La musica dub può essere nata come un genere di nicchia, ma le sue ripercussioni sono arrivate ben oltre le coste della Giamaica, dove è nata. Dai brani carichi di eco delle leggende della musica reggae degli anni Settanta alla produzione ricca di bassi dell'odierna musica dance elettronica, il dub ha lasciato il segno su un'ampia gamma di musica popolare.

Artisti come i Clash e i Massive Attack si sono tuffati nel mondo del dub, creando musica che ha risuonato a lungo con il pubblico di tutto il mondo, ma in qualche modo il dub stesso rimane un genere che per molti è ancora poco conosciuto.

Nonostante la sua influenza pluridecennale, la musica dub continua a essere un suono onnipresente e allo stesso tempo sfuggente. In questo articolo ci addentreremo nella storia, nell'influenza e nelle icone della scena musicale dub. Alla fine, capirete perché il dub merita molto più di un semplice cenno di apprezzamento. E chi lo sa? Potreste persino ritrovarvi a inserire un beat ispirato al dub nella vostra prossima traccia!

Che cos'è la musica dub?

La musica dub, spesso definita "dub reggae", è nata dalle versioni strumentali delle canzoni reggae giamaicane tra la fine degli anni Sessanta e l'inizio degli anni Settanta. Tutto è iniziato con l'idea semplice ma brillante (e accidentale) di ridurre le canzoni reggae all'essenziale, eliminando le voci principali e talvolta mantenendo quelle di accompagnamento, creando uno spazio in cui il ritmo, o "riddim", era al centro della scena.

Queste prime tracce dub erano tutte incentrate sul drum and bass, il cuore pulsante della musica reggae, messo a nudo per tutti.

Il nome "dub" deriva dai " dubplates " , dischi in acetato usati dagli operatori dei sistemi audio per testare nuovi mix o riprodurre brani esclusivi. Il termine stesso "dub" è diventato sinonimo di remix e alterazione di queste versioni strumentali, aggiungendo strati di effetti come riverbero, eco e delay.

In sostanza, il produttore è diventato l'artista, remixando e rimodellando la musica in tempo reale, trasformando il mixer in uno strumento a sé stante.

Agli albori, la musica dub era grezza e organica. I produttori usavano lo studio come parco giochi creativo. Ma con l'avanzare della tecnologia, anche la musica dub si è evoluta. Drum machine e campionatori si sono fatti strada nel mix, spingendo il genere in nuovi territori.

Oggi la musica dub si è evoluta fino a diventare un genere musicale elettronico a sé stante, influenzando qualsiasi cosa, dall'hip-hop all'EDM. Tuttavia, nella sua essenza, il dub rimane fedele alle sue radici: una celebrazione del ritmo, della sperimentazione e del potere del basso!

Storia della musica dub

"Sulla spiaggia"

La nascita della musica dub è uno di quegli incidenti felici che hanno cambiato per sempre il corso della storia della musica.

Era il 1968 in Giamaica e l'aria era piena di suoni della musica reggae. Il produttore di sistemi audio Rudolph "Ruddy" Redwood aveva appena commissionato allo studio Treasure Isle la registrazione del singolo di successo "On the Beach" dei Paragons.

Tuttavia, un piccolo errore di Byron Smith, ingegnere dello studio, ha portato a qualcosa di magico.

Smith ha accidentalmente stampato una copia del brano senza la voce - solo la parte strumentale. Invece di eliminare l'"errore", Redwood decise di continuare a farlo, facendo girare la versione senza voce a uno dei suoi sound system party.

La risposta è stata elettrica.

La folla ha apprezzato il suono scarno e ritmico e la versione strumentale è diventata rapidamente un grande successo. Cosa la rendeva così speciale? Per prima cosa, dava più spazio alla musica per respirare, e apriva anche le opportunità per una cosa chiamata "toasting", in cui i DJ parlavano, cantavano o cantavano sopra il riddim. Si trattava di un primo precursore di ciò che oggi riconosciamo come rap e hip-hop moderni.

