Indipendentemente dal tipo di mix a cui sto lavorando, ci sono alcune qualità che spesso ricerco: ampiezza, profondità, precisione e incisività. Questi obiettivi sono piuttosto coerenti, indipendentemente dal genere. Dal jazz più fluido all'EDM più dura, ci sono alcuni principi che di solito mi guidano, come "ripulire le basse frequenze" e "far sì che i suoni si incollino tra loro".

Tuttavia, quando si mixa la musica metal, soprattutto quella moderna, con i suoi tempi veloci e gli arrangiamenti densi, il libro dei giochi cambia. Pur continuando a utilizzare alcune tecniche tradizionali come base, l'intensità richiesta da ogni strato richiede un tocco più innovativo.

Oggi voglio presentarvi una guida approfondita sul mixaggio della musica metal, dall'inizio alla fine. Posso affermare con convinzione che, dopo averla letta, non avrete bisogno di un'altra guida per ottenere la chiarezza e l'aggressività che cercate nei vostri mix metal.

Ma prima voglio rispondere a una domanda importante.

Perché la miscelazione dei metalli è così difficile?

Mi sembra di vedere sempre nuovi video su YouTube con consigli per la miscelazione del metallo. Naturalmente, non sarebbero così popolari se la gente non facesse così tanta fatica a miscelarlo.

La domanda è: perché è molto più difficile che mixare la normale musica pop?

Composizioni dense

La musica metal moderna utilizza spesso arrangiamenti densi e complessi, con più tracce di chitarra, doppia cassa e riff veloci e ultra-distorti. Questa densità può rendere difficile garantire che ogni strumento venga ascoltato chiaramente senza finire in una grande palla di poltiglia.

Inoltre, la distorsione pesante è diventata un segno distintivo del metal. La usiamo per ottenere quei toni grintosi e aggressivi di chitarra e basso che tutti conosciamo e amiamo. Un effetto collaterale della distorsione, tuttavia, è che aumenta il contenuto armonico. Se non si fa attenzione, si rischia di ottenere un mix fangoso e di oscurare la definizione tra i diversi livelli. Trovare questo delicato equilibrio è una delle difficoltà di molti ingegneri principianti.

Collocazione vocale

Le voci del metal possono variare molto.

Dal canto pulito alla Dio agli strilli aggressivi dei maiali, ai growls e alle urla, capire come posizionare la voce in un mix già denso può essere una sfida. Non si vuole che le voci vengano coperte da un muro di chitarre, ma non si vuole nemmeno che si trovino in cima alla strumentazione come in un mix pop.

Stanchezza

La musica metal ha un'energia implacabile.

Dopo un po' di tempo, ascoltare lo stesso blast beat e lo stesso riff cromatico può essere scoraggiante. A differenza di un brano R&B lo-fi, le caratteristiche aspre del metal possono rendere difficile l'ascolto per lunghi periodi.

Al di là degli aspetti fisici, il metal tratta spesso temi aggressivi e intensità emotiva. Alcuni brani richiedono un notevole sforzo psicologico da parte del musicista per non esaurirsi subito. L'ascolto a livelli ragionevoli e le pause frequenti sono fondamentali.

Utilizzo di campioni

Molti tecnici del missaggio della vecchia scuola potrebbero dirvi che l'uso di campioni di batteria nel missaggio del metal è un'eresia. Se si ottiene la registrazione giusta e si sa come usare l'equalizzazione e la compressione, non si dovrebbe aver bisogno di un rinforzo di campioni di batteria, giusto?

Spesso non è così, soprattutto quando il mix che vi è stato inviato ha una batteria troppo dinamica, registrata male in una stanza dal suono pessimo.

Per molti versi, l'uso di campioni di batteria è diventato comune come l'uso dell'autotune in un mix pop. Così come le nostre orecchie si sono abituate a sentire un'intonazione perfetta nelle nostre canzoni pop preferite, si sono abituate anche alla potenza e alla precisione dei mix metal moderni.

A volte, l'utilizzo di campioni di batteria è la via più veloce per raggiungere l'obiettivo, quindi perché non approfittarne?

I campioni giusti possono migliorare la potenza e la coerenza della batteria nel corso della traccia, assicurando che ogni colpo abbia lo stesso impatto di quello precedente. Ciò è particolarmente utile nei mix metal, in quanto si desidera una batteria che tagli i muri densi di chitarra e basso senza perdere la sua ferocia.

