La ripetizione nella musica è il fulcro della produzione musicale e spesso è la forza trainante di canzoni orecchiabili che rimangono impresse nella nostra mente all'infinito. È un fenomeno affascinante che accomuna tutte le persone: un'attrazione atavica per le strutture melodiche e ritmiche che in qualche modo ci collegano tutti dalla notte dei tempi.

Questo è possibile grazie ai pattern. Che siano melodici o ritmici, i pattern in musica sono sequenze sonore in grado di creare un effetto ipnotico nell'ascoltatore, immergendolo in un paesaggio sonoro definito dalla ripetizione e dall'evoluzione.

Ma cosa sono esattamente i pattern musicali, i groove e i ritmi? Sebbene si tratti di concetti che diamo per scontati (tutti battiamo i piedi quando sentiamo un bel ritmo o canticchiamo una melodia che ci piace), c'è una struttura chiara dietro l'irresistibile impulso a ballare una canzone, ed è proprio di questo che parleremo oggi.

Questo articolo si propone di spiegare la vera natura dei pattern musicali e come utilizzarli per migliorare la vostra produzione musicale. Sia che abbiate appena iniziato il vostro viaggio nella composizione musicale, sia che vogliate semplicemente capire meglio la teoria musicale, qui vi spiegheremo tutto.

Definizioni di schemi ritmici e melodici

Probabilmente avrete sentito le definizioni che seguono più volte nel corso della vostra carriera scolastica, ma vale la pena di rinfrescare queste idee prima di approfondire il modo in cui possiamo utilizzare i modelli per trasformare il nostro processo di creazione della musica.

Schemi ritmici

In breve, un ritmo è una sequenza ripetuta di suoni o di movimenti, con il silenzio tra i suoni che compongono il ritmo. Il silenzio è fondamentale quanto i suoni che compongono il ritmo, in quanto danno un senso di movimento alla sequenza sonora.

I pattern ritmici possono evolversi, alternarsi, fermarsi e ripartire; il risultato è un complesso movimento di ritmo che spinge una canzone in avanti. Possono essere semplici o complessi, lunghi o brevi, ma tutti hanno uno scopo: essere le fondamenta di una canzone che gli ascoltatori possono seguire e i musicisti possono elaborare.

Pattern melodico

I pattern melodici, o pattern tonali, sono sequenze di note musicali disposte in ritmi che sono orecchiabili e ripetibili nel tempo. Sono l'aspetto cantabile di un brano, un "gancio" che gli ascoltatori possono ricordare. Sono una parte essenziale della musica popolare.

Questi motivi possono variare leggermente ogni volta che vengono suonati per coinvolgere l'ascoltatore e diversificare la canzone. Sono un aspetto cruciale per la creazione di un motivo, un breve passaggio ritmico o melodico ripetuto e sviluppato nel corso di un brano, che diventa la base o la parte più cruciale di una composizione musicale.

Cosa rende i modelli musicali... modelli?

Quindi, come interagiscono e si fondono tra loro tutte queste note? Come si fa a sapere se una sezione ritmica è coerente e coinvolgente? Come per la maggior parte delle cose nella teoria musicale, non ci sono confini chiari su ciò che si può o non si può fare con le note. Quando si tratta di pattern, si tratta di definire la struttura della nostra composizione e poi di costruirci sopra.

In sintesi, i pattern ritmici sono creati dalla combinazione di note con durate ed enfasi diverse, che formano un groove o un'atmosfera unica. I pattern melodici, invece, sono sequenze di note che si ripetono alla stessa altezza o ad altezze diverse, creando motivi o temi all'interno di una composizione.

Un disegno è una combinazione di diversi fattori che lo rendono unico, con ogni elemento che gioca un ruolo nella sua definizione: una leggera variazione di un elemento o dell'altro può dare vita a uno stato d'animo o a un'atmosfera completa.

In senso lato, un modello richiede i seguenti elementi:

Ripetizione

L'aspetto fondamentale di un pattern è la ripetizione. Può trattarsi di una serie di note, ritmi, accordi o persino di una progressione che si ripete nel corso di un brano. L'importante è che sia riconoscibile e memorabile per l'ascoltatore.

Prevedibilità

Gli schemi danno un senso di prevedibilità al brano, che è fondamentale se si vuole che la canzone piaccia. Gli ascoltatori di solito si aspettano che lo schema continui o ritorni una volta stabilito, ma si può anche cambiare lo schema originale per creare tensione, sollievo o sorpresa.

Coerenza

In un pattern ritmico, la coerenza può riguardare la durata delle note e delle pause; in un pattern melodico, può riguardare gli intervalli tra le note. Se un motivo è alla base della vostra canzone, la sua coerenza vi aiuterà a sviluppare il pezzo e ad aggiungervi varietà, pur mantenendo una base solida.

