Avete mai sentito l'espressione "non è importante quello che dici, ma come lo dici"? Possiamo applicare questo principio all'espressione degli strumenti musicali: non è importante cosa si suona, ma come lo si suona. Questo e la scelta deliberata del suono sono i principi fondamentali del concetto di strumentazione.

La strumentazione nella musica dà vita ed emozione a una composizione scritta, rendendola una parte essenziale dell'attività di musicista, che si tratti di cantante, produttore o strumentista. Di seguito vi spiegheremo come funziona la strumentazione e vi illustreremo come potete utilizzare queste tecniche classiche per dare alla vostra arte un'espressione migliore e coinvolgere i vostri ascoltatori.

Definire la strumentazione nella musica

Per strumentazione si intende la particolare combinazione di trame sonore e strumenti all'interno di un brano musicale, progettata per sostenere l'idea principale della canzone. Nella sua forma più semplice, la strumentazione si riferisce alla scelta specifica di strumenti da parte di un produttore o di un compositore per una composizione.

Oltre alla scelta dei suoni e degli strumenti, la strumentazione può anche riferirsi al modo in cui vengono espressi i diversi elementi: Per esempio, una chitarra elettrica suonata con il vibrato crea una sensazione completamente diversa rispetto a una chitarra suonata in modo pulito. Inoltre, strumenti diversi rientrano in gamme di frequenza diverse, quindi la strumentazione dipende in larga misura dal bilanciamento dello spettro audio tra più elementi sonori.

In sostanza, la strumentazione consiste nel selezionare gli strumenti e nel dettare l'intensità con cui vengono espressi, con l'obiettivo finale di produrre un mix equilibrato e coeso che sostenga la melodia di una canzone:

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Perché la strumentazione è importante?

Quando si pensa alla strumentazione, la mente potrebbe saltare immediatamente alla musica orchestrale. Riuscite a immaginare se un compositore scrivesse un brano in cui la voce del basso fosse cinque volte più forte della melodia suonata dai primi violini? Probabilmente potreste immaginare che questo brano risulterebbe sbilanciato, rendendo difficile seguire la melodia principale della musica.

I principi che stanno alla base della strumentazione ci forniscono un quadro di riferimento per costruire una musica equilibrata e coesa che onori l'idea principale della canzone. La maggior parte delle canzoni può essere ridotta alla batteria, alla linea di basso e alla melodia, che fa da traino a tutto il resto. Se pensiamo alla strumentazione come alle scelte progettate per sostenere la melodia e non per sovrastarla, siamo a posto.

Gli ingredienti della strumentazione

Come si crea una grande strumentazione? Ecco i principali componenti della strumentazione che ogni musicista dovrebbe considerare:

Selezione del suono

La componente più importante della strumentazione è la selezione del suono. Non si tratta solo di scegliere i singoli componenti che vi piacciono; la selezione del suono si riduce ad avere una conoscenza preliminare della posizione di certi strumenti nello spettro delle frequenze (non preoccupatevi, ne parleremo più avanti) e ad usare questa conoscenza per informare ciò che portate nella vostra composizione.

Potreste dover scendere a compromessi, perché solo perché qualcosa suona bene da solo, non significa che suonerà bene con il resto della vostra musica. Se non supporta l'idea della melodia, deve essere eliminata.

Struttura

La tessitura si riferisce alla sensazione di levigatezza, ruvidità, deformità o continuità di un suono. Anche se si tratta di termini più soggettivi, la chiave è considerare come le diverse tessiture dei vari strumenti interagiranno tra loro quando verranno eseguite in una composizione.

Dinamica

Le dinamiche si riferiscono al volume o alla morbidezza di qualcosa, in particolare in relazione al modo in cui il volume e la morbidezza si spostano nel tempo in una canzone.

Articolazione

L'articolazione si riferisce al modo in cui vengono espresse le parti strumentali o vocali. Ad esempio, una voce può essere cantata con consonanti dure o morbide, è solo una questione di articolazione scelta.

Timbro

Il timbro descrive il tono in cui si esprimono le parti strumentali.

Gamma

La gamma si riferisce alla distanza tra gli elementi più bassi dello spettro di frequenze e quelli più alti. La strumentazione influisce sulla gamma del brano e, di conseguenza, sull'esperienza di ascolto dei fan.

