Quando si inizia a produrre musica, può sembrare piuttosto facile. Si mette giù un po' di batteria, si aggiungono alcuni accordi, si inserisce una melodia e si parte. Ma quando si inizia a fare un passo in avanti verso un territorio più professionale, le cose possono diventare un po' più complesse. Ci sono alcune tecniche e processi che possono migliorare il vostro suono , se sapete come gestirli.

Una di queste tecniche chiave è il layering. Il layering è ovunque nella produzione di livello professionale, dalla batteria alla voce e oltre. Ma farlo bene significa molto di più che mettere insieme più suoni e sperare nel meglio. È necessaria una certa strategia.

In questo articolo spiegherò cos'è il layering, perché è importante e alcuni consigli pratici su come usarlo efficacemente nella vostra musica.

Che cos'è il layering nella produzione musicale?

Che cos'è esattamente il sound layering? In poche parole, è il processo di sovrapposizione di più suoni per creare un suono più pieno e ricco.

Ora, questo potrebbe sembrare un po' come il mixaggio, e sì, le due cose si sovrappongono un po'. Ma mentre il mixaggio riguarda più che altro il bilanciamento di più elementi di una traccia (regolazione dei livelli, panning, ecc.), il layering riguarda più che altro la decisione creativa di impilare i suoni per migliorare o addensare alcune parti per creare elementi più grandi e coesi.

Ad esempio, è possibile stratificare i sintetizzatori in più ottave per creare un pad più pieno o impilare diverse grancasse per dare alla gamma bassa un effetto di punch e boom.

Per esempio, diciamo che state lavorando su una linea di synth principale. Da sola, potrebbe suonare sottile o monodimensionale. Ma se la stratificate con un suono più sottile, magari con una maggiore presenza delle frequenze medio-basse, aggiungerete immediatamente un po' di calore.

L'obiettivo è quello di aggiungere profondità, calore o consistenza in un layer ben eseguito, senza che l'ascoltatore sia in grado di indicare cosa sta accadendo. Sa solo che il suono è migliore.

Perché stratifichiamo i suoni

Ci sono molti motivi per cui la stratificazione dei suoni è una tecnica di base per i produttori di tutti i livelli.

Anche se all'inizio può sembrare un po' complicato, prima si inizia a sperimentare, più rapidamente la musica inizierà a suonare più tridimensionale. La stratificazione non deve essere una tecnica "avanzata". È qualcosa con cui si può iniziare a giocare fin da subito, anche se ci vuole un po' di tempo per sentirla come una seconda natura.

Ecco alcuni dei principali vantaggi della stratificazione:

• Creare nuove texture: Combinando i suoni, si può creare qualcosa di completamente diverso da quello con cui si è iniziato o da quello che si è usato in precedenza. Ad esempio, stratificando un suono organico come un pianoforte con un sintetizzatore morbido si può ottenere una texture ibrida, perfetta per la musica elettronica organica.
• Aggiungere profondità: alcuni suoni da soli possono sembrare piatti, ma sovrapporre i layer aiuta a creare più corpo e dimensione. Ad esempio, si può sovrapporre un sub-basso profondo con un medio-basso incisivo, oppure combinare diverse riprese vocali in un'unica ripresa più ampia.
• Aumentare la complessità: la stratificazione consente di aggiungere una complessità sottile o meno. Pensate all'aggiunta di diversi elementi percussivi per dare più movimento a un beat o alla fusione di diverse linee di synth per creare un'onda sonora in continua evoluzione.
• Modellare l'inviluppo del suono: ogni suono ha un proprio attacco, decadimento, sustain e rilascio (ADSR). Quando si stratificano suoni con caratteristiche diverse, ad esempio uno con un attacco deciso e un altro con un rilascio lento, è possibile rimodellare la sensazione generale di un suono.
• Rafforzare gli elementi chiave: A volte, la stratificazione consiste semplicemente nel rafforzare ciò che è già presente. Raddoppiare le voci, aggiungere altri kick a una sezione di bassi o sovrapporre archi e pad può far risaltare maggiormente gli elementi fondamentali.

Stratificazione di batteria e percussioni

So che quando penso al layering nella produzione musicale, la batteria è spesso la prima cosa che mi viene in mente, soprattutto in generi come il pop, l'hip-hop e la musica elettronica. Una cosa che ho imparato presto dai miei mentori è che la stratificazione della batteria può prendere un ritmo di base e trasformarlo in qualcosa di molto più eccitante e complesso. Se cercate punch, texture o quel pizzico di "oomph" in più, il layering è il vostro migliore amico.

