Vi siete mai chiesti come sono state create le vostre canzoni preferite? O forse volete creare la vostra musica?

Se sognate di produrre musica per altri artisti, di comporre musica per i media o se volete semplicemente capire come viene fatta la salsiccia musicale, questa guida passo dopo passo vi ha fatto capire come funziona.

Vi guideremo attraverso l'intero processo, compresa la suddivisione dell'attrezzatura necessaria, le tecniche di composizione e di songwriting e gli aspetti tecnici della produzione musicale.

La produzione musicale è un mondo selvaggio e divertente fatto di plugin, software, hardware, abilità e creatività. Ma tutto ciò che serve è un computer portatile e un sogno.

E questa guida.

Ogni produttore musicale inizia da qualche parte. Questo è il punto di partenza.

Produzione musicale Parte 1: Attrezzature e competenze

Fondamenti di produzione musicale

L'espressione "produrre musica" è un modo ingannevolmente semplice per descrivere tutta una serie di attività che compongono il processo di produzione musicale.

Ecco una panoramica super-basica di ciò che può comportare la produzione di musica:

Scrittura e arrangiamento

Prima di registrare qualsiasi brano musicale, è necessario scriverlo. Certo, ci sono molti produttori che scrivono i brani mentre li producono: costruiscono un ritmo, creano una progressione di accordi, aggiungono una linea di basso e così via.

Quando si scrivono canzoni, è più importante scrivere prima di andare in studio, perché il testo è una parte così importante della canzone.

In ogni caso, a un certo punto la musica e il testo devono essere scritti e devono essere organizzati in una struttura coerente - arrangiando la canzone.

Non tutti i produttori musicali partecipano alla scrittura delle canzoni, soprattutto quando lavorano prevalentemente con gli artisti, piuttosto che per se stessi.

Programmazione e progettazione del suono

A seconda dello stile musicale che si sta producendo, nel processo di produzione può essere presente un elemento di programmazione. Questo può includere la programmazione di battute e parti di basso, o la creazione di suoni diversi utilizzando sintetizzatori e plugin.

Alcuni generi si basano maggiormente su questo processo rispetto ad altri. La musica elettronica, per esempio, comporta una maggiore quantità di programmazione rispetto alla produzione di un gruppo rock. Più si è "dentro gli schemi", più si programma.

Registrazione

La registrazione di voci o strumenti "veri" è un aspetto importante della produzione musicale. Se lavorate con altri musicisti e cantanti, il ruolo del produttore consiste nel tirare fuori le migliori performance da ognuno durante la registrazione. A tal fine, è necessario possedere eccezionali doti umane!

Missaggio e masterizzazione

Una volta che tutto è stato registrato e programmato, la traccia dovrà essere mixata e masterizzata. Alcuni produttori si occupano da soli di uno o di entrambi, mentre altri si affidano a un tecnico dedicato al mixaggio e/o al mastering.

Cosa fa un produttore musicale?

Che ruolo ha un produttore musicale in tutto questo? Dipende. Molti musicisti producono la propria musica, assumendo il ruolo di autore, artista e produttore. Esempi famosi sono Chance the Rapper, l'artista grime britannico Skepta e Pharrell Williams.

Altri produttori musicali collaborano con gli artisti per contribuire a plasmare il loro suono. Ciò può comportare la semplice elaborazione di un arrangiamento in studio e la capacità di ottenere le migliori performance dai musicisti che registrano, oppure una partecipazione più approfondita al processo di creazione della musica. George Martin è stato comunemente definito il "quinto Beatle" per il suo forte coinvolgimento nel processo creativo dei Beatles.

Un produttore musicale di successo sarà abile in tutti questi aspetti, ma saprà dove si inseriscono nel quadro e come possono servire al meglio alla musica.

Strumenti e attrezzature

Sia che stiate producendo le vostre canzoni sia che stiate collaborando con altri artisti, avrete bisogno di un'attrezzatura di base per iniziare. Certo, potreste prenotare un periodo di tempo in uno studio di registrazione con tutti gli strumenti già pronti, ma questo diventa costoso in fretta, soprattutto quando siete agli inizi del vostro percorso di produzione musicale.