Miscela

Il termine miscela o equilibrio si riferisce al rapporto tra una voce sonora e l'altra nella composizione. Una buona strumentazione produce una miscela coerente tra i diversi elementi di una canzone.

Qual è la differenza tra strumentazione e orchestrazione?

Strumentazione e musica orchestrale sono molto simili: entrambi si riferiscono al suono specifico e alla selezione degli strumenti nel contesto di una composizione. Tuttavia, orchestrazione è un termine leggermente più specifico, che si riferisce alla selezione del suono quando si costruisce musica orchestrale, tipicamente in un contesto live.

Al contrario, strumentazione è un termine più ampio che incorpora una più vasta gamma di metodi di produzione e di cura della composizione.

Per esempio, si potrebbe dire che scegliere determinati sintetizzatori e parti di batteria all'interno della propria workstation audio digitale è un tipo di strumentazione. Mentre con l'orchestrazione si lavora con più strumenti, ma in un contesto live, come nel caso del bilanciamento del suono di un quartetto d'archi.

Dove si collocano i diversi suoni nello spettro di frequenza?

Per creare un brano musicale equilibrato, è necessario avere una conoscenza di base della posizione degli strumenti e dei suoni nello spettro delle frequenze.

Perché?

In caso contrario, è facile esagerare in alcune sezioni, con il risultato di una strumentazione scadente. Qui di seguito sono riportate le posizioni degli strumenti nello spettro delle frequenze, come riferimento:

Batteria

La batteria è sorprendentemente versatile in termini di copertura dello spettro di frequenze. I kick drums sono i più bassi, con il thump che si colloca tra i 60 e gli 80 Hz. I rullanti e i tom si collocano principalmente al centro dello spettro di frequenze, mentre la brillantezza di hi-hat e piatti si estende fino all'estremità superiore dello spettro di frequenze, a 5 kHz e oltre.

Corde

Gli archi coprono la gamma media dello spettro di frequenze, ma alcuni strumenti a corda hanno elementi che si estendono più in basso o più in alto. I bassi e i contrabbassi coprono in parte il rimbombo dell'estremità inferiore dello spettro di frequenze, mentre i violini e i mandolini si estendono nella gamma di frequenze superiori, coprendo alcune frequenze tra i 2,5 kHz e i 5 kHz.

Il basso elettrico può assumere alcune delle frequenze più basse, pur occupando uno spazio significativo nella gamma media dello spettro.

Voce

Le gamme vocali individuali variano, ma in genere si aggirano tra i 200 Hz e i 15 Hz, a seconda che il cantante sia maschio o femmina. Le voci maschili possono coprire una gamma di frequenze compresa tra 100 Hz e 8 kHz. Le voci femminili possono coprire una gamma molto più ampia, anche se iniziano più vicino al centro dello spettro di frequenze, tra i 350 Hz e i 17 kHz.

Pianoforte, tastiere e sintetizzatori

Questi strumenti sono tutti incredibilmente versatili in termini di gamma, consentendo loro di coprire la maggior parte dello spettro di frequenze. Non coprono tutte le sub-frequenze ultrabasse o le frequenze extra-alte a partire dai 5 kHz.

La gamma originale del pianoforte, tuttavia, è più limitata rispetto a quella di strumenti elettronici come tastiere o sintetizzatori. È bene tenere presente che questi suoni sono di ampio respiro e, pertanto, devono essere utilizzati con attenzione.

Dove si collocano gli strumenti orchestrali nello spettro delle frequenze?

Se sognate di diventare direttori d'orchestra, l'orchestrazione inizia con la comprensione della posizione di determinati strumenti nello spettro delle frequenze. Familiarizzate con la posizione dei seguenti strumenti in modo da poter creare un equilibrio eccellente in un contesto musicale dal vivo:

Contrabbasso

Il contrabbasso è il punto in cui si ottengono il rombo e le ricche sottofrequenze dell'orchestra. Da 40 a 300 Hz, questi strumenti forniscono le basi per la gamma bassa.

Violoncello

Il violoncello si posiziona sopra il contrabbasso, aggiungendo frequenze medio-basse fino a 1 kHz. Può sostenere la melodia delineando i toni tonici di vari accordi.