Prendiamo ad esempio il rullante. Un singolo campione di rullante potrebbe non essere sufficiente. Tuttavia, si potrebbe iniziare con un rullante nitido e scattante per avere qualcosa che tagli il mix. Poi si aggiunge un rullante più profondo e risonante per dare corpo al suono, e magari anche un battito di mani o del rumore bianco per aggiungere un po' di consistenza. Impilando questi suoni diversi, si crea un unico rullante che sembra più denso e dinamico di tutti i singoli strati.

Naturalmente, stratificare la batteria non significa solo mettere insieme i suoni e sperare che suonino bene. È necessario prestare attenzione al modo in cui i layer interagiscono. Un consiglio importante è quello di allineare correttamente le forme d'onda. Se i suoni di rullante stratificati non sono sincronizzati, ad esempio il transiente di uno di essi colpisce un po' prima o dopo gli altri, l'insieme può suonare male. Non abbiate timore di spostare le cose o persino di regolare la forma d'onda, se è necessario per ottenere il suono giusto.

Un altro trucco per mantenere la dinamicità è quello di variare la velocità. Questo funziona particolarmente bene con gli hi-hat. Supponiamo di avere due o tre layer di hi-hat. Invece di programmarli tutti alla stessa velocità, si può regolare leggermente la forza del colpo per ogni layer.

L'hat principale potrebbe picchiare forte sui downbeat per dare un ritmo più sostenuto, mentre gli altri sono più morbidi, aggiungendo un movimento sottile e note fantasma per evitare che il groove suoni troppo robotico.

Se si utilizzano calci a strati, è fondamentale bilanciare la gamma bassa e la gamma media.

Un kick sub-heavy vi darà una gamma bassa profonda e rimbombante, ma potrebbe non avere molta forza da solo. Se si sovrappone un kick con una maggiore presenza della gamma media, si può combinare il meglio di entrambi i mondi.

Assicuratevi solo che gli elementi impilati non siano in contrasto tra loro.

Due kick che dominano entrambi le basse frequenze finiranno per confondere il mix e creare problemi di fase, di cui parleremo meglio tra poco, quindi è fondamentale scegliere layer complementari che lavorino insieme o equalizzare le basse frequenze da uno dei campioni.

Stratificazione di elementi melodici

La stratificazione di elementi melodici è uno dei modi più semplici per aggiungere profondità ai brani. Nessuna elaborazione vi porterà allo stesso punto di una stratificazione strategica.

Una singola linea melodica può essere bella, ma quando si iniziano a sovrapporre suoni diversi, si crea qualcosa che sembra più vivo e pieno. C'è un motivo per cui molte tastiere vengono fornite con patch di serie che combinano pianoforte e archi.

Il bello è che questa idea non è limitata a un solo genere.

Nella musica rock, ad esempio, i chitarristi spesso stratificano le chitarre ritmiche con diversi toni di amplificatore o combinano chitarre acustiche ed elettriche per addensare il loro suono.

Nell'EDM, invece, si sentono spesso grandi lead di sintetizzatore stratificati con pad e linee di basso per creare quell'atmosfera epica e da festival. Anche nella musica classica, l'orchestrazione è tutta una questione di stratificazione. Gli archi, gli ottoni e i fiati fanno la loro parte nel creare quei muri di suono massicci e cinematografici che sentiamo nelle colonne sonore dei nostri film preferiti.

Indipendentemente dal genere musicale, la stratificazione di elementi melodici inizia con la ricerca della giusta combinazione di suoni per riempire lo spettro. Potreste sovrapporre un sintetizzatore brillante di fascia alta con un pad caldo di fascia media per dare alla vostra traccia sia brillante che corposa. Oppure si può raddoppiare la stessa melodia con uno strumento diverso, ad esempio stratificando un pianoforte con una linea di chitarra solista in stile Brian May. Il mondo è la vostra ostrica!

Come entrano in gioco lo spettro di frequenza e le caratteristiche del suono

Se volete davvero diventare bravi nel layering, dovete avere una conoscenza di base dello spettro di frequenza. Quanto più si conosce il modo in cui i diversi suoni occupano le diverse parti dello spettro, tanto meglio si riuscirà a stratificare i suoni senza che le cose vadano a rotoli.

Lo spettro delle frequenze deve essere la mappa per individuare la posizione di ogni suono nel mix. Se si sovraccarica un'area, il suono diventerà rapidamente fangoso o aspro.