Trovare un equilibrio

Non vi sto dicendo di cancellare ciò che il tecnico di registrazione ha lavorato instancabilmente per creare. La registrazione originale è il luogo in cui si trovano il suono e l'emozione unici del brano. Se la sostituite completamente con dei campioni, vi ritroverete con una batteria che suona come quella di tutti gli altri.

La chiave è trovare il giusto equilibrio tra i suoni di batteria originali e i campioni aggiunti.

Il mio obiettivo è spesso quello di integrare ed esaltare i toni naturali della batteria piuttosto che sostituirli completamente, in modo che il kit mantenga il suo carattere unico pur beneficiando dell'aggiunta di punch e chiarezza che i campioni possono fornire.

Per questo motivo di solito preferisco aggiungere campioni di batteria registrati durante la sessione piuttosto che usare campioni di terze parti, in quanto danno un suono più coeso che si fonde naturalmente con le proprietà acustiche del kit. Naturalmente, se non si dispone di campioni della sessione, vanno bene anche campioni di terze parti accuratamente selezionati che si adattano perfettamente al suono del kit. Basta tenere l'orecchio aperto e scegliere sempre di mantenere l'integrità del suono originale della batteria.

L'integrazione di campioni di batteria in un mix metal può essere affrontata in due modi. Un metodo è la sostituzione dei campioni, in cui i trigger della batteria originale vengono utilizzati per attivare i campioni. Questo metodo può essere particolarmente utile per rinforzare i colpi deboli o inconsistenti. Un altro approccio è quello del sample blending, in cui i campioni vengono mescolati ai colpi originali per aggiungere peso e corpo senza superare completamente il suono naturale della batteria.

Come integrare i campioni

Fortunatamente, questo processo è più facile che mai. Abbiamo a disposizione tonnellate di plugin per aggiungere campioni di batteria. Tra le scelte più popolari ci sono Trigger di Slate Digital, che offre un'elevata precisione e flessibilità per il triggering e il blending, e Superior Drummer di Toontrack, che dispone di un'ampia libreria di campioni di alta qualità che potete personalizzare completamente per adattarli al vostro mix.

Come la maggior parte dei mix engineer metal, negli ultimi anni mi sono affezionato a Steven Slate Drums. È ottimo quando si vogliono suoni di batteria realistici che possono essere facilmente integrati nelle produzioni metal. Le capacità di editing sono fantastiche e trovo sempre facile adattare i campioni al mio mix in modo perfetto.

Ora che abbiamo esplorato le sfumature dell'arte di usare i campioni di batteria nel mixaggio del metal, passiamo al panorama più ampio del processo di mixaggio del metal.

Il processo di miscelazione dei metalli

Metà della battaglia del mixaggio della musica metal consiste nell'ottenere i suoni giusti alla fonte, anche se una volta che si ha la sensazione di averli a disposizione, si può iniziare il compito di farli combaciare al meglio.

1. Allineamento di fase e tempo

Il primo passo è assicurarsi che tutto sia in fase e in tempo.

Senza questa fase, è quasi impossibile ottenere la potenza e la chiarezza desiderate dal vostro mix di metalli.

Fonti della grancassa

Quando si ha a che fare con più sorgenti per la grancassa, come diversi microfoni e campioni aggiunti, è necessario assicurarsi che siano coerenti in fase. Ciò comporta l'allineamento delle forme d'onda di ogni sorgente di cassa in modo che si completino e non si annullino a vicenda.

Un metodo semplice consiste nell'ingrandire le forme d'onda nella DAW e regolare manualmente la tempistica delle tracce fino a quando i picchi e le depressioni si allineano il più possibile. In questo modo si massimizza l'impatto del suono combinato.

Raccomando inoltre di selezionare una sorgente di cassa che domini le frequenze basse o sub, per evitare scontri di frequenza tra di esse. Assegnando la responsabilità delle frequenze secondarie a un'unica sorgente, si ottiene una gamma bassa più focalizzata e d'impatto, consentendo agli altri elementi della batteria e del mix di collocarsi più comodamente nelle rispettive gamme di frequenza.

Tracce di rullante, overhead e microfoni da camera

Prestate la stessa attenzione anche alle tracce dei rullanti, alle testate e ai microfoni di sala.

