Podobnie jak Nickelback, muzyka minimal czasami jest źle postrzegana. Jest łatwa do stworzenia. Jest tania. Nigdzie nie prowadzi. Minimalistyczni kompozytorzy są leniwi.

Rozumiesz, o co mi chodzi.

Podczas gdy muzyka minimalistyczna (jak każda inna forma muzyki) może być mniej niż gwiazdorska, w rzeczywistości może być całkiem fajna, niezależnie od tego, czy ją tworzysz, czy jej słuchasz.

Zaczęło się, jak wszystkie fajne rzeczy, jako reakcja na konwencje głównego nurtu w muzyce zachodniej. Od swoich początków w Nowym Jorku, gatunek ten wpłynął na wiele gatunków i zainspirował kompozytorów na całym świecie.

Jeśli dopiero zaczynasz swoją przygodę z tym stylem muzycznym, to dobrze trafiłeś. W tym artykule przyjrzymy się krótkiej historii i rozwojowi muzyki minimalistycznej, kim są wybitni kompozytorzy minimalistyczni, kluczowym cechom tego stylu i jak zacząć tworzyć własną muzykę minimalistyczną.

Wygodne siedzenie? Zacznijmy....

Kontekst historyczny: Narodziny muzyki minimalistycznej

Wczesne wpływy

Muzyka minimalna wyłoniła się z gorącego tygla lat sześćdziesiątych w Nowym Jorku, ale sięgnij nieco dalej w historię muzyki klasycznej, a znajdziesz eksperymentalnych kompozytorów torujących drogę do ewolucji tego stylu.

Między końcem XIX wieku a początkiem XX wieku Erik Satie przełamał schematy klasycznego świata swoim podejściem do komponowania. Jego wczesne utwory na fortepian solo charakteryzowały się piękną prostotą, podczas gdy inni kompozytorzy pracowali na pełnych obrotach.

Na przykład pierwsze trzy utwory w Gnossiennes Satie na fortepian solo są w wolnym czasie; nie mają linii taktowych ani sygnatur czasowych. Może to nie wydawać się niczym wielkim, jeśli jesteś fanem Briana Eno, ale w tamtym czasie było to dość radykalne podejście do kompozycji.

Przeskakując w czasie, twórczość Johna Cage'a sprawiła, że ludzie dwa razy zastanowili się nad tym, co stanowi muzykę. Jego słynne 4'33'' zostało po raz pierwszy wykonane w 1952 roku i szybko wywołało kontrowersje ze względu na fakt, że żaden z wykonawców nie zagrał ani jednej nuty. Chodziło o "brak zamierzonych dźwięków".

Wpływy z niezachodnich tradycji muzycznych również poprzedzają narodziny minimal music. Afrykańskie rytmy, hinduska muzyka klasyczna i "etniczne" instrumenty, takie jak gamelan, istniały na długo przed pojawieniem się amerykańskiego minimal music.

Powstanie muzyki minimalistycznej

Nie jest jasne, skąd pochodzi termin minimal music, ale styl muzyczny, który rozumiemy dzisiaj, po raz pierwszy zaczął pojawiać się jako część awangardowej sceny muzycznej na Zachodnim Wybrzeżu pod koniec lat pięćdziesiątych. Później rozszerzył się na Nowy Jork, gdzie znalazł pokrewnego ducha w New York Hypnotic School - ówczesnej formie muzyki eksperymentalnej.

Nie tylko muzyka była inspirowana koncepcją minimalizmu. Niemal każda forma sztuki odpowiadała na ideę mniej znaczy więcej, z niekończącą się podziemną działalnością w literaturze, malarstwie, rzeźbie i filmie, mającą na celu stworzenie sztuki minimalnej. W rzeczywistości wiele wczesnych występów muzyki minimalnej odbywało się w galeriach sztuki i loftach, a nie w tradycyjnych miejscach koncertowych.

