Mixare la musica jazz rappresenta una sfida unica, che ci riporta alle radici di uno dei generi più longevi della storia della musica. A differenza di molti stili contemporanei che si evolvono continuamente con i progressi tecnologici, il jazz ha conservato in modo straordinario il suo suono autentico negli ultimi decenni.

Il vero segno distintivo di un ingegnere esperto traspare nel suo approccio al missaggio di un disco jazz, dove l'essenza della performance dal vivo regna libera e le dinamiche sottili devono essere preservate, piuttosto che reinventate. Se siete abituati a mixare musica pop, rock, hip-hop o elettronica, può essere difficile allontanarsi da ciò che intendete attualmente come mix engineer.

Il missaggio del jazz richiede un approccio più sfumato, che va dalla cattura dell'interazione spontanea tra gli strumenti al rispetto dello spazio acustico che ne definisce il suono. Oggi esploreremo 13 consigli e tecniche collaudate per il missaggio del jazz e capiremo come abbracciare questi approcci unici possa rendervi un tecnico audio migliore!

1. Mantenere le cose naturali

La musica jazz è stata a lungo profondamente radicata nella scena dei club e degli speakeasy. Ancora oggi, porta con sé l'essenza degli spazi acustici naturali in cui ha risuonato per la prima volta.

Questo legame con l'ambiente non è solo storico, ma è un aspetto significativo del suono e del fascino del genere. Le performance dal vivo, spontanee e interattive, tipiche del jazz, prosperano in questi ambienti acustici! Vogliamo sentire le sfumature del riverbero della stanza e l'interazione tra i musicisti della band, anche se non è tecnicamente "perfetta".

In linea con la tradizione, la maggior parte degli strumenti jazz sono suonati nella loro forma pura e non amplificata, che si tratti di basso verticale, sax o pianoforte. Per un tecnico del missaggio che lavora con il jazz, la sfida consiste nel mantenere questa naturale autenticità. Se siete responsabili della sessione di registrazione, questo significa anche considerare attentamente il posizionamento dei microfoni nella stanza.

A meno che l'artista non vi dica espressamente di avventurarvi in qualcosa di sperimentale, il vostro obiettivo principale dovrebbe essere quello di replicare la sensazione di essere nella stanza con i musicisti.

2. Andare piano con la compressione

L'emozione del jazz sta nella dinamica, quindi è fondamentale essere delicati con la compressione.

L'intrinseca gamma dinamica del jazz - dal più morbido colpo di spazzola su un rullante all'esplosione completa di una sezione di ottoni - racconta una storia. La tensione e il rilascio sono tutto, ed è per questo che uno dei più grandi errori che i mix engineer possono commettere è l'eccessiva compressione.

L'ultima cosa che si vuole fare è privare la musica della sua linfa vitale e strapparle il flusso e il riflusso.

Quando si usa la compressione nel jazz, bisogna avere uno scopo chiaro ed esplicito. Ad esempio, si può usare un compressore su un contrabbasso con un tocco leggero per uniformare i livelli tra le note pizzicate e i passaggi con l'arco, in modo che entrambi si collochino bene nel mix.

Su un pianoforte, la compressione può essere applicata per domare delicatamente i picchi dei passaggi staccati più aggressivi, preservando al contempo le variazioni di volume espressive delle sezioni più morbide e liriche.

3. Utilizzare la saturazione del nastro

Alcuni dei migliori dischi jazz sono stati registrati su nastro, quindi, che lo sappiate o meno, il suono e la saturazione che ne ricavate sono qualcosa che siete abituati a sentire.

La saturazione a nastro è uno dei tipi di saturazione che preferisco utilizzare in un mix, soprattutto quando si desidera calore, carattere e coesione. Anche se usata in modo sottile, può essere di grande impatto. Oltre alle armoniche che si ottengono dalla saturazione, si ottiene anche una leggera compressione che spesso manca alle registrazioni digitali.

Quando si usa la saturazione del nastro sul master, bisogna adottare un approccio leggero. L'obiettivo è quello di conferire all'intero mix un calore e una pienezza coesivi senza compromettere la chiarezza e la gamma dinamica. Qualcuno potrebbe chiamarla "colla".