La buona notizia è che si può costruire un impianto di home studio sorprendentemente capace senza spendere una fortuna (o la carta di credito dei genitori). Diamo un'occhiata agli strumenti e alle attrezzature essenziali di cui avrete bisogno per iniziare a fare musica nel comfort del vostro spazio.

Computer

La prima cosa di cui avrete bisogno è qualcosa che probabilmente avete già: un computer. Che sia Mac o Windows OS, sarà il cuore pulsante del vostro studio. L'ideale sarebbe avere processori ad alte prestazioni, molta RAM e un disco SSD per far funzionare tutto senza problemi.

Workstation audio digitale

Una DAW (digital audio workstation) è il quartier generale di un produttore musicale professionista. È il luogo in cui tutto avviene: si registrano gli strumenti, si programmano i sintetizzatori, si trasformano le melodie in tracce, ecc. In breve, è lo strumento principale di un produttore musicale.

Esistono tantissime fantastiche opzioni di workstation audio digitali adatte a tutte le tasche:

• Mietitore
• Logic Pro
• Ableton Live
• Studio FL
• Cubase
• Strumenti Pro
• PreSonus Studio One

Pur avendo caratteristiche diverse, tutti fanno essenzialmente la stessa cosa: catturare la musica creata.

Interfaccia audio

Un'interfaccia audio trasferisce i segnali analogici nel mondo digitale e viceversa. Se state registrando qualsiasi tipo di sorgente esterna nella vostra DAW, come voce, chitarra, ecc.

Alcune interfacce audio offrono anche ulteriori opzioni di connettività, come il MIDI e l'audio digitale; essenziale se si desidera collegare al sistema hardware MIDI o analogico.

Infine, un'interfaccia audio fornirà le uscite per collegare monitor da studio e cuffie (a volte più set), permettendovi di ascoltare il vostro capolavoro in tutta la sua gloria sonora. A proposito...

Monitor e cuffie

Avrete bisogno di qualcosa con cui ascoltare la musica creata da voi. Gli air pod o gli altoparlanti di tipo consumer non sono adatti a questo scopo: colorano il suono per renderlo piacevole all'orecchio.

Ciò di cui avete bisogno sono monitor e cuffie da home studio dedicati, che offrano una rappresentazione accurata di ciò che esce dalla vostra DAW, con tutti i suoi difetti. Vi serviranno per il monitoraggio durante la registrazione delle tracce e anche in seguito nel processo di produzione.

Controllore MIDI

Qualunque sia il tipo di musica che fate, vale la pena di avere un controller MIDI come parte del vostro set-up. Sono disponibili in tutte le forme e dimensioni e con caratteristiche diverse, ma anche un semplice controller a tastiera vi consentirà di inserire le note in modo facile e veloce.

I controller MIDI sono spesso dotati di pad, pulsanti e manopole che rendono più musicale la riproduzione di pattern di batteria o il controllo di altri parametri MIDI. Alcuni sono anche dotati di fader per aiutare il flusso di lavoro del mixaggio.

Campioni, strumenti software ed effetti

A meno che non stiate registrando canti gregoriani in una chiesa, avrete bisogno di alcuni plugin per elaborare i vostri suoni. Dagli effetti di base, come il riverbero e il delay, alle elaborazioni più complicate, come la sintesi sonora granulare e la compressione a catena laterale, questi plugin vi aiuteranno a creare un suono unico e a rendere il vostro mix professionale.

Fortunatamente, la maggior parte delle DAW viene fornita con strumenti ed effetti di serie che permettono di svolgere bene il lavoro, quindi non c'è bisogno di spendere subito in software.

Microfono

Infine, se avete intenzione di registrare la voce (o qualsiasi altro tipo di strumento acustico) nel vostro home studio, avrete bisogno di un microfono di qualità decente. Assicuratevi di sceglierne uno che funzioni bene per i tipi di sorgenti sonore che registrerete.