Il suono di King Tubby

La nascita accidentale della musica dub finì per attirare l'attenzione di uno dei suoi pionieri più influenti, Osbourne "King Tubby" Ruddock. Ingegnere del suono con un orecchio attento alle innovazioni, King Tubby vide il potenziale per portare l'idea di brani reggae strumentali a un livello superiore. Ispirato dalle numerose possibilità, Tubby sviluppò la sua formula dub, che si basava sulla decostruzione e sulla ricostruzione.

Prendeva i brani reggae originali e li riduceva ai loro elementi fondamentali, in primo luogo la batteria e il basso, noti come "riddim". Poi stratificava le tracce con un mix di eco, riverbero e delay. Le voci erano spesso ridotte a frammenti, eco dell'originale, mentre gli altri strumenti entravano e uscivano dal mix, creando un'esperienza di ascolto coinvolgente.

Questo approccio innovativo alla produzione musicale si è presto diffuso a macchia d'olio e la musica dub si è rapidamente evoluta da fenomeno da sound system a punto fermo in studio di registrazione. In breve tempo, gli album dub cominciarono ad apparire sugli scaffali dei negozi di dischi, introducendo il mondo a un nuovo lato sperimentale del reggae.

Doppiare il mainstream

Durante gli anni '60 e '70, la scena musicale giamaicana era in piena espansione grazie ai successi mainstream dello ska, del rocksteady e del reggae. Questi generi dominavano praticamente l'etere e le sale da ballo. Ma mentre questi brani facevano faville nelle classifiche, qualcosa di rivoluzionario stava nascendo nei lati B.

I sound system, sempre alla ricerca di qualcosa di nuovo ed eccitante, iniziarono a sperimentare con i flipsides di questi dischi popolari. Anziché limitarsi a stampare le tracce originali, iniziarono a creare versioni dub dei lati A, eliminando le voci e giocando con gli elementi strumentali.

Queste versioni dub hanno dato una nuova vita ai successi mainstream.

Per esempio, "King Tubby Meets Rockers Uptown" era la versione dub di "Baby I Love You So" di Jacob Miller, diventando una delle più famose versioni dub di un lato A.

Entrano in scena gli esperti di dub

All'inizio degli anni Settanta, la musica dub era diventata un movimento a tutti gli effetti. Diversi produttori pionieristici si affacciarono sulla scena, ognuno portando il proprio sapore al genere in evoluzione. Nomi come Lee "Scratch" Perry, King Tubby, Augustus Pablo ed Errol Thompson iniziarono a riecheggiare per le strade di Kingston, mentre questi visionari si ritagliavano il loro posto come veri e propri proprietari del dub.

Uno di questi che ha contribuito alla rivoluzione del dub è stato Derrick Harriott, un produttore che ha portato il suo tocco unico al genere.

Harriott è diventato famoso per l'uso inventivo degli effetti sonori, aggiungendo ai suoi doppiaggi elementi come sirene, tuoni e persino frammenti di dialogo. Questi effetti aggiungevano strati di atmosfera e dramma alla musica, facendo sentire ogni brano come un'entità viva e pulsante.

Creare la scena dub britannica

Quando gli immigrati giamaicani si stabilirono nel Regno Unito durante gli anni '70 e '80, portarono con sé i suoni della musica reggae e dub. Questo scambio culturale ha dato il via alla creazione di una distinta scena dub britannica.

Artisti pionieri come Dennis Bovell, Mad Professor e Jah Shaka hanno svolto un ruolo cruciale nel dare forma a questo movimento, infondendo i bassi martellanti e i ritmi ipnotici del dub giamaicano con il loro inconfondibile sapore britannico.

Dennis Bovell, conosciuto come il "padrino del dub britannico", è stato determinante nel portare il dub alle masse britanniche. Il suo lavoro con gruppi come i Matumbi ha contribuito a colmare il divario tra reggae, dub e la scena punk emergente.

Allo stesso modo, Mad Professor divenne famoso per il suo approccio sperimentale, fondendo elementi dub tradizionali con suoni elettronici per creare un'atmosfera futuristica e spaziale che risuonava con i giovani dell'epoca. Jah Shaka ha sostenuto il lato spirituale del dub, utilizzando la sua musica per promuovere messaggi di pace, amore e resistenza.