Per i rullanti, allineare il microfono ravvicinato con i campioni utilizzati. Anche i microfoni overhead e room devono essere controllati rispetto ai microfoni close per assicurarsi che siano in fase. Potrebbe essere necessario attivare l'interruttore di fase sulla striscia di canali della DAW e ascoltare quale posizione offre un suono più pieno.

Se volete accelerare il processo, ci sono tonnellate di plugin di allineamento automatico che possono regolare automaticamente i tempi e la fase, come Sound Radix Auto-Align o Waves In-Phase.

Tracce DI e amplificatore per basso

L'allineamento della traccia DI (iniezione diretta) del basso con la traccia dell'amplificatore del basso microfonato (se ne avete uno) è il passo successivo, fondamentale.

Poiché queste tracce rappresentano la stessa performance catturata in modi diversi, allineandole si ottiene un tono di basso più stretto e coeso. È sufficiente far coincidere il transiente iniziale della forma d'onda della traccia DI con quello della traccia dell'amplificatore per rinforzarli.

Assicurarsi che tutti gli strumenti siano in tempo

Naturalmente, bisogna anche assicurarsi che tutti gli strumenti siano a tempo l'uno con l'altro, senza risucchiare la vita dell'esecuzione. Ecco i passi che compio di solito:

• Iniziate dalla sezione ritmica e allineate prima le tracce di batteria. Saranno la spina dorsale del mix, quindi dovrete assicurarvi che siano abbastanza strette sulla griglia per garantire la coerenza, ma non così strette da perdere il senso di umanità.
• Allineare il basso alla cassa. L'interazione tra questi due elementi è fondamentale per rafforzare il groove.
• Controllare l'allineamento delle chitarre ritmiche con le tracce di batteria e basso ed effettuare le regolazioni necessarie per garantire la tenuta.
• Infine, allineare eventuali strumenti o voci aggiuntive per assicurarsi che si adattino bene alla base ritmica stabilita.

2. Raggruppamento

Poi, mi piace raggruppare gli strumenti in bus, instradando più tracce di strumenti simili, come batteria, chitarra o voce, in singoli canali bus.

Questo approccio non solo snellisce il flusso di lavoro del missaggio, consentendomi di elaborare più tracce contemporaneamente, ma aiuta anche a ottenere un suono più coeso. Applicando effetti, equalizzazione e compressione a un gruppo di strumenti nel loro insieme, è possibile incollarli.

Inoltre, l'uso di un singolo EQ su un muro di chitarre consente di risparmiare più CPU rispetto all'uso di un gruppo di plug-in di EQ su singole tracce con le stesse impostazioni.

3. Bilanciamento del volume

Il bilanciamento del volume dovrebbe essere l'obiettivo principale di qualsiasi mix. Se non si riesce a ottenere questo risultato, nessuna quantità di equalizzazione, compressione o effetti potrà essere d'aiuto.

Durante la fase di bilanciamento del volume, ci si deve assicurare che ogni elemento della traccia sia sentito (o percepito) chiaramente e che contribuisca all'impatto complessivo senza sovrastare il mix. Di solito mi attengo alla regola generale di mantenere almeno 6 dB di headroom durante questo processo per evitare il clipping digitale e lasciare spazio sufficiente per l'eventuale processo di masterizzazione.

Tamburi in equilibrio

Un suono di batteria potente è un punto fermo della musica metal moderna e per ottenere questo suono è bene dare la priorità ai microfoni spot della batteria rispetto a quelli overhead o a quelli da sala. Questo approccio consente un controllo più preciso sui singoli elementi della batteria.

Potreste iniziare con il kick e il rullante, per poi mescolare con cura tom e piatti a seconda dei gusti. Il modo in cui bilanciare la batteria dipenderà completamente dal brano, anche se un consiglio che posso darvi è di fare attenzione agli overhead. Molti mix metal amatoriali suonano duri e abrasivi perché il tecnico del mixaggio ha fatto salire i piatti troppo in alto.

Bilanciamento di bassi e chitarre

Il bilanciamento di basso e chitarre rispetto alla batteria è il passo successivo.

Il basso deve essere complementare alla grancassa, riempiendo le frequenze basse senza calpestarle. Alla fine lo equalizzeremo e lo comprimeremo, quindi non siate troppo duri con voi stessi se non suona subito perfetto.

Di solito mi piace assolare il mio kick e alzare il fader del basso fino a quando non si sente bloccato. Lo riconoscerete quando lo sentirete.