Pionierzy: Wcześni kompozytorzy minimalistyczni

Ruch muzyki minimalistycznej początkowo obejmował dziesiątki nienazwanych kompozytorów. Z tego melée wyłoniły się cztery kluczowe osoby jako najwybitniejsi kompozytorzy minimalistyczni tamtych czasów. Wszyscy czterej amerykańscy kompozytorzy urodzili się w ciągu kilku lat od siebie i wszyscy studiowali tradycyjną zachodnią muzykę klasyczną.

I jak to zwykle bywa w historii muzyki, wszyscy ci kompozytorzy są biali i płci męskiej. Westchnienie.

La Monte Young

La Monte Young jest prawdopodobnie najmniej znanym z tej grupy. Nazywany "ojcem nas wszystkich" przez Briana Eno, jest najbardziej znany z używania długich, utrzymanych tonów w swojej twórczości.

W rzeczywistości, gdy studiował w Berkeley jako absolwent, jego wykładowca kompozycji odmówił oceny jego kompozycji Trio for Strings, ponieważ składała się ona tylko z trzech, bardzo długich nut. Nie wiedzieli, że to zamiłowanie do dronów stanie się później pionierskim dziełem.

Muzyka marzeń La Monte Younga, jak ją pierwotnie nazywano, stanowiła trzon kolektywu muzycznego Theatre of Eternal Music i została doceniona w notatkach do albumu Metal Machine Music Lou Reeda z 1975 roku.

Można śmiało powiedzieć, że chociaż La Monte Young nie wydał zbyt wielu nagrań za życia, jego wpływ był odczuwalny na całym świecie.

Terry Riley

Terry Riley jest zarówno przyjacielem, jak i współpracownikiem Younga, ale eksploruje minimalizm poprzez powtarzanie, szczególnie poprzez użycie pętli taśmowych i opóźnień.

Wykorzystanie repetycji przez Rileya nie było ograniczone do sfery elektronicznej; jeden z jego najbardziej znanych utworów, In C, wykorzystuje podobny proces dla żywych instrumentów. Jeden wykonawca zapewnia rytmiczną podstawę (oczywiście na C), podczas gdy pozostali wykonawcy (których może być dowolna liczba, na dowolnym instrumencie) wykonują swoją drogę przez 53 komórki melodyczne, mając tylko kilka podstawowych sugestii, które ich prowadzą. Rezultat jest fascynujący i hipnotyzujący.

Skupiając się na kompozycji modularnej, można powiedzieć, że Terry Riley jest pierwowzorem Abletona. To, czy krytyk muzyczny się z tym zgodzi, to inna sprawa, ale tak czy inaczej Riley wywarł ogromny wpływ nie tylko na muzykę eksperymentalną, ale także na rock i współczesną muzykę elektroniczną.

(Uwaga dodatkowa: sprawdź jego Mescalin Mix, aby dowiedzieć się, jak brzmiała wczesna muzyka Rileya).

Steve Reich

Takie modułowe podejście do tworzenia muzyki było również ulubionym podejściem Steve'a Reicha. W przypadku Reicha bada on technikę zwaną przesunięciem fazowym, w której wykonywany jest ten sam materiał, ale każda część zaczyna się w nieco innym czasie i może grać w subtelnie innym tempie.

Steve Reich rozpoczął swoje eksperymenty z minimalną muzyką przy użyciu taśmy; wczesne kompozycje obejmują It's Gonna Rain (1965) i Come Out (1966). Oba utwory są klasycznymi przykładami przesunięcia fazowego w akcji, oferując wczesne spojrzenie na techniki samplingu, które później zdefiniują muzykę elektroniczną.

Podobnie jak Riley, Steve Reich zastosował swoją metodologię minimal music do instrumentów akustycznych. Piano Phase (1967) odtwarza efekt pętli taśmowej przy użyciu dwóch fortepianów. Każdy fortepian gra tę samą linię melodyczną unisono, ale jeden z nich stopniowo przyspiesza. Ponieważ wszystko odbywa się na żywo, żadne dwa wykonania nie są takie same (choć oczywiście można posłuchać nagrania).

