Se vi siete addentrati nell'abisso dei forum di produzione e missaggio musicale o dei video di YouTube, probabilmente vi siete imbattuti nell'espressione "traccia di riferimento".

Sia che abbiate già incorporato le tracce di riferimento nel vostro flusso di lavoro musicale, sia che non le abbiate mai sperimentate, posso affermare con certezza che l'utilizzo di una traccia può migliorare notevolmente la qualità della vostra musica.

Inoltre, contrariamente a quanto molti credono, utilizzare tracce di riferimento non significa limitare il proprio flusso creativo.

Se usata in modo appropriato, una traccia di riferimento può evitare che la vostra musica suoni poco originale e mantenerla all'altezza degli standard professionali. In sostanza, le tracce di riferimento posizionano la vostra musica originale nella schiera degli altri artisti che amate, assicurando che i vostri mix siano all'altezza, fornendo idee uniche per quanto riguarda l'arrangiamento e aiutando a tracciare un percorso creativo quando si parte da una lavagna vuota.

In questa guida vi illustrerò tutti i motivi per cui potreste usare una traccia di riferimento nella vostra prossima produzione o mix.

Che cos'è una traccia di riferimento?

Un brano di riferimento è un brano finito di un altro artista che si può usare come modello per il suono desiderato della propria musica.

Quando si utilizza un riferimento, l'obiettivo è quello di confrontare il proprio brano con quello dell'altro artista per trovare idee per l'arrangiamento, la produzione, il mix o l'atmosfera generale.

Spesso mi piace lasciare che i brani di riferimento influenzino le mie scelte durante il processo di creazione della musica, ad esempio:

• Loudness Matching: garantire che il volume del mio mix sia in linea con quello della traccia di riferimento. Questo aspetto è più frequente nella fase di masterizzazione.
• Arrangiamento: Abbinare l'arrangiamento del mio brano a quello del brano di riferimento.
• Mixdown: Verificare che il mio mix sia all'altezza della qualità del riferimento, compresi il bilanciamento dei volumi, la dinamica, l'equalizzazione e gli effetti.
• Benchmarking creativo: Trarre ispirazione per sviluppare idee musicali professionali ed evitare di partire da una tela bianca.

Se vi state preparando a masterizzare la vostra traccia, assicuratevi di esplorare la funzione di traccia di riferimento di eMastered.

Perché utilizzare una traccia di riferimento?

Uno dei motivi principali per cui utilizzo una traccia di riferimento è quello di trovare il suono del brano su cui sto per lavorare. Anche se non ne siete consapevoli, ogni canzone che realizzate è il prodotto dell'influenza che vi circonda.

Se siete alle prime armi come artisti o produttori e state cercando di trovare il vostro sound, vi consiglio di esplorare gli artisti che vi piacciono e di fare un elenco delle caratteristiche che li rendono speciali. Poi potete prendere queste caratteristiche e mescolarle tra loro per creare il vostro suono unico.

Inoltre, le tracce di riferimento alleviano la pressione di creare canzoni da una tela bianca.

Quando si dispone di fonti di ispirazione, si ha essenzialmente una tavolozza da utilizzare come punto di partenza. E non si tratta di rubare. Si tratta di sfruttare le tecniche e le idee creative esistenti, proprio come fanno gli artisti da sempre.

Pensate a questo: ogni stile musicale ha arrangiamenti comuni e collaudati.

Non c'è motivo di aggiustare ciò che non è rotto, come si suol dire. Piuttosto, potete trarre ispirazione dalle canzoni che vi piacciono, utilizzando le idee che funzionano e aggiungendo i vostri elementi unici per distinguerle.

Supponiamo che stiate lavorando a un brano Motown stile anni '60. Potreste scegliere di utilizzare una batteria mono, un basso elettrico, una Fender Stratocaster, una tastiera Rhodes e la voce.

Tuttavia, mettiamo che abbiate anche un profondo amore per la musica country e che siate un suonatore di banjo. Il vostro elemento unico può essere la presenza di un banjo nel brano. Sarete sorpresi di come qualcosa di così semplice come un altro elemento aggiunto possa alterare completamente l'atmosfera di una canzone.

