si alguien se siente realmente aventurero. Juntos, añaden sabor y alma al ritmo.

En los primeros tiempos del reggae, las trompas se utilizaban con más moderación. Se oían riffs cortos, punzadas de fondo y algún gancho melódico ocasional. Pero a mediados de los 70 y principios de los 80, las secciones de viento se volvieron mucho más ambiciosas. Los grupos empezaron a incluir arreglos completos de vientos, superponiendo partes como si fueran una orquesta en miniatura.

Grupos como The Skatalites allanaron el camino, pero fueron bandas como The Wailers y Third World las que lo hicieron masivo. Se oía una trompeta y un saxo doblando la misma línea para darle fuerza, con un trombón deslizándose por debajo para engordarla.

https://www.youtube.com/watch?v=OSOqWgqwynQ

Echa un vistazo a "Exodus" de Bob Marley . La sección de vientos es la fuerza motriz del tema. Lo mismo con "Your House" de Steel Pulse y "Sponji Reggae" de Black Uhuru.

Por supuesto, como todo en la música reggae, los metales acabaron digitalizándose. A finales de los 80 y los 90, con el auge del dancehall y el abaratamiento de los equipos de estudio, las secciones de vientos en directo empezaron a ser sustituidas por vientos de sintetizador y pulsaciones de teclado. No era lo mismo, pero tenía su propio estilo. Era más ajustado, más robótico y mucho más fácil de controlar en una mezcla.

Teclados como el Korg M1 y el Roland D-50 estaban cargados de presets de metales cursis pero encantadores que los productores utilizaban a fondo. Era una época diferente, pero todavía muy reggae.

¿Qué papel desempeñan? Al igual que las guitarras, las trompas de un grupo de reggae rara vez se lucen. No intentan hacer un solo de jazz ni robar protagonismo. En cambio, están ahí para puntuar los estribillos, reforzar las líneas vocales y dar a la música ese inconfundible empuje. Esencialmente, son el equipo de animación del riddim.

7. Órgano

Puede que el órgano empezara en la iglesia, pero en el reggae dio un giro a la izquierda y nunca miró atrás. Ha sido un elemento básico desde el principio.

https://www.youtube.com/watch?v=94fG4A_jQuM

Los primeros músicos de reggae se apoyaban mucho en el órgano. Se puede oír en "Monkey Man" de The Maytals y en "You Can Get It If You Really Want" de Jimmy Cliff. Hay un ritmo sutil justo debajo de la voz que se llama "burbuja". Es un estilo sincopado en el que el órgano rellena el espacio entre el bombo y la caja, casi como si masajease el ritmo en lugar de impulsarlo. No es llamativo, pero es esencial. Piensa en él como el latido detrás del latido.

En cuanto al equipo, el sonido clásico procedía de órganos de rueda tonal como el Hammond B3, a menudo emparejado con un altavoz Leslie para conseguir ese tono arremolinado y alabeado. Esa configuración era voluminosa y cara, por lo que muchos productores jamaicanos recurrieron a órganos combinados más asequibles, como el Vox Continental o el Farfisa, ambos con un sonido más crudo y agresivo que se abría paso a través de una mezcla densa sin mucho trabajo adicional.

Cuando llegaron los años 80, lo digital había tomado el relevo. Aparecieron el Yamaha DX7, el Korg M1 y otros teclados cargados de patches de órgano. No eran tan ricos como los de verdad, pero cumplían su función y, en cierto modo, ese tono digital tan fino encajaba con el ambiente electrónico y despojado de la época. Los productores ajustaban el ataque y la liberación para imitar ese ritmo de burbuja pulsante, a veces pasándolo por phasers o retardo de cinta para darle más movimiento.

Más información sobre progresiones de acordes de reggae .

8. Clavinet

Hoy en día, el clavinet no es tan apreciado en el reggae, pero hubo un tiempo en que estaba en todas partes. Tuvo su momento en los años 70, sobre todo en el estilo roots reggae, donde su tono funky y percusivo añadía una capa completamente nueva al groove. Si el órgano era suave y constante, el clavinet era su primo más rápido y agresivo.

El sonido de un clavinet está a medio camino entre el de una guitarra y el de un teclado. Es agudo, vibrante y lleno de actitud. Es básicamente un clavicordio eléctrico, que no suena bien hasta que lo conectas y lo pasas por un pedal wah o un phaser. Entonces, de repente, tienes algo que puede rebotar, golpear o chirriar junto a la guitarra rítmica o ocupar ese espacio por completo.

Su papel en una banda de reggae solía ser rítmico. Se oían punteos cortos y sincopados, rellenos funky o pequeños riffs rápidos que se metían en el bolsillo. Añadía una textura crujiente a la mezcla que hacía que todo pareciera más ajustado. El estilo de tocar también era muy staccato. Las notas se mantenían cortas y entrecortadas para que se asentaran entre el ritmo.