Riconoscimento

Quando una melodia o un ritmo sono orecchiabili? Quando si distingue dal resto della canzone tanto da essere percepita come un punto culminante, qualcosa su cui la canzone gravita o si basa.

Queste caratteristiche sono fondamentali sia per i pattern tonali che per quelli ritmici: più un pattern è riconoscibile e coerente, più il brano diventa coinvolgente per il pubblico. La differenza tra un pattern di successo e uno che non risuona con gli ascoltatori sta nella sua capacità di essere semplice ma unico. Non è affatto facile creare un pattern così memorabile, ma nella prossima sezione scopriremo come crearne uno da soli.

Come usare i pattern per fare musica

Ora che sapete cosa definisce un pattern, è il momento di sporcarsi le mani e capire come creare un solido pattern musicale. Per creare musica con i pattern, dovrete utilizzare sequenze ritmiche, melodiche e armoniche per creare una struttura solida per il vostro brano.

Utilizzo di schemi ritmici

Il pattern ritmico è la spina dorsale di un brano. È l'anima del groove, quindi deve fornire un ritmo coerente che gli altri musicisti possano seguire.

In breve, un ritmo è definito da tempo, battuta, metro, accentuazione, suddivisione, sincopi e pause:

Il tempo è la velocità con cui si muove la musica.

Il battito è l'unità di base del tempo.

Il metro mette insieme i battiti in serie regolari.

L'accentuazione enfatizza determinati battiti o note.

La suddivisione divide i battiti in unità più piccole.

La sincope sposta gli accenti per creare sorpresa.

Gli appoggi migliorano la forma e la sensazione di un ritmo.

Se il significato di questi elementi vi è chiaro, siete pronti a usarli per creare diversi groove. Una leggera variazione su ognuna di queste caratteristiche può dare vita a un beat completamente diverso, quindi prendetele una per una e vedete come possono rivoluzionare il vostro ritmo. Che siate batteristi o produttori di beat, una volta acquisita la padronanza dei fattori che definiscono il ritmo, sarete in grado di trasformare i comuni pattern ritmici in groove unici e di portare il vostro mestiere a un livello superiore.

Utilizzo di modelli melodici

I modelli melodici sono sequenze di note riconoscibili e memorabili in un brano. Questi elementi musicali possono essere ripetuti e variati nel corso di un brano: si può cambiare la tonalità, il ritmo o persino l'armonia, purché lo schema sottostante rimanga identificabile.

I pattern melodici possono assumere varie forme e possono essere utilizzati in molti modi:

Progressioni armoniche: Una sequenza di accordi ripetuti in una sezione di musica, come il famoso I-IV-V-I nel blues. Il ritmo armonico può aiutarvi a dare vita a progressioni potenti e facilmente riconoscibili.

Variazioni: Alterare il ritmo, la melodia o l'armonia per coinvolgere l'ascoltatore. Di solito, si tratta di una tecnica utilizzata quando il modello è già stato stabilito ed è riconoscibile dall'ascoltatore.

Struttura: ad esempio, la struttura strofa-coro di molte canzoni pop si basa su schemi ripetuti sia del testo che della musica. Questi schemi aiutano gli ascoltatori a capire e ricordare la canzone.

Improvvisazione: un modello può essere la base per la musica improvvisata, qualcosa su cui i musicisti possono basarsi e costruire.

Composizione: i pattern possono essere uno strumento per strutturare le idee. Le nuove canzoni possono iniziare con un semplice pattern e poi evolversi, aggiungendo strati di altri pattern in cima a quello originale.

La teoria musicale alla base dei modelli ritmici e melodici

Sia che stiate lavorando su uno schema ritmico o musicale, la comprensione del sistema di notazione musicale è fondamentale e può aiutarvi ad ampliare notevolmente le vostre capacità. Si tratta di una serie di simboli che rappresentano le diverse durate delle note e le pause, organizzate all'interno di una segnatura temporale, la "struttura" che definisce quante battute ci sono in una battuta e a quale valore di nota corrisponde una battuta.

Questa struttura permette ai musicisti di capire il tempo e il ritmo della musica anche se non hanno composto loro stessi il brano, fornendo loro tutte le informazioni necessarie per ricreare la visione creativa del compositore originale.

Il metro, cioè il modo in cui i battiti sono raggruppati, può essere semplice o complesso e può aggiungere strati di tessitura ritmica a un brano. I battiti possono anche essere divisi in parti più piccole, una pratica che può essere utile soprattutto nei generi in cui la sincope o i modelli ritmici insoliti sono comuni, come i cosiddetti generi progressivi o anche nella musica classica.