Come utilizzare le tracce di riferimento

Vediamo alcuni dei modi principali in cui si possono utilizzare le tracce di riferimento per ottenere un suono di alta qualità nella propria musica.

Mappa di disposizione

Una delle prime cose per cui uso i brani di riferimento nel mio mix è l'arrangiamento. Trovo che, rubando l'arrangiamento di una canzone, sia più facile liberarsi dall'arrangiamento standard strofa-coro-verso-coro-ponte-coro.

Ad esempio, un brano che vi piace potrebbe avere questo aspetto:

• Introduzione
• Versi
• Coro
• Interludio
• Versi
• Ripartizione
• Coro
• Solo
• Ponte
• Coro
• B Gancio

Si potrebbe prendere l'arrangiamento di cui sopra e implementarlo in un brano pop standard per conferirgli maggiore interesse.

Naturalmente, se l'obiettivo è ottenere un arrangiamento che si allinei con lo stile, il genere o l'atmosfera che si immagina per la nuova canzone, consiglio di trovare un brano che abbia un arrangiamento stilistico.

Quando scelgo un brano da prendere come riferimento per l'arrangiamento, inizio identificando una canzone che ritengo abbia una struttura eccezionale. Il brano deve essere accattivante o energizzante. Quindi importo il brano nella mia DAW.

Analizzerò poi l'arrangiamento, annotando sezioni come l'introduzione, la strofa, il ritornello, il bridge e l'outro, e quando gli strumenti entrano, escono, cambiano dinamicamente, ecc.

Da lì, creo uno schema o una mappa di base della struttura del brano di riferimento.

Questo può essere un elenco scritto delle diverse sezioni su un blocco di carta o la creazione di marcatori di traccia nella DAW. Se il brano che utilizzate come riferimento ha gli stessi BPM del brano che state realizzando, potete letteralmente allinearlo nella vostra DAW e posizionare dei marcatori di riferimento all'inizio di ogni sezione.

Continuando a lavorare sul brano, potreste scoprire che è necessario perfezionare l'arrangiamento in base all'evoluzione del brano, quindi non abbiate paura di apportare modifiche se vi sembra giusto.

Progressione di accordi

Anche se ho studiato musica e composizione ad alto livello, spesso ho problemi a capire quale progressione di accordi voglio usare per un brano su cui sto lavorando. Certo, ci sono progressioni 'standard' che si usano in certi generi, come l'I-V-vi-IV nella musica pop o l'I-IV-V7 nel blues. Tuttavia, può essere bello uscire da queste aspettative per sorprendere gli ascoltatori.

Mi piace iniziare scegliendo un brano di riferimento dello stesso genere o di un genere simile al mio progetto. Naturalmente, deve avere una forte progressione di accordi che mi piace e una melodia che risuona con me.

A scopo didattico, diciamo che vi piace la comune progressione pop I-V-vi-IV. Potreste quindi sperimentare come adattarla all'arrangiamento della vostra canzone. Ora, il fatto che si lavori con una semplice progressione di accordi non significa che non la si possa adattare ai propri gusti.

Al di là della progressione vera e propria, si può anche prendere nota del modo in cui il riferimento passa tra le diverse progressioni di accordi.

Per esempio, supponiamo di lavorare con un brano di riferimento che passa senza problemi da una progressione minore a una maggiore nel ritornello, come "Mr. Jones" dei Counting Crows. Le strofe di "Mr. Jones" sono in la minore, ma quando si arriva al ritornello, si passa alla tonalità relativa di do maggiore utilizzando una progressione I-IV-V.

Potete provare a implementare la stessa relazione maggiore-minore relativa nel vostro brano.

Melodia

Oltre alla progressione degli accordi, è possibile analizzare la melodia del brano di riferimento e prestare attenzione a come si integra con la progressione degli accordi, sia dal punto di vista melodico che ritmico.

Osservate quali sono le tecniche di fraseggio. Le melodie sono graduali o saltano da una nota all'altra? La melodia del ritornello si eleva sulla melodia della strofa o è più morbida e sommessa? Le melodie iniziano su downbeat, pickup o misure dispari?

La chiave, tuttavia, è utilizzare la traccia di riferimento solo come ispirazione. Non copiatela direttamente, perché potreste finire nei guai.