Flauto

Il flauto, noto per il suo suono brillante e talvolta stridulo, si colloca nella gamma media, ma può estendersi alle medie superiori fino a circa 4 kHz.

Violini

I violini sono spesso in grado di sostenere la melodia e di distinguersi in un mix grazie alla loro struttura chiara e penetrante. Possono spaziare da 200 Hz fino a 10 kHz o oltre per ottenere toni alti e brillanti.

Pianoforte

Come nella produzione moderna descritta in precedenza, il pianoforte ha la particolarità di poter coprire quasi l'intero spettro di frequenze.

Clarinetto

Questi caldi strumenti in legno si collocano nella gamma media, occupando circa 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

L'oboe è noto per il suo timbro nasale, che fornisce un'interessante tessitura all'interno dell'orchestra. L'oboe riposa intorno ai 250 Hz - 4 kHz, vivendo principalmente nella gamma media.

Corna

I corni tendono ad avere una gamma piuttosto ampia, anche se occupano soprattutto la gamma media superiore dello spettro di frequenze. I corni sono molto espressivi e possono facilmente sovrastare il vostro equilibrio se suonati in modo troppo sfacciato, quindi procedete con cautela.

Batteria

Analogamente alla batteria della DAW, gli elementi della batteria orchestrale occupano l'intero spettro quando vengono suonati insieme, con alcuni elementi che occupano gamme più alte o più basse di altri. Gli stessi intervalli valgono per la cassa, il rullante e i piatti, come descritto in precedenza. I timpani tendono a collocarsi nelle frequenze medio-basse, intorno ai 50-400 Hz.

Come utilizzare la strumentazione moderna nelle vostre canzoni

Anche se non vi vedete a dirigere musica classica o a utilizzare strumenti tradizionali, possiamo comunque portare gli insegnamenti della strumentazione nel panorama della produzione musicale moderna. Ecco come portare i principi della strumentazione nella vostra workstation audio digitale:

Selezione e progettazione del suono

Proprio come nel caso della musica orchestrale o degli strumenti musicali dal vivo, i VST, gli strumenti e persino i campioni selezionati hanno un impatto enorme sulla composizione finale. Date priorità al suono che meglio rappresenta la vostra idea melodica e poi costruiteci intorno. Qualsiasi suono al di fuori dell'idea principale deve essere scelto per enfatizzare, non per sovrastare, il suono iniziale.

Stratificazione del suono

Potete sperimentare l'accatastamento dello stesso suono o giocare con suoni diversi, suonando parti simili su più ottave. L'accatastamento dei livelli può aiutare le singole parti a sembrare più ampie e robuste e a far sì che il mix risulti più coeso. Fate attenzione a non esagerare: la melodia deve sempre rimanere la protagonista dello spettacolo.

Automazione

L'automazione crea un'esperienza dinamica per l'ascoltatore, più simile a quella di uno strumento musicale dal vivo. Sperimentate l'automazione di parametri come il volume, il filtro e i singoli componenti dello strumento nel tempo per programmare un'espressione più realistica nelle vostre canzoni.

Velocità e altri parametri di espressione

La sfida che si presenta quando si produce musica via software piuttosto che eseguirla e catturarla è che si possono perdere alcuni degli aspetti imperfetti di una performance che fanno suonare qualcosa di "umano".

Un esempio potrebbe essere la modifica della velocità o dell'intensità con cui vengono espresse le note. Quando uno strumentista esegue una parte in un brano, di solito non suona ogni nota in modo uniforme, anche se questo è spesso il valore predefinito delle parti MIDI. Prendetevi il tempo di randomizzare e regolare i parametri di espressione per creare un'atmosfera meno robotica.

La strumentazione dà vita alla musica

La strumentazione si riduce a comprendere il carattere sonoro dei singoli componenti della composizione e a selezionarli di conseguenza, con l'obiettivo finale di creare un pezzo equilibrato in cui una voce non sovrasti totalmente un'altra. L'espressione dei suoni selezionati può certamente modificare l'emozione complessiva del brano, rendendo la strumentazione uno strumento potente e dinamico.

Speriamo che questa guida vi abbia facilitato la padronanza dell'arte della strumentazione. Divertitevi a creare composizioni equilibrate e ben espresse con la strumentazione, sia che siate compositori, produttori o strumentisti.