Per quanto riguarda le chitarre, spesso sono le protagoniste della musica metal. Assicuratevi che si distinguano chiaramente senza dominare la batteria e il basso.

Bilanciamento delle voci

Non c'è molto da dire quando si tratta di bilanciare i livelli delle voci, in quanto saranno determinati in gran parte dallo stile e dal tipo di performance. Molti stili aggressivi richiedono che la voce abbia un posto di rilievo nel mix, mentre le parti più melodiche o atmosferiche possono fondersi maggiormente con lo sfondo strumentale.

A molti gruppi metal che ho mixato piace che le loro voci siano più indietro nel mix. Mi vengono sempre in mente i Deftones, perché ho l'impressione che a Chino piaccia molto che le sue voci si fondano con la strumentazione, piuttosto che spiccare.

L'idea è che l'intelligibilità non sia sempre fondamentale, soprattutto se si vuole distogliere l'attenzione dalle chitarre o dalla batteria.

4. Panning

Ora, notate che non ho ancora parlato di panning.

Questo perché mi piace ottenere il bilanciamento del volume in mono. Naturalmente, i livelli relativi cambieranno una volta che avrò iniziato a fare il panning, ma per me è più facile assicurarmi che il mio bilanciamento approssimativo suoni bene in mono prima di concentrarmi altrove.

Un buon panning svolge un ruolo cruciale nella creazione di un mix spazioso. Senza di esso è facile che le cose suonino congestionate, soprattutto nei mix più densi.

Di solito mi piace iniziare con una forte base centrale, mantenendo kick, snare, basso e voce principale al centro, per poi distribuire strategicamente chitarre, tastiere e voci di accompagnamento sul campo stereo per creare contrasto.

Le chitarre raddoppiate vanno spesso a destra e a sinistra, anche se a volte le metto leggermente in pan e le automatizzo verso l'esterno durante il ritornello per renderlo più d'impatto.

È anche una buona idea considerare come volete che la vostra batteria sia posizionata: dalla prospettiva del batterista o da quella del pubblico?

Errori di scansione da evitare

Ci sono alcune insidie da evitare nel panning.

Per cominciare, l'eccesso di panificazione degli strumenti all'estrema destra o sinistra può creare un mix sbilanciato, soprattutto se si esegue un pan di un elemento con una sola direzione e nulla dall'altra parte per bilanciarlo.

Inoltre, trascurare la relazione di fase tra sorgenti microfonate e DI quando sono separate dal panning può dare origine a un suono debole o vuoto; per questo motivo raccomando sempre di controllare regolarmente il mix in mono per assicurarsi che gli elementi pannati non scompaiano o vadano in fase.

Inoltre, fate attenzione a non sovraffollare alcune aree del campo stereo. Se avete un riff di chitarra e una parte di pianoforte che suonano nella stessa gamma, considerate la possibilità di allontanarli l'uno dall'altro per creare un equilibrio, piuttosto che metterli uno sopra l'altro. Alla fine, non sarà necessario fare tanto lavoro di equalizzazione per ottenere la chiarezza desiderata.

5. EQ

L'equalizzazione è lo strumento successivo nel processo di missaggio. Permette di scolpire e perfezionare il bilanciamento tonale di ogni traccia all'interno del mix, in modo che tutte suonino bene l'una con l'altra.

Tuttavia, se da un lato l'equalizzazione offre ampie possibilità di migliorare un mix, dall'altro è altrettanto facile distruggerlo se non lo si tratta con rispetto.

Molti tecnici del missaggio hanno la tendenza a potenziare le frequenze prima di tentare di tagliarle.

Naturalmente, il boost è ottimo quando è necessario, in quanto può essere utilizzato per evidenziare le caratteristiche migliori di uno strumento, come il boom di un kick o la presenza di un assolo di chitarra. Un boost eccessivo, tuttavia, può portare a un mix disordinato in cui gli elementi competono per lo spazio. Alla fine, il risultato è fango e mancanza di definizione.

Invece, iniziate a tagliare le frequenze indesiderate per ripulire il suono. È sempre sorprendente come questo approccio riveli spesso un mix più chiaro e bilanciato, senza la necessità di ricorrere a incrementi significativi.

Un altro errore comune è quello di passare troppo tempo a equalizzare le tracce in solo.

Se da un lato questo può aiutare a identificare le frequenze problematiche, dall'altro non fornisce un contesto su come la traccia si colloca all'interno del mix. Gli strumenti e le voci possono suonare in modo molto diverso se isolati rispetto a quando sono mescolati con altri elementi.

