Techno è una sorta di termine ombrello, che spesso usiamo per descrivere un'ampia gamma di musica elettronica. Creare una guida su "come fare techno" non avrebbe davvero senso, dato che ci sono quasi infiniti generi, sottogeneri e suoni tra cui scegliere.

Tuttavia, questo non significa che non possiamo dare un'occhiata ad alcuni dei principi di base che si presentano in qualsiasi forma di musica techno. Quindi, senza ulteriori indugi, tuffiamoci nell'esplorazione delle basi per iniziare a produrre musica techno a casa.

Che cos'è la musica techno?

La musica techno ha una storia piuttosto ricca, anche se la maggior parte degli amanti della musica techno moderna associa il genere generale a produttori come Adam Beyer o Maceo Plex. Tuttavia, quando affondava le sue radici a Detroit negli anni '80, era in gran parte influenzata dalle sonorità di gruppi come i Kraftwerk.

I produttori utilizzavano drum machine, sequencer e suoni sintetizzati in tempo reale per creare i propri brani techno.

Tenendo conto di ciò, mi sembra sensato adottare lo stesso approccio al moderno processo di produzione per creare un tutorial passo dopo passo.

1. Raccogliere i campioni di batteria

La prima cosa che vorremo utilizzare nel nostro brano è una grancassa 909, poiché la drum machine 909 ha avuto un ruolo importante nelle origini della musica techno. Infatti, Juan Atkins, uno dei primi pionieri della musica techno, ottenne la sua prima drum machine 909 dal leggendario DJ di Chicago Frankie Knuckles.

Sebbene sia possibile utilizzare un rullante 909 per un suono techno più classico, ho deciso di scegliere un rullante 808 in questo caso. Ho anche inserito un hi-hat chiuso, un tom basso e un mid tom da un pacchetto di campioni 808.

Quando si tratta di creare un ritmo techno di base, questo è praticamente tutto ciò che serve.

Ableton Live ha tonnellate di ottimi campioni di partenza con cui lavorare, ma se volete fare un passo avanti, vi consiglio di scaricare qualcosa come Native Instruments Battery 4 o di investire in un abbonamento a Splice.

2. Creare il primo solco

Uno dei più grandi equivoci della musica techno è che si tratta di un genere che si basa su quattro elementi. Tuttavia, ci sono molti brani techno che si basano più su pause e groove sperimentali che sul posizionamento standard della cassa.

Preferisco di più lo stile breakbeat della musica techno e per questo voglio puntare maggiormente su quel groove.

Ora, mentre alla maggior parte dei produttori piace iniziare posizionando la cassa per prima, a me spesso piace iniziare lasciando che il mio metronomo si aggiri intorno ai 125-140 battiti al minuto e suonando un groove con qualcosa come i tom (che ho posizionato nel mio rack per iniziare), al fine di ottenere un groove su cui costruire.

Questo approccio ha due effetti:

1. Aiuta a rendere più umano il vostro brano techno, mantenendo tutto leggermente fuori dalla griglia.
2. Conferisce al vostro groove di batteria un'unicità tutta vostra.

Credo che l'approccio migliore sia quello di improvvisare con il metronomo e vedere cosa viene fuori. Ecco il groove che mi è venuto in mente qui sotto:

Se il vostro groove sembra troppo fuori dalla griglia, potete sempre quantizzare nella vostra DAW.

Un groove techno non dovrebbe sembrare eccessivamente libero. L'aspetto robotico fa parte del suono, quindi se quantizzare fino alla griglia funziona davvero per il vostro suono, fatelo.

3. Aggiunta dell'Hi-Hat

Ora che avete un groove di base e lo sentite bene, potete usarlo come riferimento principale per il resto degli elementi della batteria.

Uno degli errori più grandi che molti nuovi produttori techno commettono è quello di avere più elementi che fanno le proprie cose. In realtà, ogni elemento della batteria dovrebbe contribuire e collaborare con gli altri elementi della batteria per creare un groove unico.

Detto questo, passiamo all'hi-hat, utilizzando lo stesso approccio usato per i tom.

Mentre i tom suonavano, ho suonato un ritmo di hi-hat che mi sembrava giusto, prima di quantizzarlo per compensare le mie capacità di batterista con le dita non all'altezza.

Una cosa che potreste notare è che se guardate il groove MIDI dei tom e dell'hat affiancati, vedrete che alcuni dei principali punti di enfasi coincidono, il che è ciò che intendevo prima quando ho detto che i due elementi giocano l'uno con l'altro.