Questi pionieri del dub britannico hanno anche ispirato un'ondata di gruppi crossover che hanno incorporato il dub nel proprio sound, contribuendo a portarlo a un pubblico ancora più ampio.

Band come The Police, The Clash e UB40 iniziarono a sperimentare i ritmi profondi e gli effetti di eco del dub, fondendoli con il punk, il rock e la new wave. L'iconico album Sandinista! dei Clash e il brano "Walking on the Moon" dei Police dimostrano come il dub abbia influenzato la musica britannica mainstream.

La scena dub britannica non solo ha dato una piattaforma ai suoni giamaicani, ma ha anche ampliato la portata della musica dub.

Il dub diventa elettronico

All'inizio degli anni Ottanta, l'evoluzione della musica dub subì una svolta entusiasmante con l'emergere dei remix elettronici. I produttori iniziarono a sperimentare con sintetizzatori, drum machine ed effetti sonori digitali, spingendo i confini del suono caratteristico del dub. Quest'epoca diede vita alla fusione del dub con la musica elettronica, creando un nuovo spettro di sottogeneri che continuano a influenzare il mondo della musica di oggi.

Quando il dub ha abbracciato l'era digitale, sono emerse diverse forme elettroniche di dub:

• Dubstep: molti fan del dubstep moderno non sanno che il genere ha avuto origine nel Regno Unito alla fine degli anni Novanta. All'inizio, il dubstep prendeva gli elementi di basso profondo e di riverbero del dub e li fondeva con un suono più scuro e aggressivo. Artisti pionieristici come Skream, Benga e Burial hanno contribuito a definire questo genere, che ha guadagnato rapidamente popolarità nei club underground ed è poi esploso sulla scena musicale mondiale.
• Dubtronica: grazie alle qualità atmosferiche del dub e delle batterie elettroniche, la dubtronica è diventata uno spazio di sperimentazione. Artisti come Thievery Corporation e Ott sono noti per il loro lavoro in questo genere.
• Dub Techno: la Dub techno prende il minimalismo della techno e lo infonde con le qualità profonde e riecheggianti del dub. Artisti come Basic Channel e Deepchord sono stati i pionieri di questo genere.
• Psydub: fusione di dub e musica psichedelica, lo psydub offre un'esperienza d'ascolto trippeggiante e sconvolgente. Shpongle e Younger Brother sono figure chiave della scena psydub.
• Trip-Hop: Il trip-hop fonde il dub con l'hip-hop, il jazz e la musica elettronica, creando un genere che è allo stesso tempo rilassante e tagliente. Massive Attack, Portishead e Tricky sono alcuni degli artisti più rappresentativi della scena trip-hop degli anni Novanta.

Con il passare del tempo, anche la sovrapposizione tra dub e dancehall è diventata più pronunciata, in particolare quando la dancehall ha iniziato a incorporare elementi elettronici alla fine degli anni Ottanta e all'inizio degli anni Novanta.

Artisti come King Jammy sono stati fondamentali in questa fusione e, in seguito, artisti come Shabba Ranks e Buju Banton hanno ulteriormente sfumato i confini, utilizzando tecniche di produzione ispirate al dub per creare successi dancehall.

Reggae vs. Dub

Il reggae e il dub sono generi strettamente correlati, quindi non sorprende che molte persone ne parlino in modo intercambiabile. Tanto per cominciare, entrambi affondano le loro radici nelle ricche tradizioni musicali della Giamaica.