È fondamentale prendere decisioni sull'equalizzazione nel contesto dell'intero mix, in modo che ogni regolazione contribuisca positivamente al suono complessivo.

Utilizzo dei filtri

Ottenere il giusto livello di basse frequenze in un mix è una delle cose più difficili nel mixaggio della musica metal.

La gamma bassa è portatrice del peso e della potenza del brano, ma quando non è gestita correttamente può portare a un mix fangoso e indefinito. Il mascheramento è spesso il principale responsabile di una gamma bassa scadente, in cui le frequenze sovrapposte di strumenti diversi ingombrano lo stesso spazio sonoro.

È qui che entrano in gioco i filtri passa-alto (HPF).

Con un filtro passa-alto è possibile rimuovere selettivamente le basse frequenze non necessarie dagli strumenti che non ne hanno bisogno, in modo che il basso e la grancassa possano ottenere il punch di cui hanno bisogno. Sebbene non esistano regole ferree, ecco alcuni suggerimenti di filtri passa-alto per diversi strumenti:

• Kick Drum: se i blast beat sono un po' flaccidi sul fondo, si può iniziare intorno ai 30-40 Hz per rendere il kick più stretto senza perdere il thump fondamentale.
• Basso: un HPF intorno ai 30-50 Hz può aiutare a rimuovere il rimbombo mantenendo la corposità, e a togliere di mezzo il kick.
• Rullante: iniziare con un HPF intorno agli 80-100 Hz. L'obiettivo è rimuovere il rimbombo delle basse frequenze al di sotto della frequenza fondamentale desiderata. Nel metallo, la parte più importante del rullante è la fessura.
• Tom: L'HPF intorno agli 80-120 Hz per i tom da rack e ai 60-100 Hz per i tom da pavimento, a seconda delle dimensioni e dell'accordatura, di solito funziona. Per i fill in cui i tom suonano da soli, si può anche automatizzare l'HPF in modo che sia disattivato, riportando i sub per un secondo.
• Hi-Hat e piatti: L'applicazione di un HPF intorno ai 200-300 Hz è ottima per ripulire i rumori a bassa frequenza. Non è necessario che questi elementi siano molto corposi.
• Microfoni a testa alta: Non è raro impostare un HPF a 300 o 400 Hz. I microfoni overhead dovrebbero concentrarsi sulla cattura del luccichio dei piatti e dell'immagine spaziale della batteria. Di solito mi piace osservare dove si trova la frequenza fondamentale del mio ride, in modo da non superarla e perdere il suo carattere.
• Microfoni ambientali: Un HPF intorno agli 80-20 Hz può eliminare il rimbombo indesiderato delle basse frequenze e rafforzare il suono complessivo del kit, anche se dipende da come si vuole che la stanza contribuisca al mix.
• Chitarre elettriche: Il filtraggio al di sotto dei 60-100 Hz può sbarazzarsi del rombo risonante delle basse frequenze e del thump del cabinato, anche se ciò può cambiare a seconda dell'accordatura.
• Voce: La maggior parte delle voci non ha un contenuto utilizzabile al di sotto degli 80 Hz, motivo per cui un HPF intorno agli 80-100 Hz può essere ottimo per eliminare le plosive e i rimbombi in gamma bassa che non sono essenziali per la chiarezza della voce. Con le voci maschili o femminili più alte, si può anche arrivare a un livello superiore.

I filtri passa-basso (LPF), invece, sono spesso trascurati, anche se sono altrettanto fondamentali. Di solito applico filtri passa-basso alle chitarre e ai bassi elettrici per eliminare l'effervescenza delle alte frequenze. Le chitarre metal, ad esempio, sono spesso sottoposte a un'equalizzazione "cut-off-the-crust", con un roll-off nei bassi e negli alti per posizionarle al centro e togliere di mezzo gli elementi che dovrebbero essere presenti in quelle regioni.

In generale

Ci sono infiniti modi per affrontare l'equalizzazione e, prima di addentrarmi in strumenti specifici, voglio illustrare alcuni suggerimenti che potrebbero esservi utili.

Per cominciare, evitate di aumentare o ridurre la stessa frequenza su più strumenti. Ciò può portare a un accumulo di frequenze o a un assottigliamento eccessivo in particolari aree del mix, causando una mancanza di chiarezza e di separazione tra gli strumenti. Per esempio, se si amplificano i medio-bassi sia sulla chitarra ritmica che sul basso, si può ottenere un mix fangoso in cui nessuno degli strumenti si distingue.