Ad esempio, la grancassa dovrebbe trovarsi principalmente nella fascia bassa, tra i 50 e i 100 Hz, mentre il rullante e le voci si trovano principalmente nella fascia media. Nel frattempo, gli hi-hat o alcuni synth ad alta frequenza si troveranno sulle frequenze più alte, intorno agli 8-12 kHz.

Se si cerca di stratificare due suoni che dominano la stessa gamma di frequenze senza fare spazio l'uno all'altro, essi lotteranno per lo spazio e finiranno per suonare disordinati. Quando invece si stratificano suoni che si completano a vicenda in diverse parti dello spettro, possono stare insieme senza pestarsi i piedi.

Più si migliora in questo senso, meno equalizzazione ed elaborazione si dovranno fare in seguito per sistemare le cose.

Oltre al contenuto in frequenza, bisogna pensare anche alle caratteristiche del suono, come il timbro e l'inviluppo.

Il timbro è il tono o la struttura di un suono.

È ciò che fa sì che una tromba suoni come una tromba e non come un violino, ad esempio. Se state stratificando un sintetizzatore con una chitarra, i loro timbri aggiungeranno texture uniche al vostro brano. Forse il suono del sintetizzatore è brillante e nitido, mentre la chitarra ha un tono più caldo e organico. Insieme, questi suoni funzionano bene per fornire caratteristiche diverse.

L'inviluppo di un suono è il modo in cui si comportano l'attacco, il decadimento, il sustain e il rilascio.

Supponiamo di dover sovrapporre due suoni di basso. Potreste sceglierne uno con un attacco veloce per dare al suono un tocco percussivo e incisivo, e un altro con un attacco più lento e un rilascio lungo per aggiungere sustain.

Cancellazione di fase durante la stratificazione

La cancellazione di fase è uno di quei problemi che mi è costato un po' di tempo per capire.

Tuttavia, mi sono presto resa conto che era la cosa che rovinava subdolamente alcuni di quelli che pensavo fossero strati intelligenti senza nemmeno rendermene conto.

Quando due suoni sono fuori fase, le loro forme d'onda possono scontrarsi e annullarsi a vicenda, soprattutto sulle basse frequenze. Se notate che il vostro basso o il vostro kick perdono improvvisamente di incisività o profondità quando sovrapponete i suoni, il colpevole è probabilmente la cancellazione di fase.

Una delle soluzioni più semplici è provare a invertire la fase di uno dei livelli.

Molte DAW o plugin dispongono di un pulsante per l'inversione di fase. A volte, basta invertire la fase per far tornare le basse frequenze che sono misteriosamente scomparse.

Anche i plugin per l'allineamento di fase possono essere utili.

Questi sono progettati per aiutarvi ad allineare le forme d'onda dei vostri layer, in modo che lavorino insieme piuttosto che l'uno contro l'altro.

Strategie di stratificazione uniche

Aggiungere un livello detuned

Un trucco di stratificazione nella sintesi è l'aggiunta di uno strato detuned. Molti dei grandi e lussureggianti sintetizzatori che si ascoltano nella musica elettronica hanno spesso uno strato di detuning per il loro suono ampio e corale. È molto comune.

Prendete il suono che avete già e duplicatelo. Quindi, si detona leggermente la copia di qualche centesimo (di solito tra 5 e 20). In questo modo si crea una sottile (o meno sottile) differenza di intonazione tra i due livelli.

Aggiungere livelli di ottava superiori o inferiori

Un'altra divertente strategia di stratificazione consiste nel prendere una singola nota da un accordo e stratificarla un'ottava più in alto. È particolarmente utile quando si vuole attirare l'attenzione su una certa parte dell'arrangiamento senza aggiungere un elemento completamente nuovo.

Il trucco consiste nello scegliere una nota importante dell'accordo, come la radice o la quinta, che sia naturalmente complementare a ciò che sta già accadendo e cercare di far coincidere le impostazioni dell'inviluppo.

Si può anche fare la stessa cosa con un patch di basso e abbassarlo di 1-3 ottave per dare più corpo o aggiungere più strati di ottave per ottenere un muro di suono più profondo.

Strato per scopi temporali

Vi è mai capitato di avere un suono che vi piace molto, ma che non colpisce abbastanza?

Forse avete una linea di synthbass che ha un ottimo tono ma manca di un attacco incisivo. Potete sempre stratificare qualcosa di più incisivo per dargli quel tocco in più. Ad esempio, se il basso sembra troppo morbido, provate a stratificarlo con un breve click percussivo o addirittura con un campione di rullante che colpisca proprio all'inizio. In questo modo si può dare un'immediata incisività, aiutandolo a tagliare il mix senza sacrificare l'atmosfera del suono originale.