W późniejszym okresie swojej kariery Reich stał się bardziej zainteresowany wykorzystaniem instrumentów perkusyjnych w zazębiających się wzorach rytmicznych, podobnych do polirytmów występujących w afrykańskich bębnach.

Philip Glass

Być może jednym z najbardziej znanych amerykańskich kompozytorów muzyki współczesnej jest Philip Glass.

Podobnie jak Young, Reich i Riley, Philip Glass studiował w Juilliard w Nowym Jorku, gdy kształtowała się wczesna muzyka minimalna. Dopiero w 1967 roku, po powrocie z pobytów we Francji i Indiach, Glass zaczął zwracać uwagę na twórczość Steve'a Reicha i pozostawał pod jej wpływem.

Podobnie jak Reich, Glass był wcześnie sponsorowany przez galerie sztuki, a jego muzyka była prezentowana z minimalistami sztuki wizualnej w niekonwencjonalnych miejscach.

Jego zespoły składają się z organów, fortepianów i instrumentów dętych, zwłaszcza saksofonów, a także bardziej idiosynkratycznych instrumentów, takich jak wzmocniony blat. Muzyka Glassa jest łatwo rozpoznawalna, łącząc muzykę indyjską, minimalizm i jego własny styl, zrodzony z długich godzin słuchania z ojcem płyt z rodzinnego sklepu muzycznego.

Oprócz bycia kojarzonym z wczesnym minimalizmem, muzyka Glassa była słyszana w filmach, operach i na Broadwayu. Jest to dodatek do licznych utworów solowych i kameralnych, a także utworów na kwartet smyczkowy i małe zespoły instrumentalne.

Całkiem płodny facet, jak na minimalistę.

Cechy muzyki minimalistycznej

Wiemy więc, jak powstała muzyka minimalistyczna i kto stał na czele tej sceny. Przyjrzyjmy się cechom minimalizmu w muzyce.

Ograniczone lub minimalne materiały

Z samej definicji muzyka minimalna może obejmować wszystko, co zostało stworzone na bardzo ograniczone instrumenty. Może to być jedno podstawowe elektroniczne dudnienie pod zapętlonym dźwiękiem saksofonu lub grupa eklektycznych instrumentów "znalezionych dźwięków", takich jak rondel i pas bezpieczeństwa.

Utwory, które używają tylko kilku słów tekstu (takie jak wspomniany wcześniej It's Gonna Rain Steve'a Reicha ) są również minimalistyczne, podobnie jak utwory, które używają tylko kilku nut w całym utworze (nie ty Nickelback).

Powtarzanie i cykle

Muzyka, która zawiera krótkie wzory muzyczne lub komórki powtarzane przez dłuższy czas, może być uważana za minimalistyczną. Terry Riley i Steve Reich przyjęli ideę powtarzalności w swojej pracy, a Philip Glass jest dobrze znany z używania powtarzalnych struktur, gdy jego muzyka porusza się w niekończących się kręgach.

Stopniowa ewolucja

Zwykłe powtarzanie frazy w kółko szybko się zestarzeje, więc pomysł wprowadzania subtelnych wariacji lub dodatków w czasie jest jedną z głównych cech minimalizmu. Steve Reich był w tym mistrzem dzięki swojej technice przesunięcia fazowego.

Rytmy sterowane impulsami

Proste, pulsacyjne rytmy, które nadają hipnotycznej jakości, są również charakterystyczne dla muzyki minimal. Philip Glass jest dobrze znany z rytmicznych cech swojej muzyki, która wpłynęła na współczesne style muzyczne, takie jak rock i EDM.

Percepcja odbiorców

Próba określenia konkretnego stylu lub gatunku muzycznego jest zawsze trudna. Nic nigdy nie będzie pasować do dziury w kształcie "minimalizmu" lub "muzyki pop". Podobnie, nie wszystkie z powyższych cech muszą być obecne, aby muzyka była minimalna, ani też posiadanie tych cech w większym lub mniejszym stopniu nie czyni utworu minimalistycznym.