Tra i miei plugin preferiti per la saturazione del nastro ci sono l'Universal Audio Ampex ATR-102, che fornisce una rappresentazione meticolosamente modellata della classica macchina a nastro, e il Waves J37, che si ispira alla macchina utilizzata per registrare molti dei più grandi album degli anni Sessanta.

4. Trovare spazio fin dall'inizio

Trovare subito lo spazio nel mix grezzo è fondamentale, soprattutto nella musica jazz. Prima di ricorrere a un equalizzatore, considerate il panning e i livelli come strumenti principali per creare spazio e profondità. L'idea è quella di far sì che ogni elemento si inserisca naturalmente nel campo stereo, in modo da non dover ricorrere a un'equalizzazione pesante in seguito.

Regolate il pan e i livelli per creare il palcoscenico in cui ogni strumento possa brillare nel proprio spazio. Ad esempio, si può eseguire il pan della sezione ritmica in modo leggermente decentrato per rispecchiare la loro collocazione fisica in un contesto live, con il contrabbasso leggermente a sinistra e il pianoforte a destra. La batteria può essere pannata in base alla prospettiva dell'ascoltatore, posizionando l'hi-hat leggermente su un lato e i tom sparsi sul campo stereo, per dare una rappresentazione più realistica.

5. Lasciate che sia la batteria a decidere

Uno dei miei principi guida per il mixaggio del jazz è "lascia che sia la batteria a decidere". Ai miei occhi, le caratteristiche sonore e le dinamiche della batteria danno il tono al resto del mix.

Consideriamo due approcci nettamente contrastanti al mixaggio della batteria nel jazz.

In uno scenario, la batteria potrebbe essere composta da un rullante morbido e spazzolato e da una cassa sobria e pastosa, per completare l'atmosfera classica, rilassata e fumosa della lounge. Questa configurazione richiede che il basso, il pianoforte e i fiati siano mixati in modo da rispecchiare questa sottigliezza.

D'altro canto, un mix incentrato su un brano bebop ad alta energia potrebbe essere caratterizzato da un rullante con un crack netto e pronunciato e da una grancassa stretta e prominente. Questo suono di batteria richiederebbe anche un approccio di missaggio molto più aggressivo e dinamico per il resto degli strumenti.

Prendiamo il suono sfumato della batteria di Paul Motian su "Sunday at the Village Vanguard" di Bill Evans, dove la sua pennellata non solo crea un'atmosfera contemplativa, ma detta anche un mix in cui ogni strumento respira e interagisce. Dall'altra parte dello spettro, c'è l'energia esplosiva di Art Blakey in "Moanin", che mostra come un drumming potente e centrale possa costringere gli altri musicisti ad aumentare il livello.

6. Prepararsi alle stranezze del mixaggio di una band dal vivo

Una delle sfide più singolari del mixaggio del jazz è quella di saper mixare una band dal vivo, che è una mentalità diversa da quella che si applica di solito al mixaggio della musica pop.

Molte registrazioni jazz catturano la magia di una sessione dal vivo. Si mette un gruppo di musicisti jazz in una stanza, li si circonda con una costellazione di microfoni e si preme il tasto record. Sebbene questo sia il modo migliore per catturare l'interazione spontanea e l'energia di un'esibizione dal vivo, esso introduce anche complessità come il bleed e i problemi di fase.

Il bleed è il suono di uno strumento che viene ripreso dal microfono di un altro strumento. Nella musica jazz, tuttavia, anziché considerare il bleed come un problema, lo si può considerare un'opportunità per aggiungere profondità e realismo al mix.

I microfoni da camera, ad esempio, sono preziosi in questo contesto. Un tecnico di registrazione li userà per catturare il suono collettivo dell'ensemble nella stessa stanza, che dà al mix un senso di unità difficile da replicare con tracce isolate. La chiave è fare attenzione ai problemi di fase tra queste sorgenti microfonate.

Ascoltate le relazioni di fase tra i microfoni, specialmente quelli vicini tra loro o che catturano la stessa sorgente. L'inversione di fase di un microfono può spesso risolvere la cancellazione di fase e rafforzare un suono sottile. Si può anche agire strategicamente con il gating e l'automazione del volume per minimizzare l'impatto del bleed nei momenti critici.