Sedia e scrivania confortevoli

Anche se non è del tutto indispensabile, avere una combinazione di sedia e scrivania comoda per lavorare per ore e ore mentre si compone musica aumenterà la produttività. Che dire? Mi piace stare comodo quando produco.

Competenze del produttore musicale

Sì, si può andare all'università per studiare la produzione musicale, ma i costi aumentano. Molti produttori sono autodidatti e la maggior parte delle tecniche di produzione musicale può essere appresa attraverso corsi online, guardando video online o lavorando attraverso tutorial su siti web o riviste.

Esistono tuttavia alcune competenze meno ovvie che vi aiuteranno a diventare produttori migliori.

Teoria musicale

Forse questa è una domanda ovvia. Ma più si capisce come funziona la musica, più si è bravi a produrla; si saprà istintivamente perché qualcosa non funziona musicalmente e come risolverlo.

Inoltre, se lavorate con altri musicisti, vi aiuterà a comunicare più efficacemente con loro. A questo proposito...

Abilità delle persone

La comunicazione è probabilmente la parte più importante dell'essere produttore. Dal networking nell'industria musicale alla collaborazione con altri artisti, saper mettere a proprio agio le persone è un'abilità essenziale.

Capacità di ascolto

Tutti ascoltano la musica. Ma un produttore musicale ascolta in modo diverso.

Ascoltare attivamente significa sintonizzarsi sui dettagli, analizzare le melodie, scomporre gli arrangiamenti, capire cosa succede nel mix e individuare le tecniche utilizzate nelle canzoni più popolari. Significa anche tenere l'orecchio attento ai cambiamenti di stile, suono e struttura che riflettono le tendenze attuali del settore.

Sviluppare questo tipo di ascolto mirato è una delle abilità più preziose che si possono acquisire come produttori musicali, e tutto ciò si affina con la pratica.

Gestione del progetto

Potrebbe sembrare una cosa da manuale aziendale, ma la gestione dei progetti è una parte importante dell'attività di produttore musicale, soprattutto se si sta producendo un intero album con una band o si sta lavorando a un progetto in collaborazione.

Dovrete occuparvi di cose come la gestione dei file, la programmazione delle sessioni, la prenotazione dei musicisti e il controllo del budget (sì, anche un produttore musicale non può fare a meno di un foglio di calcolo).

È utile anche avere una conoscenza di base del funzionamento dei contratti dell'industria musicale. Trattare con i musicisti di sessione, le licenze o le royalties non è la parte più appariscente della produzione discografica, ma è sicuramente una delle più importanti se si vuole gestire una produzione professionale e senza intoppi.

Produzione musicale Parte 2: Tecniche e strategie

Tecniche di composizione e scrittura di canzoni

Punti di partenza

Non c'è niente di peggio che fissare uno schermo bianco, voler scrivere musica, ma non sapere da dove cominciare. Parte del problema è che ci sono molti modi per iniziare una canzone.

Costruire un ritmo

Iniziare una canzone con un groove può essere un ottimo modo per dare energia e ritmo e, in alcuni generi, per guidare tutti gli altri strumenti. Le workstation audio digitali come FL Studio e Ableton Live rendono semplice e facile la creazione di ritmi.

Creare una progressione di accordi

Se volete qualcosa di più vibrante, provate a iniziare con una progressione di accordi. Anche qualcosa di semplice può dare il via alle danze e, una volta iniziato, si possono cambiare gli accordi per creare qualcosa di più unico.

Scegliere la struttura di un brano

Avere una mappa dell'andamento della canzone può aiutare a mantenere la concentrazione, soprattutto quando si scrive il testo.

Scrivere alcuni testi

Se la musica non è disponibile, provate a partire dal testo. Un forte gancio lirico può suggerire un ritmo che diventerà la base di una canzone.

Mettere insieme alcuni loop

A volte è bene giocare con le idee. Provate a inserire un gruppo di loop in un progetto per creare uno stato d'animo. Possono essere audio o MIDI, qualsiasi cosa per dare il via alla vostra creatività. Spesso troverete un frammento di idea musicale nascosto da qualche parte e quella pepita vi condurrà in un nuovo territorio creativo.