I modelli melodici, invece, sono definiti principalmente dalle altezze delle note (determinate dalla loro posizione sul pentagramma), dalla chiave di violino e dalla chiave di violino utilizzata.

Le note sono organizzate in scale e la relazione tra queste note (gli intervalli) definisce il movimento della melodia, sia che passi da una nota adiacente a un'altra o che salti attraverso diverse note. Questa relazione definisce la tonalità della musica.

Come esercitarsi a creare pattern melodici e ritmici

La pratica rende perfetti, giusto? Parliamo quindi di come un musicista possa affinare l'arte di creare schemi melodici e ritmici.

Per creare schemi ritmici memorabili è necessario sviluppare un solido senso del tempo e una comprensione dei vari valori delle note e delle pause. In questa ricerca, il metronomo dovrebbe diventare il vostro prezioso compagno e, se suonate strumenti "veri", la vostra pratica quotidiana dovrebbe assolutamente prevedere alcuni esercizi basati sul metronomo.

Con il tempo, iniziate a sperimentare diverse firme temporali e imparate a percepire il groove distintivo di ciascuna. Questo vi darà accesso a schemi più complessi, tra cui sincopi, tempi dispari e ritmi incrociati; tutti elementi che possono rendere le vostre canzoni uniche e indimenticabili.

Ora concentriamoci sulla pratica melodica. Iniziate con le scale e gli arpeggi, che sono gli elementi costitutivi di qualsiasi melodia. Esercitatevi in varie tonalità e imparate a "sentire" il vostro strumento. Ci vorrà un po' di tempo, ma alla lunga sarà un processo estremamente gratificante.

Comprendere come le melodie siano costruite su questi elementi è il primo passo verso la composizione musicale professionale: gli intervalli e le proprietà uniche che ogni intervallo apporta a una melodia non sono qualcosa che si può semplicemente inventare; sono basati su una solida struttura musicale che si deve imparare a sviluppare o espandere la propria tavolozza sonora.

Una volta compresi questi elementi di base, è il momento di creare la propria musica.

Ora, ritmo e melodia devono lavorare all'unisono in modo da completarsi a vicenda. Potete sperimentare l'applicazione di diversi schemi ritmici a una melodia definita e vedere come questo processo cambia il carattere del vostro brano. Oppure si può fare il contrario: alterando la melodia e mantenendo costante il ritmo si può vedere come la melodia influisce sull'atmosfera emotiva del brano.

A questo punto, l'improvvisazione diventa spesso un aspetto fondamentale del processo di creazione della musica. Tuttavia, l'improvvisazione deve basarsi su regole chiare di composizione musicale, che verranno utilizzate per creare il proprio suono caratteristico.

Non dimenticate mai di registrarvi mentre improvvisate. Non avete idea di quante volte io e i miei compagni di band abbiamo fatto un'incredibile jam session di 15 minuti, per poi scoprire che avevamo dimenticato di accendere il registratore. L'impermanenza fa parte di ogni forma d'arte, quindi assicuratevi di catturare i vostri momenti creativi, in qualsiasi modo.

Riascoltare le vostre performance vi aiuterà ad apprezzare la coerenza dei vostri schemi e vi darà indicazioni sulle aree da perfezionare. Inoltre, incoraggia l'ascolto critico: ascoltarsi mentre si improvvisa può essere difficile, ma è fondamentale per valutare il proprio livello e quanto si è lontani dai propri obiettivi creativi.

In definitiva, la creazione di pattern non è un processo meccanico, ma piuttosto artistico: i pattern più convincenti non sono quelli più intricati, ma quelli che trasmettono emozioni e si connettono con gli ascoltatori a un livello più profondo. Imparate le basi e poi usate queste conoscenze per dare vita alla vostra visione creativa senza pensare a quanto siete abili o tecnici.

Pensieri finali

Spero che questa guida vi aiuti a portare le vostre capacità di produzione musicale al livello successivo!

La mia raccomandazione finale è di non concentrarsi troppo sulla teoria musicale, ma di cercare piuttosto di acquisire gli elementi di base dei pattern musicali e di utilizzarli per dare vita alla vostra visione artistica. Man mano che le vostre abilità miglioreranno, sentirete il bisogno di capire di più sulla teoria musicale e su come creare pattern indimenticabili: quando arriverà quel momento, sarete in grado di definire le conoscenze necessarie per affinare il vostro mestiere e semplificare il vostro processo di creazione musicale.

La prossima volta che ascoltate una canzone, dedicate un po' di tempo alla comprensione degli schemi ritmici e melodici e cercate di ricrearli utilizzando gli strumenti e le conoscenze a vostra disposizione. In questo modo, amplierete la vostra tavolozza sonora e apprezzerete la bellezza e la complessità della musica che amate.

Divertitevi!