Un esempio lampante è la causa tra The Hollies, Radiohead e Lana Del Rey. Che abbiano rubato l'uno dall'altro consapevolmente o inconsapevolmente, è quasi impossibile non sentire le somiglianze tra queste canzoni, e sia i Radiohead che Lana Del Rey hanno dovuto rinunciare a qualche fetta della torta per questo.

Design del suono e idee musicali

Come ho già detto, non c'è motivo di reinventare la ruota quando si creano le proprie canzoni. Ci sono molti generi che utilizzano le stesse idee musicali. Pensate alla vostra canzone rock media, per esempio. Probabilmente troverete batteria, basso e chitarra elettrica.

Se c'è una combinazione di strumenti che vi piace molto, usatela nelle vostre produzioni!

Iniziate scegliendo un brano di riferimento che sia in linea con la canzone su cui state lavorando, in quanto probabilmente avrà la strumentazione e gli elementi di sound design che desiderate.

Ascoltate attentamente il brano di riferimento (possibilmente con un buon paio di cuffie) e prendete nota degli strumenti che sentite. Ad esempio, se stessi ascoltando un brano EDM, potrei annotare:

• Calcio pesante
• Rullante elettronico
• Hi-hat
• Battiti di mani
• Percussioni dal vivo
• Basso sintetico
• Sub-basso
• Accordi di sintetizzazione
• Arpeggi di sintetizzatore
• Riser, sweep, impatti, FX generali
• Successi orchestrali
• Chitarre sfortunate

Una volta individuata la palette di strumenti specifici, posso scegliere come implementare questi suoni nel mio arrangiamento. Non voglio che tutti questi suoni suonino durante ogni sezione del brano. Voglio invece che entrino e escano per rendere il brano più dinamico.

Ascoltando attivamente un mix, si può sentire come le tracce vengono stratificate per creare un suono più ricco e pieno.

Molti produttori di musica elettronica stratificano più suoni per ottenere una strumentazione densa. Ad esempio, si potrebbe utilizzare un'onda di sega come sintetizzatore principale e supportarla con un'onda quadra principale, un pad caldo e riverberante e uno strato armonico acuto e leggermente detonato in un'ottava diversa.

Pensare al timbro e alla dinamica

Non dovete necessariamente utilizzare nel vostro brano gli stessi identici strumenti che sentite nel vostro riferimento. Si possono invece utilizzare strumenti con lo stesso timbro. Supponiamo che il gancio del brano EDM a cui si fa riferimento abbia un pad caldo e sostenuto e un sintetizzatore brillante e staccato.

Potreste trovare strumenti con la stessa varietà timbrica per creare la stessa composizione di frequenze del vostro riferimento con strumenti che vi piacciono. Ad esempio, si potrebbe utilizzare una tastiera Rhodes al posto del pad caldo e sostenuto e una chitarra elettrica grintosa al posto del sintetizzatore staccato.

Allo stesso modo, potete osservare come le dinamiche cambiano nel corso del riferimento e cercare di incorporare contrasti dinamici simili nel vostro arrangiamento.

"A Day in the Life" dei Beatles è un esempio micidiale di canzone con cambiamenti dinamici drammatici. I ritornelli sono tranquilli e riflessivi prima di culminare nel caos più totale.

Design ed effetti sonori

Mi piace prestare molta attenzione agli elementi di sound design o agli effetti unici utilizzati nella mia traccia di riferimento.

Per cominciare, ascolterò con attenzione il modo in cui gli effetti spaziali, come il riverbero e il delay, vengono utilizzati nella traccia di riferimento. Durante l'ascolto potete porvi diverse domande:

• C'è un riverbero nella traccia e di che tipo? (piastra, sala, ambiente, sorgente, ecc.)
• Che ne dite del ritardo (slap, ping-pong, quarto di nota, ecc.)?
• Quanto prevalgono questi effetti nel mix rispetto agli strumenti su cui sono utilizzati?
• Sono diffusi nello spettro stereo o in mono?
• Ci sono più istanze di effetti su alcuni elementi? Ad esempio, molte voci pop presentano una combinazione di riverbero ambientale, riverbero a piastra, slap delay e stereo delay.
• Come vengono elaborati questi effetti? Sono stati equalizzati, compressi o distorti?

