Il bello di imparare a mixare la musica è che potete trovare la vostra formula unica: una firma sonora che vi identificherà come artista o tecnico audio e vi aiuterà a creare una tavolozza sonora che vi farà distinguere. Ma prima di tutto questo, ci sono alcune regole del missaggio audio che, anche se non sono definitive, vi aiuteranno sicuramente a ottenere un suono più professionale.

Alcuni consigli sono pensati per aiutarvi a ottimizzare il flusso di lavoro, altri per garantire che la vostra musica suoni bene su tutti i sistemi di riproduzione. Tutti questi consigli hanno in comune il fatto di fungere da controllo della realtà durante il missaggio, guidandovi nelle regolazioni e aiutandovi a prendere decisioni consapevoli, sia che lavoriate alla vostra musica che a quella di altri artisti.

Ogni tecnico del suono avrà le proprie teorie su ciò che è cruciale e ciò che non lo è quando si mixa l'audio, ma di seguito troverete quelle che ritengo siano le regole da seguire quando si vuole creare un mix professionale, indipendentemente dal vostro stile, genere ed esperienza.

Capire il genere

Se state mixando la vostra musica, si presume che abbiate familiarità con il genere musicale che state producendo. Tuttavia, le cose potrebbero essere diverse se siete un tecnico audio che lavora con più artisti di diversi generi.

Metal, hip-hop, pop, musica classica: ogni genere ha le sue regole e le sue aspettative sonore. Potreste decidere di non seguirle ciecamente, ma dovreste almeno conoscerle. Un assolo di chitarra avrà un suono completamente diverso se fa parte di una canzone pop, soul, disco o heavy metal; lo stesso vale per ogni altro elemento di una canzone, dalla batteria alla voce e ai sintetizzatori.

Nel rock e nel metal, bilanciare i livelli delle medie frequenze può essere un compito lungo e impegnativo; nella musica pop, la voce principale è di solito l'elemento più importante; nell'hip-hop e nella techno, la cassa dovrebbe essere la forza trainante del ritmo. Potremmo continuare all'infinito a parlare di come ogni genere abbia le sue firme distintive, ma sta a voi capire e identificare ciò che è cruciale nel vostro mix e migliorarlo di conseguenza.

L'obiettivo finale è sempre quello di creare un suono coeso che sia in linea con ciò che il pubblico immagina, e il mix finale che invierete al tecnico di masterizzazione dovrebbe già presentare le caratteristiche del genere su cui state lavorando.

Organizzazione mista

Organizzare il flusso di lavoro durante il mixaggio significa risparmiare tempo, ottenere risultati coerenti e creare un suono riconoscibile da adattare a più progetti senza dover ricominciare ogni volta da zero.

Esistono diversi modi per preparare la sessione e alcuni dei più comuni includono il raggruppamento, la codifica dei colori, la denominazione delle tracce, l'uso di cartelle di tracce e l'uso di bus.

Se si raggruppano tracce simili, come sezioni di archi e batteria, sarà più facile regolare i livelli e gli effetti di queste tracce. È anche un ottimo modo per visualizzare il progetto e vedere le tracce separate come parte di un unico elemento.

L'uso della codifica dei colori può cambiare le carte in tavola quando si lavora a progetti di grandi dimensioni: si può usare per differenziare gli elementi nel mix e per individuare facilmente le tracce. Ad esempio, si può usare un colore per il sintetizzatore, un altro per la chitarra e un altro ancora per la voce. Ancora una volta, questo vi darà una rappresentazione visiva di ciò che sta accadendo a colpo d'occhio, il che è fondamentale se siete un tecnico del suono che lavora su più progetti.

In alcune DAW è possibile creare cartelle di tracce, un modo per raggruppare le tracce in modo gerarchico, che può aiutare a mantenere gli elementi del mix organizzati e ordinati.

Infine, non dimenticate l'importanza dei mix buss, i canali virtuali che consentono di raggruppare più tracce e di applicarvi effetti collettivi. Il loro utilizzo non solo vi farà risparmiare un'enorme quantità di tempo, ma avrà anche un impatto positivo sulla coerenza del vostro mix.

Brani di riferimento

Questo è forse l'aspetto più cruciale quando si vuole produrre un mix di buona qualità. Scegliere una traccia di riferimento che sia in linea non solo con il genere su cui si sta lavorando, ma anche con i desideri del cliente, con il proprio gusto e con gli strumenti a disposizione non è un compito banale, ma è necessario.

Quando si lavora con un cliente a un mix musicale, è sempre una buona idea chiedergli dei brani precedenti come riferimento, che vi daranno un'idea più chiara del tipo di equilibrio che stanno cercando nel loro mix. Sapendo esattamente ciò che voi o i vostri clienti state cercando, potrete creare un mix in linea con le loro aspettative.