Spaghetto in giro

Non è necessario essere dei virtuosi del pianoforte o della chitarra per poterlo fare. Basta trovare un suono che vi piace, premere il tasto record e iniziare a suonare. Esplorate, fate errori e addentratevi in territori che non avete mai visitato prima. Soprattutto, non modificatevi: suonate e basta.

Mantenere la semplicità

Sì, conoscere la teoria musicale aiuta a produrre musica, ma non è necessario avere una laurea in musica per scrivere canzoni.

Molte canzoni popolari si basano su progressioni di tre o quattro accordi molto semplici. Spesso la strofa e il ritornello utilizzano la stessa progressione con una melodia diversa e con una strumentazione diversa. Non è necessario esplorare tutte le possibilità armoniche se si trova una cosa che funziona bene.

Lo stesso vale per le melodie: spesso sono più efficaci quando sono brevi, cantabili e ritmicamente interessanti.

Non cercate di reinventare la ruota; quando trovate un'idea musicale che vi piace, seguitela. Dopo tutto, l'emozione che sta dietro alla canzone è ciò che attirerà gli ascoltatori.

Imparare dagli altri

Ci sono molte canzoni al mondo. Alcune buone, altre cattive, altre ancora indifferenti (mi riferisco ai Nickelback). Ma che le si ami o le si odi, si può imparare molto ascoltando attivamente le canzoni. Iniziate con i vostri brani preferiti;

• Qual è la struttura della canzone?
• Come si muove la progressione degli accordi?
• Qual è la forma della melodia?
• In che modo il tempo influisce sulle qualità emotive?

Non sto dicendo di copiare la vostra canzone preferita; piuttosto, imparate cosa vi emoziona studiando tutte le parti che la compongono.

Lo stesso vale per la strumentazione, gli arrangiamenti e le tecniche di produzione. Più ci si impegna in questo processo di apprendimento e si assorbe la musica di altri generi (in particolare quelli che non si ascoltano spesso), più ricco sarà il proprio stile musicale.

Iniziare a fare musica

Non c'è una regola ferrea su come iniziare una canzone; l'importante è iniziare, e continuare a farlo. Conservate tutto, anche la spaghettata che avete buttato giù dopo una notte in città. Potrete sempre tornarci sopra in un secondo momento.

Avviare il primo progetto

Avete raccolto tutti gli strumenti necessari e siete pronti per iniziare a produrre il vostro primo brano. Oo-err, signora. La produzione musicale richiede una vita per essere padroneggiata e il modo migliore per imparare è farlo.

Vediamo passo dopo passo come avviene la produzione musicale. Questo non è l'unico modo per farlo, è solo un modo per farlo. Per questa presentazione utilizzo Logic Pro, ma è possibile ricreare i passaggi praticamente in qualsiasi DAW.

Prima di iniziare

Sono un'appassionata di organizzazione. Aiuta a mantenere l'ordine quando si lavora su più progetti contemporaneamente. A tal fine, create una cartella principale sul disco rigido in cui memorizzare tutti i progetti in corso (potete archiviare i progetti su un disco esterno quando sono terminati).

Quindi creare una sottocartella per ogni progetto a cui si sta lavorando. Una volta aperta la sessione, si consiglia di salvare immediatamente con "Salva con nome" e di assegnarle un nome. In questo modo potrete salvare i vostri progressi man mano che procedete con un rapido Ctrl+S/Command+S, invece di perdervi nella musica e perdere tutto il vostro lavoro con un crash del sistema (è successo anche a me).

OK, le operazioni di pulizia sono terminate. Passiamo alla creazione di musica.

Passo 1: costruire una progressione di accordi

È un lunedì mite, quindi giochiamo e creiamo qualcosa di vibrante. Inizio con una progressione di accordi lunatica ( Am - Dm9 - G - E7/G# ) suonata su un pianoforte elettrico.

Fase 2: Aggiunta di basso e batteria

Successivamente, voglio aggiungere alcuni elementi fondamentali al brano. Il basso (insieme alla parte di pianoforte elettrico) fornirà la spina dorsale armonica, mentre la batteria darà al brano una base ritmica.