Tuttavia, anche se condividono molte somiglianze, ci sono alcune differenze fondamentali che li distinguono. Ecco una panoramica delle principali distinzioni tra reggae e dub:

• Struttura :
  • Reggae: Tipicamente caratterizzato da formati di canzoni strutturate con strofe, ritornelli e spesso forti melodie vocali.
  • Dub: principalmente strumentale, si concentra sul remix e sulla manipolazione degli elementi del brano originale, spesso rimuovendo o riducendo al minimo le voci.
• Strumentazione :
  • Reggae: Si basa su una band completa, che comprende chitarra, basso, batteria, tastiere e fiati, con una forte enfasi sul ritmo e sulla melodia.
  • Dub: si concentra fortemente sul basso e sulla batteria (il "riddim"), spesso eliminando gli altri strumenti o usandoli con parsimonia e con l'aggiunta di effetti.
• Tecniche di produzione :
  • Reggae: Registrato e prodotto con effetti sonori minimi, concentrandosi su un suono naturale, da live band.
  • Dub: noto per l'uso sperimentale di effetti da studio come riverbero, eco e delay, che creano un suono più spazioso e ultraterreno.
• Presenza vocale :
  • Reggae: La voce è centrale e trasmette il messaggio della canzone, spesso con temi di amore, giustizia sociale e spiritualità.
  • Dub: le voci, se presenti, sono di solito frammentate, riecheggiate o remixate, diventando parte della trama complessiva piuttosto che il punto focale.
• Scopo :
  • Reggae: L'obiettivo è quello di offrire un'esperienza di canzone coesa con una narrazione o un messaggio chiari.
  • Dub: spesso si tratta di un remix o di una reinterpretazione della musica reggae, che si concentra sull'atmosfera, sul ritmo e sulla sperimentazione sonora.
• Impatto culturale :
  • Reggae: Ampiamente riconosciuto per la sua influenza sulla musica mondiale, in particolare per la diffusione della cultura giamaicana e dei messaggi di pace e unità.
  • Dub: influente nel plasmare il suono della musica elettronica moderna, dall'hip-hop all'EDM, e noto per il suo ruolo nella cultura del remix.

Sebbene la musica dub e reggae abbiano un'origine comune, le loro differenze risiedono nell'approccio alla realizzazione della musica.

Artisti dub iconici

Re Tubby

King Tubby, nato Osbourne Ruddock, è spesso definito il "padre del dub".

Ingegnere del suono pionieristico, Tubby ha rivoluzionato la produzione musicale trasformando il mixer in uno strumento. Il suo lavoro pionieristico consisteva nello spogliare i brani reggae fino al loro nucleo e nell'aggiungere effetti sonori innovativi come l'eco, il riverbero e il delay.

Brani come King Tubby Meets Rockers Uptown con Augustus Pablo mostrano il suo stile caratteristico. L'influenza di Tubby è immensa e in ogni modo ha gettato le basi della moderna cultura del remix e della musica elettronica.

Lee Scratch Perry

Lee "Scratch" Perry, noto anche come "The Upsetter", è un'altra delle figure più eccentriche e influenti del dub. Produttore, mixer e artista, il lavoro di Perry al Black Ark Studio in Giamaica ha prodotto alcuni dei brani dub più innovativi di tutti i tempi.

Era un maestro nell'utilizzare suoni non convenzionali, come la rottura di vetri o rumori di animali, stratificati con pesanti riverberi e delay per creare paesaggi sonori fuori dal mondo. Le collaborazioni di Perry con artisti come Bob Marley e The Wailers, così come i suoi album, hanno contribuito a spingere i confini di ciò che il dub poteva essere, rendendolo un'icona del genere.

Augusto Pablo

Augustus Pablo, nato Horace Swaby, è noto soprattutto per il suo uso magistrale della melodica, uno strumento che ha reso popolare nella musica reggae e dub. Il suo suono caratteristico, che si potrebbe descrivere come ossessionante, etereo e melodico, con linee di basso profonde e riecheggianti, è diventato un segno distintivo del genere dub.

Le collaborazioni di Pablo con King Tubby hanno dato vita ad alcuni degli album dub più iconici, tra cui King Tubby Meets Rockers Uptown. La sua capacità di fondere la musica tradizionale giamaicana con elementi dub sperimentali ha contribuito a consolidare il suo posto come uno degli artisti più innovativi e duraturi del genere.

Professore pazzo

Mad Professor, nato Neil Fraser, è una figura chiave nell'evoluzione del dub, in particolare nel Regno Unito. Noto per il suo approccio futuristico al genere, Mad Professor ha abbracciato il lato digitale delle cose, spingendo il dub in nuovi territori elettronici.