Być może najważniejszym aspektem muzyki minimalnej jest to, że pozwala ona słuchaczom (lub zmusza ich, w zależności od tego, jak na to spojrzeć) skupić się na tym, co dzieje się w muzyce.

W przeciwieństwie do muzycznej rozrywki przedstawionej jako opowieść lub podróż, doświadczenie słuchania muzyki minimalnej wymaga zwrócenia uwagi na to, co dzieje się w samej muzyce.

Utwór muzyczny, który składa się tylko z dwóch lub trzech nut granych przez, powiedzmy, piętnaście minut, zmusza słuchacza do prawdziwej koncentracji na wykonaniu i sprawia, że słuchanie odgrywa aktywną rolę w muzyce.

To właśnie czyni muzykę minimalistyczną.

Jak tworzyć minimalistyczną muzykę

Jeśli chcesz zostać kolejnym Philipem Glassem lub Johnem Adamsem, musisz zacząć pisać muzykę minimalną! Oto kilka pomysłów na początek.

Wybierz swój cel

Wybierz podstawowy element swojego utworu. Może to być:

• rytm
• harmonia, taka jak kwinta otwarta lub tercja wielka
• melodia
• fragment wypowiedzi (upewnij się, że masz do tego prawa, jeśli planujesz wydać swoją pracę!)

Minimalistyczni kompozytorzy często budują całe swoje kompozycje z jednego pomysłu, więc wybierz jeden podstawowy element jako kamień węgielny dla swojego utworu.

Cokolwiek wybierzesz, upewnij się, że jest krótkie. Jeśli wybierasz drogę La Monte Younga z długimi nutami, to w porządku - początkowy pomysł nadal będzie krótki!

Utwórz powtarzający się wzór

Po wybraniu podkładu, użyj go do stworzenia powtarzającego się wzoru.

Jeśli używasz rytmu, zaprogramuj go lub nagraj przy użyciu niestrojonych instrumentów perkusyjnych - zawsze możesz później dodać więcej strojonych instrumentów.

Jeśli jest to melodia, nagraj ją i zapętl.

Jeśli jest to harmonia, użyj podtrzymywanego dźwięku, takiego jak pad syntezatora, aby zaprogramować harmonię, podtrzymując ją przez pewien czas. (Pro tip: Odbij to jako dźwięk, a nie używaj MIDI, dzięki czemu usłyszysz dźwięk niezależnie od tego, z którego miejsca rozpoczniesz odtwarzanie).

Hipnotyczny efekt minimalizmu wynika z ciągłego powtarzania, tworząc medytacyjny nastrój.

Ogranicz swoją paletę

Teraz, gdy masz już opracowane podstawy, nadszedł czas, aby zacząć myśleć o tym, jak wszystko będzie ewoluować w czasie. Na początek musisz zbudować swoją paletę dźwięków.

Niezależnie od tego, czy używasz instrumentów elektronicznych, czy nagrywasz akustycznie, ogranicz liczbę instrumentów używanych w utworze do zaledwie kilku. Pomoże ci to wejść w minimalistyczny sposób myślenia i zapobiegnie nadmiernemu zagraceniu. Zmusi cię to do głębszego zastanowienia się nad tym, jak rzeczy mogą się zmieniać w czasie.

Nawet jeśli planujesz zbudować rosnącą ścianę dźwięku wokół jednej harmonii, dobrym pomysłem jest użycie wielu wersji tylko kilku różnych instrumentów.

Wprowadzanie niewielkich zmian

Wybierz jeden element i stopniowo go zmieniaj.

Jeśli zacząłeś od jednego instrumentu grającego prostą melodię ostinato, spróbuj stopniowo wprowadzać drugi instrument, a następnie trzeci.