Per i suoni sto usando i preset degli strumenti forniti con Logic - posso sempre tornare indietro e modificarli in seguito.

Fase 3: registrazione delle melodie

Ora che abbiamo gli elementi di base del brano, voglio registrare un elemento melodico. Io scelgo una parte di sintetizzatore, ma voi potete usare una voce, un campione di sax o registrare il vostro.

Anche in questo caso, sto usando un preset di serie, ma ho modificato leggermente le impostazioni in modo che non sia così brillante. (e poiché siamo ancora nella terra del MIDI, tutto può essere sostituito in seguito).

Ho usato la mod wheel e il pitch bend per dare un po' più di espressione alla parte. Se finirò per cambiare il suono, dovrò fare attenzione che queste espressioni si traducano nella nuova patch.

Si noti che al momento sto costruendo i brani attorno a un loop. Alcuni produttori lavorano in questo modo, mentre altri costruiscono le canzoni in modo più lineare. Non c'è un metodo giusto o sbagliato.

Fase 4: Aggiunta di effetti e disposizione

Le cose stanno prendendo forma! Ora le idee di base sono a posto ed è il momento di arrangiare il pezzo. Per cominciare, copierò più volte il loop di 4 battute che ho creato e creerò delle regioni di marcatura per le diverse sezioni.

Poi comincerò a ritagliare lo spazio mutando le regioni, sia nella loro interezza, sia dividendole.

È forse la canzone più corta del mondo, ma si capisce come può essere messa insieme una produzione.

Aggiungiamo un po' di varietà a ciò che sta accadendo, disattivando il rullante nella seconda strofa e aggiungendo una parte di chitarra nel ritornello e nella seconda strofa. Sto usando un campione dalla libreria Apple Loops inclusa.

Ecco come suona al momento, senza effetti aggiunti:

Userò la compressione e l'equalizzazione per pulire e rendere più rigidi gli strumenti (compresa una compressione sidechain sul basso per far risaltare la cassa) e aggiungerò una distorsione di fase come effetto insert sul pianoforte elettrico.

Questo è anche il momento di aggiungere un po' di quella che mi piace chiamare "polvere di fata": tracce che non contengono necessariamente melodie o ritmo, ma che aggiungono qualcosa in più alla produzione. Ho usato un paio di istanze del wundersynth/campionatore Alchemy di Logic per aggiungere alcune texture e ho registrato una parte di shaker per sollevare il ritornello.

Fase 5: miscelazione

Il mixaggio è una forma d'arte degna di un articolo a sé stante, e in effetti ci sono molti. Per ora, mi concentrerò su alcuni concetti di base per iniziare.

Bilanciamento del volume

Prima di intervenire sul fronte dei plugin, iniziate a regolare i fader del volume per bilanciare i livelli delle diverse tracce.

Lasciate un po' di spazio per la fase di masterizzazione, quindi tenete d'occhio il livello complessivo in uscita dal bus stereo. L'ideale è che il picco sia intorno a -6 dB.

In questo esempio, aggiungerò una dissolvenza sul bus stereo per l'outro del brano. Non è originale, lo so, ma è un buon uso dell 'automazione, la vostra migliore amica nella produzione musicale.

Panning

Per dare spazio a tutto, distribuisco le tracce sul campo stereo. Il basso, il kick e il rullante rimangono al centro, mentre gli hats vengono spostati leggermente a sinistra (dall'interno dello strumento del campionatore stesso) e lo shaker va un po' a destra. Il panning può creare molto spazio quando si fa musica, quindi non bisogna avere paura di usarlo.

EQ

Per mantenere le cose ordinate, è bene eliminare la fangosità e domare le frequenze più aspre utilizzando l'equalizzazione. L'eliminazione delle basse frequenze nei brani lascia spazio al kick e al basso, mentre l'attenuazione delle frequenze più aspre facilita l'ascolto.

Nota a margine: ho già ripulito gli strumenti nella sezione precedente, quindi non ho molto da fare qui. Non c'è un modo giusto o sbagliato di procedere, l'importante è che sia fatto.