La sua serie Dub Me Crazy ha messo in mostra il suo uso innovativo di sintetizzatori, campionatori e drum machine, fondendo le tecniche tradizionali del dub con una produzione allora all'avanguardia. Le collaborazioni di Mad Professor con una vasta gamma di artisti, tra cui i Massive Attack per il loro album No Protection, hanno contribuito a far conoscere il dub a un pubblico più vasto.

Scienziato

Scientist, nato Hopeton Overton Brown, è stato un protetto di King Tubby ed è diventato famoso per il suo approccio giocoso al dub. Iniziando come apprendista nello studio di Tubby, Scientist sviluppò rapidamente il proprio stile, caratterizzato da bassi pesanti, effetti eco unici e intricata manipolazione del suono. Album come Scientist Rids the World of the Evil Curse of the Vampires e Scientist Wins the World Cup sono spesso celebrati per i loro titoli fantasiosi e le tecniche di produzione pionieristiche.

La capacità di Scientist di creare paesaggi sonori vividi e quasi cinematografici lo ha reso una delle figure più iconiche e amate della scena dub.

I 5 migliori consigli per il mixaggio del dub

Il dub è una forma d'arte unica. Per molti versi, la "console di missaggio" è lo strumento più importante.

Naturalmente, agli albori del dub, pionieri come King Tubby e Lee "Scratch" Perry trasformarono lo studio di registrazione nei loro strumenti. Oggi, anche se i computer hanno cambiato il modo di creare il dub, l'essenza del mestiere rimane la stessa.

Ecco alcuni suggerimenti per aiutarvi a padroneggiare l'arte del missaggio dub su un impianto moderno:

1. Approccio manuale

Quando si tratta di mixare il dub, c'è qualcosa di straordinariamente potente nell'usare le mani. Anche se gli strumenti digitali offrono precisione, la forma di espressione tattile che deriva dall'interazione fisica con le apparecchiature è insostituibile.

In dub, le mani devono essere un'estensione del vostro istinto creativo.

L'approccio manuale al mixaggio permette di entrare in contatto con la musica a un livello più profondo. Che si tratti di premere i fader o di girare le manopole di una console, l'atto fisico di manipolare il suono in tempo reale porta a un livello di spontaneità e intuizione che è alla base del dub. Quando ci si impegna fisicamente con la propria console di missaggio o con i propri strumenti, si risponde alla musica nel momento stesso, prendendo decisioni basate sulla sensazione piuttosto che sulla teoria.

In breve, il dub dovrebbe sempre essere un processo istintivo.

2. Impostazione del modello di sessione Dub

Quando si tratta di miscelare il dub, la preparazione è fondamentale.

Sia che lavoriate con rack outboard o in-the-box con una DAW, avere un modello di sessione impostato con mandate aux pronte per il rock può farvi risparmiare tempo e aiutarvi a rimanere nel flusso creativo. Ecco una panoramica di alcune mandate ausiliarie ed effetti indispensabili da includere nella vostra configurazione:

• Riverbero a molla mono: è possibile utilizzare un riverbero a molla classico per aggiungere un calore grintoso e analogico al mix. Ideale per inviare colpi di rullante o frammenti vocali per creare un'autentica atmosfera dub vecchia scuola. La configurazione mono aiuta a mantenere l'effetto stretto e concentrato. Se si utilizza un hardware, un'unità di riverbero Fender '63 è una buona scelta. Se si lavora in scatola, si consiglia l'AKG BX 20 di UAD.
• Riverbero stereo digitale: il riverbero stereo digitale offre un suono stereo più ampio. Inviate le chitarre, i fiati o persino le batterie complete attraverso questo effetto per creare un'atmosfera lussureggiante. Questo effetto è ideale per aggiungere profondità al vostro mix, facendolo sembrare più spazioso. Il Lexicon PCM 92 è l'ideale per ottenere un riverbero ampio dal punto di vista dell'hardware, ma se cercate un software, Valhalla VintageVerb è la scelta migliore.
• Long-Building Dub Echo (Mono o Stereo): Questo è un elemento essenziale del dub. Impostate un delay con un lungo loop di feedback, consentendogli di costruirsi ed evolversi nel tempo. Utilizzatelo in mono per un suono più diretto e focalizzato, o in stereo per un effetto più ampio e coinvolgente. È perfetto per lasciare che un riff di chitarra o una linea vocale si disperda nell'infinito, creando il classico spazio del dub. Il Roland RE-201 Space Echo è la scelta più ovvia, ma per una maggiore flessibilità consiglio il Soundtoys EchoBoy.
• Phaser: un phaser è ideale per aggiungere movimento e consistenza a un mix. È possibile inviare hi-hat, synth o persino interi loop di batteria attraverso un phaser per creare un effetto vorticoso e ipnotico. Come chitarrista, lo Small Stone Phaser di Electro-Harmonix è uno dei miei preferiti per l'hardware. Tuttavia, se volete scegliere la strada del software, date un'occhiata al Soundtoys Phasemistress.