Uso anche la sincope, inserendo alcuni momenti offbeat tra i tom per far ballare il groove.

4. Aggiunta del calcio

Seguiremo lo stesso approccio alla grancassa, suonando i tom e l'hi-hat, premendo il tasto record e cercando di creare un groove unico. A questo punto ho anche eliminato alcuni colpi di tom, perché cominciava a sembrare affollato.

Ecco cosa ho ottenuto:

Nota a margine: quando scrivo dei groove per la musica elettronica, che si tratti di un brano techno, house, hip-hop, ecc. spesso mi piace creare loop lunghi almeno quattro battute. In questo modo, posso ottenere un loop che suona per lo più uniforme, con qualche lieve cambiamento, che spesso finisce verso la fine della seconda e della quarta battuta.

5. Aggiunta del riverbero al calcio

Anche se questo potrebbe sembrare controintuitivo rispetto a tutto ciò che avete imparato prima sulla produzione musicale, molti stili di musica techno utilizzano il riverbero sulla grancassa. Non è il caso di inondare la grancassa di riverbero, ma darle un po' di spazio è un modo eccellente per riempire il campo stereo e aggiungere un po' di coda alla fine.

Se si punta a uno stile techno old-school, si può anche mettere il riverbero in mono, in modo che sia direttamente al centro.

Per farlo, creeremo una traccia send con un plugin di riverbero a scelta, in modo da poter elaborare il riverbero in parallelo.

Per questo riverbero, vogliamo un tempo di decadimento relativamente basso. Un tempo di decadimento lungo, specialmente su un elemento di groove, può iniziare a confondere le linee ritmiche tra i colpi. Il nostro cervello ha un modo interessante di interpretare la durata di ogni colpo come il tempo che impiega la coda del riverbero a raggiungere lo zero.

Spesso mi piace usare la coda più corta possibile, in modo che sembri quasi che il calcio sia in una stanza piccola.

Da lì, dopo il riverbero, userò un plugin di equalizzazione per eliminare alcune altezze utilizzando un filtro passa-basso. Il risultato finale dovrebbe essere un suono industriale profondo e scuro.

Il bello del fatto che il nostro riverbero sia una mandata è che possiamo regolarlo e mixarlo lentamente, in modo che sia sempre sottilmente dietro al kick dry. Quando lo si ascolta nel contesto del resto della batteria, il riverbero non dovrebbe essere evidente. Vogliamo solo che sia abbastanza forte da riempire lo spazio morto tra il kick e i tom.

SUGGERIMENTO PRO: se volete sbizzarrirvi con l'invio del riverbero, potete inserire un plugin di saturazione come FabFilter Saturn dopo di esso per dargli un po' più di grinta e carattere.

5. Aggiunta di un rullante

Ora, per il rullante adotteremo un approccio "scegli la tua avventura".

Si può scegliere di disegnarlo nel nostro gioco come abbiamo fatto con gli elementi della batteria di cui sopra.

Tuttavia, il motivo per cui sceglierò di inserirlo è che voglio che il rullante sia il mio elemento di ancoraggio. Il resto del groove non è così convenzionale come ci si potrebbe aspettare dalla musica techno moderna, anche se invece di avere il kick che dice "qui è dove arriva il beat", il rullante assumerà questo ruolo.

Cominciamo a disegnare il rullante sulle note in sedicesimo.

Da lì, possiamo regolare la velocità di alcuni colpi di rullante in cui i nostri hats sono enfatizzati per creare una piccola tasca da cui farli uscire, il che rende il groove unico.

Poi duplicherò il tutto in quattro barre (come ho detto prima) e creerò un po' di varietà con alcuni rotoli e simili:

Devo anche dire che uno degli elementi più importanti della musica techno è il lancio di curve. Più e più duplicazioni si fanno di un groove di quattro barre, come quello qui sopra, ad esempio, più cambiamenti si devono fare in modo che l'ascoltatore pensi di sapere cosa aspettarsi, anche se ogni volta si tratta di qualcosa di completamente fuori dall'ordinario.

L'imprevedibilità e la casualità sono due degli elementi principali che umanizzano la musica techno, quindi è fondamentale implementare il più possibile questi due elementi.

6. Diventare accoltellatori

A questo punto il groove della batteria dovrebbe essere abbastanza solido, quindi ora aggiungeremo un elemento melodico.

Oggi ho voglia di un accordo di synth. Per questo caso userò Serum, anche se potete usare qualsiasi VST.