Mi piace anche chiedere come sono stati posizionati gli elementi nel mix.

La maggior parte dei mix rock moderni, ad esempio, condividono tecniche di panning simili: voce principale, basso, kick e rullante al centro, overhead, chitarre elettriche e acustiche con un panning forte a sinistra e a destra, e tastiere, percussioni, hi-hat, tom e altri elementi del mix pannati da qualche parte a sinistra o a destra nel proprio spazio.

Naturalmente, non c'è motivo per cui non si possa essere creativi con il panning e alcuni brani possono essere un ottimo riferimento per farlo.

Consideriamo "Altered Beast III" di King Gizzard and the Lizard Wizard. Se si ascoltano le cuffie, si possono sentire i due set di batteria registrati con un panning molto forte a sinistra e molto forte a destra, una scelta molto insolita che conferisce a questo brano un suono unico.

Infine, ascoltate le tecniche di sound design presenti nel vostro riferimento che potete utilizzare.

Prendiamo ad esempio Flume. Quando è arrivato sulla scena della musica elettronica nel 2012, è stato l'inizio della scena Future Bass.

Utilizzava un mix unico di sintesi granulare per la tessitura, effetti vocali modulati e dilatati nel tempo e modulazione stereo su ritardi e riverberi per creare esperienze di ascolto coinvolgenti. Il risultato era a dir poco fenomenale e ancora oggi queste tecniche di sound design rimangono una parte fondamentale del suo sound.

Miscelazione

Una volta terminato il processo di produzione musicale, scelgo le tracce di riferimento per il processo di missaggio. Trovo che sia sempre utile utilizzare tracce di riferimento mixate professionalmente per il missaggio, in quanto fornisce un quadro di riferimento per il suono che deve avere il mix.

I diversi ambienti di ascolto hanno le loro peculiarità. Se si sta mixando in una stanza da letto trattata male, per esempio, è facile aggiungere troppe o troppe poche basse frequenze. Alcune stanze presentano anche modalità nei medio-bassi, il che può indurre a pensare che sia necessario raccogliere un mucchio di "fango" da tutti gli elementi.

Tuttavia, una volta portato il mix in macchina, potreste scoprire che le vostre decisioni di mixaggio sono state influenzate dal suono della stanza in cui stavate lavorando. Utilizzando tracce di riferimento, si diventa più sicuri del proprio bilanciamento tonale in fase di missaggio, assicurandosi che il brano suoni come dovrebbe sui vari sistemi di riproduzione.

Quando si sceglie un riferimento per la fase di missaggio, è necessario trovarne uno che sia in linea con il genere e lo stile del proprio brano. Può essere lo stesso brano utilizzato come riferimento per la produzione, se ha senso dal punto di vista sonoro.

L'importante è assicurarsi che il brano a cui si fa riferimento sia ben mixato e masterizzato.

Ho alcuni brani di riferimento selezionati di generi diversi che ho raccolto nel corso degli anni, ognuno dei quali presenta caratteristiche sonore che mi piacciono. Vi consiglio di fare la stessa cosa!

Una volta ottenuto il riferimento, caricatelo nella DAW su una traccia separata dal resto del mix, in modo che non sia sottoposto a nessuna elaborazione, soprattutto quella del bus.

Bilanciamento del volume

La chiave quando si fa riferimento a un mix è assicurarsi che il riferimento corrisponda al volume percepito del mix. La traccia di riferimento sarà probabilmente stata masterizzata. Tuttavia, non è consigliabile mixare allo stesso volume di una traccia masterizzata, perché non si lascerebbe spazio per il mastering.

In genere mi piace abbassare le mie tracce di riferimento di circa -6dB e iniziare a regolare il volume dei miei elementi di mix da lì, perché trovo che questo mi dia in genere l'headroom di cui ho bisogno.

Anche se il processo cambia a seconda del brano, è una buona idea iniziare con gli elementi principali della canzone, tra cui la voce, il kick, il rullante e il basso. Prestate attenzione a come sono posizionati nel mix e cercate di far corrispondere il volume e le caratteristiche tonali di questi elementi nella vostra traccia. Quindi, inserite il resto della strumentazione intorno a questi elementi e fate un test A/B per verificare il bilanciamento man mano che procedete.