Lo stesso concetto funziona con il sustain o il release.

Supponiamo di avere un pad che suona bene, ma che si spegne troppo rapidamente e lascia la traccia vuota. Si può stratificare con qualcosa che ha un rilascio più lungo, come un altro sintetizzatore o una coda di riverbero, per estendere la sua presenza nel mix.

Esistono plugin che possono facilitare questo processo. Se si vuole modellare l'attacco o il sustain, si possono usare plugin per la modellazione dei transienti come SPL Transient Designer o Drum Buss di Ableton.

Tuttavia, se vi sentite creativi, potete anche manipolare direttamente le forme d'onda. Accorciate l'attacco di un campione per creare un clic percussivo, o estendete il rilascio per prolungare la durata di un suono.

Aggiungere rumore bianco

Il rumore bianco è una di quelle armi segrete del layering che può davvero aiutare a riempire un brano, soprattutto quando si ha la sensazione che manchi qualcosa nella gamma alta. È ottimo per aggiungere quel pizzico di "aria" o di brillantezza in più a suoni che altrimenti potrebbero sembrare un po' troppo piatti. Indipendentemente dallo strumento con cui si lavora, un sottile strato di rumore bianco può fare miracoli.

Inoltre, il bello del rumore bianco è che non ci si deve preoccupare di accordarlo, poiché non è un elemento tonale.

Aggiungere una registrazione organica

Uno dei modi più interessanti per dare un sapore unico al vostro brano è registrare i vostri suoni organici e inserirli nel mix.

Per esempio, potete registrare il suono del vostro battere su una scrivania o dello schioccare delle dita e sovrapporlo alla batteria per ottenere un sottile elemento percussivo. Oppure prendete il vostro telefono e registrate il suono del vento, dei passi o di una porta che scricchiola.

Forse non siete dei grandi chitarristi, ma avete una chitarra in giro ma non la usate nel brano? Strimpellate alcuni accordi in sordina o strofinate le corde per creare una texture ritmica interessante.

Il bello delle registrazioni organiche è che aggiungono un'imprevedibilità che i sintetizzatori o i campioni da soli non sempre riescono a catturare.

Duplicare e modulare

La duplicazione e la modulazione sono uno dei modi più semplici per stratificare e aggiungere profondità. È sufficiente copiare un suono già esistente e apportare piccole modifiche alla copia per creare qualcosa di nuovo senza dover partire da zero.

Si inizia semplicemente duplicando la traccia o il suono che si desidera stratificare. Ora che avete il vostro duplicato, potete fare cose come aggiustare l'intonazione, stonare leggermente o cambiare il tempo con un ritardo. A questo punto, si può fondere il tutto nel mix.

È probabile che si voglia regolare il volume, fare un pan in un punto diverso del campo stereo o anche equalizzare il suono in modo che non entri in conflitto con quello originale.

Processo in gruppo

Uno dei modi migliori per far sì che i layer suonino come se appartenessero l'uno all'altro è elaborarli come un gruppo. Quando avete impilato un gruppo di suoni, singolarmente possono essere ottimi, ma a volte possono sembrare un po' scollegati. Inviarli a un gruppo o a un bus e applicare un'elaborazione di gruppo può aiutare a "incollare" tutto insieme, rendendo il suono più coeso.

Iniziate inviando i suoni stratificati a un bus e applicando una leggera compressione (pensate a 1-3 dB di riduzione del guadagno). Potete anche aggiungere un po' di saturazione per dare a tutto un po' di calore e carattere. Un po' di distorsione armonica può aiutare gli strati a fondersi in modo più naturale, aggiungendo quel collante in più. Alcuni ottimi plugin per questo scopo sono Soundtoys Decapitator e FabFilter Saturn 2.

A volte, inoltre, inserisco tutti i suoni stratificati in un riverbero simile a quello della stanza, per dare loro lo stesso senso di spazio e farli sentire come se tutti i livelli vivessero nello stesso ambiente.

Considerazioni finali sulla stratificazione

Quando si stratificano i suoni, l'obiettivo principale è di solito quello di aggiungere profondità, creare texture più interessanti o dare al brano un po' di grinta in più. Ci sono molti modi per stratificare i suoni nella vostra produzione musicale e sta a voi decidere come affrontarli. Non lasciate che un tizio su Reddit vi dica cosa è giusto o sbagliato con le sue idee personali sulla stratificazione dei suoni.

Divertitevi e scoprite come l'uso di più layer nella vostra produzione musicale possa darvi il suono ricco che cercate!