3. Creazione di lunghi ritardi di eco Dub

Una delle tecniche che caratterizzano la musica dub è la creazione di ritardi eco profondi ed evolutivi che sembrano estendersi all'infinito. Il cuore di questo suono è un trucco semplice ma potente: rimandare il delay a se stesso. Questo metodo, spesso chiamato "feedback looping", è una pietra miliare della produzione dub.

Per ottenere questo effetto, è necessario reindirizzare l'uscita dell'unità di ritardo al suo ingresso.

Ecco come funziona: quando il segnale del delay viene reintrodotto in se stesso, crea un loop che fa sì che gli echi si sviluppino e si evolvano nel tempo, diventando più intensi a ogni ripetizione. Questo ciclo di feedback può essere regolato per controllare la durata degli echi e la loro interazione con il resto del mix.

Consiglio di utilizzare ritardi analogici, poiché le imperfezioni naturali e le stranezze dell'hardware aggiungono magia. Le unità analogiche, come il Roland Space Echo o i classici delay a nastro, spesso introducono sottili variazioni nell'intonazione, nel tempo e nel tono durante la ripetizione degli echi, conferendo alle tracce dub quel carattere caldo e grintoso.

Poiché i ritmi di questi ritardi non sono perfettamente sincronizzati, le scelte si basano sulle sensazioni piuttosto che su regole rigide. Manipolando il feedback e i tempi di ritardo, si risponde alla musica in tempo reale.

Uno dei modi più efficaci per creare echi dub è quello di variare la velocità del delay da molto veloce a molto lento. Iniziate con un delay rapido e stretto per creare un senso di urgenza, quindi rallentatelo gradualmente per allungare l'eco, creando un paesaggio sonoro vasto e spazioso.

4. Accentuare la batteria

Nella musica dub, la batteria è tutto.

Per far risaltare la batteria, è necessario essere creativi con gli effetti e l'elaborazione. Un modo per farlo è inviare elementi specifici della batteria ad Aux caricati con phaser, riverberi a molla o delay, che possono aggiungere profondità, movimento e atmosfera.

Ad esempio, provate a inviare il rullante a una traccia ausiliaria con un classico riverbero mono a molla, oppure inviate gli hi-hat o le percussioni a un phaser su una traccia ausiliaria.

Oltre agli effetti creativi, è fondamentale ottenere il giusto punch e la giusta presenza nella batteria. Compressori come il DBX-160 sono fantastici a questo scopo. Impostate un attacco medio e un rilascio veloce per far passare i transienti iniziali, quindi regolate la compressione a piacere. In questo modo la batteria acquisirà quel caratteristico scatto e quel punch che si fa largo nel mix.

Pensieri finali

La musica dub è più di un semplice genere. Nata dalle ricche tradizioni della musica giamaicana, si è evoluta dalle sue radici in una forma d'arte dinamica e in continua espansione. La storia del dub è lunga e profonda. Dalla musica reggae trasformata in brani strumentali e dalla musica reggae strumentale remixata in musica dance moderna, la musica dub si sta ancora evolvendo.

Speriamo che questa piccola guida alla musica dub vi abbia fatto apprezzare meglio il genere e vi abbia ispirato a crearlo da soli!