Dedicate un po' di tempo all'esplorazione del genere, degli artisti e della musica in questione per risparmiare tempo nel processo di missaggio. Non è necessario che il vostro mix suoni come quello di tutti gli altri, ma è buona norma sapere a cosa è abituato il pubblico prima di iniziare il processo di mixaggio.

Da dove iniziare

Quando è il momento di iniziare a mixare, potreste chiedervi quale strumento musicale dovreste affrontare per primo. Ancora una volta, non esiste una risposta univoca a questa domanda, ma come regola generale vi consiglio di iniziare con il basso e la batteria.

Queste sono le solide fondamenta del brano e il loro bilanciamento vi aiuterà a prendere decisioni consapevoli sulla collocazione degli elementi principali del mix (chitarre, synth, voce).

Inoltre, la batteria comprende l'intero spettro di frequenze, il che può fornire un'anteprima del comportamento delle frequenze nel mix.

Se si inizia con la batteria, la scelta migliore è quella di concentrarsi prima sul rullante e sulla cassa. Il rullante dovrebbe essere uno degli elementi più rumorosi del mix: è la spina dorsale del brano e ne definisce il groove: ogni altro elemento della batteria dovrebbe ruotare intorno ad esso.

La cassa è quasi altrettanto importante. Deve essere forte, ma non troppo, perché potrebbe mettere in ombra i transienti del rullante o degli strumenti principali.

Tutto il resto (tom, piatti, percussioni) viene dopo rullante e cassa. Dovete dare loro lo spazio appropriato nel vostro mix, assicurandovi che siano chiaramente udibili senza mettere in ombra ciò che guida il groove nel vostro mix.

Quando passate agli altri elementi del vostro mix, concentratevi su come migliorare la profondità del mix e mettere a punto tutti gli strumenti musicali coinvolti. Più elementi si aggiungono al mix, più il processo di bilanciamento richiederà piccoli aggiustamenti per ottenere un buon suono. All'inizio potrebbe sembrare opprimente, ma con il tempo diventerà un processo divertente e coinvolgente e inizierete a vedere la vostra firma sonora unica in ogni brano che mixate.

Prima i volumi, dopo gli effetti (mix statici)

Il mix statico dovrebbe essere il primo passo del processo di missaggio. Se fatto bene, vi darà un mix grezzo che renderà molto più facile ottenere l'incollatura del mix attraverso gli effetti di post-produzione.

Cercate di ottenere un mix equilibrato usando solo i fader del volume e i controlli pan, senza l'aiuto di elaborazioni dinamiche, effetti o automazione. Questo bilanciamento di base vi aiuterà a creare un equilibrio e un'immagine stereo approssimativa nella vostra traccia, che potrete migliorare con gli effetti in seguito.

Iniziate impostando tutti i livelli di volume a zero e poi portate lentamente ogni traccia nel mix, una per una. Regolate i fader del volume per assicurarvi che ogni elemento si collochi bene nel mix, concentrandovi sul modo in cui interagiscono tra loro. Usate il panning per posizionare gli elementi all'interno del campo stereo, dando a ciascuno il proprio spazio ed evitando il mascheramento delle frequenze.

Il mix statico finale deve suonare come una versione grezza dell'album che pubblicherete: tutti i volumi devono essere perfettamente bilanciati e ogni strumento deve avere il proprio spazio sul palcoscenico.

È probabile che dobbiate apportare delle modifiche quando inizierete ad applicare EQ, fader e compressione. Tuttavia, questo mix di base sarà un punto di partenza fondamentale per iniziare a scolpire il vostro suono attraverso gli effetti.

Dimenticate il pulsante "Solo

Il missaggio consiste nel raggiungere l'equilibrio e l'armonia tra tutti gli elementi di un brano, quindi non dovrebbe sorprendere che una visione olistica quando si lavora su un brano dia i migliori risultati.

Le regolazioni di frequenza effettuate in modalità solista possono far perdere chiarezza al mix: Le regolazioni dell'equalizzatore effettuate in questo modo possono far sì che una traccia "invada" lo spazio di frequenza di un'altra, oppure le impostazioni di compressione che sembravano ideali da sole possono compromettere la dinamica del mix.

Ancora una volta, consiglio di utilizzare le regolazioni del volume e del panning come strumenti principali per risolvere i problemi di mix e migliorare il bilanciamento dinamico. La rimozione del rumore o piccole regolazioni dell'equalizzazione possono richiedere un assolo, ma sono da considerarsi eccezioni, non la regola.

Lasciare spazio alla testa

L'headroom è lo spazio tra i livelli di picco di un segnale audio e il limite massimo di un sistema digitale.