7. Processo in parallelo

L'elaborazione parallela è una delle mie tecniche preferite in generale, anche se quando si mixa il jazz è fondamentale.

Collegando effetti come la compressione, il riverbero o il delay a canali paralleli, è possibile fondere il segnale elaborato con le tracce originali non elaborate e aumentare alcuni aspetti sonori senza sovrastare il suono naturale complessivo del mix.

In un mix jazz, spesso uso la compressione parallela sulla batteria, inviando le tracce della batteria a un bus con una forte compressione e poi mixando il tutto con la batteria originale non processata. Alla fine si ottiene un suono di batteria molto più incisivo e coeso, che mantiene comunque la sottigliezza e la dinamica essenziali per il jazz.

Il riverbero parallelo è ottimo allo stesso modo. Ad esempio, potrei inviare una traccia di sassofono o tromba a un bus dedicato al riverbero per creare un senso di spazio ambientale senza farlo suonare distante o sbiadito. Naturalmente, a meno che il musicista non lo richieda, è meglio andare per gradi con gli effetti spaziali come il riverbero e il delay.

8. Sfruttare l'automazione dei volumi

L'automazione del volume regna sovrana sulla compressione quando si mixa musica jazz. Invece di sentire alcuni picchi e cercare un compressore per controllarli, si può usare l'automazione del volume per abbassarli e ottenere un controllo più preciso e naturale.

La compressione, anche se applicata in modo relativamente leggero, può spegnere la vita di un momento solistico spontaneo. D'altra parte, l'automazione del volume consente di esaltare o attenuare alcune parti dell'esecuzione secondo le necessità, dando a voi il controllo per assicurarvi che ogni sfumatura sia ascoltata esattamente come previsto.

9. Siate sottili con gli effetti

Il modo in cui si utilizzano gli effetti nel proprio album jazz può influenzare il suono "senza tempo".

Alcuni dischi, come quelli dell'era jazz fusion degli anni '70 con il loro caratteristico basso carico di phaser, o i dischi rock degli anni '80 caratterizzati dall'uso massiccio di riverberi gated, possono suonare decisamente datati a causa degli effetti prevalenti del loro tempo.

Certo, i produttori e gli ingegneri probabilmente pensavano di essere innovativi all'epoca, e anche se lo erano, questo vincolo lega quei dischi a un periodo specifico, limitandone l'attrattiva per gli ascoltatori futuri.

La chiave per evitare che un disco suoni datato è servire soprattutto le esigenze della musica. Lasciate che sia il disco stesso a dettare l'uso o meno degli effetti. Ad esempio, un disco di jazz che vuole catturare l'atmosfera acustica e dal vivo di un album Blue Note del 1960 trarrebbe beneficio da effetti minimi.

D'altra parte, un progetto di jazz fusion moderno, come Electric Masada o James Blood Ulmer, potrebbe incorporare volentieri effetti esoterici come delay e phaser per uscire dagli schemi del genere. La differenza è che questi effetti sarebbero parte integrante del suono, facendo un'affermazione artistica piuttosto che un effetto a basso costo.

10. Trovare il riverbero giusto

Invece di affidarsi a pesanti effetti temporali quando si mixa il jazz, spesso consiglio di orientarsi maggiormente verso le impostazioni di riverbero ambientale o di stanza. Questi tipi di riverberi sono progettati per emulare l'acustica naturale di uno spazio, fornendo un senso di aria e di dimensione che esalta l'atmosfera live della registrazione, senza sminuirne la musicalità.

L'obiettivo è far sentire la band come se stesse suonando insieme nello stesso spazio, anche se le tracce sono state registrate separatamente. I riverberi ambientali e ambientali possono riempire sottilmente gli spazi vuoti tra gli strumenti, unendoli in un palcoscenico coeso che rispecchia l'esperienza di un jazz club o di una sala da concerto dal vivo.

Quando si sceglie un riverbero per un mix jazz, bisogna considerare impostazioni che offrano un senso di spazio realistico con un tempo di decadimento relativamente breve.