Un'altra strategia efficace consiste nell'attenuare gli strumenti che ne mascherano altri, anziché aumentare le frequenze dello strumento mascherato. In questo modo, si otterrà un mix più naturale e dinamico. Ad esempio, se le chitarre ritmiche mascherano il rullante, invece di aumentare le frequenze medie superiori del rullante (che possono rendere il suono aspro o innaturale), provate a ridurre leggermente le frequenze delle chitarre. Questa sottile regolazione può svelare la presenza e l'impatto del rullante senza alterarne il tono intrinseco.

Infine, sperimentate scelte di equalizzazione speculari. Con questo intendo dire che si tratta di regolazioni complementari dell'equalizzazione su strumenti diversi, in modo da farli combaciare come pezzi di un puzzle. Ad esempio, se tagliate alcune frequenze medio-basse sul basso per eliminare la fangosità, potreste aumentare leggermente le stesse frequenze sulla grancassa per mantenere la pienezza in quella gamma di frequenze.

Equalizzazione di diversi strumenti

Come ho accennato in precedenza, non esiste un approccio unico all'equalizzazione, poiché ogni mix contiene elementi diversi che suonano in modo completamente diverso. Non tutte le chitarre distorte hanno lo stesso suono, così come non tutti i bassi hanno la stessa gamma bassa o media.

Mentre vi illustro questi consigli generali, voglio che lo teniate a mente.

Tamburo a pedale

È importante notare che la fondamentale della maggior parte dei calci si trova tra i 60 e gli 80 Hz.

Se avete bisogno di maggiore potenza e peso, potete aumentare il volume in questa zona. Fate però attenzione, perché grandi incrementi in questa regione possono finire per avere un suono rimbombante, soprattutto con i doppi calci veloci.

A volte mi piace applicare un leggero boost tra i 3 e i 5 kHz per migliorare l'attacco del battente e dargli quel suono di "click" che può aiutarlo ad articolarsi in mezzo a chitarre fortemente distorte. Se state mixando un kick che sembra troppo rimbombante e manca di definizione, tagliare alcune frequenze intorno ai 250-400 Hz può ripulirlo e toglierlo di mezzo dai toni medio-bassi della chitarra.

Rullante

Nella musica metal, di solito si desidera un rullante corto e scattante. Se il rullante non riesce ad incidere nel mix, si possono potenziare i medi superiori intorno ai 2-4 kHz per far risaltare il suono del rullante. D'altra parte, un leggero aumento intorno ai 200 Hz può aggiungere corpo e peso, nel caso in cui il rullante suoni un po' sottile.

Se il suono del rullante è un po' aspro, vi consiglio di guardare intorno a 1 kHz per vedere dove potete fare dei piccoli tagli.

Hi-Hat e piatti

Per gli hi-hat e i piatti, l'obiettivo in un mix metal è una presenza nitida e ariosa che integri l'energia generale senza diventare penetrante o opprimente.

Dopo il filtro passa-alto, si può provare ad aumentare leggermente il volume a 6-10 kHz per far risaltare la naturale brillantezza se il suono è scialbo o si perde nel mix. Se il suono è sottile o aspro, potete eliminare le risonanze aspre intorno ai 2-4 kHz. Inoltre, in questo modo i piatti e i cappelli non saranno più di intralcio alle voci!

Toms

I tom sono spesso utilizzati nel metal per riempimenti e transizioni drammatiche. Ci sono due cose che in genere voglio da loro: il punch delle basse frequenze e la chiarezza dell'attacco.

I potenziamenti intorno agli 80-100 Hz (soprattutto sul floor tom) possono arricchire il tono fondamentale, mentre un leggero taglio intorno ai 400-600 Hz può contribuire a ridurre l'inscatolamento. Aumentando l'attacco dei tom intorno ai 3-5 kHz si può aiutarli a penetrare nel mix.

Basso

Il ruolo del basso nel metal è quello di unirsi alla cassa e fornire una base solida.

Spesso mi piace potenziare leggermente i toni intorno agli 80-100 Hz per rinforzare i toni fondamentali del basso, soprattutto se sembra che manchi l'estremo inferiore. Di solito riduco anche un po' di fangosità intorno ai 200-250 Hz, poiché le frequenze possono accumularsi molto velocemente in questa zona.