Riverbero + ritardo

Al momento il suono è un po' secco e insipido, quindi ho aggiunto un po' di riverbero alle parti di pianoforte, chitarra e sintetizzatore. Il riverbero aggiunge profondità e aiuta una produzione a dare l'impressione che tutto provenga dallo stesso spazio.

Ho anche aggiunto un piccolo ritardo sulla linea di synth, per dare movimento. Sto usando una mandata aux per ciascuno di questi effetti, in modo che tutti gli strumenti li condividano. Questo è un buon modo per conservare la potenza della CPU.

Brani di riferimento

Non ne sto usando uno (che cattiveria!), ma confrontare le vostre canzoni con brani di riferimento di un genere simile può essere un modo davvero utile per assicurarsi che la vostra musica sia all'altezza della concorrenza. Non si tratta di copiare, ma di imparare cosa rende solido un mix.

Ok, ecco come stanno le cose ora.

Si tratta di un brano musicale molto elementare, e ci sono molte altre tecniche di produzione che avrebbero potuto essere impiegate per ravvivare le cose. Ma questo esempio dimostra quanto possa essere semplice la produzione musicale: basta tuffarsi!

Missaggio e masterizzazione

Già che ci siamo, parliamo un attimo del mixaggio rispetto al mastering.

In poche parole, il missaggio consiste nel bilanciare tutte le parti di un brano in modo che rappresenti la visione dell'artista. Il mastering, invece, consiste nell'aggiungere il tocco finale a un mix in modo che suoni bene su una varietà di sistemi di riproduzione.

A volte un produttore musicale si impegna fino in fondo, producendo, mixando e masterizzando il brano. Altre volte un produttore affida la sessione a un tecnico per il missaggio, oppure mixa lui stesso e lascia che un tecnico del mastering porti il brano oltre il traguardo.

Attenzione: il missaggio e il mastering sono forme d'arte sottili che richiedono una vita (o più) per essere padroneggiate. Si può essere produttori fai-da-te, ma non ci si deve vergognare di dividere il carico (anche utilizzando servizi come eMastered ).

Progettazione e sintesi del suono

Che si tratti di un basso che fa tremare le ossa, di un pad lussureggiante o di uno strano bleep ricavato dalla scoreggia dello zio nel giorno del Ringraziamento, la produzione musicale inizia a sembrare magica quando si inizia a giocare con i suoni.

Il sound design e la sintesi sonora sono un processo pratico e sperimentale, nonché uno degli elementi più creativi (e unici) dell'attività di produttore musicale.

Invece di affidarsi esclusivamente a preset di synth e loop generici (su cui chiunque può mettere le mani), un buon produttore musicale imparerà a modificare, o a costruire da zero, i propri suoni. Non è necessario essere un mago del synth (Harry) per iniziare a suonare; basta iniziare a smanettare e non dimenticare di salvare le idee che ti vengono in mente.

Più suonate, più controllo avrete sul carattere emotivo e sonoro dei vostri brani. Qualunque sia l'ambito dell'industria musicale per cui si produce musica, anche solo avere alcuni suoni personalizzati può farvi distinguere come produttori.

Sviluppare la professione di produttore musicale

Essere un produttore musicale non è uno stato fisso: è un processo continuo di apprendimento di nuovi strumenti, di padronanza delle abilità tecniche e di scoperta di trucchi creativi che fanno fluire le idee.

Se volete diventare produttori musicali di successo, dovrete anche essere consapevoli delle tendenze dell'industria musicale o, meglio ancora, sviluppare un suono che contribuisca a definirle. La crescita, però, non avviene per caso. Ecco alcuni consigli pratici che vi aiuteranno a continuare a salire di livello:

Ci vuole tempo

Sì, iniziate subito a fare musica, ma sappiate che diventare un grande produttore musicale richiede tempo. C'è molto da imparare: come ottenere il massimo dalla DAW, come e quando usare i diversi effetti, come registrare strumenti dal vivo, tecniche di missaggio, arrangiamento, sound design - l'elenco è lungo.