11. Attenzione alle guerre del loudness

Sono certo che a questo punto ne abbiamo tutti abbastanza di sentir parlare di "guerre del loudness". Tuttavia, ciò non significa che non sia ancora in atto una tendenza verso pratiche di masterizzazione sempre più aggressive, volte a rendere la musica il più rumorosa possibile.

Il fatto è che questa ricerca del massimo volume non è in linea con l'etica del jazz. I mix jazz prosperano sul flusso e riflusso dell'intensità, i momenti di calma sono espressivi quanto quelli di volume.

Quando si prepara un mix jazz per il mastering e l'eventuale streaming o trasmissione, occorre prestare particolare attenzione a mantenere l'integrità dinamica. Spingere troppo forte un mix jazz nel limiter o nel codec può introdurre distorsioni o artefatti indesiderati. I piatti spesso subiscono il peso di questo trattamento aggressivo.

Essendo uno degli elementi più vitali della musica jazz, i piatti contribuiscono in modo significativo alla sensazione e all'atmosfera di un brano. Quando sono eccessivamente limitati, però, si ottiene un mix che sembra limitato e artificiale. Questo è probabilmente uno dei motivi per cui non si sentono molti piatti pesanti nella musica pop. Non vanno d'accordo con un mastering pesante.

Invece di spingere al massimo il volume per aiutare il vostro mix a distinguersi dalle altre piattaforme di streaming, è meglio abbracciare la gamma dinamica piuttosto che far sì che gli algoritmi di streaming spingano il vostro master verso il basso come una penalizzazione del volume.

12. Utilizzare gli equalizzatori hardware

L'equalizzazione può influenzare in modo significativo il suono del mix finale.

Optando per equalizzatori hardware più conservativi e classici o per le loro emulazioni plugin si può aggiungere quel dolce strato di ricchezza e sottigliezza analogica che funziona magnificamente nel jazz. Non sono altrettanto precisi, ma è proprio questo il punto. Vogliamo che le nostre scelte di equalizzazione siano musicali, non chirurgiche.

Il Pultec EQP-1A è uno dei miei preferiti in assoluto per il missaggio di dischi jazz. Ha la capacità unica di tagliare e potenziare simultaneamente la stessa frequenza, il che può aggiungere profondità e presenza a un basso verticale, per esempio.

Le emulazioni Neve 1073 sono ottime anche quando si desidera addolcire le voci, pur mantenendo un'atmosfera organica.

13. Riferimento ad altri mix

Il riferimento è una pratica inestimabile per qualsiasi tecnico di missaggio, indipendentemente dal genere su cui si lavora. Per fortuna, nel jazz abbiamo decenni di riferimenti sonori che ci guidano nel processo di missaggio.

Scegliete un brano jazz mixato e masterizzato professionalmente che abbia delle somiglianze con il vostro e analizzatelo attentamente per capire come bilanciare gli strumenti, gestire le dinamiche e applicare gli effetti in modo da aumentare l'impatto emotivo e la chiarezza della musica.

Dopo aver mixato per ore e ore, può essere difficile mantenere una nuova prospettiva. Con il referenziamento, avete la prospettiva corretta davanti a voi per ricontrollare le vostre decisioni in qualsiasi momento e assicurarvi di essere sulla strada giusta.

Il risultato finale

Rispetto ad altri generi musicali, la musica jazz può essere piuttosto difficile da mixare. La difficoltà di mixare strumenti acustici in una registrazione dal vivo e l'impossibilità di nascondere i difetti dietro effetti come la compressione e il riverbero.

Ecco perché è così importante fare le cose per bene durante il processo di registrazione. Qualsiasi grande mixer jazz vi dirà che i dischi jazz leggendari non nascono dal processo di missaggio, ma dagli esecutori, dalla composizione e dalla registrazione. Una volta nelle vostre mani, il vostro unico compito è quello di elevare l'esperienza di ascolto.

Che questi consigli vi ispirino a mixare con la sensibilità e la fluidità che il jazz richiede, in modo che ogni brano che toccate suoni, suoni e risuoni per le generazioni a venire!