Valutazione del bilanciamento tonale, della gamma dinamica e dell'immagine stereo

La parte successiva del processo consiste nel garantire che il bilanciamento delle frequenze del vostro mix sia simile a quello del riferimento. Ci sono aree in cui il vostro mix è carente? Potrebbe essere necessario apportare delle modifiche.

Iniziate ascoltando entrambe le tracce come interi e confrontate le diverse gamme di frequenza complessive del vostro mix con quelle del mix di riferimento.

Avete troppa o troppo poca fascia bassa? E gli alti? I medi? I medio-bassi?

Una volta raggiunto un equilibrio di frequenze decente che suoni bene per voi, potete iniziare a concentrarvi su diversi strumenti.

Forse la voce del vostro mix di riferimento ha una gamma alta bella e croccante che la vostra voce non ha. Per rimediare al problema, potreste dare alle vostre voci una spinta sulle alte frequenze a 10 kHz. Forse i vostri kick e i vostri bassi suonano roboanti e indefiniti rispetto al vostro riferimento. In questo caso, potreste cercare di equalizzarli in modo da farli suonare bene l'uno con l'altro.

Una volta che il bilanciamento delle frequenze sembra corretto, mi piace ascoltare la gamma dinamica e la compressione utilizzate nel mio riferimento. Come mix engineer amatoriale, la compressione è una delle cose più difficili da ottenere, poiché può essere una delle cose più difficili da sentire. Tuttavia, con la pratica, sarete in grado di determinare molto sullo stile di compressione da utilizzare per reggere il confronto con le tracce mixate professionalmente.

Ad esempio, non è raro utilizzare 10-20dB di compressione su una voce in un mix pop per bloccarla. Analizzate qualsiasi brano pop top-40 in rotazione radiofonica in questi giorni e vi garantisco che sarete in grado di sentire quanto sono compresse le voci.

Infine, fate un ultimo passaggio ascoltando l'ampiezza stereo del riferimento. Verificate come si colloca il vostro mix. Gli elementi sono posizionati in modo appropriato nel campo stereo? Forse il riferimento è stretto nelle strofe e si allarga nei ritornelli. Forse il riverbero delle voci è in mono per fare spazio al denso arrangiamento stereo. Forse alcuni strumenti hanno l'auto-pan per dare maggiore interesse.

Ascoltando il panning di ciascun elemento, si possono prendere decisioni più sicure per il mix stereo.

Masterizzazione

Di solito affronto le tracce di riferimento nel mastering nello stesso modo in cui le affronto nel missaggio.

Scegliete un brano di riferimento ben masterizzato che abbia lo stesso stile del vostro brano.

Caricatela nella vostra sessione di mastering su una traccia separata, senza ulteriori elaborazioni, e analizzate come si comporta la vostra traccia in termini di volume, bilanciamento delle frequenze, ampiezza stereo, dinamica e caratteristiche tonali.

Di solito mi piace usare un analizzatore di spettro per confrontare il bilanciamento delle frequenze del mio master con la differenza, in quanto mi aiuta a capire dove ci sono differenze nelle gamme delle frequenze basse, medie e alte.

Allo stesso modo, è possibile utilizzare strumenti come REFERENCE, di cui ho scritto sopra, per ottenere informazioni su tutte e tre le caratteristiche chiave del suono: bilanciamento delle frequenze, dinamica e ampiezza stereo.

Il nostro algoritmo di masterizzazione AI dispone anche di una funzione di riferimento, che consente di caricare il proprio riferimento e di ottenere un master nitido e pulito, in linea con i brani preferiti.
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Riflessioni finali - Utilizzo di tracce di riferimento per una musica dal suono professionale

Che si tratti di arrangiamenti, progressioni di accordi, produzione musicale, missaggio, masterizzazione o di una combinazione di tutti questi elementi, non c'è motivo di non usare tracce di riferimento per la vostra musica originale.

Quando scegliete le tracce di riferimento, cercate quelle che appartengono allo stesso genere della traccia su cui state lavorando. Questo farà una grande differenza nel vostro flusso di lavoro creativo e ottimizzerà l'efficienza del mixaggio e del mastering.