Allora, quale accordo suoniamo?

Beh, la maggior parte dei brani techno famosi che conoscete sono costruiti su accordi minori o accordi minori 7, che sono normali triadi minori con l'aggiunta di un settimo grado. Se non sapete di cosa sto parlando, potete consultare la sezione dedicata alla teoria musicale sul nostro blog eMastered.

Inizierò con la composizione di un suono di accordo relativamente morbido con un po' di riverbero direttamente sul canale per aprirlo nel campo stereo. Poi, con il mio loop di batteria in esecuzione, inserisco un loop ritmico di accordi utilizzando un accordo di Fa minore7.

Da lì, quantizzo e faccio tutte le modifiche necessarie al suono effettivo dell'accordo mentre viene riprodotto. Vogliamo che l'ADSR sia sempre breve.

SUGGERIMENTO: aggiungete un LFO agli accordi, ma non sincronizzatelo con il groove. In questo modo, sfrutterete la casualità che molti produttori di musica techno amano lasciare libera quando producono musica techno.

7. Creare la linea di basso

Il modo in cui affrontate la linea di basso nelle vostre tracce techno dipende da voi, anche se di solito mi piace basarmi su ciò che sta accadendo con la melodia. Poiché utilizzo un accordo di synth stab, lo integro con un sub rolling.

Tuttavia, se si utilizzasse qualcosa di simile a un pad o a un drone per il sintetizzatore, si potrebbe scegliere di rendere il basso più ritmico e melodico. Naturalmente, tutto dipende dal sottogenere a cui si mira.

Per questa linea di basso, ho deciso di ricorrere alla vecchia scuola con un'emulazione Moog di Arturia, che ha tutto il sapore del famoso basso synth monofonico. È uno dei miei VST preferiti quando voglio un suono di basso caldo e incisivo.

Ho scelto un subwoofer bello e profondo, senza molto contenuto armonico nelle medie frequenze, per tenerlo lontano dal sintetizzatore. Sebbene sia possibile disegnare le note di basso sul piano roll, trovo più emozionante suonarle con la tastiera MIDI e quantizzare da lì.

8. Aggiunta di effetti e livelli aggiuntivi

Le parti più significative del vostro brano techno sono pronte, anche se vi sembra che il suono sia un po' scarno. È qui che l'aggiunta di alcuni FX e layer extra può rivelarsi utile. Con diversi livelli qua e là, avrete a disposizione molti elementi da manipolare e con cui giocare, che possono aggiungere interesse alla vostra traccia.

Considerate la possibilità di inserire alcuni elementi melodici one-shot, alcuni risers e downers, o qualche loop di percussioni aggiuntivo. A questo punto si può anche essere creativi con il sound design e creare i propri FX. Ascoltate alcuni dei vostri ritmi techno preferiti e verificate quali tipi di livelli aggiuntivi sono in gioco.

Sebbene le possibilità siano infinite, la cosa principale da tenere a mente è che questi strati devono sostenere gli elementi principali, non sovrastarli.

9. Disporre la traccia

Una volta ottenuto un loop che vi soddisfa, potete iniziare ad arrangiare il vostro brano techno in modo che sia più lungo di 16 battute.

Ci sono infiniti approcci all'arrangiamento, anche se quello che spesso mi ritrovo a seguire con la musica techno è trattare il brano come se stessi usando una drum machine hardware.

Iniziate con un solo elemento, ad esempio i tom che abbiamo preparato per primi. Dopo qualche battuta, aggiungete l'hi-hat, poi il kick e infine il rullante. Oppure si può rinunciare del tutto a iniziare con la batteria e dare agli ascoltatori gli stab per cominciare.

La cosa principale è creare una narrazione. Non si vuole che tutti i livelli siano sempre in funzione.

Trovo utile ascoltare i riferimenti e vedere come altri produttori techno organizzano i loro brani. Anche se la maggior parte della musica dance elettronica non segue la struttura tradizionale di una canzone, possiamo comunque pensare al nostro arrangiamento come a sezioni separate (ad esempio, intro, build-up, hook, interludio, ecc.).

In questo arrangiamento, ho deciso di iniziare portando i tom e l'hi-hat insieme. Nel corso delle prime 16 battute, ho introdotto lentamente alcuni degli altri elementi per creare la sensazione di costruire una sezione centrale o un coro più ampio.