Sfidate voi stessi a fare qualcosa di creativo ogni giorno, che si tratti di creare un beat, di sperimentare con un sintetizzatore o di ripassare un po' di teoria musicale. Fare musica dovrebbe essere divertente e fare il produttore è un viaggio. Combinate le due cose e farete un bel viaggio.

Sviluppare il proprio stile

Quando si inizia a produrre musica, tutto ruota intorno alla magia di creare suoni e mettere insieme brani. Più musica si produce, più si sviluppa uno stile caratteristico.

Potrebbe trattarsi di un "suono" specifico che definisce chi siete (pensate a Deadmau5 o Skrillex), o di un modo di lavorare come produttore musicale - Rick Rubin ha collaborato con molti artisti di generi diversi, ma si concentra sempre su un approccio scarno ed emozionale.

Non potete forzarlo, ma potete notare quali parti del processo di produzione musicale vi illuminano. Appoggiatevi ad esse: è lì che vive il vostro stile.

Lavorate con quello che avete

Non passa giorno senza che Instagram mi sbatta in faccia una pubblicità che cerca di farmi comprare ancora più attrezzatura. Lo stesso accadrà a voi, se non è già accaduto. Il fatto è che se rimanete bloccati nell'eterno ciclo di aggiornamenti costanti, non riuscirete mai a padroneggiare l'attrezzatura per la quale avete speso i vostri sudati soldi.

Certo, se state lavorando a un progetto che richiede un suono o un effetto specifico, prendetelo pure. Ma non prendete un altro compressore se non avete capito come spremere ogni grammo da quello in dotazione con la vostra DAW.

La necessità è la madre dell'invenzione, e capire come ottenere il suono che si desidera dagli strumenti che si hanno a disposizione è il momento in cui entra in gioco la vera creatività.

Presentarsi

Non aspettate l'ispirazione: tende a manifestarsi quando lo fate. Impegnatevi a fare musica regolarmente, anche solo per qualche ora alla settimana. La creatività (e l'ispirazione) è un muscolo; più lo si usa, più diventa forte.

Come disse Yoda: "Fare o non fare. Non c'è un tentativo".

Fallire gloriosamente

Alcuni giorni i vostri brani faranno schifo. Non c'è problema. A tutti capita di sbagliare. L'importante è andare avanti, riprendersi, aprire la DAW e ricominciare a fare musica.

Festeggiare i progressi

Allo stesso tempo, non concentratevi solo sul futuro. Guardate indietro a quanto avete fatto come produttori musicali. Ascoltate un vecchio progetto e riconoscete quanto avete imparato. Ogni nuovo trucco, ogni traccia finita, tutto questo si somma. Forza!

Rimanere curiosi

Anche quando non producete attivamente, potete comunque crescere. Ascoltate attivamente la musica: come è stata creata? Cosa la fa funzionare? Leggete interviste e libri sulla produzione musicale. Guardate i tutorial. Esplorate generi sconosciuti. Prendete in prestito le tecniche di altri produttori e provatele da soli.

Collaborare spesso

Lavorare con altri musicisti e artisti affina le orecchie, le capacità di comunicazione e di ascolto e l'istinto. Inoltre, vi fa uscire dalla vostra testa e vi porta nel mondo, dove avviene la vera crescita.

Conclusione: Fallo e basta

In superficie, il concetto di produzione musicale può sembrare complicato, tecnico o semplicemente alieno. La verità è che non è necessario conoscere una tonnellata di teoria musicale o capire come funziona un equalizzatore dinamico per iniziare. Ogni grande produttore una volta non aveva idea di cosa facesse un compressore: si possono imparare queste cose strada facendo. L'importante è iniziare.

Quindi fidatevi del processo; iniziate a produrre e continuate a farlo. Lasciatevi ispirare da altri produttori, esplorate generi al di fuori della vostra zona di comfort e immergetevi in tutti i tipi di arte, non solo nella musica. Accettate i vostri errori, festeggiate le vittorie e quando finite un brano... iniziatene un altro.

Andate avanti e fate la musica!