Questo spazio protegge dal clipping, ma definisce anche la qualità e la consistenza del suono, soprattutto quando si utilizzano i plugin. Questo perché i plugin digitali rispondono in modo diverso a seconda dei livelli di ingresso: livelli di ingresso più bassi di solito determinano un'interazione dinamica più reattiva all'interno del plugin e un'applicazione più trasparente ed efficace dell'effetto.

Infine, disponendo di sufficiente headroom, si evitano il clipping e gli artefatti indesiderati della distorsione digitale e si migliora la dinamicità della traccia. Come regola generale, durante il missaggio si dovrebbe lasciare un margine di headroom compreso tra 3 e 6 dB.

Ascolto silenzioso

Quando ascoltiamo musica a basso volume, le nostre orecchie sono meno sensibili ai bassi e agli alti estremi dello spettro di frequenza. Quando il volume di riproduzione aumenta, iniziamo a sentire le frequenze alte e basse in modo uniforme. Provate ad ascoltare una canzone pop a volume molto basso: avete notato che riuscite ancora a sentire chiaramente la voce, ma la linea di basso è appena udibile?

Quindi, se un mix riesce a raggiungere un senso di pienezza e chiarezza a basso volume, è ben bilanciato. D'altra parte, se un mix suona equilibrato a volumi più alti ma perde chiarezza e coesione quando il volume viene ridotto, significa che qualcosa non funziona nell'interazione degli elementi all'interno del mix.

Infine, ma non meno importante, l'ascolto a basso volume è importante anche per creare un ottimo mix che funzioni bene su tutti i sistemi di riproduzione, preservando la gamma dinamica e l'espressività.

L'importanza della mononucleosi

Un mix che mantiene chiarezza ed equilibrio in mono, dove tutti gli elementi sono sommati in un unico canale, è un mix che non ha bisogno di ulteriori regolazioni di livello. Raccomando sempre di verificare il suono di un mix in mono, perché è il modo migliore per identificare e risolvere i problemi di frequenza.

In un missaggio stereo, i diversi elementi possono essere collocati e distribuiti sul campo stereo per creare separazione e spazio. Tuttavia, quando questi elementi vengono riuniti in mono, qualsiasi problema di cancellazione di fase diventa molto più evidente. Allo stesso modo, i problemi di mascheramento delle frequenze possono essere identificati più facilmente quando si ascolta in mono.

Infine, un mix che si comporta bene in mono è probabilmente più coerente in un'ampia gamma di sistemi di riproduzione, dai sistemi audiofili di fascia alta ai dispositivi a singolo diffusore, che è esattamente ciò che si cerca quando si mixa la musica.

Conoscere gli strumenti migliori, ma lavorare con quelli che si hanno a disposizione

So per esperienza che è facile farsi prendere dall'idea che per ottenere un suono professionale siano necessari plug-in e apparecchiature costose. Al giorno d'oggi non è più così.

La maggior parte delle workstation audio digitali è dotata di una serie di plugin integrati in grado di fornire risultati professionali; si può iniziare imparando a padroneggiare questi strumenti, una soluzione più ragionevole rispetto all'acquisto di un gran numero di plugin di terze parti che probabilmente non si useranno mai.

Non sto dicendo che non dobbiate conoscere o procurarvi plug-in e apparecchiature di alta qualità per i vostri progetti, ma diventare ossessionati da questi distrae dagli aspetti più cruciali del mixaggio, che consistono nell'affinare le vostre capacità, fidarvi delle vostre orecchie e usare le risorse che avete a disposizione per creare il miglior mixaggio possibile.

Pensieri finali

Nella produzione audio, nulla è definito in modo definitivo. E questo fa parte di ciò che la rende un'esperienza così coinvolgente e creativa.

Tuttavia, un attento bilanciamento dei volumi è ciò che può trasformare il vostro mix in un successo: dedicate del tempo a comprendere ogni strumento presente nel vostro brano e la sua posizione ideale sul palcoscenico. Non concentratevi sui singoli elementi, ma piuttosto sull'esperienza sonora nel suo complesso, con la quale l'ascoltatore possa entrare in contatto e sentirne l'impatto emotivo.

Non potrò mai sottolineare abbastanza l'importanza di testare il vostro mix su diversi sistemi di riproduzione per assicurarvi che venga riprodotto come lo immaginate su tutti i dispositivi. Un brano potrebbe suonare benissimo in studio e malissimo nel sistema audio della vostra auto, e non volete che questo accada. Utilizzate cuffie professionali e monitor da studio, ma verificate i vostri mix anche con gli auricolari economici: dovrebbero suonare bene indipendentemente da come li ascoltate.

Buona fortuna e siate creativi!