La sezione centrale o coro, che in questo caso è di 16 battute, è la parte più ampia del brano. Qui ho aggiunto tutti gli elementi principali, in modo che questa parte del brano abbia la massima energia. Potreste scegliere di aspettare fino a questa sezione per aggiungere il basso, in modo da sentire la gamma bassa prendere vita, oppure di non aggiungere il kick nelle prime 16 battute.

Da qui, possiamo aggiungere una sezione di breakdown di 16 battute, dove gli ascoltatori possono prendere fiato dopo la sezione centrale ad alta energia.

Per questa parte del brano, potremmo eliminare gli elementi di batteria e mantenere gli elementi melodici, come gli stab di sintetizzatore o un pad di sintetizzatore. Questa sezione dovrebbe essere in contrasto con la sezione centrale.

Se dovessi realizzare una produzione techno completa, probabilmente allungherei la durata di queste sezioni.

10. Aggiungere l'automazione

Una delle parti più importanti della produzione di musica techno (e di musica dance elettronica in generale) è l'automazione. È così che i produttori prendono un brano con pochi elementi e lo mantengono interessante per cinque o più minuti.

Per questo processo, vale la pena di avere una tastiera o un controller MIDI collegato alla vostra workstation audio digitale. In questo modo è possibile mappare le manopole ai parametri dei campionatori o dei VST e automatizzare le modifiche nel tempo.

Per esempio, si può mappare una manopola sul rilascio del campione di hi-hat, premere play e modificare il rilascio nel corso del brano in modo che la coda dell'hi-hat si apra quando si avvicina alla sezione centrale. Si potrebbe anche mappare una manopola sul filtro degli accordi di sintetizzatore e togliere le alte frequenze durante le sezioni più tranquille.

Non siate troppo religiosi nell'approccio all'automazione. Anche in questo caso, la casualità è benvenuta. A volte trovo divertente mappare alcune manopole della mia tastiera MIDI su parametri casuali del mio sintetizzatore e registrare l'automazione semplicemente provandola.

L'importante è che vi prendiate il tempo necessario per farlo, perché farà la differenza nel rendere il vostro brano professionale.

11. Mixaggio della traccia

Il mixaggio di musica techno è completamente diverso da quello di un brano indie rock. Ci sono alcuni elementi che devono risaltare più di altri e le aspettative generali che gli ascoltatori avranno nei confronti del vostro brano saranno diverse.

Ad esempio, la maggior parte degli ascoltatori di techno si aspetta che la batteria abbia un ruolo centrale, mentre tutti gli altri elementi fluttuano sullo sfondo. Inoltre, si aspettano una gamma bassa pulita e ben definita. Ora, poiché questo non è un tutorial sul mixaggio della techno, non voglio entrare troppo nel merito. Tuttavia, ci sono alcuni approcci di base che si possono seguire per ottenere un mix decente:

• Fare riferimento ad altre tracce: Confrontate continuamente il vostro mix con altre tracce techno mixate professionalmente per assicurarvi di essere nel giusto campo in termini di equilibrio. È il modo migliore per scoprire se gli elementi del vostro mix sono troppo morbidi, troppo forti, troppo rimbombanti, troppo sottili, troppo dinamici, ecc.
• Accordare i suoni: Verificate che non ci siano scontri a causa del modo in cui sono accordati gli elementi del vostro mix. Ad esempio, se il kick è accordato a 60 Hz sulla fondamentale e i tom a 110 Hz sulla fondamentale, si può pensare di accordarli leggermente più in alto, a 120 Hz, in modo che siano un'ottava sopra il kick. In alcuni casi, questo può aiutare un brano a fondersi e a sentirsi più coeso.
• Date agli strumenti il loro spazio: Ogni elemento del mix dovrebbe avere il proprio spazio nello spettro delle frequenze. Ad esempio, si può aggiungere un filtro passa-alto agli elementi melodici per allontanarli dal kick, oppure eliminare alcune delle frequenze più alte con un filtro passa-basso sul basso per allontanarlo dagli elementi melodici.

Iniziare a fare musica techno

A questo punto, si spera che abbiate già acquisito le nozioni di base su come fare musica techno.

Lo ripeto ancora una volta: ci sono infiniti approcci che si possono seguire e il modo migliore per progredire è sperimentare con il mio approccio di cui sopra, poi trovare alcuni brani che vi piacciono e cercare di ricrearli. Attraverso questo processo, imparerete numerose tecniche e diventerete migliori ascoltatori analitici, un'abilità fondamentale per ogni grande produttore.

Divertitevi!