Możesz też poeksperymentować z dodawaniem lub usuwaniem nut z wzorca, a jeśli masz dwa instrumenty grające ten sam motyw, dostosuj taktowanie jednego z nich, aby przesunął się poza fazę.

Dynamika to kolejny dobry sposób na wprowadzenie subtelnych wariacji do powtarzalnego pomysłu przy jednoczesnym zachowaniu głównej tożsamości muzyki.

Eksperymentuj z warstwami

Jeśli zacząłeś od jednego instrumentu grającego prostą melodię ostinato, stopniowo wprowadzaj drugi instrument, a następnie trzeci.

Połącz ten krok z poprzednim, wprowadzając wariacje do nowych warstw.

Wykorzystaj technologię

Narzędzia elektroniczne, takie jak DAW, sekwencery sprzętowe i pedały loopera sprawiają, że tworzenie muzyki minimalistycznej jest dostępne dla wszystkich, więc warto z nich korzystać. Istnieje wiele darmowych narzędzi, które mogą ci w tym pomóc!

Oprócz możliwości samplowania i zapętlania oferowanych przez praktycznie każdy DAW, efekty cyfrowe mogą być wykorzystywane do tworzenia poczucia przestrzeni. Dowiedz się, jak zmiana parametrów wtyczki delay lub reverb za pomocą automatyzacji może wygenerować dziką i wspaniałą minimalistyczną muzykę z zaledwie jednego pomysłu.

Rzuć sobie wyzwanie

Wyznacz sobie na przykład ograniczenia dla każdego projektu, nad którym pracujesz:

• nagrywanie wyłącznie przy użyciu głosu
• nagrywanie 30 minut muzyki bez edycji
• używać tylko jednego dźwięku i wielu efektów
• używać wielu dźwięków i tylko jednego efektu
• zmiana sygnatury czasowej w każdym takcie

Jeśli nigdy wcześniej nie próbowałeś pisać w stylu minimalistycznym, możesz być zaskoczony, jak trudne może być ograniczanie rzeczy. Kluczem do minimalizmu jest prostota i ograniczona liczba zaangażowanych instrumentów. Aby tworzyć muzykę eksperymentalną, trzeba ciągle eksperymentować!

Dziedzictwo muzyki minimalistycznej

Muzyka minimalistyczna przeszła długą drogę od różnych nienazwanych kompozytorów i niezidentyfikowanych dzieł sztuki performance w Nowym Jorku w latach 60-tych. Minimalizm wywarł trwałe wrażenie na muzyce klasycznej, EDM, rocku, a nawet muzyce filmowej.

Kompozytorzy tacy jak Max Richter i Jóhann Jóhannsson łączą minimalistyczne powtórzenia z bujną orkiestracją, tworząc emocjonalnie rezonujące dzieła, które dotarły do szerokiego grona odbiorców. Sleep Richtera jest wizytówką ekspresyjnej płynności i medytacyjnych cech minimalizmu.

Minimalizm wywarł również ogromny wpływ na muzyków elektronicznych. Jon Hopkins, Nihls Frahm i oczywiście Brian Eno zaadoptowali minimalistyczne techniki procesowe, takie jak powtarzanie, zapętlanie wzorów i stopniowe zmiany tekstur w celu budowania wciągających pejzaży dźwiękowych.

Nawet obecny król muzyki filmowej, Hans Zimmer, stosuje minimalistyczne techniki. Sprawdź jego partyturę do Interstellar, aby usłyszeć powolne zmiany harmoniczne przypominające eksperymenty fazowe Steve'a Reicha.

Nacisk minimalizmu na powtarzalność, prostotę i stopniową transformację wciąż inspiruje więcej niż kilku kompozytorów z różnych gatunków, udowadniając, że jego wpływ jest równie trwały, co ekspansywny.

Jeśli szukasz inspiracji do napisania nowej muzyki w stylu minimal lub po prostu chcesz zanurzyć się w tym gatunku, gorąco polecam posłuchać tej doskonałej playlisty wprowadzającej.

A teraz idź i zminimalizuj muzykę!