El modelo de referencia era el Hohner Clavinet D6. Esta cosa era básicamente el clavinet. Tenía un ladrido y un mordisco característicos que no se pueden falsificar. Stevie Wonder lo hizo famoso en el funk con "Superstition", pero los productores de reggae definitivamente lo cogieron. Lo pasaban por amplificadores, pedales o incluso le ponían un poco de delay si se sentían aventureros.

https://www.youtube.com/watch?v=5WZY1cEecbI

¿Quieres oírlo en acción? Echa un vistazo a "Stepping Razor" de Peter Tosh. Oirás un teclado percusivo que se cuela en la mezcla y que es el clav haciendo de las suyas. No está en primer plano, pero una vez que lo oyes alejarse, te das cuenta de lo mucho que aporta.

En el reggae moderno, el clav no aparece tanto. Quizá porque es un sonido de nicho, o porque ha sido sustituido por sintetizadores y samplers, pero cuando aparece, es como una pequeña cápsula del tiempo de la época dorada del reggae. Rasposo, funky y sin complejos.

9. Vocales

Y por último, llegamos a la guinda, las voces.

Son el mensaje, el estado de ánimo y, a veces, la razón de ser de la canción. Ya sea una protesta, una alabanza o una fiesta, las voces llevan el peso. Y en muchas canciones de reggae, ese peso suele ser considerable. No suelen ser sólo canciones de amor con ganchos pegadizos (aunque también hay muchas). Las voces del reggae hablan a menudo del alma, de la lucha y de algo en lo que creer.

Tonalmente, las voces de reggae tienden a ser cálidas y naturales. No suele haber mucho pulido de estudio, como corrección de tono o diez capas de armonías dobladas (a menos que hablemos de reggae pop ultramoderno).

A menudo, lo que oyes es lo que hay, y de eso se trata. La emoción se percibe en las grietas, el aliento, las pequeñas imperfecciones. Los cantantes a menudo se sientan detrás del ritmo, dando a las cosas una sensación ligeramente perezosa y relajada que, de alguna manera, hace que el mensaje llegue con más fuerza.

La lírica es muy variada. Hay temas espirituales, justicia social, amor, desamor, hierba (mucha hierba) y, por supuesto, la vida cotidiana. Hay una honestidad conversacional. Incluso cuando las palabras son poéticas o simbólicas, da la sensación de que alguien te está hablando directamente. Temas como "Equal Rights" de Peter Tosh o "Redemption Song" de Bob Marley no sólo suenan bien. Significan algo.

Ahora bien, el estilo vocal reggae no es una situación única.

El género ha producido una gran variedad de vocalistas, cada uno con su propio tono, fraseo y presencia. Por ejemplo, Bob Marley. Su voz es suave, clara y emotiva sin esfuerzo. Su forma de expresarse era tranquila pero poderosa, como si alguien te dijera una dura verdad de la forma más suave posible. Canciones de Bob Marley como "Waiting in Vain" muestran cómo podía sonar íntimo y universal al mismo tiempo.

https://www.youtube.com/watch?v=IWxbhC44p2w

Toots Hibbert, de Toots and the Maytals, tiene un estilo vocal enérgico, con influencias del gospel y lleno de fuego. Toots puede cantar como un cantante de soul y gruñir como un bluesman. Pongan "Funky Kingston" o "54-46 Was My Number" y díganme que no sienten esa energía en el pecho.

https://www.youtube.com/watch?v=wNxNwvjzGM0

También tenemos a Marcia Griffiths, que era una potencia por derecho propio. Tanto en solitario como formando parte de los I-Threes (el trío vocal de acompañamiento de Bob Marley), su voz aportaba elegancia y calidez a cada tema. Echa un vistazo a su tema en solitario "Feel Like Jumping". Es pura alegría en cera. Combinaba la fuerza con la dulzura, creando un tono vocal imponente y reconfortante a la vez. Demostró que la música reggae podía ser tierna sin perder su filo.

https://www.youtube.com/watch?v=Ur5yqXuvno0

Si lo que busca es un sonido reggae moderno completamente diferente, eche un vistazo a Eek-A-Mouse. Su voz es en parte canto, en parte brindis y en parte canto de pájaro alienígena. Es extraño, salvaje y, de algún modo, funciona. "Ganja Smuggling" es un ejemplo perfecto de algo juguetón, rítmico y totalmente diferente a cualquier otro.

https://www.youtube.com/watch?v=UR9Cj5UyVbM

Incluso en la música dancehall, el dub reggae y las eras digitales, el estilo vocal siguió siendo fundamental. Artistas del reggae como Buju Banton aportaban una voz ronca, casi gritada, que parecía urgente y cruda. Otros, como Beres Hammond, se inclinaban por baladas suaves y románticas con un tono mantecoso y un fraseo evangélico.

¿El hilo conductor de todo esto? El sentimiento. Ya sea suave o áspera, seria o tonta, la voz en la música reggae siempre proviene de un lugar real. Eso es lo que hace que peguen. No se trata de una técnica perfecta ni de ejecuciones llamativas. Pero el corazón, el mensaje y el estilo se quedan contigo mucho después de que se apague el ritmo.

Empieza a crear tu propia música reggae

Ahora que conoces mejor los principales instrumentos de reggae que componen este género atemporal, ¡puede que sea el momento de empezar a hacer tus propias grabaciones de reggae! Una de las mejores formas de encontrar inspiración para el estilo reggae es escuchar a artistas legendarios del reggae y analizar qué hace que su música sea tan excepcional.