Se non si riesce a sentire bene il basso attraverso il muro di chitarre, un leggero boost intorno ai 700 Hz - 1 kHz, unito a una distorsione di fascia alta, può aiutare ad articolare il suono delle dita o del plettro del basso.

Chitarra elettrica

Il modo in cui equalizzo le chitarre metal può variare. Un assolo di chitarra solista è diverso da una chitarra ritmica distorta, che è diversa da una parte ambient pulita e scintillante.

Per brevità, parliamo di chitarre metal dirette, pesanti e ad alto guadagno, come quelle che ci si aspetta di sentire in un disco degli Slayer.

Se ho l'impressione che le mie chitarre metal suonino fangose, le taglio intorno ai 300-400 Hz e se ritengo che abbiano bisogno di un po' più di definizione, le porto in avanti a 800 Hz. Se ho a che fare con chitarre soliste che hanno bisogno di un po' di mordente in più per emergere tra tutti gli strumenti del mix, apporterò un leggero incremento intorno ai 3 kHz.

Voce

Anche le voci nel metal variano molto, passando da growls gutturali a melodie svettanti.

Ognuno di essi richiede un approccio personalizzato per essere inserito correttamente nel mix. Tuttavia, rispetto a un mix pop, in cui potrei voler impiegare un potenziamento delle alte frequenze al di sopra dei 10 kHz per dare alle voci quella lucentezza scintillante, mi piace concentrarmi maggiormente sulle medie alte quando mixo il metal o il rock.

Un'amplificazione intorno ai 2-5 kHz può contribuire a dare maggiore presenza ed energia alla voce. Tuttavia, se una spinta in quell'area suona troppo dura, si può provare ad attenuare intorno ai 200-300Hz e ad aumentare il volume complessivo della voce.

6. Compressione

La compressione può essere un punto critico per molti nuovi ingegneri, in quanto può essere difficile da ascoltare.

Fortunatamente, nel metal si può essere un po' più aggressivi con la compressione, il che richiede meno finezza rispetto a un mix jazz o R&B.

L'elemento più importante da mantenere costante è la batteria.

Compressione dei tamburi

Per la grancassa, un rapporto da moderato ad alto (da 4:1 a 8:1 circa) con un attacco lento può aiutare a enfatizzare il transiente iniziale, conferendogli punch e presenza, comprimendo al contempo il corpo. Il rullante richiede spesso un approccio simile, con l'aggiunta di un'attenzione al tempo di rilascio per migliorare il decadimento naturale del tamburo.

I tom possono essere compressi con un rapporto leggermente inferiore (3:1) e un tempo di attacco medio per preservare i loro riempimenti dinamici senza appiattire le loro prestazioni. Gli overhead richiedono in genere una compressione meno aggressiva (se non addirittura nulla), poiché mi piace concentrarmi maggiormente sull'incollaggio del kit. D'altra parte, sentitevi liberi di distruggere i microfoni della stanza, perché è un ottimo modo per dare un po' di vita al kit!

Naturalmente, a questo punto è possibile utilizzare anche la compressione parallela, ma ne parleremo più avanti.

Compressione dei bassi

Comprimendo il basso, è possibile ancorare la gamma bassa di un mix metal.

Mi piace utilizzare due compressori in serie, che consentono sia un sottile controllo della dinamica sia la conservazione del tono naturale del basso. Il primo compressore può essere impostato con un rapporto elevato (circa 8:1) e un attacco più veloce per catturare i picchi, mentre il secondo compressore, con un rapporto più basso e un attacco più lento, per uniformare la performance nel suo complesso.

Compressione vocale

Le voci possono avere una gamma dinamica piuttosto ampia, soprattutto quando i vocalist salgono e scendono di livello.

Nella maggior parte dei casi, le voci metal possono beneficiare di un rapporto di compressione più elevato (6:1 o superiore) per ottenere un suono più coerente. Un attacco veloce assicura che le parti aggressive siano immediatamente domate, mentre un tempo di rilascio medio aiuta il compressore a respirare con la performance.

7. Riverbero e ritardo

Quando uso il riverbero nella musica metal, mi piace affrontarlo con moderazione.

Gli arrangiamenti densi e i tempi veloci del metal lasciano poco spazio alla saturazione o al fango che un riverbero eccessivo può introdurre; per questo motivo consiglio di usarlo con parsimonia per esaltare, e non sovrastare, la potenza naturale degli strumenti e delle voci.

I piatti corti con impostazioni di pre-delay sono ideali per i rullanti e i tom, in quanto forniscono un miglioramento spaziale sufficiente a farli risaltare senza offuscarne l'attacco. Il pre-delay permette al colpo iniziale della batteria di tagliare il mix in modo netto prima che l'effetto di riverbero entri in gioco, aggiungendo un senso di profondità e dimensione senza sacrificare l'impatto percussivo.

Le piastre sono ottime anche per le voci, se il brano richiede un riverbero (a volte, gli slap delay o i ping-pong delay possono dare un senso di spazio senza la densità di un riverbero). Qualunque sia la scelta, è bene utilizzare l'equalizzazione sulla traccia di ritorno per scolpire il bilanciamento tonale, eliminando i bassi e gli alti non necessari.

Per quanto riguarda la maggior parte degli altri strumenti, l'uso del riverbero può essere piuttosto leggero. Alcune eccezioni potrebbero essere un riverbero di sala più grande usato con parsimonia su un assolo di chitarra solista o un riverbero di sala più stretto sulle chitarre ritmiche per aggiungere coesione.

Ulteriori suggerimenti per la miscelazione dei metalli

Dividere il basso

Per me, ottenere il giusto suono dei bassi nella musica metal significa dividerli in canali separati per le alte e le basse frequenze utilizzando l'equalizzatore. Questo è ottimo per elaborare ciascuna gamma di frequenze in modo indipendente.

Isolando le basse frequenze, è possibile preservare il rombo pulito e fondante del basso e il suo calore, in modo che sostenga solidamente il mix senza essere fangoso. Sul canale delle alte frequenze, invece, è possibile inserire un po' di saturazione e distorsione per far emergere la grinta e il carattere del basso, facendolo emergere anche negli arrangiamenti più densi.

Per quanto riguarda la scelta del filtro passa-alto e passa-basso, di solito preferisco che i bassi abbiano un cutoff LPF intorno ai 150-250 Hz e che i bassi saturi abbiano un HPF intorno ai 200-300 Hz.

Controllo dei medio-bassi nelle chitarre elettriche

L'utilizzo di un compressore multibanda per concentrarsi sui medi bassi delle chitarre elettriche, in particolare durante le sezioni in palm-muted, è una tecnica sacra nel mixaggio del metal.

I riff in palm-muted sono un punto fermo della musica heavy. Tuttavia, senza un trattamento accurato, possono talvolta suonare fangosi o poco definiti. Con un compressore multibanda, come FabFilter MB, è possibile controllare e rendere più rigide le chitarre, in modo che la gamma di frequenze non risulti più evidente ogni volta che le chitarre si trovano in una sezione palm-muted.

Il segreto è isolare la gamma di frequenze in cui i palmari risuonano maggiormente, spesso tra 200 e 500 Hz, e applicare la compressione in modo selettivo a questa banda. Il risultato finale è una chitarra metal controllata ma chiara.

Uso dell'elaborazione parallela sulle voci

Infine, vorrei parlare dell'uso della compressione parallela e della distorsione sulle voci per contribuire a dare loro aggressività.

La compressione parallela, altrimenti nota come compressione di New York, consiste nel mixare una versione fortemente compressa della traccia vocale con la traccia originale non compressa. Questo metodo consente alle voci di mantenere la loro dinamica e le loro sfumature naturali, mentre il segnale compresso fa emergere una presenza coerente e potente in tutto il mix.

Il risultato è una voce che taglia i brani strumentali densi senza perdere la sua gamma espressiva.

L'aggiunta di distorsione in parallelo offre vantaggi simili.

Si ottiene tutta l'aggressività e l'energia di una traccia vocale ad alta intensità senza perdere l'intelligibilità o la qualità della voce naturale.

Pensieri finali - Mixare il metallo come un professionista

Mixare la musica metal è molto divertente e ci sono tanti suggerimenti, trucchi e tecniche fantastiche che potete usare per essere creativi con tutti gli elementi nei vostri mix. Anche se non siete appassionati di musica pesante o aggressiva, potete imparare molto immergendovi in un mix metal. Inoltre, molte delle abilità acquisite nel mixaggio del metal sono utilizzabili anche in altri generi, dall'hip-hop al reggae e oltre.

Mantenete la pesantezza!